오늘은 저명한 사진작가들이 찍은 사진들을 분석해 보겠습니다. 10명의 위대한 사진가. 10 유명한 사진.

필립 할스만과 그의 달리 아토미쿠스, 1948

뛰어난 예술가는 뛰어난 초상화를 가지고 있어야 합니다. 아마도 Halsman은 이것에 의해 인도되었을 것입니다. 아마도 그는 사진에서 볼 수 있는 당시 달리의 미완성 작품 Leda Atomica에서 영감을 받았을 것입니다. 아마도 그는 초현실주의를 사진으로 옮기고 싶었을 것입니다 ... 어쨌든 그는 스튜디오, 인공 조명의 추가 소스, 여러 조수가 필요했습니다. 양동이에서 물을 튀긴 사람, 테이크 사이에 고양이를 진정시키고 의자를 공중에 두는 사람, 6시간의 작업, 28개의 테이크, 그리고 물론 살바도르 달리 자신.

"달리 아토미쿠스", 필립 할스만, 1948

조언:많은 수의 테이크를 두려워하지 마십시오. 그 중 하나는 확실히 성공할 것입니다.

어빙 펜과 침대에 있는 그의 소녀, 1949

이 그림은 언뜻 보기에는 단순해 보이지만 매혹적입니다. 안 그래? 예, 아마도 이 뛰어난 사진작가의 모든 작업은 자신의 말로 설명할 수 있습니다. 이것은 사진가의 저주다." 그리고 그는 그 누구와도 비교할 수 없는 주제에 대한 이러한 매력을 전달할 수 있었습니다. 창문의 자연광, 모델, 작가의 사색적인 위치 - 이 경우 걸작이 준비되었습니다.

침대에 있는 소녀, 어빙 펜, 1949

조언:: 사람이나 사물의 아름다운 사진을 찍으려면 피사체와 사랑에 빠져야 합니다.

Richard Avedon과 그의 Judy, 1948

Richard Avedon의 거의 모든 사진은 밝지만 일반적으로 그다지 주의를 기울이지 않는 덧없는 순간을 보여줍니다. 그러나 때때로 이러한 순간이 사람의 영혼을 여는 것입니다.

주디, 리처드 아베돈, 1963

조언:되고 싶다면 좋은 사진작가, 다양한 장르에서 자신을 시험해보십시오. 이것은 사진의 틈새 시장을 찾는 데 도움이 될 것입니다.

Ansel Adams와 그의 Tetons와 뱀 강, 1942

위대한 사진가들과 그들의 작업에 대해 이야기하면서, 우리는 영역 노출 시스템의 창시자이자 사진에 관한 책의 유명한 저자인 Ansel Adams를 무시할 수 없습니다. 그의 작품 중 하나인 Tetons and Serpent River를 살펴보겠습니다.

흥미로운 구도 외에도 Adams가 이상적인 노출을 선택하기 위해 자신의 시스템을 얼마나 능숙하게 사용했는지 알 수 있습니다. 자세히 보면 절대 검은색부터 흰색까지 10개 영역 각각을 볼 수 있습니다.

테톤 족과 뱀의 강, 안셀 이스턴 아담스, 1942

조언:디지털 카메라로 작업하는 경우에도 기존 권장 사항을 무시하지 마십시오. 자동 노출에 항상 의존할 수는 없습니다.

앙리 까르띠에 브레송

당연히 이 포스트는 Henry Cartier-Bresson 없이는 완성될 수 없습니다. 매그넘 포토 에이전시를 만든 전설적인 포토 리포터는 “나는 이벤트를 조직하고 관리하는 것을 좋아하지 않는다. 이것은 끔찍합니다. 우리는 실생활을 모방할 수 없습니다. 나는 진실을 숭배하고 진실만을 촬영한다.” 우리는 Bresson의 사진에 대해 끝없이 생각할 수 있지만 그의 책 The Decisive Moment and Imaginary Reality를 영문판으로 읽는 것이 훨씬 더 유용합니다.

조언:좋은 순간을 기다리고 있으니 놓치지 마세요!

Alfred Eisenstadt와 그의 타임즈 스퀘어 승리의 날

Alfred Eisenstadt는 선원이 여자 친구와 키스하는 사진 덕분에 유명해졌습니다. 전환점에서 찍은 사진 한 장이 그를 진짜 별. 그리고 사진이 흐릿해도 상관없습니다. 사진가는 분위기를 잘 포착했습니다.

"타임 스퀘어의 V-J 데이", 알프레드 아이젠슈타트, 1945년

조언:항상 카메라를 휴대하십시오.

에른스트 하스

Ernst Haas는 디지털 사진의 선구자입니다. 그의 유명한 인용문:

• 사진은 당신의 생각과 감정을 표현하는 것입니다. 높은 것이 당신의 영혼에 자리가 없다면, 당신은 외부 세계에서 결코 그것을 알아차리지 못할 것입니다.
• 아름다움은 그 자체로 말합니다. 과정이 절정에 이르면 사진을 찍습니다.
• 나는 새롭고 흥미로운 물건의 사진을 찍지 않습니다. 나는 익숙한 것에서 새로운 것을 찾으려고 노력한다.
• 사진이 등장하면서 새로운 언어가 탄생했습니다. 이제 우리는 현실의 언어로 현실에 대해 이야기할 수 있습니다.
• 카메라 유형은 아무 의미가 없습니다. 어떤 카메라라도 당신이 보는 것을 포착할 수 있습니다. 하지만 당신은해야합니다 보다.
• 당신과 당신의 카메라만 있습니다. 모든 규칙과 제한은 머리에 있습니다.
• 당신이 무엇을 보는지 말해 주시면 당신이 누구인지 말하겠습니다.

에른스트 하스. 1981년 일본 규슈 섬

조언:아름다움은 어디에나 있습니다. 찾아서 느껴보세요.

유수프 카쉬와 윈스턴 처칠의 초상화

Yusuf Karsh는 저명한 정치인의 초상화로 유명한 캐나다의 유명한 사진 작가입니다. 이 사진의 역사는 이례적입니다. 하원에서 연설을 마친 영국 총리는 회의실에 들어가 사진기를 보았다. 그는 나에게 사진 한 장만 찍고 시가에 불을 붙이도록 허락했다. 사진가가 처칠에게 접근하여 입에서 시가를 제거한 이유는 정확히 알려져 있지 않지만 카쉬가 한 일입니다. 그는 카메라로 돌아와 사진을 찍었다.

사진은 Yusuf Karsh의 모든 기술을 보여줍니다. 그는 빛, 완벽한 포즈 및 제스처의 도움으로 깊이와 공간의 인상을 만들었습니다. 그 결과 영국 총리의 내면의 힘을 생생하게 보여주는 극적이고 매혹적인 초상화가 탄생했습니다.

윈스턴 처칠의 초상, 유수프 카쉬, 1941

조언:모델을 자극하여 자신을 드러내는 것을 두려워하지 마십시오. 모든 사람에게 숨겨져 있는 것을 볼 수 있습니다.

