Kunst und Handwerk(von lat. decoro - ich dekoriere) - ein Bereich der dekorativen Kunst, der die Schaffung von künstlerischen Produkten mit einem nützlichen Zweck abdeckt.

Kunstwerke erfüllen mehrere Anforderungen: Sie haben eine ästhetische Qualität; entworfen für künstlerische Wirkung; dienen zur Dekoration des Alltags und des Interieurs. Solche Arbeiten sind: Kleider, Kleider- und Dekorationsstoffe, Teppiche, Möbel, Kunstglas, Porzellan, Fayence, Schmuck und andere Kunstgegenstände. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat sich in der wissenschaftlichen Literatur eine Gliederung der Zweige der dekorativen und angewandten Kunst nach Material (Metall, Keramik, Textilien, Holz), Ausführungstechnik (Schnitzen, Malen, Sticken, Drucken, Gießen, Prägen, Intarsien usw.) und nach den funktionalen Merkmalen der Verwendung des Objekts (Möbel, Geschirr, Spielzeug). Diese Einstufung ist fällig wichtige Rolle konstruktiv-technologische Anfänge im Kunsthandwerk und ihre unmittelbare Verbindung mit der Produktion.

Batik, handgemalt auf Stoff mit Reservekompositionen. Auf den Stoff - Seide, Baumwolle, Wolle, synthetische Stoffe - wird die dem Stoff entsprechende Farbe aufgetragen. Um klare Grenzen an der Verbindungsstelle von Farben zu erhalten, wird ein spezieller Fixierer verwendet, der als Reserve bezeichnet wird. Es gibt verschiedene Arten, wie z. B. hungrig und heiß.

Gobelin, ein fusselfreier Wandteppich mit einer Handlung oder einer ornamentalen Komposition, der von Hand mit einem Kreuzgewebe aus Fäden gewebt wird.

"Angebot des Herzens" Arras. OK. 1410. Cluny-Museum

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Thread-Grafiken(Namensoptionen: Isofaden, Fadenbild, Fadendesign), eine Technik zum Erhalten eines Bildes mit Fäden auf Karton oder einer anderen festen Unterlage.

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Künstlerisches Schnitzen:

nach Stein:

Acrolith ist eine in der antiken Bildhauerei verwendete Mischtechnik, bei der die nackten Teile der Statue aus Marmor und die Kleidung aus bemaltem oder vergoldetem Holz bestanden. Der Körper (der verborgene Hauptrahmen der Statue) könnte auch aus Holz bestehen.

Glyptic ist die Kunst des Schnitzens auf farbigen und kostbaren Steinen, Edelsteinen. Eine der ältesten Künste. Gilt auch für Schmuck.

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Künstlerisches Schnitzen:
auf Holz:

Eine der ältesten und gebräuchlichsten Arten der künstlerischen Verarbeitung von Holz, bei der ein Muster mit Axt, Messer, Meißel, Meißel, Meißel und anderen ähnlichen Werkzeugen auf ein Produkt aufgebracht wird. Mit der Verbesserung der Technologie tauchten Holzdrehen und -fräsen auf, was die Arbeit des Schnitzers erheblich vereinfachte. Das Schnitzen wird in der Wohnkultur, beim Dekorieren von Haushaltsutensilien und Möbeln, zum Herstellen von kleinen Holzplastiken und Spielzeugen verwendet.

Der durchgehende Faden wird in den durchgehenden Faden selbst und den Frachtbrief unterteilt, er hat zwei Unterarten:

geschlitztes Gewinde- (Durchschnitte werden mit Meißeln und Meißeln geschnitten.) Sägefaden (eigentlich gleich, aber solche Abschnitte werden mit einer Säge oder Stichsäge geschnitten.) Ein geschlitzter oder gesägter Faden mit einem Reliefornament wird als durchbrochen bezeichnet.

Flach gezahntes Gewinde Das Schnitzen zeichnet sich dadurch aus, dass seine Basis ein flacher Hintergrund ist und die Schnitzelemente tief hineingehen, dh die untere Ebene der geschnitzten Elemente liegt unter der Hintergrundebene. Es gibt mehrere Unterarten eines solchen Fadens:

Konturgewinde- das einfachste, sein einziges Element ist eine Rille. Solche Rillen-Rillen erzeugen ein Muster auf einem flachen Hintergrund. Je nach gewähltem Meißel kann die Nut halbkreisförmig oder dreieckig sein.

AUS Cob (Nagel) schnitzen- das Hauptelement ist eine Klammer (äußerlich sieht es aus wie eine Spur, die ein Fingernagel hinterlässt, wenn er auf ein weiches Material gedrückt wird, daher der Name nagelartig) - eine halbkreisförmige Kerbe auf einem flachen Hintergrund. Ein Satz solcher Klammern in verschiedenen Größen und Richtungen erstellt ein Bild oder seine einzelnen Elemente.

G geometrischer (dreiflächiger, dreiflächiger) Faden- hat zwei Hauptelemente: einen Stift und eine Pyramide (eine dreiseitige Pyramide, die im Inneren vergraben ist). Das Schnitzen erfolgt in zwei Schritten: Tätowieren und Trimmen. Zuerst stechen (markieren) sie die zu schneidenden Sektoren mit einem Cutter und schneiden sie dann. Die wiederholte Verwendung von Pyramiden und einem Stift in unterschiedlichen Abständen und Winkeln ergibt eine große Vielfalt an geometrischen Formen, darunter: Rauten, Viteiki, Waben, Ketten, Lichter usw.

Schnitzerei in schwarzem Lack- Der Hintergrund ist eine flache Oberfläche, die mit schwarzem Lack oder Farbe bedeckt ist. Wie Rillen in die Konturschnitzerei auf dem Hintergrund geschnitten werden, aus der die Zeichnung aufgebaut ist. Die unterschiedliche Tiefe der Rillen und ihre unterschiedlichen Profile ergeben ein interessantes Hell-Dunkel-Spiel und einen Kontrast zwischen dem schwarzen Hintergrund und den hell geschnittenen Rillen.

Reliefschnitzerei dadurch gekennzeichnet, dass die Elemente des Fadens über dem Hintergrund oder auf gleicher Höhe mit ihm liegen. In der Regel werden alle geschnitzten Tafeln in dieser Technik hergestellt. Es gibt mehrere Unterarten eines solchen Fadens:

Reliefschnitzerei mit einem Kissenhintergrund - kann mit dem Konturschnitzen verglichen werden, aber alle Kanten der Rillen sind oval und manchmal unterschiedlich steil (schärfer von der Seite der Zeichnung, allmählich sanft abfallend von der Seite des Hintergrunds). Aufgrund dieser ovalen Konturen scheint der Hintergrund aus Kissen zu bestehen, daher der Name. Der Hintergrund befindet sich auf der gleichen Ebene wie die Zeichnung.

Reliefschnitzerei mit ausgewähltem Hintergrund - die gleiche Schnitzerei, aber nur der Hintergrund wird mit Meißeln eine Ebene tiefer ausgewählt. Auch die Konturen des Bildes sind oval.

Abramzewo-Kudrinskaya (Kudrinskaya)- stammt aus dem Gut Abramtsevo in der Nähe von Moskau im Dorf Kudrino. Vasily Vornoskov gilt als Autor. Die Schnitzerei zeichnet sich durch ein charakteristisches "lockiges" Ornament aus - lockige Girlanden aus Blütenblättern und Blumen. Oft werden die gleichen charakteristischen Bilder von Vögeln und Tieren verwendet. Neben einem Flachrelief geschieht dies mit einem Kissen und einem ausgewählten Hintergrund.

Schnitzerei "Tatjanka"- Diese Art der Schnitzerei erschien in den 90er Jahren des 20. Jahrhunderts. Der Autor (Shamil Sasykov) benannte diesen aufstrebenden Stil nach seiner Frau und ließ ihn patentieren. In der Regel enthält eine solche Schnitzerei ein florales Ornament. Ein charakteristisches Merkmal ist das Fehlen eines Hintergrunds als solchem ​​- ein geschnitztes Element geht allmählich in ein anderes über oder wird darüber gelegt und füllt so den gesamten Raum aus.

Künstlerisches Schnitzen:
nach Knochen:

Netsuke ist eine Miniaturskulptur, ein Werk des japanischen DPI, das ein kleiner geschnitzter Schlüsselanhänger ist.

Keramik, Tonprodukte, hergestellt unter dem Einfluss hoher Temperatur mit anschließender Abkühlung.

Stickerei, eine bekannte und weit verbreitete Handarbeitskunst zum Verzieren aller Arten von Stoffen und Materialien mit einer Vielzahl von Mustern, kann Plattstich, Kreuzstich, altrussisches Gesichtsnähen sein.

Stricken, der Prozess der Herstellung von Produkten aus Endlosfäden, indem sie zu Schlaufen gebogen und die Schlaufen mit einfachen Werkzeugen manuell (Häkelhaken, Stricknadeln, Nadel) oder auf einer speziellen Maschine (mechanisches Stricken) miteinander verbunden werden.