가이온 마일리

Guyon은 그의 사진에서 "대수와 조화"의 독특한 혼합과 순간의 효과로 인해 인기있는 사진 작가가되었습니다. 아마도 가벼운 그림은 Mili 덕분에 인기를 얻었을 것입니다. 에서 연습하는 Guyon 다른 지역끊임없이 실험합니다. 그러나 한 가지는 변하지 않았다. 현 순간의 우아함과 드라마를 포착하는 그의 능력.

파블로 피카소는 라이트 페인팅을 마스터합니다. 1949년 가욘 밀리

조언:사진은 매력적인 그림일 뿐이라는 것을 잊지 마십시오. 초점, 노출 및 셔터 속도를 실험합니다.

윌리엄 스미스

기사 말미에 이 언론 사진가를 언급한 데는 이유가 있습니다. 그의 말은 좋은 사진가가 되고자 하는 모든 이들의 슬로건이 되어야 합니다. “사진에는 끝이 없습니다. 가장 높은 숙달 지점에 도달하자마자 저 멀리 더 높은 봉우리가 보입니다. 그리고 나는 다시 길을 가고 있다."

William Smith, 부상당한 아이를 안고 있는 Dr. Tseriani, 1948

조언:목표 달성을 결코 멈추지 마십시오. 카메라가 아니라 영혼으로 촬영하십시오.

항상 세계 유명 사진작가의 작업을 가능한 한 자세히 분석합니다. 그들의 경험을 흡수하고 그들이 사용하는 표현을 주목하십시오. 언젠가는 이 지식이 어떻게 자신의 사진에 흡수되고 작업의 품질이 되는지 알게 될 것입니다.

오랜만에 테이프에 과거 가장 유명한 사진작가들의 삶과 성공담을 올리려 했습니다. 사실 이 주제를 가지고 내 주제를 유지 관리하기 시작하고 싶었습니다.
최근에는 우리가 하는 모든 일(즉, 전문적인 활동, 그리고 우리의 취미)는 현재와 미래 세대의 삶에서 무언가를 바꿀 것 같지 않은 일종의 zilch입니다. 저것들. 질문은 ~이야, 무엇그래도 자아실현이다(사진 포함?!)

엘리엇 어윗- 세계 사진의 전설, 흑백 사진의 가장 재능있는 작가로 유명해졌습니다. 그의 작품: 활기차고 감성적이며 유머 감각과 깊은 의미로 많은 국가의 대중을 사로 잡았습니다. 사진가의 기술의 독창성은 그를 둘러싼 세계의 아이러니를 볼 수 있는 능력에 있습니다. 그는 연출된 샷을 좋아하지 않았고 리터칭을 사용하지 않았으며 필름 카메라로만 작업했습니다. Ervit이 촬영한 모든 것은 낙관론자의 눈을 통해 본 진정한 현실입니다.

“나는 이미지가 감성적이길 원한다. 사진에 관심이 있는 것 외에 다른 것은 거의 없습니다.”엘리엇 어윗

아놀드 뉴먼 (아놀드 뉴먼) 거의 70년을 사진에 바쳤고 거의 죽을 때까지 일을 멈추지 않았습니다. 나는 새로운 아이디어, 책, 여행을 위해 다시 일하고 있습니다. 결코 끝나지 않고 하나님께 감사드립니다. 이 점에서 그는 2006년 6월 6일 갑작스러운 심장 마비로 사망했습니다. 그는 이번 진단을 예고한 듯 “우리는 카메라로 사진을 찍지 않는다. 우리는 마음으로 그것들을 만듭니다."

« 나는 오늘날의 세대가 한 가지 문제를 가지고 있다고 생각한다. 객관성에 너무 매료되어 사진 자체를 잊어버립니다. 지금까지 살았던 가장 위대한 35mm 사진작가 중 두 명인 Cartier-Bresson이나 Salgado와 같은 이미지를 만드는 것을 잊습니다. 사진을 만들기 위해 테마가 무엇이든 사용할 수 있습니다. 그들은 정말로 당신이 즐거움을 얻는 사진을 만듭니다. 큰 즐거움입니다. 그리고 지금, 매번 똑같은 것입니다. 침대에 두 사람, 손에 바늘을 든 사람, 라이프스타일 또는 나이트클럽. 이것들을 보면 일주일 안에 잊어버리기 시작하고, 2주 안에는 하나도 기억하지 못합니다. 그러나 사진이 우리의 의식 속으로 스며들 때 흥미로운 것으로 간주될 수 있습니다.» 아놀드 뉴먼

알프레드 스티글리츠

백과사전 브리태니커에 따르면, 알프레드 스티글리츠 (알프레드 스티글리츠) "거의 단독으로 그의 나라를 20세기의 예술 세계로 밀어 넣었다." 그의 작품이 박물관 지위를 얻은 최초의 사진 작가가 된 사람은 Stiglitz였습니다. 사진가로서의 경력 초기부터 Stieglitz는 예술계 엘리트들로부터 사진에 대한 경멸에 직면했습니다. 내 사진이 그들의 그림보다 낫다는 것을 알지만 불행히도 사진은 예술이 아닙니다. 어떻게 작품을 감탄하면서도 기적처럼 거부할 수 있는지, 손으로 만든다는 이유만으로 작품을 위에 두는지 이해할 수 없었다”고 스티글리츠는 분개했다. 그는 이 상황을 받아들일 수 없었습니다. "그때 나는 사진을 자기 표현의 새로운 수단으로 인식하여 다른 형태의 예술적 창조물과 권리가 동등하도록 하기 위해 ... 투쟁하기 시작했습니다. ."

« 나는 사진에 대한 가장 대중적인 오해에 주의를 기울이고 싶습니다. "전문가"라는 용어는 성공한 사진에 사용되고 "아마추어"라는 용어는 실패한 사진에 사용됩니다. 그러나 거의 모든 훌륭한 사진은 사랑의 이름으로 사진을 추구한 사람들에 의해 촬영되었으며 항상 그랬습니다. 물론 이윤을 위해서가 아닙니다. '연인'이라는 용어는 사랑이라는 이름으로 일하는 사람을 암시하는 것이므로 일반적으로 인정되는 분류의 오류는 명백합니다.알프레드 스티글리츠

아마도 세계 사진의 역사에서 이보다 더 논쟁적이고 비극적이며 다른 누구와도 다른 인물을 찾기는 어려울 것입니다. 다이앤 아버스. 그녀는 우상화되고 저주를 받고 누군가는 그녀를 모방하고 누군가는 이것을 피하려고합니다. 어떤 사람들은 그녀의 사진을 몇 시간 동안 볼 수 있고 다른 사람들은 앨범을 빨리 닫으려고 합니다. 한 가지 분명한 사실은 Diana Arbus의 작업으로 인해 무관심한 사람이 거의 없다는 것입니다. 그녀의 삶, 그녀의 사진, 그녀의 죽음에는 중요하지 않거나 진부한 것이 없었습니다.

비범한 재능 유수프 카쉬인물 사진 작가가 자신의 일을 하는 것처럼 그는 모든 시대와 민족을 통틀어 가장 유명한 사진 작가 중 한 명이었습니다. 그의 책은 널리 팔리고 그의 사진 전시회는 전 세계적으로 열리고 그의 작품은 주요 박물관의 영구 컬렉션에 포함됩니다. Karsh는 특히 1940~1950년대에 많은 인물 사진가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 일부 비평가는 그가 종종 캐릭터를 이상화하고 모델에 자신의 철학을 부과하며 묘사되는 사람보다 자신에 대해 더 많이 이야기한다고 주장합니다. 그러나 그의 초상화가 남다른 솜씨로 만들어졌다는 사실을 부정하는 사람은 아무도 없고, 모델이나 사진작가의 내면세계가 보는 이들의 시선을 사로잡는다. 그는 많은 상, 상, 명예 칭호를 받았고 2000년에는 기네스북에 등재되었습니다. 유수프 카르샤인물 사진의 가장 저명한 대가.

« 내 초상화를 보고 그림에 묘사된 사람들에 대해 더 중요한 것을 배운다면, 작품이 뇌에 흔적을 남긴 사람에 대한 감정을 정리하는 데 도움이 된다면 - 사진을 보고 다음과 같이 말한다면 바로 그 사람입니다." 동시에 그 사람에 대해 새로운 것을 알게 됩니다. 이것은 이것이 정말 좋은 초상화라는 것을 의미합니다.» 유수프 카쉬

맨 레이사진가로서의 경력을 시작한 이후 그는 끊임없이 새로운 기술을 실험했습니다. 1922년 그는 카메라 없이 사진 이미지를 만드는 방법을 재발견했습니다. 그보다 오래 전에 알려졌지만 실제로 사용되지 않은 사진 작가의 또 다른 발견은 네거티브가 다시 노출될 때 발생하는 흥미로운 효과인 솔라라이제이션(solarization)이었습니다. 그는 태양화를 예술적 기법, 그 결과 평범한 오브제, 얼굴, 신체 일부가 환상적이고 신비로운 이미지로 변형되었습니다.

"공연 기술만 보는 사람들이 항상 있을 것입니다. 그들의 주요 질문은 "어떻게"이고, 다른 사람들은 더 호기심 많은 "왜"에 관심이 있습니다. 개인적으로 영감을 주는 아이디어는 항상 다른 정보보다 더 많은 것을 의미했습니다.”맨 레이

스티브 맥커리

스티브 맥커리 (스티브 맥커리)은 항상(적어도 확률 이론에서 나오는 것보다 훨씬 더 자주) 적시에 적시에 적소에 있을 수 있는 놀라운 능력을 가지고 있습니다. 그는 놀랍게도 운이 좋았습니다. 사진기자의 운은 대개 다른 사람이나 심지어는 국가 전체의 불행이라는 사실을 기억해야 합니다. 권위 있는 교육 이상은 스티브가 포토저널리스트라는 직업을 갖는 데 거의 도움이 되지 않았습니다. 그는 시행착오를 거쳐 최고 수준의 기술을 얻기 위해 노력했으며 가능한 한 선배들로부터 배우려고 노력했습니다.

“가장 중요한 것은 그 사람에게 극도로 세심한주의를 기울이고 진지하고 일관된 의도를 갖는 것입니다. 그러면 그림이 가장 진지할 것입니다. 나는 사람들이 보는 것을 좋아합니다. 사람의 얼굴은 때로 많은 것을 말해주는 것 같아요. 내 사진 하나하나는 삶의 한 에피소드가 아니라 삶의 정수이자 전체 이야기입니다.»스티브 맥커리

"조화와 대수학의 혼합" 지에나 밀리(Gjon Mili)미국에서 가장 유명한 사진 작가 중 한 명. 그는 정지된 움직임이나 일련의 정지된 순간의 모든 아름다움을 한 프레임에 보여주었습니다. 그가 언제 어디서 사진에 관심을 갖게 되었는지는 알려져 있지 않지만 1930년대 후반에 그의 사진이 삽화 잡지인 Life에 실리기 시작했습니다. 사진 외에도 Mili는 영화를 좋아했습니다. 1945년에 1930-1940년대의 유명한 음악가에 대한 그의 영화 "Jammin' Blues"가 오스카상 후보에 올랐습니다.

"시간은 정말 멈출 수 있어"겐밀리

안드레 케르테스사진에서 초현실주의의 창시자로 알려져 있습니다. 당시 그의 틀에 얽매이지 않는 각도와 작업 방식에 대한 입장을 재고하지 않으려는 태도가 경력 초기에 널리 인정받는 데 큰 걸림돌이 되었습니다. 그러나 그는 일생 동안 인정을 받았으며 일반적인 사진은 아니지만 여전히 포토저널리즘의 최전선에서 탁월한 사진가 중 한 명으로 간주됩니다. " 우리 모두는 그에게 많은 빚을 지고 있습니다.» - 까르띠에 브레송~에 대한 안드레 케르테쉬.

« 나는 조정하거나 계산하지 않고, 한 장면을 보고 그것이 완벽하다는 것을 압니다. 비록 내가 올바른 빛을 얻기 위해 뒤로 물러나야 하더라도 말입니다. 순간이 내 작업을 지배합니다. 내 기분대로 촬영한다. 누구나 볼 수 있지만 모든 사람이 볼 수 있는 것은 아닙니다. » 안드레 케르테스

리차드 아베돈

포즈를 취하지 않은 연예인을 찾기가 어렵습니다. 리차드 아베돈에게. 그의 모델 중에는 비틀즈, 마릴린 먼로, 나스타샤 킨스키, 오드리 햅번 및 기타 여러 스타가 있습니다. 매우 자주 Avedon은 그녀를 위해 특이한 형태나 분위기로 유명인을 포착하여 그녀를 다른 측면에서 열어 그녀로 하여금 한 사람의 삶을 다르게 바라보도록 강요합니다. Avedon의 스타일은 흑백 색상, 눈부신 흰색 배경, 큰 인물로 쉽게 알아볼 수 있습니다. 초상화에서 그는 사람들을 "자신의 상징"으로 바꾸었습니다.

피터 린드버그- 가장 존경받고 카피된 사진작가 중 한 명. 당신은 그를 "매력의 시인"이라고 부를 수 있습니다. 1978년 Stern Magazine이 그의 첫 패션 사진을 발표한 이래로 그의 사진 없이는 국제 패션 출판물이 완성되지 않았습니다. 당시 10대 모델의 흑백 포트폴리오인 린드버그의 첫 번째 책 "10명의 여성"은 1996년에 출판되어 10만 부 이상 판매되었으며, 두 번째 책인 "Peter Lindbergh: Images of Women"은 컬렉션입니다. 80년대 중반부터 90년대 중반까지의 사진작가의 작품 중 1997년에 발매되었다.

고대부터 체코 공화국은 신비주의와 마법의 나라, 연금술사, 예술가의 고향이자 마법을 걸고 환상적인 상상의 세계를 창조한 곳이었습니다. 세계적으로 유명한 체코의 사진작가 얀 사우덱예외가 아닙니다. 40년 동안 Saudek은 평행 세계인 Magic Theatre of Dreams를 만들었습니다.