Makramee, Knotenwebtechnik.

Schmuckkunst.

(vom deutschen Juwel oder niederländischen juweel - Edelstein), die Herstellung von künstlerischen Produkten (persönlicher Schmuck, Haushaltsgegenstände, Anbetung, Waffen usw.) hauptsächlich aus kostbaren (Gold, Silber, Platin) sowie einigen wertvollen nicht- Eisenmetalle, oft in Kombination mit Edel- und Ziersteinen, Perlen, Glas, Bernstein, Perlmutt, Knochen usw. Schmieden, Gießen, kunstvolles Ziselieren und Kugeln werden in der Schmuckkunst verwendet (verleihen der Oberfläche des Metalls Körnigkeit und Dunst mit Hilfe einer Ziselierung in Form einer stumpfen Ahle oder eines Rohrs), Prägung, Schnitzerei oder Gravur, Rüstung (eine Technik, bei der der Hintergrund um das Muster herum ausgeschnitten wird), Filigran, Granulation, Niello, Emaille (finift) , Einlegen, Ätzen, Polieren usw., mechanische Bearbeitungsverfahren - Stanzen, Walzen usw. .

Künstlerische Verarbeitung von Leder.

Techniken der Lederverarbeitung.

Prägung. Es gibt mehrere Arten von Prägungen. BEI industrielle Produktion verschiedene stanzverfahren werden verwendet, wenn das muster auf der haut mit formen herausgedrückt wird. Bei der Herstellung von künstlerischen Produkten wird auch gestempelt, aber es werden Satzstempel und Stempel verwendet. Eine andere Möglichkeit ist das Prägen mit Füllung - das Ausschneiden von Elementen des zukünftigen Reliefs aus Pappe (Lignin) oder Scheuerstücken und das Auflegen einer Schicht vorbefeuchteten Yufts unter die Schicht, die dann entlang der Kontur des Reliefs gekräuselt wird. Kleine Details werden aufgrund der Dicke der Haut selbst ohne Futter herausgedrückt. Beim Trocknen härtet es aus und „merkt“ sich das Reliefdekor. Thermisches Prägen ist das Extrudieren von Dekor auf der Hautoberfläche mit Hilfe von erhitzten Metallstempeln.

Das Perforieren oder Stanzen ist eine der ältesten Techniken. Eigentlich läuft es darauf hinaus, dass mit Hilfe von Stempeln verschiedener Formen Löcher in die Haut geschnitten werden, die in Form eines Ornaments angeordnet sind.

Eine der Verarbeitungsmethoden ist das Weben, das darin besteht, mehrere Lederstreifen mit einer speziellen Technik zu verbinden. In Schmuck werden häufig Makramee-Elemente verwendet, die aus einer „zylindrischen“ Schnur bestehen. In Kombination mit der Perforation wird das Weben zum Flechten der Kanten von Produkten verwendet (zur Veredelung von Kleidung, Schuhen, Taschen).

Pyrographie (Brennen) ist eine neue Technik, aber mit einem alten Stammbaum. Anscheinend war das Brennen von Leder zunächst ein Nebeneffekt des thermischen Prägens, wurde dann aber als eigenständige Technik weit verbreitet. Mit Hilfe der Brandmalerei können sehr dünne und komplexe Muster auf die Haut aufgetragen werden. Es wird oft in Kombination mit Gravieren, Malen, Prägen bei der Herstellung von Tafeln, Schmuck und Souvenirs verwendet.

Gravieren (Schnitzen) wird verwendet, wenn mit schwerem, dichtem Leder gearbeitet wird. Auf die Vorderseite der getränkten Haut wird mit einem Cutter ein Muster aufgebracht. Dann werden bei jedem länglichen Metallgegenstand die Schlitze erweitert und mit Acrylfarbe gefüllt. Nach dem Trocknen behält die Konturzeichnung ihre Klarheit und die Linien bleiben dick.

Anwendung im Ledergeschäft - Kleben oder Nähen von Lederstücken auf dem Produkt. Je nachdem welches Produkt dekoriert wird, sind die Applikationsmethoden etwas unterschiedlich.

Intarsia ist im Wesentlichen dasselbe wie Inlay und Mosaik: Bildfragmente werden „Stoß an Stoß“ montiert. Intarsien werden auf Textil- oder Holzbasis ausgeführt. Abhängig davon werden Ledersorten ausgewählt. Um die richtige Qualität zu erreichen, werden nach einer vorläufigen Skizze genaue Muster aller Fragmente der Komposition hergestellt. Dann werden nach diesen Mustern Elemente aus vorgefärbten Ledern ausgeschnitten und mit Knochenleim oder PVA-Emulsion auf die Unterlage geklebt. Die Intarsientechnik wird hauptsächlich zur Herstellung von Wandpaneelen verwendet, kann aber in Kombination mit anderen Techniken zur Herstellung von Flaschen, Souvenirs und Möbeldekorationen verwendet werden.

Darüber hinaus kann die Haut bemalt, geformt und in jede Form und Relief gebracht werden (durch Tränken, Kleben, Füllen).

Künstlerische Metallbearbeitung:

Arbeiten Sie in der Filigran-Technik

Gießen. Gold, Silber, Bronze haben eine hohe Schmelzbarkeit und lassen sich leicht in Formen gießen. Gussteile folgen dem Modell gut. Vor dem Gießen fertigt der Meister ein Wachsmodell an. In Sandformen werden die Teile des Objekts gegossen, die besonders haltbar sein müssen, wie Gefäßhenkel, Griffe oder Riegel, aber auch Ornamente und Figuren. Komplexe Teile erfordern die Herstellung mehrerer Modelle, da die verschiedenen Teile separat gegossen und dann durch Löten oder Schrauben verbunden werden.

Künstlerisches Schmieden- eine der ältesten Methoden der Metallverarbeitung. Sie erfolgt durch Hammerschläge auf das Werkstück. Unter seinen Schlägen wird das Werkstück verformt und nimmt die gewünschte Form an, aber eine solche Verformung ohne Brüche und Risse ist hauptsächlich nur für Edelmetalle charakteristisch, die eine ausreichende Duktilität, Zähigkeit und Formbarkeit aufweisen.

Ziselieren ist eine sehr originelle, höchst künstlerische und zugleich arbeitsintensive Produktionstechnik. Edelmetalle können zu einem dünnen Blech gewalzt werden, dann nimmt die Form des Objekts im kalten Zustand mit Hilfe von beschleunigenden Hämmern ihre Form an. Oft wird ein künstlerisches Produkt auf einer Unterlage (Blei- oder Harzunterlage) verarbeitet, die je nach Verformbarkeitsgrad des Metalls ausgewählt wird. Mit kurzen und häufigen Hammerschlägen mit konstantem Druck und Rotation wird das Metall geklopft, bis die gewünschte Form erreicht ist. Dann gehen sie weiter zum Jagen (Dekor ausschlagen). Das Dekor wird mit Hilfe von Chasern (Stahlstangen mit einem bestimmten Profil) ausgeschlagen. Produkte, die aus einem einzigen Werkstück geschmiedet werden, sind höchste Kunstwerke. Es ist einfacher, mit zwei oder mehr Werkstücken zu arbeiten, die dann miteinander verlötet werden.

1. Jagen von einem Blatt.
2. Jagen durch Casting oder Verteidigung.
Im ersten Fall entsteht aus einem Blechzuschnitt mittels Prägung ein neues Kunstwerk, im zweiten wird eine zuvor in Metall gegossene (oder in Abwehrtechnik aus Metall geschnittene) Kunstform nur sichtbar und vollendet. .

Metall-Kunststoff. Kunstwerke, die in dieser Technik hergestellt werden, ähneln im Aussehen dem Ziselieren aus einem Blatt, aber im Wesentlichen unterscheiden sie sich erheblich, hauptsächlich in der Dicke. Blech.
Für Prägungen werden Bleche ab einer Dicke von 0,5 mm und für Metall-Kunststoff Folien bis 0,5 mm verwendet. Der Hauptunterschied zwischen Metall-Kunststoff liegt jedoch im technologischen Prozess selbst und im Werkzeugsatz. Beim Prägen wird die Form durch Schlagen mit einem Hammer auf die Prägung gebildet, und beim Metall-Kunststoff wird die Form durch sanfte Verformungen geformt, die mit speziellen Werkzeugen ausgeführt werden, die skulpturalen Stapeln ähneln.

Das Gravieren ist eine der ältesten Arten der künstlerischen Metallbearbeitung. Seine Essenz ist das Aufbringen eines linearen Musters oder Reliefs auf das Material mit einem Cutter. In der Technik des künstlerischen Gravierens kann man unterscheiden zwischen:
– flache Gravur(zweidimensional), die verarbeitet
nur Oberfläche; Sein Zweck besteht darin, die Oberfläche des Produkts zu dekorieren, indem eine Konturzeichnung oder ein Muster, komplexe Porträt-, Mehrfiguren- oder Landschaftstonkompositionen sowie die Ausführung verschiedener Inschriften und Schriftarbeiten aufgebracht werden. Gravuren werden zur Dekoration von flachen und dreidimensionalen Produkten verwendet.
Zur Flächengravur, auch Glanzgravur oder Optikgravur genannt, gehört auch die Niellogravur, die sich technologisch von der gewöhnlichen Gravur nur dadurch unterscheidet, dass sie etwas tiefer ausgeführt wird und dann das gewählte Muster mit Niello gefüllt wird.
—Rüstung Gravur(dreidimensional).
Gravieren Gravieren ist ein Verfahren, bei dem ein Relief oder sogar eine dreidimensionale Metallskulptur entsteht. Bei der frontalen Gravur werden zwei Möglichkeiten unterschieden: konvexe (positive) Gravur, wenn das Reliefmuster höher als der Hintergrund ist (der Hintergrund wird vertieft, entfernt), tiefe (negative) Gravur, wenn das Muster oder Relief nach innen geschnitten wird.

Radierung. Dies ist eine weitere Technik, die sich auf Grafiken bezieht. Wie beim Ätzen wurde das Objekt mit Harz oder Wachs überzogen und dann das Dekor darauf geritzt. Wenn das Produkt in Säure oder Alkali getaucht wurde, wurden die zerkratzten Stellen geätzt und die Oberfläche um sie herum, die oft durch das Eingreifen des Werkzeugs beschädigt wurde, wurde stumpf. Es gab also ein sehr flaches und sanft hervortretendes Relief.

Filigran ist eine Art der künstlerischen Metallverarbeitung, die seit der Antike einen wichtigen Platz im Schmuck einnimmt.
Der Begriff "Filigran" ist älter, er kommt von zwei lateinischen Wörtern: "Phylum" - Faden und "Granum" - Korn. Der Begriff „scani“ ist russischen Ursprungs. Es stammt vom altslawischen Verb "skati" - drehen, drehen. Beide Begriffe spiegeln die technologische Essenz dieser Kunst wider. Der Begriff „Filigran“ vereint die Namen der beiden Hauptgrundelemente, aus denen sich die typische Filigranherstellung ergibt, nämlich dass der in dieser Kunstform verwendete Draht gedreht, zu Schnüren gedreht wird.
Je dünner der Draht und je enger und steiler er gedreht ist, desto schöner ist das Produkt, insbesondere wenn dieses Muster durch eine Körnung (kleine Kügelchen) ergänzt wird.

Emaillieren. Emaille ist eine glasig erstarrte Masse anorganischer, hauptsächlich oxidischer Zusammensetzung, die durch teilweises oder vollständiges Schmelzen, manchmal mit Metallzusätzen, gebildet wird und auf eine Metallbasis aufgetragen wird.

Dekorative Verarbeitung
Die Beschreibung der dekorativen Veredelung des Produkts sollte Angaben über den Ort, die individuellen Abmessungen, die Menge und die Eigenschaften der Elemente der künstlerischen Verarbeitung enthalten. Typische Elemente, die in der allgemeinen Beschreibung enthalten sind, sind unten angegeben.
1. Mattierung.
2. Schwärzung.
3. Oxidation.
Matten
Eine matte oder strukturierte Oberfläche von Produkten wird als Oberfläche angesehen, die sich von einer polierten unterscheidet und eine dekorative Belastung trägt.
Die Textur der Oberfläche kann kleinnarbig, kleinschraffiert, matt sein. Am häufigsten wird der Effekt der kombinierten Texturverarbeitung mit Glanz verwendet. Strukturierte Oberflächenbereiche werden durch eine Gusskruste von Produkten, eine polierte Oberfläche (nach dem Sandstrahlen der Arbeitsfläche des Stempels), durch Ätzen in verschiedenen Säurezusammensetzungen, mechanisches Mattieren (mit einem Grat, gemahlenem Bimsstein, Bürsten) erhalten.
Schwärzung
Niello (eine schmelzbare Legierung der Zusammensetzung: Silber, Kupfer, Blei, Schwefel) wird auf ein für Niello vorbereitetes Produkt aufgetragen, dh mit Aussparungen mit einem gravierten Muster. Die Tiefe des Musters innerhalb von 0,2-0,3 mm hängt von der Größe des Produkts ab. Die nicht mit Schwarz bedeckte Oberfläche des Produkts muss poliert sein, ohne Kratzer, Kratzer und andere Mängel.
Oxidation
Versilberte und versilberte Produkte werden sowohl chemisch als auch elektrochemisch oxidiert (behandelt). Die Prozesse der chemischen und elektrochemischen farblosen Oxidation werden in Lösungen und Elektrolyten durchgeführt, deren Hauptbestandteil Kaliumdichromat ist. Bei der Farboxidation werden Produkte mit verschiedenen Farbtönen gefärbt: blau, schwarz, grau, dunkelbraun usw. Oxidierte Produkte werden mit weichen Messingbürsten gebürstet, um den Folien einen schönen Glanz zu verleihen. Die oxidierte Oberfläche muss gleichmäßig matt sein, ohne Farbtonunterschiede.
Galvanik
In der Schmuckindustrie werden Gold, Silber und Rhodium als galvanische Beschichtungen verwendet. Auf galvanischen Beschichtungen können leichte Spuren von Kontaktstellen mit leitfähigen Elementen vorhanden sein, die die Beschichtungsschicht nicht stören und das Erscheinungsbild des Produkts nicht verschlechtern.

Brandmalerei, Holzbrennen, Leder, Stoff usw.

Ein Buntglasfenster ist ein dekoratives Kunstwerk aus farbigem Glas, das für die Durchleuchtung bestimmt ist und eine Öffnung, meistens ein Fenster, in jeder architektonischen Struktur füllen soll.

Obere Hälfte des Bibelfensters des armen Mannes, Kathedrale von Canterbury, UK

Derzeit gibt es je nach Herstellungstechnik verschiedene Arten von Buntglasfenstern:

Klassisches Buntglasfenster (Satz oder Mosaik).- gebildet aus transparenten Glasstücken, die von Trennwänden aus Blei, Kupfer, Messing gehalten werden. Klassisches Buntglas wird in bleigelötete (auf einem Bleiprofil montiert) und Buntglas mit Tiffany-Technologie (auf einem Kupferband montiert) unterteilt.

Bleigelötetes (gelötetes) Buntglasfenster- die klassische Buntglastechnik, die im Mittelalter auftauchte und als Grundlage für alle anderen Techniken diente. Dies ist ein Buntglasfenster, das aus Glasstücken in einem Bleirahmen zusammengesetzt und an den Verbindungsstellen gelötet ist. Gläser können mit schmelzbarer Glas- und Metalloxidfarbe gefärbt und bemalt werden, die dann in speziell entwickelten Öfen gebrannt wird. Die Farbe ist fest in die Glasbasis eingeschmolzen und bildet mit ihr eine Einheit.

Facetten-Buntglasfenster - ein Buntglasfenster aus Glas mit einer entlang des Umfangs des Glases entfernten Fase (Facette, Facette) oder volumetrisches, geschliffenes und poliertes Glas mit einem Schnitt. Um eine breite Fase zu erhalten (dies verstärkt die Wirkung der Lichtbrechung), ist dickeres Glas erforderlich, was das Gewicht des Buntglases erhöht. Daher werden fertige abgeschrägte Teile zu einem stärkeren (Messing- oder Kupfer-) Rahmen zusammengebaut. Es ist besser, ein solches Buntglasfenster in Innentüren und Möbeltüren einzubauen, da ein solcher Rahmen den Belastungen beim Öffnen / Schließen standhält und in diesem Fall durchhängt. Der goldene Farbton eines Kupfer- oder Messingrahmens verleiht den Dingen ein edles Aussehen, das nicht nur durch das Licht sichtbar ist, sondern auch im reflektierten Licht, was besonders wichtig für Buntglasfenster von Möbeln ist.

Bemaltes Buntglas- Mit transparenten Farben wird ein Muster auf die Glasoberfläche aufgetragen.

Kombiniertes Buntglas- wird durch eine Kombination verschiedener Technologien zur Herstellung eines Buntglasfensters gebildet.

Buntglas sandstrahlen mit speziellen Geräten erstellt

Gesintertes Buntglasfenster (Fusing)- eine Buntglastechnik, bei der ein Muster durch gemeinsames Brennen mehrfarbiger Glasstücke oder durch Einsintern von Fremdelementen (z. B. Draht) in das Glas entsteht.

Geätztes Buntglas- eine Technik, die auf der Fähigkeit von Flusssäure basiert, mit Siliziumdioxid (dem Hauptbestandteil von Glas) zu interagieren. Bei dieser Wechselwirkung mit Säure wird das Glas zerstört. Schutzschablonen ermöglichen es, ein Muster beliebiger Komplexität und der erforderlichen Tiefe zu erhalten.