추신. 가장 유명한 사진작가의 대다수가 유대인이라는 사실을 알게 되었습니다. :)

사진가를 유명하게 만드는 것은 무엇입니까? 직업에서 보낸 수십 년, 획득하거나 귀중한 경험? 아니요, 사진가를 유명하게 만드는 유일한 것은 그의 사진입니다. 세계 유명 사진작가들의 명단은 밝은 성격과 디테일에 대한 관심, 최고의 전문성을 갖춘 사람들로 구성되어 있습니다. 결국, 적절한 시간에 적절한 장소에 있는 것만으로는 충분하지 않으며, 무슨 일이 일어나고 있는지 정확하게 표시할 수 있어야 합니다. 좋은 사진가가 되는 것은 말할 것도 없고, 쉬운 일이 아닙니다. 전문가 수준. 사진의 가장 위대한 고전과 그들의 작품을 소개하고자 합니다.

안셀 아담스

"사진가가 볼 수 있는 것과 그가 보는 것, 말하자면 기술 장비의 품질보다 비교할 수 없을 정도로 더 중요합니다 ..."(안셀 아담스)

안셀 아담스 (안셀 이스턴 아담스 1902년 2월 20일 ~ 1984년 4월 22일) 미국 서부의 흑백 사진으로 가장 잘 알려진 미국 사진가입니다. Ansel Adams는 한편으로는 미묘한 예술적 감각을 타고났고 다른 한편으로는 완벽한 사진 기법을 구사했습니다. 그의 사진은 거의 장엄한 힘으로 가득 차 있습니다. 그것들은 상징주의와 마술적 사실주의의 특징을 결합하여 "창조의 첫째 날"의 인상을 불러일으킨다. 그는 일생 동안 40,000점이 넘는 사진을 만들고 전 세계에서 500개 이상의 전시회에 참여했습니다.

유수프 카쉬

"내 초상화를보고 그림에 묘사 된 사람들에 대해 더 중요한 것을 알게되고 작품이 뇌에 흔적을 남긴 사람에 대한 감정을 정리하는 데 도움이된다면 - 사진을보고 다음과 같이 말하면 " 예, 바로 그 사람입니다.” 동시에 사람에 대해 새로운 것을 알게 됩니다. 그러면 이것은 정말 좋은 초상화입니다.”(유수프 카쉬)

유수프 카쉬(Yousuf Karsh, 1908년 12월 23일 - 2002년 7월 13일) - 아르메니아 출신의 캐나다 사진가, 인물 사진의 대가 중 한 명. 일생 동안 그는 12명의 미국 대통령, 4명의 교황, 모든 영국 수상, 소련 지도자인 흐루시초프, 브레즈네프, 고르바초프, 알버트 아인슈타인, 어니스트 헤밍웨이, 파블로 피카소, 버나드 쇼, 엘리너 루즈벨트의 초상화를 그렸습니다.

로버트 카파

"사진은 눈과 마음을 가진 사람이 세상 모든 것이 안전하지 않다는 것을 느끼기 시작하는 문서입니다."(로버트 카파)

Robert Capa(본명 Endre Erno Friedman, 1913년 10월 22일, 부다페스트 - 1954년 5월 25일, Tonkin, Indochina)는 헝가리 태생의 유대인 사진가입니다. Robert Capa는 사진 작가가 될 생각이 전혀 없었고, 삶의 상황이 그를 이렇게 밀어붙였습니다. 그리고 용기, 모험심, 밝은 그림 재능만이 그를 20세기의 가장 유명한 전쟁 기자로 만들었습니다.

앙리 카르티에 브레송

«... 사진은 한 시점에서 무한대를 포착할 수 있습니다.... "(앙리 카르티에 브레송)

앙리 카르티에-브레송(Henri Cartier-Bresson, 1908년 8월 2일 – 2004년 8월 3일)은 20세기의 가장 중요한 사진가 중 한 명입니다. 포토저널리즘의 아버지. 사진 에이전시 매그넘 포토스의 창립자 중 한 명. 프랑스 출생. 그림을 좋아했습니다. 그는 사진에서 시간의 역할과 "결정적 순간"에 많은 관심을 기울였습니다.

도로시아 랭

도로시아 랭(도로시아 마가렛 누츠혼, 1895년 5월 26일 ~ 1965년 10월 11일) - 미국의 사진작가이자 사진기자 / 그녀의 밝고 솔직한 사진, 고통의 적나라함, 절망감으로 가슴을 울리는 그녀의 사진은 수십만 명의 평범한 미국인들이 견뎌야 했던 것을 말없는 증거로, 피난처, 기본적인 생계 수단 및 모든 희망을 박탈당했습니다.

이 사진은 말 그대로 수년간 대공황의 전형이었습니다. Dorothea Lange는 어려운 시기에 자랑스러운 국가의 회복력과 회복력을 세상에 보여주고자 1936년 2월 캘리포니아의 채소 수확기 캠프를 방문하면서 사진을 찍었습니다.

브라사이

“언제나 기회는 있으며 우리 각자는 그것을 희망합니다. 좋은 사진가는 모든 것을 사용하는 반면 나쁜 사진가는 100분의 1의 기회를 가집니다.

"누구나 가지고 있다. 창조적 인 사람두 개의 생년월일이 있다. 두 번째 데이트 - 그가 자신의 진정한 소명을 이해하게 될 - 첫 번째 데이트보다 훨씬 더 중요합니다."

“예술의 목적은 사람들을 다른 방법으로는 도달할 수 없는 수준으로 끌어올리는 것입니다.”

"사진이 많다. 삶의 전체, 그러나 이해할 수 없고 빨리 잊혀진다. 그들은 힘이 부족합니다. 이것이 가장 중요합니다."(브라사이)

브라사이(Brassai, Gyula Halas, 1899년 9월 9일 ~ 1984년 7월 8일)는 헝가리와 프랑스의 사진가, 화가, 조각가입니다. Brassaille의 사진에서 우리는 가로등, 광장 및 집, 안개가 자욱한 제방, 다리 및 거의 멋진 연철 막대에 비추어 신비한 파리를 봅니다. 그가 가장 좋아하는 기술 중 하나는 당시 희귀 자동차의 헤드라이트 아래에서 찍은 일련의 사진에 반영되었습니다.

브라이언 더피

“1972년 이후에 찍은 모든 사진은 전에 본 적이 있습니다. 새로운 것은 없다. 잠시 후 사진이 죽었다는 것을 깨달았습니다 ... " 브라이언 더피

브라이언 더피(Brian Duffy, 1933년 6월 15일 ~ 2010년 5월 31일)는 영국의 사진 작가입니다. John Lennon, Paul McCartney, Sammy Davis Jr., Michael Caine, Sidney Poitier, David Bowie, Joanna Lumley 및 William Burroughs는 모두 그의 카메라 앞에 섰습니다.

제리 웰스만

“보이는 것 너머에 있는 것을 전달하는 사람의 능력은 엄청나다고 생각합니다. 이 현상은 우리가 세상을 설명하는 새로운 방법을 끊임없이 찾고 있기 때문에 모든 장르의 순수 예술에서 관찰할 수 있으며, 때로는 일상적인 경험의 경계를 뛰어 넘는 이해의 순간에 우리에게 나타납니다.(제리 웰스만)

Jerry Welsman(1934)은 사진 예술의 미국 이론가이자 교사이자 20세기 후반의 가장 흥미로운 사진가 중 한 사람이며 신비한 콜라주와 시각적 해석의 대가입니다. 재능있는 사진 작가의 초현실적 인 콜라주는 Photoshop이 프로젝트에 없었을 때 세계를 정복했습니다. 그러나 지금까지도 특이한 작품의 작가는 자신의 기술에 충실하고 어두운 포토 랩에서 기적이 일어나고 있다고 믿습니다.