Gegossenes Buntglas - Jedes Glasmodul wird von Hand gegossen oder geblasen. Glas, dessen Dicke zwischen 5 und 30 mm variiert, erhält zudem eine Oberflächenstruktur, die durch Lichtbrechung die Ausdruckskraft verstärkt. Zur Befestigung der Gläser werden Zementmörtel und Metallbeschläge verwendet.

Das Setzen von Buntglasfenstern ist die einfachste Art von Buntglasfenstern, normalerweise ohne Bemalung, die auf einem Satztisch aus sofort geschnittenen oder vorgeschnittenen Glasstücken hergestellt wird.

Buntglasimitation.

Glasmalerei filmen- Auf die Glasoberfläche werden ein Bleiband und eine mehrfarbige Selbstklebefolie (englische Technologie) geklebt.

Kontur-Buntglasfenster- Auf die Oberfläche des Glases wird mit Acrylpolymeren in zwei Schritten ein Muster aufgetragen: Die Kontur ahmt die Ader eines klassischen Buntglasfensters nach, in den geschlossenen Bereichen, die durch das Aufbringen der Kontur gebildet werden, werden farbige Elemente manuell gefüllt (englische Technologie) .

Obenliegendes Buntglas- erhalten durch Kleben von Elementen auf die Basis.

Mosaik, eine Arbeit, bei der ein Bild entsteht, indem mehrfarbige Steine, Smalte, Keramikfliesen und andere Materialien auf einer Oberfläche (normalerweise auf einer Ebene) angeordnet, gesetzt und befestigt werden.

Das Symbol der Seele - ein Vogel - auf einem byzantinischen Mosaik einer orthodoxen Kirche aus dem 6. Jh. Chersones.

Technik. Styling-Methoden.

Mit Direktwahl Mosaikelemente werden in den Boden gedrückt. Beim Rückruf Das Mosaik wird auf Karton oder Stoff montiert und dann auf eine grundierte Oberfläche übertragen.

Mosaikverlegung: Die Technik ähnelt der Fliesenverlegung, Kleber und Fugenmörtel für Mosaikfugen gibt es in jedem Baumarkt.

Der Untergrund wird auf Festigkeit untersucht, alle Mängel werden identifiziert – Risse, Hohlräume, Kiesnester, Bewehrung oder andere Fremdkörper, die nicht zum Projekt gehören, sowie Problemstellen, wie z. B. Ölflecken, loser oder nicht ausreichend fester Untergrund, Hohlräume. Der Untergrund muss fest, tragfähig, trocken, eben und frei von haftungsmindernden Mitteln (z. B. Zusätzen, die die Haftung verringern und die Demontage von Schalungen erleichtern), ohne Spuren von Zementschlämme, Staub, Schmutz, Farbresten, abgenutztem Gummi usw • Ggf. den Untergrund mechanisch reinigen, zB durch Sandstrahlen. Vor dem Verlegen des Mosaiks muss die Oberfläche optisch eben, ohne Absackungen, Vertiefungen und Risse sowie trocken und grundiert sein.

Mosaik auf Papier. Das Verlegen beginnt mit dem Auftragen von Klebstoff auf die vorbereitete Oberfläche, danach wird er gleichmäßig über die gesamte Oberfläche verteilt. In den meisten Fällen wird empfohlen, Klebstoffe auf Latexbasis zu verwenden. Das Mosaik wird mit der Rückseite auf das Papier geklebt. Die Verlegung muss sauber sein, daher muss der Abstand zwischen den Platten dem Abstand zwischen den Fliesen entsprechen, übermäßiger Druck ist nicht akzeptabel. Am Ende der Verlegung müssen die Platten mit leichten Schlägen der Plattform mit Gummiunterlage fixiert werden. Nach einem Tag kann das Papier entfernt werden - mit einem feuchten Schwamm angefeuchtet bleibt es zurück. Vor dem Verfugen muss die Mosaikfläche von Papier- und Leimresten gereinigt werden, danach kann mit einer Gummikelle verfugt werden. Zum Verfugen empfiehlt es sich, die vom Mosaikhersteller empfohlene Zusammensetzung zu verwenden. Wenn das Verfugen abgeschlossen ist, können Sie das Mosaik reinigen und die Mosaikoberfläche polieren.

Verlegen eines Mosaiks auf einem Gitter. Im Gegensatz zu Mosaiken auf Papierbögen werden auf Gitter geklebte Mosaike mit der Vorderseite nach oben geklebt. Für die Technologie der Verlegung ist charakteristisch, dass Sie nach dem Trocknen des Klebers sofort mit dem Verfugen der Fugen beginnen können.

In Arts and Crafts gibt es noch viel mehr verschiedene Arten. Mit jedem Jahr der Entdeckung neuer Technologien werden es mehr und mehr.

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Die Entwicklung der Holzverarbeitung steht in direktem Zusammenhang mit der Entwicklung der russischen Kunst und Architektur. Es gibt nur wenige alte Denkmäler der Kunst der künstlerischen Holzbearbeitung, daher werden sie nach literarischen Quellen, Bildern in der Malerei sowie Denkmälern der Volkskunst einer späteren Zeit untersucht. Die russische Kunst der künstlerischen Holzbearbeitung ist ein einzigartiges Phänomen, das der Welt prächtige Baudenkmäler, einzigartige reiche Schnitzereien und Haushaltsgegenstände beschert hat.

Wie die Holzarchitektur geht die Schnitzkunst auf das Leben der alten Slawen zurück, die sich in der Antike an den Ufern der Wolga, des Don, des Dnjepr und des Ilmensees niederließen. An den Wänden slawischer Heiligtümer wurden Menschen, Vögel und Tiere abgebildet, die nach Mythen und Märchen in jenen fernen Zeiten „lebten“. Die vorchristlichen religiösen Vorstellungen der alten Slawen führten zu einer weit verbreiteten Verwendung mythologischer Bildmotive. Die beliebtesten Bilder jener Zeit, die die Hütten schmückten, waren verschiedene fantastische Tiere, Meerjungfrauen und weibliche Figuren neben Pferden und vielem mehr. Die gleichen Motive sind in der dekorativen und angewandten Kunst erhalten.

Unsere Vorfahren wussten schon immer, dass Holz ähnlich ist Baumaterial hat wertvolle Eigenschaften: Wärmedämmung, gute Wasserbeständigkeit, geringe Dichte, eine Vielzahl von Texturmustern, schöne Farben und natürlich die Bequemlichkeit der Ernte und Verarbeitung. Fast alle Wohn- und Nebengebäude, Stadtmauern, Brücken und Tempel, strategische Befestigungsanlagen wurden aus Holz gebaut. Darüber hinaus war Holz im Alltag weit verbreitet: Handwerker bauten Schiffe, Boote, Schlitten, Karren, Geschirr (Schüsseln und Kelche, Löffel, Schöpfkellen, Salzstreuer, Eimer, Kübel), Werkzeuge für die Landwirtschaft und den Haushalt (Spinnräder, Spindeln). ).

Die Menschen nutzten geschickt alle Teile des Baumes in der Wirtschaft, nichts wurde verschwendet. Zum Beispiel wurde das Dach mit Birkenrinde bedeckt, weil es keine Feuchtigkeit aufnimmt, und aus seinen Leisten wurden auch Hüllen für die Aufbewahrung von Zimmermanns- und Zimmermannswerkzeugen genäht, um es vor Rost zu schützen. Aus dieser Zeit stammt auch die Tradition, Tuesca zur Aufbewahrung von Lebensmitteln herzustellen, die bis heute erhalten ist. Nun, was können wir über die aufkommende Schrift sagen - die berühmten Novgorod-Briefe wurden auf Birkenrinde geschrieben. Aber die Handwerker verwendeten nicht nur Birkenrinde - sie stellten verschiedene dünnwandige Gerichte aus Maserholz (Höhlen auf Laubbäumen) her, da Maserholz Härte, Elastizität und eine seltene Schönheit der Textur hat. Große und kleine Körbe und Wiegen wurden aus einer gut gebogenen Weidenrute geflochten. Baumstämme gingen natürlich zum Bau von Häusern und Palisaden. Praktischeres Material konnte man damals nicht finden. Der Baum wurde gefällt und ganz einfach verarbeitet. Massive Balken der Mauern dienten als zuverlässiger Schutz vor Feinden und schlechtem Wetter.

Die Auswahl an Holzbearbeitungswerkzeugen, insbesondere Holzschnitzwerkzeugen, war damals nicht geringer als heute. Natürlich ist die Anzahl der damals hergestellten Meißel und Meißel nicht mit modernen Produktionsraten zu vergleichen, aber das Werkzeugsortiment war recht umfangreich - von vielen Arten von Äxten allein für unterschiedliche Schnitte bis hin zu unzähligen Optionen und Arten von Meißeln, Messern und Meißeln ... Wenn Sie jedoch über das Tool sprechen, ist dies ein separates Thema.

In Rus gab es schon immer verschiedene Arten der künstlerischen Verarbeitung von Holz, aber die gebräuchlichste war natürlich die Schnitzerei, mit der jedes Gebäude geschmückt wurde: von Palästen bis zu einfachen Hütten, Möbeln, verschiedenen Haushaltsgegenständen und kleinen Handwerken. Es gibt sehr viele Arten und Richtungen der Holzschnitzerei. Sogar das Schnitzen von Häusern wird als separate Richtung herausgegriffen, in der es Gesetze und Regeln gibt, wie, mit welchem ​​​​Ornament und wo dieser oder jener Teil des Hauses dekoriert werden soll! Russische Handwerker kannten und fühlten Holz als Material perfekt, sie hatten eine so lebhafte, erstaunliche Vorstellungskraft, dass sie in jedem Werk echte Kunstwerke schaffen konnten, sei es ein Prinzenpalast oder ein einfacher Holzlöffel.

Geschichte Holzlöffel in Rus'

Ein Haushaltsgegenstand, der bei Kalender- und Familienzeremonien verwendet wird, in traditionelle Medizin und Weissagung. Der Löffel symbolisiert normalerweise das Familienmitglied, dem er gehört, sowie die Person im Allgemeinen. In der Provinz Wjatka. Bei der Hochzeit banden sie die Löffel der Braut und des Bräutigams zusammen und sagten:
"Da diese Löffel fest miteinander verbunden sind, wären die Jungen miteinander verbunden."

Der Löffel war einer der wenigen persönlichen Besitztümer eines Bauern; Löffel markiert, vermieden mit Fremden. Der Löffel wurde normalerweise mit dem Weiblichen in Verbindung gebracht: Nach einem unter den Ostslawen bekannten Zeichen kommt eine Frau, wenn ein Löffel oder eine Gabel herunterfällt, wenn ein Messer ein Mann ist. Dennoch wurde dem Löffel des Mannes eine besondere Bedeutung zugeschrieben:
manchmal war es in Größe und Form dem Rest entgegengesetzt;
Der Löffel eines Mannes durfte das Essen nicht stören, damit sich der Ehemann nicht in Frauenangelegenheiten einmischte und sich nicht mit seiner Frau stritt.

In der Ukraine glaubte man, dass man mit Hilfe eines Löffels eines verstorbenen Besitzers ein Muttermal, eine Warze, einen Abszess und eine Schwellung im Hals loswerden kann. In der Provinz Poltawa. ein solcher Löffel wurde "Hexe" genannt; Sie wurde sehr geschätzt und glaubte, dass man Halsschmerzen sofort heilen kann, wenn man ihre Halsschmerzen berührt. Ein Löffel eines Mannes oder eines Mädchens wurde in der Liebesmagie verwendet: Sie verbrannten ihn, um eine Person zu verzaubern, die sie mochten.

Vor dem Essen wurden die Löffel meist auf den Kopf gestellt, was eine Einladung zum Essen bedeutete; Nach dem Essen wurden die Löffel umgedreht. Allerdings in der Provinz Orjol. Es war nicht erlaubt, vor dem Essen einen Löffel „mit dem Gesicht nach oben“ zu legen, sonst würde man mit offenem Mund und offenen Augen sterben. Nach dem Glauben der Weißrussen muss während des Trauermahls nach jeder Mahlzeit der Löffel auf den Tisch gelegt werden, damit die „Großväter“ ihn essen, und der Löffel muss mit der Kerbe nach oben gelegt werden, sonst drehen sich die Toten um mit dem Gesicht nach unten in die Gräber.

Während des Gedenkens wurde dem Verstorbenen ein zusätzliches Gerät (einschließlich eines Löffels) beigelegt. In Polen und Weißrussland während des Weihnachtsessens und Neujahr Es war nicht erlaubt, den Löffel anzuheben, da er durch das Eingreifen der Toten, die unsichtbar am Tisch anwesend waren, herunterfiel.

Die Weißrussen legten nach der Gedenkfeier die Löffel auf einen Haufen und ließen sie bis zum Morgen auf dem Tisch liegen, damit sie alle zusammen in der „anderen Welt“ sein konnten. An derselben Stelle, bei den „Großvätern“, wurden nachts Löffel um eine Schüssel mit einer Gedenkschale gestapelt, und morgens beurteilten sie anhand der Position der Löffel, ob die Vorfahren nachts kamen; Wenn der Löffel am Morgen auf den Kopf gestellt wurde, bedeutet dies, dass der Verstorbene ihn benutzt hat.

In der Ukraine und Weißrussland ließen die Teilnehmer des Abendessens in der Nacht vor Weihnachten auch ihre Löffel auf dem Tisch liegen, stellten einen Schneebesen auf die Seite einer Schüssel mit den Resten von Kutya oder steckten sie in Kutya; Es wurde angenommen, dass, wenn der Löffel über Nacht herunterfiel oder umgedreht wurde, sein Besitzer in diesem Jahr sterben würde. Früher haben die Huzulen an Silvester Wahrsagerei gemacht: Nach dem Abendessen stellten sie Löffel auf eine Bank und lehnten sie an die Wand; fiel einer der Löffel herunter, so versprach dieser seinem Besitzer den Tod. Die Moravans warfen sich nach dem Abendessen an Heiligabend einen Löffel über den Kopf; Wenn sie mit einem Griff an die Tür fällt, deutet dies auf einen schnellen Tod hin. Im russischen Norden wurden nachts mit Wasser gefüllte Löffel auf die Straße gebracht: Wenn es mit einem Grübchen gefroren war, versprach dies dem Besitzer den Tod, und wenn mit einem Tuberkel, dann Leben.

Der Löffel, der ständig mit Nahrung und Mund in Verbindung gebracht wird, wurde mit dem Mund eines wilden Tieres, Nagetiers, Vogels, der die Ernte verderbt, usw. in Verbindung gebracht. Daher, um an bestimmten Feiertagen die Felder vor Vögeln und Feldschädlingen und das Vieh vor Raubtieren zu schützen Die Verwendung von Geräten, insbesondere von Löffeln, war begrenzt. In Serbien hat die Gastgeberin vor dem St.-Georgs-Tag Löffel gekreuzt und sie mit den Worten gebunden: "Wir binden dem Wolf das Maul." Die Serben benutzten während des Essens an Heiligabend und in den ersten Wochen der Großen Fastenzeit oft keine Löffel und Gabeln; Löffel wurden gebunden, versteckt, in der Nähe des Hühnerstalls aufgehängt, damit Raubvögel kein Geflügel angreifen konnten; mit einem Seil festgebunden, damit "die Krähen nicht nach dem Mais picken". Wenn sie in Polen am Heiligen Abend Brei aßen, schlugen sie mit einem Löffel auf die Decke oder schlugen ihrem Nachbarn auf die Stirn mit den Worten:
„Weg, Tauben, von der Hirse, Sünde, weg!“

In verschiedenen rituellen Situationen wurden Löffel geworfen, gestohlen und sogar zerbrochen. In der Provinz Kaluga. An Christi Himmelfahrt gingen die Frauen zum Roggen, kochten dort Rühreier und warfen nach dem Essen Löffel hoch und sagten:
"Wie hoch der Löffel fliegt, so hoch wäre der Roggen."

In der Provinz Kostroma. In Semik kochten die Mädchen Brei und warfen dann Löffel durch eine gekräuselte Birke: In welche Richtung der Löffel mit einem Griff fällt, wird die Verlobte von dort sein. In Polen wurden an Heiligabend Löffel nicht auf den Tisch gelegt, sondern in die Zähne gehalten, damit das Kreuzbein nicht schmerzte; Der Besitzer warf Erbsen mit einem Löffel, "damit die Bullen und Färsen traten".

In der Volksmedizin wurde Wasser häufig zum Spülen von Löffeln verwendet. In der Provinz Wjatka. Vor dem Baden wurde das Kind mit Wasser aus drei Löffeln, Gabeln und Messern übergossen und verurteilt:
"Wie Löffel, Gabeln und Messer liegen ruhig, also, Diener Gottes (Name), sei still und ruhig."

Der Umgang mit dem Löffel wurde durch eine Reihe von Hausregeln und Verboten geregelt:
Die Ukrainer sorgten dafür, dass kein zusätzlicher Löffel auf dem Tisch lag, sonst würden die „Unheimlichen“ ihn essen;
Es war nicht erlaubt, einen Löffel an eine Schüssel zu „hängen“, damit „Unheimliche nicht in die Schüssel klettern“.
Sie können einen Löffel nicht über Nacht in einem Topf lassen, da der Unreine ihn berührt und rumpelt, weshalb die Kinder nicht schlafen können.
Sie können den Löffel eines anderen nicht verwenden, da in den Mundwinkeln „Marmeladen“ auftreten oder eine Person von Völlerei angegriffen wird.