애니 리보비츠

“누군가의 사진을 찍고 싶다는 말은 그 사람과 친해지고 싶다는 뜻이에요. 내가 아는 모든 사람들, 나는 사진을 찍는다"( Anna-Lou "Annie" Leibovitz)

안나 루 "애니" 레보비츠 (Anna-Lou «Annie» Leibovitz; 속. 1949년 10월 2일, 코네티컷주 워터베리) - 유명한 미국 사진가. 연예인 초상화 전문. 오늘날 그것은 여성 사진 작가들 사이에서 가장 인기가 있습니다. 그녀의 작품은 잡지 표지를 장식합니다. 보그, 베니티 페어, 뉴요커, 롤링 스톤, 그녀는 John Lennon과 Betty Midler, Whoopi Goldberg와 Demi Moore, Sting과 Devine에 의해 알몸으로 포즈를 취했습니다. Annie Leibovitz는 패션의 아름다움에 대한 고정 관념을 깨고 나이든 얼굴, 주름, 일상적인 셀룰라이트 및 불완전한 형태를 사진 영역에 도입했습니다.

제리 지오니스

“불가능한 일을 성취하기 위해 하루에 5분 이상 시간을 할애하십시오. 그러면 곧 그 차이를 느끼실 것입니다.”(제리 지오니스).

제리 지오니스 - 호주 최고의 웨딩 사진 작가는 자신의 장르의 진정한 대가입니다! 그가 세계에서이 방향의 가장 성공적인 마스터 중 한 명으로 간주되는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

콜베르 그레고리

Gregory Colbert(1960, 캐나다) - 빠르게 변화하는 세상에서 잠시 멈춥니다. 실행에 중지합니다. 절대적인 침묵과 집중. 침묵과 부동의 아름다움. 거대한 생명체, 즉 지구라는 존재에 소속되어 있다는 기쁨이 그의 작품이 불러일으키는 감정들이다. 13년 이내에 그는 인도, 버마, 스리랑카, 이집트, 도미니카, 에티오피아, 케냐, 통가, 인도, 버마, 스리랑카 등 우리의 광활하고도 작은 행성의 가장 외딴 곳과 이국적인 곳으로 33번의 탐험을 했습니다. 남극, 나미비아. 그는 자신의 작업에 인간과 자연, 동물의 세계 사이의 놀라운 관계를 반영하는 한 가지 작업을 설정했습니다.

사실, 가장 위대한 사진작가의 목록은 상당히 길며 이들은 그 중 일부에 불과합니다.

세상이 할 수 있는 일 유명한 사진 작가훨씬 더 눈에 띄는? 과연 그가 사진가라는 직업에 바친 년수, 축적된 경험, 아니면 특정한 사진 방향을 선택한 것일까? 이런 건 없습니다. 가장 중요한 이유는 사진 작가가 캡처한 사진 프레임에 숨겨져 있을 수 있습니다.

가장 유명한 사진 작가의 대부분은이 주제에 대해 침묵을 유지하려고 가장 자주 노력합니다. 그들이 저작물에 저작권 서명을 하면 이 저작물을 알아볼 수 있게 하는 것으로 충분합니다. 일부 유명 사진 작가는 개인적인 이유로 얼굴을 공개하지 않아 알아볼 수 없는 상태를 유지하는 것을 선호합니다. 이러한 이유는 점점 더 많은 추종자들에게 수수께끼로 남을 수도 있고, 아니면 이 모든 것이 이 사람들의 과도한 겸손에 있을 수도 있습니다. 가장 유명한 사진 작가는 일반적으로 말 그대로 몇 밀리 초 동안 지속될 수있는 놀랍고 놀라운 순간의 특정 장면에 대해 영예를 안습니다. 사람들은 그러한 놀라운 사건이나 사건이 그렇게 짧은 시간에 포착될 수 있다는 사실에 매료됩니다.

"사진 한 장이 천 마디 말을 표현할 수 있다"는 말이 있듯이. 그래서 세계에서 가장 유명한 사진 작가들은 경력에서 한두 번 정도 그를 위대함의 자리로 끌어올릴 수 있는 프레임을 포착했습니다. 이 기사에서는 자신의 직업에 성공한 세계에서 가장 유명한 사진 작가들과 그들을 유명하게 만든 바로 그 작품을 소개합니다. 이 사진 작가들은 놀랍고 때로는 놀라운 사진으로 전 세계 많은 사람들의 마음을 감동시켰습니다. 대부분 유명 사진작가평화.

AP통신의 사진작가인 머레이 베커(Murray Becker)는 불타고 있는 힌덴부르크 비행선의 사진으로 유명해졌습니다. 그는 77세의 나이에 암으로 사망했습니다.

(1961-1994) - 남아프리카 공화국의 펄처 상을 수상한 미술 사진작가 케빈 카터(Kevin Carter)는 몇 달 동안 수단의 기근을 사진에 담았습니다. Reuter and Sygma Photo NY의 프리랜스 사진 작가이자 Mail and Gaurdian의 전 잡지 일러스트레이션 편집자인 Kevin은 그의 경력을 그의 고향 남아프리카 공화국의 분쟁에 대해 보도하는 데 바쳤습니다. 그는 1993년 권위 있는 Ilford Photo Press Awards에서 올해의 최고의 뉴스 사진으로 높은 평가를 받았습니다.

에서 가장 중요한 인물 중 하나 현대 사진엘렌 레빗입니다. 60년 동안 그녀의 삶의 대부분을 살았던 도시의 거리에서 찍은 그녀의 차분하고 시적인 사진은 여러 세대의 사진가, 학생, 수집가, 큐레이터 및 예술 애호가에게 영감을 주고 놀라게 했습니다. 긴 경력을 통해 Helen Levitt는 뉴욕 거리에 사는 남성, 여성 및 어린이의 가장 진실한 초상화에서 그녀의 시적 비전, 유머 및 독창성을 포착했습니다.
그녀는 1945-46년에 태어났습니다. 그녀는 Janis Loeb 및 James Azhi와 함께 영화 "On the Streets"를 만들었습니다. 이 영화의 특징은 그녀가 자신의 움직이는 초상화를 제시했다는 것입니다. 레빗의 가장 중요한 전시는 1943년 현대미술관에서 열렸고, 1974년에는 색채 작품들만의 개인전이 그곳에서 열렸다. 그녀의 작업에 대한 주요 회고전은 여러 박물관에서 열렸습니다. 첫 번째 회고전은 1991년 샌프란시스코 박물관 및 뉴욕 메트로폴리탄 미술관과 공동으로 국제센터뉴욕의 사진과 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관; 그리고 2001년 파리 국립사진센터에서.