Die Geschichte des Spinnrads in Rus

Spinnrocken sind ein einzigartiges Phänomen der Volkskunstkultur. Sie offenbaren am besten das künstlerische Flair des russischen Bauern, der es verstand, aus einem Haushaltsgegenstand ein Kunstwerk zu machen. Das Spinnrad war eines der beliebtesten Geschenke eines Mannes an eine Frau, insbesondere an den Bräutigam. Für ein kleines Spinnrad, das ihr Vater oder Bruder gespendet hatte, setzte sich das Mädchen im Alter von fünf bis sieben Jahren hin und trennte sich dann ihr ganzes Leben lang nicht von ihr. Die reichhaltige und abwechslungsreiche Dekoration der Spinnräder ist eine Art Erinnerungsspeicher der Menschen. In Russland sind mehr als 30 Arten von künstlerischen Spinnrädern bekannt.

Ungewöhnlich elegant sind säulenförmige Komposit-Spinnräder mit durchgeschnitzten Beinen in Form eines mehrstöckigen Türmchens. Die Anzahl der Stockwerke mit Bogenfenstern erreicht manchmal fünfzig. Diese Form des Spinnrades ist den Architekturbildern von Zeltkirchen und Glockentürmen des 17. Jahrhunderts nachempfunden.

Das Spinnrad von Wologda verwandelte sich manchmal in eine ganze geschnitzte Tafel. Es wurde angenommen, dass sie umso schöner war, je breiter ihre Klinge war. Auf geschnitzten Spinnrädern aus dem Russischen. Im Norden sieht man eine große Rosette, die seit der Antike die Sonne symbolisierte, und es ist kein Zufall, dass an genau dieser Stelle ein Schlepptau hinter dem Paddel gebunden war. In der Volkspoesie wurden die Sonnenstrahlen goldene Locken und goldene Fäden genannt, und die Spinnerin drehte sozusagen ihren Faden aus den Sonnenstrahlen selbst. Spinnrocken zeugen auch davon, dass sich ein russischer Bauer die Sonne bis vor kurzem in menschlicher Gestalt vorstellte: Auf einem einzigartigen Boden eines Jaroslawler Säulenspinnrockens ist ein geschnitztes Sonnengesicht abgebildet, das von einem Strahlenkranz umgeben ist.

Wie Spinnräder hergestellt wurden

Am Waldrand steht ein breitbeiniger Baumstumpf. Wir stolpern. Es steht, sonnt sich in der Sonne und sagt sozusagen mit all seiner Erscheinung: "Niemand braucht mich jetzt, es ist Zeit zum Ausruhen." Aber es war nicht da. Das scharfe Auge eines vorbeigehenden Bauern. Er hält das Pferd an, nimmt eine Axt: „Du wirst mir noch dienen, Großvater.“ Er hackte alle Wurzeln ab, ließ nur zwei lange auf gegenüberliegenden Seiten übrig, entwurzelte den alten Mann, und als er dann mit aller Kraft genau in der Mitte hackte, spaltete sich der Stumpf in zwei gleiche Hälften, und jede hatte eine Biegung Bein. Der Mann berührte liebevoll die fast glatte Oberfläche: „Die Spinnräder werden meiner Frau Avdotyushka und meiner Tochter Maryushka gut tun, sonst ist ihre alte Tochter für sie ziemlich klein geworden, das Mädchen wächst.“ Ich lud beide Hälften auf einen Karren und fuhr nach Hause.

So begann einst die Herstellung eines Spinnrades, das im gesamten russischen Norden weit verbreitet war. Seine Klinge wurde aus dem Stamm geschnitten, und der Boden zum Sitzen des Spinners wurde aus der Wurzel desselben Baumes geschnitten. Es gibt nur einen Weg, und die Spinnräder in jedem Ort sind anders, besonders, man kann sie nicht verwechseln, weil die Meister sie so dekoriert haben, wie es ihre Väter und Großväter gelehrt haben. Jeder Meister fertigte sein eigenes an, aber das allgemeine Erscheinungsbild des Produkts und die Art seiner Dekoration änderten sich nicht. Und doch werden Sie keine zwei identischen Spinnräder finden.

Das Bild des russischen Spinnrades in der Kunst

Nicht alle Wissenschaftler sehen im Rosettenkreis nur das Bild der Sonne. Der Akademiker B. A. Rybakov schlug vor, dass dies ein Ausdruck der umfassenderen Idee des „weißen Lichts“ sei, die im populären Weltbild vom Konzept der Sonne getrennt wurde: „Licht für das gesamte Universum ist Licht, das nicht greifbar, unergründlich und niemand kann es irgendwo platzieren ...». Eine kleine Rosette innerhalb dieses Kreises stellte laut Rybakov die Sonne selbst dar, und zwei Ohrringe mit kleinen Rosetten unten an den Seiten der Klinge vermittelten die Vorstellung von der Morgen- und Abendsonne, ihrer Bewegung von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang. Auf den Städten, die die pommerschen Spinnräder krönen, befinden sich sozusagen fünf Rosetten in einer auf- und absteigenden Bewegung, und die mittlere ist die größte.

Pommersche Spinnräder, die an den Ufern des Weißen Meeres existierten, waren reich mit geometrischen Schnitzereien verziert, und im 19. Jahrhundert wurden Schnitzereien auch mit einer fröhlichen mehrfarbigen Farbpalette bemalt. Auf ihnen sehen wir bereits nicht eine, sondern drei komplexe Rosetten, die sich untereinander befinden, und in der Mitte ist notwendigerweise eine Raute oder ein Quadrat eingeschrieben, oft mit Schattierung. (Nun ist bereits bewiesen, dass das Bild einer Raute aus der Antike die Idee der Fruchtbarkeit, der fruchtbaren Erde, symbolisierte. Und die Wirbelbuchse darunter ist die nächtliche „unterirdische“ Sonne, die ihren Weg von West nach Ost findet. um die Erde morgens wieder zu beleuchten und zu wärmen.) Es stellt sich heraus, dass auf den Spinnrädern ein schematisches Bild des Universums nachgebildet wird, das nach dem Weltbild unserer Vorfahren aus drei Hauptwelten besteht - himmlisch, irdisch und unterirdisch.

Symbolik des russischen Spinnrades

Auf den Spinnrädern jedes Typs werden die Elemente dieses Weltbildes auf ihre eigene Weise vermittelt. Die Linie der Erde wird oft durch einen Streifen geometrischer Schnitzereien am unteren Ende der Klinge dargestellt, und die unterirdische Sonne ist eine kleine Rosette auf dem Schaft des Spinnrads. Auf den Spinnrädern Tarnog und Nyuksen aus der Region Wologda erstreckt sich eine geschnitzte Schlange von hinten bis zu einem solchen Auslass entlang der Beinbeuge. Die Schlange fast aller Völker der Welt, einschließlich der Russen, personifizierte Untergrundkräfte, und auf dem Tarnog-Spinnrad wird der alte Mythos des Kampfes der Sonnengottheit des Guten mit der Schlange, der Gottheit des Bösen, der Dunkelheit, nacherzählt in der Ornamentsprache.

In den Bildern von sich drehenden Rädern kann man Anklänge an den verbreiteten slawischen Mythos über die Erschaffung des Universums finden, wonach die Welt von zwei Vögeln erschaffen wurde, die das erste Stück Erde vom Grund des Urmeeres genommen haben , und dann Sonne, Monat, Sterne. Und auf der Klinge eines Totem-geschnitzten Spinnrades aus der Region Wologda sehen wir zwei Vögel, die auf einer Raute stehen - wie auf einer neu geschaffenen Erde - einer Insel, und über ihnen erhebt sich eine riesige Halbrosette der Sonne, als wenn er aus dem Urozean auftaucht. Auf dem Twer-Spinnrad gibt es eine ähnliche Handlung: Zwei geschnitzte Vögel stehen vor einem gekreuzten Kreis, und darunter ist ein schematisches Bild eines Baums geschnitzt.

Wie russische Spinnräder geschmückt wurden

Holz ist allgemein eines der Hauptmotive für die Dekoration von Spinnrädern, insbesondere in der Malerei. Und das nicht zufällig. Es sind Spuren archaischer Vorstellungen über den sagenumwobenen und geheimnisvollen Baum des Lebens, die sich über viele Jahrtausende entwickelt und entwickelt haben. Zu Beginn der Entstehung der Menschheit war ein Baum einer der ersten Zufluchtsorte einer Person, er stand im Zentrum der ersten primitiven Behausung - einer Hütte (die Lappen hatten solche Behausungen zu Beginn des 20. Jahrhunderts). Seine Krone war das erste Dach, unter dem der Herd brannte, neue Familienmitglieder geboren wurden, der Baum in der Vorstellung des Urmenschen zu einem festen Bestandteil von allem wurde. Lebenszyklus Stammes-Team. Viele Völker der Welt hatten einst Vorstellungen von einem Stammbaum mit Vögeln - den Seelen der Menschen auf den Ästen. Anscheinend gab es solche Ideen einst bei den Vorfahren der Ostslawen. Dies wird durch Volksglauben, Denkmäler der angewandten Kunst belegt. Ein Baum mit Vögeln ist eines der beliebtesten Motive der russischen Volkskunst. Es ist oft auf Spinnrädern zu finden. So ist der geschnitzte Kokoshnik des Jaroslawler „Teremkovy“-Spinnrads eine schematische Darstellung eines Baums mit Vögeln auf den Zweigen und zwei Pferden an seiner Basis.