필립 할스만(Philipp Halsman, 1906-1979)은 라트비아의 리가 라트비아 리가에서 태어났습니다. 그는 드레스덴에서 공학을 공부한 후 파리로 이주하여 1932년 사진 스튜디오를 설립했습니다. 그의 즉흥적인 스타일 덕분에 Halsman은 많은 팬들의 주목을 받았습니다. 배우와 작가의 초상화는 책과 잡지의 표지에 등장했습니다. 그는 패션(특히 모자 디자인) 분야에서 일했고 많은 개인 고객도 있었습니다. 1936년까지 Halsman은 프랑스에서 가장 뛰어난 인물 사진가 중 한 명으로 알려지게 되었습니다.
1940년부터 1970년까지 Philippe Halsman은 Look, Esquire, Saturday Evening Post, Paris Match, 특히 Life 잡지의 표지에 등장한 유명인, 지식인 및 정치인의 화려한 초상화를 그렸습니다. 그의 작품은 Elizabeth Arden 화장품, NBC, Simon & Schuster, Ford의 광고에도 등장했습니다.

Charles O'Rear(1941년생) 미국 사진 작가는 Windows XP의 기본 배경 화면으로 사용된 Bliss의 사진으로 널리 알려져 있습니다.
70년 동안 국방청 프로젝트에 참여 환경 DOCUMERICA 및 내셔널 지오그래픽 잡지의 사진을 25년 넘게 촬영했습니다. 그는 와인 산업에서 사진 작가로 경력을 시작했으며 나파 밸리 와인 재배자 조직을 위해 사진을 찍었습니다. 그런 다음 그는 계속해서 전 세계의 와인 제품을 촬영했습니다. 현재까지 그는 와인 양조에 관한 7권의 책에 사진을 제출했습니다.

Roger Fenton(1819년 3월 28일 – 1869년 8월 8일)은 영국 사진의 선구자이자 전쟁 중 사건을 취재한 최초의 전쟁 사진가 중 한 사람입니다. 사진술. 게다가 그는 연주했다. 큰 역할사진의 일반적인 발전에서.

David Barnett은 40년 동안 포토저널리스트로 활동해 왔습니다. 그의 카메라는 아름다운 풍경과 물개를 사냥하는 것이 아니라 시대의 상징이 되는 중요한 사건을 겨냥합니다. David의 사진을 통해 외부에서 세상을 바라볼 수 있습니다. 그의 작품은 건조한 사실이 아니라 우리 시대의 밝은 사건을 보여주는 살아있는 역사 교과서입니다.

나는 데이비드를 좋아한다. 다른 전문가들이 직접 구매하는 동안 그는 60년 된 고대 Speed ​​​​Graphic 캠코더를 착용하고 있습니다. 물론 그는 고가의 전문 장비를 가지고 있습니다. 그러나 분명히 그는 완벽하게 이해합니다. 값 비싼 카메라는 좋은 보너스이며 좋은 사진의 전제 조건은 아닙니다. 진정한 주인은 할 수 있다 좋은 샷 30 달러에 "비누 접시"조차도.

• 간단한 예: 2000년 David는 30달러의 저렴한 Holga 플라스틱 카메라로 사진을 찍어 Eyes of History 대회에서 우승했습니다.

헬무트가 십대였을 때 게슈타포는 아버지를 체포했습니다. 뉴턴은 독일을 떠나 호주로 이주해 2차 세계대전이 끝날 때까지 호주군에서 복무했다.

재능있는 사람들의 전기는 종종 개인 클리닉의 VIP 룸처럼 너무 완벽해 보입니다. 실생활. 보그(Vogue) 잡지에서 일한 독일-호주 사진가, 때때로 누드 장르로 촬영... 이 희소한 이야기는 Newton Hellmuth가 누구인지 전혀 알 수 없습니다.

그리고 그는 상류사회의 반짝임을 사랑한, 과대망상이 없는 성실한 속물이었다. 그는 부자를 촬영하고 고급 호텔에 머무르는 것을 선호했습니다. 그리고 그는 자신을 다소 피상적이지만 진실한 사람이라고 생각하면서 이것에 대해 정직하게 말했습니다.

1971년 심장마비를 겪을 때까지 Hellmuth는 하루에 50개비의 담배를 피우고 일주일 동안 파티를 할 수 있었습니다. 그러나 심장마비는 50세의 사진작가에게 놀라운 진실을 드러냈습니다. 만연한 "젊음" 라이프스타일은 나이가 들면서 매우 슬프게 끝날 수 있다는 것이 밝혀졌습니다.

죽음 직전에 Helmut은 담배를 끊고 더 측정 된 삶을 살기 시작했으며 자신에게 흥미로운 것만 쏘겠다고 약속했습니다.

그가 싫어하는 것에 대한 헬무트 뉴턴:

• 나는 좋은 맛을 싫어합니다. 이것은 모든 생물이 질식하는 지루한 문구입니다.
• 나는 모든 것이 뒤집힐 때를 싫어합니다 - 그것은 저렴합니다.
• 나는 사진의 부정직함을 싫어합니다. 일부 예술적 원칙의 이름으로 찍은 사진은 흐릿하고 입자가 거칠습니다.

Yuri Akurs는 세계에서 가장 성공적인 스톡 사진작가 중 한 명입니다. 그는 도시 공원에서 일출과 안개를 사진으로 찍는 대신에 팔려고 하는 것, 즉 행복한 가족과 약, 돈과 학생을 사진에 담습니다. 그리고 포토스톡이라는 특별한 사이트에서는 이 모든 것을 사고 팔고 있습니다. 그리고 이 분야에서 Arkurs는 개인의 예를 통해 어떻게 돈을 벌 수 있고, 높이를 달성하고, 상업 스톡 사진 촬영을 즐길 수 있는지 보여주는 진정한 전문가가 되었습니다.

유리는 덴마크에서 태어나고 자랐습니다. 그는 학비를 벌기 위해 학생 시절 사진 스톡으로 돈을 벌기 시작했습니다. 당시 그가 촬영할 수 있는 모델은 여자친구뿐이었다. 그러나 곧 추가 수입이 유리의 주요 수입이 되었습니다. 몇 년 후인 2008년에 그는 사진 스톡으로 한 달에 최대 $90,000를 벌었습니다.

오늘 이 사람은 그의 작품을 팔고 있다 대기업: MTV, 소니, 마이크로소프트, 캐논, 삼성, 휴렛팩커드. 그의 촬영일 비용은 $6,000입니다. 그리고 이 모든 이야기는 카메라가 있는 프리랜서를 위한 신데렐라에 대한 실제 동화가 되었습니다.

그러한 성공의 길을 반복하는 것이 얼마나 현실적입니까? 누가 알아. 오늘날 Yuriy Akurs는 가장 성공적인 스톡 사진작가 중 한 명이라고 말할 수 있습니다.

Irvin Penn은 사진을 찍는 것을 좋아했지만 이 취미를 그다지 중요하게 생각하지 않았습니다. 그의 주요 직업은 예술 디자인이었습니다. Irwin은 잡지 표지를 디자인했으며 인기 있는 Vogue 잡지에서 보조 예술 편집자로 일하기까지 했습니다.

그러나이 간행물의 저명한 사진 작가와의 협력은 효과가 없었습니다. Penn은 지속적으로 그들의 작업에 만족하지 못했고 필요한 것을 설명할 수 없었습니다. 이에 그는 손을 흔들며 직접 카메라를 들었다. 그리고 그가 찍은 방법: 사진이 너무 성공적이어서 당국이 그를 사진 작가로 재교육하도록 설득했습니다.

Irwin은 흰색 또는 회색 배경에서 모델을 촬영한 최초의 사람이었습니다. 프레임에는 불필요한 것이 없었습니다. 세세한 부분까지 세심한 주의를 기울인 덕분에 그는 당대 최고의 인물 사진가 중 한 명으로 명성을 얻었습니다. 이를 통해 Penn은 Al Pacino와 Hitchcock, Salvador Dali 및 Pablo Picasso를 비롯한 다양한 유명인을 촬영할 수 있었습니다.

Gursky는 그의 아버지로부터 사진에 대한 그의 사랑을 물려받았습니다. 그는 광고 사진작가였으며 그의 아들에게 그의 모든 복잡한 기술을 가르쳤습니다. 따라서 Andreas는 직업 선택에 주저하지 않았습니다. 그는 전문 사진가 학교와 State Academy of Arts를 졸업했습니다.

오해하지 마세요. 위키 중재자 증후군이 정상 궤도에 오르기 때문에 이 이야기를 하는 것이 아닙니다. Andreas는 우리 평가에서 이 직업에 철저하게 접근했고 우연히 촬영하지 않은 몇 안 되는 사진 작가 중 한 명입니다.

공부를 마친 Gursky는 세계 여행을 시작했습니다. 실험하고 새로운 경험을 쌓으면서 그는 자신의 스타일을 찾았습니다. 전화 카드: Andreas는 크기가 미터로 측정되는 거대한 사진을 찍습니다. 축소된 사본을 컴퓨터 화면으로 보면 전체 성장의 효과를 평가하기 어렵습니다.

Gursky가 도시 또는 강 풍경, 사람 또는 공장의 파노라마를 촬영하든 관계없이 그의 사진은 그 규모와 사진의 세부 사항의 독특한 단조로움에서 인상적입니다.

Ansel Adams는 평생 동안 미국 서부의 자연을 사진에 담았습니다. 그는 여행을 많이 다니며 국립공원의 가장 거칠고 접근하기 어려운 구석을 촬영했습니다. 자연에 대한 그의 사랑은 사진으로만 표현된 것이 아닙니다. Ansel은 환경 보존과 보호를 적극적으로 옹호했습니다.

그러나 Adams가 좋아하지 않은 것은 20세기 전반에 유행했던 회화주의, 즉 그림처럼 보이는 사진을 찍을 수 있게 하는 사진 기법이었습니다. 대조적으로 Ansel과 친구는 필터, 후처리 또는 기타 종소리와 휘파람 없이 모든 것을 정직하고 사실적으로 촬영하는 이른바 "직선 사진"의 원칙을 공언하는 f/64 그룹을 설립했습니다.

Group f/64는 Ansel의 경력 초기인 1932년에 설립되었습니다. 그러나 그는 자신의 신념에 충실했기 때문에 삶이 끝날 때까지 자연과 다큐멘터리 사진에 대한 사랑을 유지했습니다.

• 지는 태양을 배경으로 Teton Range와 Snake River를 묘사하는 화면 보호기를 데스크탑에서 본 적이 있을 것입니다.

그래서 Adams는 이 각도에서 이 풍경을 처음으로 포착했습니다. 그의 흑백 사진은 보이저 금판에 기록된 116개의 이미지에 포함되어 있습니다. 이것은 40년 전 우주로 보낸 미지의 문명에 대한 지구인의 메시지입니다. 이제 외계인은 우리에게 컬러 카메라가 없다고 생각할 것입니다. 그러나 좋은 사진 작가는 있습니다.

나는 Sebastian의 전기를 좋아합니다. 이것은 일생 동안 모든 이상주의자에게 일어나는 자연스러운 진화입니다.

Salgado 자신은 2016년 2월 모스크바를 방문했을 때 인터뷰에서 이 이야기를 했습니다. 25세에 그는 아내와 함께 브라질에서 유럽으로 이주했습니다. 거기에서 그들은 갈 계획이었다 소련없는 사회를 건설하기 위해 인민 우호 대학에 입학하십시오. 사회적 불평등. 그러나 1970년, 그들의 꿈은 프라하에서 온 친구에 의해 무너졌습니다. 체코인은 1968년에 공산주의를 충분히 맛보았습니다.

그래서이 사람은 소련에서 아무도 공산주의를 건설하지 않는다고 설명하면서 배우자를 설득했습니다. 권력은 국민에게 있지 않고 행복을 위해 싸우고 싶다면 보통 사람들, 그들은 체류하고 이민자를 도울 수 있습니다. 살가도는 친구의 말을 듣고 프랑스에 머물렀다.

그는 경제학자로 교육을 받았지만 이것이 그의 것이 아님을 빨리 깨달았습니다. 그의 아내인 렐리아 살가도(Lelia Salgado)는 창조적 인 직업- 그녀는 피아니스트 였지만 ... 또한 그녀의 직업에 환멸을 느끼고 건축가가되기로 결정했습니다. 건축을 촬영하기 위해 첫 카메라를 구입한 사람은 바로 그녀였습니다. 세바스찬은 뷰파인더를 통해 세상을 보자마자 자신의 진정한 열정을 찾았다는 것을 즉시 깨달았습니다. 그리고 2년 후 그는 전문 사진가가 되었습니다.

Salgado 자신에 따르면, 경제 교육은 그에게 역사 및 지리학, 사회학 및 인류학 분야에 대한 지식을 주었습니다. 방대한 지식의 저장고는 그에게 다른 사진작가가 접근할 수 없는 기회를 열어주었습니다. 다른 모서리우리의 행성. 그는 100개국 이상을 여행하며 엄청난 양의 다큐멘터리 사진을 찍었습니다.

그러나 Sebastian이 열대 섬에서 휴식을 취하면서 이국적인 해변과 재미있는 동물을 촬영했다고 생각하지 마십시오. 그의 여행은 완전히 다릅니다. 처음에는 "Workers", "Terra", "Renaissance"라는 아이디어가 탄생했습니다. 이는 그의 앨범 이름 중 일부일 뿐입니다. 그 후 여행 준비가 시작되고 여행 자체가 시작되며 몇 년이 걸릴 수 있습니다.

그의 작품 중 많은 부분이 인간의 고통에 관한 것입니다. 그는 아프리카 국가의 난민, 기근과 대량 학살의 희생자를 촬영했습니다. 일부 비평가들은 Salgada가 빈곤과 고통을 미학적인 것으로 표현했다고 비난하기 시작했습니다. Sebastian 자신은 문제가 다르다고 확신합니다. 그에 따르면 그는 한심해 보이는 사람들의 사진을 찍은 적이 없습니다. 그가 촬영한 사람들은 곤경에 처했지만 품위가 있었습니다.