Bauernmöbel sind untrennbar mit städtischen Mustern russischer Möbel verbunden, deren Prototyp europäische Tische, Schränke, Bänke, Truhen usw. waren. So war das 17. Jahrhundert beispielsweise durch den enormen Einfluss deutscher Möbelhersteller auf Stil und Form der russischen Stadtmöblierung geprägt. Natürlich brachte die russische Bauernschaft, die in der Stadt arbeiten ging, nicht nur materielle Gegenstände aus der Stadt in ihr Heimatdorf, sondern auch frische Ideen, darunter Möbel, von ihren Bürgern. Natürlich war es dem Bauern nicht möglich, die Ideen eines professionellen Stadtmöbelherstellers in seinem eigenen Produkt zu vermitteln, es gab Vereinfachungen im Design, Entscheidungen zur Reduzierung der Möbelkosten ... So entstanden originale Bauernmöbel , die uns immer wieder mit ihrer Zuverlässigkeit und Schönheit überrascht.

Im Laufe der Zeit hat sich eine so originelle und statische Möbelkultur herausgebildet, dass es manchmal Probleme gibt, die Herstellung von Möbeln im Aussehen zu datieren - die Geheimnisse der Möbelkunst wurden vom Vater an den Sohn weitergegeben und blieben einige Zeit unverändert. Dies gilt insbesondere für die Siedlungen der Altgläubigen - ihre Kultur ist statisch und die Möbel haben sich seit mehreren Generationen praktisch nicht verändert.

Materialien für Russisch Landschaft preisgünstige Holzarten bedient, wie Kiefer, Fichte, Birke, Eiche, Espe, Linde, Lärche ... Das Material der Möbel unterscheidet sich natürlich je nach Region, in der die Möbel hergestellt wurden - natürlich ist niemand angereist in ferne Länder für den Wald. So überwogen beispielsweise im Norden Russlands Möbel aus Nadelholz, auch in anderen Regionen gab es für Möbelhersteller keine besondere Wahl - sie verwendeten das Holz, dessen Quelle näher am Dorf lag, in ihrem Arbeit.

Der Einfluss auf die russischen Möbeltraditionen beschränkt sich jedoch nicht nur auf Europa - zum Beispiel findet sich ein so häufiges Möbelstück in Rus wie eine Truhe unter den Möbeln des alten Ägypten und zeichnet seine Geschichte von dort aus nach. Nach den ägyptischen Kanonikern wurde dieses Möbelstück fast bis zum 13. Jahrhundert hergestellt, als die Proto-Truhe, ein massives Stück Holz, durch eine Truhe aus zusammengeschlagenen Brettern ersetzt wurde. So wurde die Truhe für die Massen viel zugänglicher, und bald tauchten viele Modifikationen dieses Gegenstands auf - Volksfantasie kombinierte eine Truhe mit einem Bett, Geldkisten tauchten auf - eine Art alter Tresor sowie verschiedene Modifikationen der Truhe zum Aufbewahren Geschirr, Kleidung und andere Utensilien.

Die Truhe in Rus wurde als Hauptmöbelstück der Hütte behandelt, ohne das man sich die Existenz einer gewöhnlichen Bauernfamilie nicht vorstellen kann.

Neben der Truhe in der alten russischen Hütte gab es natürlich auch so ein Möbelstück als Tisch - natürlich ist ohne ihn weder Essen noch abendliches Zusammensein bei Fackellicht möglich ... Der Tisch verfolgt auch seine Geschichte aus dem alten Ägypten, das zum Geburtsort vieler Möbelkonzepte wurde. Der ägyptische Tisch war viel niedriger, aber der Tisch nahm in der Antike mehr oder weniger moderne Ausmaße an.

In der russischen Tradition nahm der Tisch verschiedene Formen an, manchmal so bizarr, dass es schwer vorstellbar ist. Ein Beispiel für ein solches Konzept ist der karelische Hochzeitstisch, in dessen Design Skier einbezogen wurden. Dieser Tisch wurde einmal benutzt - während der Hochzeitszeremonie, und dann schleppte die Braut den Tisch in die Scheune (dafür wurden Skier benötigt), wo er die ganze Zeit aufbewahrt wurde, während der Ehebund bestand. Natürlich gab es in der Antike zwei Haupttypen von Tischen – Ess- und Küchentische.

Eine andere interessante Form von Möbeln in Rus' - ein Stauraum - diente als eine Art Anrichte, jedoch wurden dort hauptsächlich Dinge von kulturellem Wert aufbewahrt, sowie verschiedene Arten von Familienerbstücken ...

Die logische Fortsetzung dieser Möbelform war das uns vertraute Büffet – darin bewahrte die Bauernfamilie gewöhnliche Gegenstände auf, die oft gebraucht wurden und keinen kulturellen oder rituellen Wert hatten. Es scheint, dass ein Buffet - es ist ein Buffet, aber die Leute passten die Möbel für eine einzelne Hütte an, die sich nicht nur in der Geometrie, sondern auch in der Anzahl der darin lebenden Personen unterschied, und der Reichtum in der Familie war sehr unterschiedlich , so dass die Formen und Größen der Buffets am Ende die unterschiedlichsten waren, von länglichen Höhen bis hin zu niedrigen und langen Sideboards.

Ende des 19. Jahrhunderts tauchten im bäuerlichen Alltag Kleiderschränke auf, die der Aufbewahrung verschiedener Arten von Wäsche dienen - Unterwäsche, Tisch- und Schlafsachen ... Diese Möbelform hat sich nicht in der High Society etabliert, wurde aber gerne angenommen die städtische Bevölkerung, von wo sie bald in die russischen Dörfer abwanderte. Dieses Möbelstück war ziemlich einheitlich, der Hauptunterschied im Design ist der optionale Sockel mit Schubladen.

Russische Volksschnitzerei und Malerei auf Holz

Unter den größten Sammlungen russischer Volkskunst ist die Sammlung künstlerischer Holzarbeiten im Sagorsker Museum eine der reichsten und vollständigsten. Es wurde zu Sowjetzeiten gesammelt. In den späten 1930er Jahren sammelte das Museum für Volkskunsthandwerk in Moskau auf Initiative von 3. J. Schwager die ersten, buchstäblich einzigen Objekte des russischen Bauernlebens aus Holz. In denselben Jahren wurde auch eine seltene Sammlung von Wolga-Hausschnitzereien in das Museum gebracht, an deren Erwerb MP Zvantsev, bereits in jenen Jahren bekannter Experte und Forscher der Volkskunst der Wolga-Region, beteiligt war. 1941 wurde die Sammlung dieses Museums in das Reservat des Staatlichen Historischen und Kunstmuseums Zagorsk verlegt, wo die Arbeiten zur Vervollständigung der Sammlung fortgesetzt wurden. In den letzten zwei Jahrzehnten hat das Museum mehr als 50 wissenschaftliche Expeditionen durchgeführt, um russische Volkskunst zu sammeln und zu studieren. Die meisten der im Album präsentierten Werke wurden während dieser Reisen gesammelt.