그리고 Salgado가 다른 사람의 슬픔을 "조장"하고 있다고 생각하는 것은 근본적으로 잘못된 것입니다. 오히려 그분은 많은 사람들이 알아차리지 못한 문제에 인류의 주의를 이끄셨습니다. Sebastian이 1990년대에 Exodus를 완성했을 때의 상황은 암시적입니다. 그는 대량 학살에서 탈출한 사람들을 촬영하고 있었습니다. 여행 후 그는 사람들에게 실망했고 더 이상 인류가 살아남을 수 있다고 믿지 않는다고 인정했습니다. 그는 브라질로 돌아와 회복을 위해 잠시 휴식을 취했습니다.

다행스럽게도 이 이야기는 해피엔딩으로 끝났습니다. 오래된 이상주의자는 아름다움에 대한 믿음을 되찾았고, 지금은 우리 행성의 손길이 닿지 않은 구석을 촬영하는 다른 프로젝트로 바쁘게 움직이고 있습니다.

검색 엔진에 입력을 시작하면 , Google은 옵션이 있는 드롭다운 상자를 표시합니다. "스티브 맥커리 아프간 소녀". McCurry는 비록 아프가니스탄 소녀이지만 소녀에게는 너무 콧수염이 있기 때문에 이것은 다소 이상합니다.

사실, "Afghan Girl"은 내셔널 지오그래픽 잡지의 표지에 등장한 스티브의 가장 유명한 사진입니다. 이 사람에 대한 Wikipedia 기사조차도 이것에 대한 이야기로 시작합니다.

• “스티브는 아프간 소녀의 사진을 찍은 콧수염을 기른 ​​미국 사진기자입니다.”. (위키피디아)

이 사진 작가에 대한 대부분의 기사는 그에 대한 우리의 이야기를 포함하여 비슷한 문구로 시작합니다. 다니엘 래드클리프나 맥컬리 컬킨처럼 1인 배우라는 인상을 받는다. 그러나 그렇지 않습니다.

전문 사진 작가로서의 스티브의 경력은 아프가니스탄 전쟁 중에 시작되었습니다. 그는 망치로 전국을 여행하지 않고 군대 뒤에 숨어서 일반 사람들 사이에 머물렀습니다. 그는 현지 옷을 입고 사진 필름 롤을 꿰매고 평범한 아프간 사람처럼 전국을 여행했습니다. 또는 아프간으로 위장한 평범한 미국 스파이로서 누군가가 이 옵션을 고려할 수 있습니다. 그래서 스티브는 위험을 무릅썼지만 그 덕분에 세상은 그 갈등의 첫 번째 사진을 보았습니다.

그 이후로 McCurry는 일에 대한 접근 방식을 바꾸지 않았습니다. 그는 전 세계를 돌아다니며 다양한 사람들의 사진을 찍었습니다. 스티브는 많은 군사적 충돌을 포착하고 거리 사진의 진정한 대가가 되었습니다. 사실 McCurry는 포토저널리스트이지만 다큐멘터리와 예술 사진의 경계를 모호하게 만드는 데 성공했습니다. 그의 사진은 엽서처럼 밝고 매력적이지만 동시에 진실하다. 설명이나 설명이 필요하지 않습니다. 말이 필요 없이 모든 것이 명확합니다. 그러한 사진을 만들려면 희귀한 감각이 필요합니다.

Annie Leibovitz는 별 인물 사진의 진정한 전문가입니다. 그녀의 사진은 가장 인기 있는 잡지의 표지를 장식하여 격렬한 감정과 토론을 일으켰습니다. 누가 우유 욕조에서 찡그린 우피 골드버그의 사진을 찍을 생각을 했을까요? 아니면 알몸의 존 레논이 태아의 자세로 오노 요코를 껴안고 있습니까? 그건 그렇고, 이것은 Chapman의 치명적인 총격 몇 시간 전에 찍은 그의 인생의 마지막 사진이었습니다.

Annie의 전기는 매우 매끄럽게 보입니다. San Francisco Art Institute에서 공부한 후 Leibovitz는 Rolling Stone 잡지에 취직했습니다. 그녀는 10년 넘게 그와 함께 일했습니다. 이 기간 동안 Annie는 흥미롭고 창의적인 방식으로 모든 유명인의 사진을 찍을 수 있다는 평판을 얻었습니다. 그리고 이것은 현대 쇼 비즈니스의 성공을 달성하기에 충분합니다.

명성을 얻은 Annie는 뉴욕으로 이사하여 자신의 사진 스튜디오를 엽니다. 1983년에 그녀는 그녀의 뒤따르는 터무니없는 유명인 사진을 후원한 Vanity Fair 잡지와 함께 일하기 시작했습니다. 임신 마지막 단계에서 알몸으로 데미 무어를 촬영하거나 찰흙을 바르고 사막에서 스팅을 노출시키는 것은 상당히 Leibovitz의 정신입니다. 케이트 블란쳇에게 자전거를 타라고 강요하거나 거위에게 강제로 디카프리오와 사진을 찍게 하는 것처럼. 그녀의 작품이 인기가 많은 것은 당연합니다!

그가 영국 여왕, 마이클 잭슨, 버락 오바마 및 기타 많은 유명인의 사진을 찍었다고 자랑할 수 있는 사람이 또 있을까요? 그리고 참고로 덤불 뒤에 숨어 파파라치로 촬영한 것이 아니라 본격적인 촬영을 준비했다? 이것이 Annie Leibovitz가 최고는 아니더라도 가장 성공적인 현대 사진 작가로 간주되는 이유입니다. 다소 양귀비이지만.

1. 앙리 카르티에 브레송

예술에 대한 갈망 Henri는 삼촌에게서 물려받았습니다. 그는 예술가였으며 조카를 그림에 푹 빠졌습니다. 이 미끄러운 비탈은 결국 그를 사진에 대한 열정으로 이끌었습니다. Henri가 한 수백, 수천 명의 다른 사진가들과 차별화된 점은 무엇입니까?

그는 모든 것이 정직하고 실제적으로 이루어져야 한다는 단순한 진리를 이해했습니다. 따라서 그는 무대 사진을 거부하고 누군가에게 특정 상황을 연기하도록 요청하지 않았습니다. 대신 그는 주변에서 무슨 일이 일어나고 있는지 면밀히 주시했습니다.

촬영 중 눈에 띄지 않도록 Henri는 카메라의 반짝이는 금속 부분을 검은색 전기 테이프로 밀봉했습니다. 그는 진정한 "보이지 않는"사람이되어 사람들의 가장 진실한 감정을 포착 할 수있었습니다. 그리고 이를 위해서는 주의를 끌지 않는 것만으로는 충분하지 않습니다. 사진의 결정적인 순간을 결정할 수 있어야 합니다. '결정적 순간'이라는 용어를 만들어냈고, 심지어 그 제목으로 책을 쓴 사람도 앙리였다.

요약하자면 까르띠에 브레송의 사진은 생동감 있는 사실주의로 구별됩니다. 이러한 작업의 경우 일부 전문 기술로는 충분하지 않습니다. 사람의 감정과 기분을 포착하려면 사람의 본성을 민감하게 이해해야합니다. 이 모든 것이 앙리 카르티에 브레송에게 내재된 것이었습니다. 그는 일에 정직했습니다.

속물이 되지 마... 다시 게시!