Die Werke dieser Sammlung stammen überwiegend aus dem 19. und den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Einige Beispiele stammen aus dem 18. und 17. Jahrhundert. Das Gebiet, das in den 1950er und 1960er Jahren vom Sagorsker Museum vermessen wurde, ist weitläufig. Es umfasst den gesamten russischen Norden (Regionen Archangelsk und Wologda), die Gebiete am Ober- und Mittellauf der Wolga (Regionen Gorkowskaja, Kostroma, Jaroslawl und Kalinin) und weiter westlich (Regionen Smolensk, Pskow, Nowgorod und Leningrad). . Die in diesem Bereich gesammelte Sammlung von Holzprodukten ist vor allem wegen ihrer großen künstlerischen Bedeutung von großem Interesse. Darüber hinaus ermöglichte das mehrjährige Studium der Kunst eines Gebiets oft die Eröffnung völlig neuer Zentren der Volkskunst. Die Sammlung des Sagorsker Museums ermöglicht es nicht nur, die von Forschern bereits vor der Revolution begonnene Klassifikation vieler Teile der russischen Volkskunst zu ergänzen, sondern ist in vielen Fällen die einzige Quelle, die es erstmals ermöglicht, einzelne zu kommentieren Werke vieler vorrevolutionärer Sammlungen, deren Sammlung keinen Wert auf wissenschaftliche Zertifizierung legte. Der russische Norden und die Länder der oberen und mittleren Wolgaregion sind die waldreichsten Regionen des europäischen Teils Russlands. Lärche, Kiefer, Fichte, Birke, Ahorn und viele andere Baumarten werden seit langem vom Menschen verwendet, um alles herzustellen, was in seinem Leben notwendig ist. Aus Holz holzten sie eine Wohnung und alle Nebengebäude um das Haus herum, schufen skulpturale Götterbilder, errichteten Tempel, bauten große und kleine Schiffe, stellten Möbel, fast alle Werkzeuge, Geschirr und Kinderspielzeug her. Es war das erschwinglichste, langlebigste und am einfachsten zu verarbeitende Material. Nicht den letzten Platz unter den aufgeführten Vorteilen spielte die Schönheit des Materials - seine abwechslungsreiche Farbe und natürliche Musterung des Holzes, die die Handwerker so hervorragend in ihrem Handwerk verwendeten. Seit jeher hat der Mensch versucht, sich nicht nur mit lebensnotwendigen Gegenständen zu umgeben, sondern sie auch zu schmücken. Der Schönheitssinn in ihm entwickelte sich untrennbar aus dem Arbeitsprozess, er entstand aus dem Bedürfnis nach Kreativität und spiegelte die ästhetischen Ideale und die spirituelle Kultur des Menschen wider. So nahm von Jahrhundert zu Jahrhundert die nationale Kultur, die Kunst des russischen Volkes Gestalt an, indem sie das Beste, was zuvor geschaffen wurde, aufnahm. Volkskunst ist schön, weil sie die Idee des ganzen Volkes ist. Seine mächtige Strömung nahm alle Quellen der Schönheit auf und trug durch die Jahrhunderte das lebenspendende frische Wasser unzähliger Quellen der Volkskunst. In der Volkskunst zeigte sich der nationale Geschmack am deutlichsten. Darin spiegelten die Menschen ihre Träume von Schönheit, ihre Hoffnungen auf Glück wider. In Kreativität, in einem unwiderstehlichen Flug der Fantasie, wurden Volkshandwerker in die wunderbare Welt der Schönheit versetzt. Jedes Bauernhaus war mit Werken echter großer Kunst gefüllt, die selbst sehr oft ein wunderbares Denkmal der Holzarchitektur war. Schlitten und Bögen, Truhen und Wiegen, Spinnräder und Nähmaschinen, Brötchen und Rüschen, Schöpfkellen und Salzdosen wurden kunstvoll mit Schnitzereien und Malereien verziert. In den Waldregionen Russlands wurde die Tischlerei besonders entwickelt. In der russischen Holzarchitektur wurde der geschnitzten Dekoration von Strukturen große Bedeutung beigemessen. Die auffälligste Seite dieser Kunst im 19. Jahrhundert war die Hausschnitzerei der Wolga-Region. Die mit Schnitzereien elegant „verkleideten“ Hütten gleichen Märchentürmen (I.i.I). Gemusterte Bretter mit reichen, hochreliefierten Schnitzereien mit tiefem Hintergrund betonen und enthüllen die Designmerkmale der Struktur. Im Gegensatz zum Blockhaus zeigen gemusterte Bretter schon von weitem die Hauptvolumen - die Tiefe des in den Schatten fallenden Giebels wird durch hell erleuchtete Flügel betont, die Lichtöffnung wird von einem Reliefrahmen der Verkleidung unter der Frontplatte begrenzt ein breites Zierband aus Fensterverkleidungen, Stirnbretter grenzen die Kanten des Blockhauses deutlich ab, geschnitzte Torrahmen und über die Blätter hängende Pforten vervollständigen die Fassade dieses ausdrucksstarken Architekturkomplexes.

Ein üppiges vegetatives Muster verläuft in runden Locken entlang der geschnitzten Bretter und flechtet in seine Triebe entweder große Blumenköpfe, die Gänseblümchen ähneln, dann Weintrauben, dann dekorative Früchte, die wie riesige Zapfen einiger fabelhafter Bäume aussehen. Und in der Dichte eines üppigen und rhythmischen Blumenmusters scheinen Löwen mit vermenschlichten Köpfen zu posieren, Küstenlinien in Form von Meerjungfrauen, Sirenen in Königskronen. Und schließlich erfreuen sie uns bei näherer Betrachtung mit einer anderen, neuen Schönheit – der Perfektion des Schnitzens, auf deren feinen Schliff die Handwerker der Wolgaregion großen Wert legten. Wir bewundern nicht nur die künstlerische Bildsprache und Handwerkskunst des Schnitzens, sondern auch das Material selbst – geschnitztes Holz. Viele Jahrzehnte unter freiem Himmel bewittert, spielt der Baum heute nicht nur mit Farbe, sondern auch mit Fasermustern. Eine der traditionellen Dekorationen eines Bauernhauses während fast des gesamten 19. Jahrhunderts war eine gemusterte Stirnwand, die das Blockhaus sozusagen krönte und es vom Giebel trennte. Sehr selten verlief das vegetative Muster in einem durchgehenden Band, das die gesamte Frontplatte gleichmäßig von Kante zu Kante füllte. Üblicherweise war das Kompositionszentrum klar markiert, was manchmal durch das in einen Reliefrahmen eingeschlossene Datum gedient wurde. Auf beiden Seiten von ihr waren Löwen, Meerjungfrauen und Sirenen. Manchmal war es ein Blumentopf, aus dem die Stängel einer Girlande herauskamen. Und sehr selten - der Name und die Initialen des Meisters, wie auf der Stirntafel des Hauses des berühmten Meisters der Wolga-Region Michail Malyschew, dessen Fantasie keine Grenzen kannte, als wäre sein Meißel mit Magie ausgestattet (Abb. II). . Muster, die auf gewöhnliche Kiefernbretter aufgebracht wurden, machten dieses einfache und billigste Material zu einem Juwel. M. P. Zvantsev, der größte Forscher der Wolga-Hausschnitzerei, nannte Malyshev „einen Klassiker der Schnitzerei von Nischni Nowgorod“. Seine Arbeit zeichnet sich durch die Klarheit des Ornaments, die Saftigkeit eines mäßig hohen Reliefs und die sorgfältige Modellierung einer sehr plastischen Schnitzerei aus.

Neben der reichen Verzierung der Stirnbretter waren die roten Fenster des Hauses darunter mit großer Pracht geschmückt, dh große Fenster im Gegensatz zu den kleinen - Portage, die in der Wolga gefällt wurden Region in der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts auf beiden Seiten eines großen roten Fensters. Die Form des im Album reproduzierten Platbands des roten Fensters mit leicht verlängerten Proportionen und einem gelockerten Sarg wurde von Volkshandwerkern aus dem Dekor der Steinarchitektur entlehnt. Dies wird durch deutlich lesbare Kapitelle belegt, die den Sandrik stützen, und eine schmale Reihe von Croutons, die ihn begrenzen. Aber der Volksschnitzer passte alle diese Elemente an das neue Material an, dachte sie kreativ neu und fügte sich so organisch in die Einrichtung der Bauernhütte ein. Der Autor zeigte großes Geschick bei der Interpretation des Musters mit dem Bild von Vögeln, sie unterliegen einer gemeinsamen Zierlösung. Die Dichte und Pracht des Musters wird durch das glatte Holz der Fensterläden und die vertikalen Stäbe der Verkleidung perfekt betont. Die Verkleidungen der Lichtfenster wurden von den Handwerkern der Wolga-Region besonders elegant verziert. Der Architrav des Lichts, der den stark zurückgesetzten Raum des Giebels einnahm, war sein dekoratives Zentrum. Er entschied sich sehr skulptural, voluminös und war immer hell erleuchtet. Beim Schnitzen der Lichtfenster fällt die kreative Vorstellungskraft der Handwerker auf: Hier sind Elemente der klassischen Architektur, die perfekt in die Gesamtkomposition des Gehäuses eingeschrieben sind, und Märchenwesen, verdrehte Holzsäulen und Vögel im Heiligenschein der Strahlen von Sonnenrosetten. Die schöne und lebendige Textur des Holzes zieht die Aufmerksamkeit auf sich, wenn man die Details der Schnitzerei betrachtet - Fragmente eines Blumenmusters und Bilder verschiedener Märchenwesen. Das rhythmisch lebendige Muster von Holzfasern zeigt manchmal perfekt die Plastizität von Reliefbildern, betont die Ausdruckskraft der geheimnisvollen Sirenen und Küsten, die den Betrachter betrachten, und hilft, die lebhafte Mimik der Katzenschnauze eines Löwen zu vermitteln. Das natürliche Fasermuster durchschneidet entweder die Stirn mit Falten, streut dann in dünnen Strahlen von den Augen entlang der Rundung der Wangen, betont dann die Lachfalte der Nase, legt sich dann zur Grimasse gefaltet um den Mund. Der Meister fühlte das Material subtil und zwang ihn fast immer, die Ausdruckskraft seiner Bilder zu steigern. Deshalb werden die Märchenfiguren in den Holzschnitzereien der Wolga-Region, die möglicherweise unter dem Einfluss der weißen Steinreliefs der alten architektonischen Strukturen von Wladimir-Susdal entstanden sind, auf eine völlig neue Weise wahrgenommen und erhalten ihre eigenen Eigenschaften innewohnend nur in hölzernem volksplastik.

Eines der interessantesten und häufigsten Bilder der Wolga-Hausschnitzerei ist das Bild der Küste, das in keiner anderen Form der russischen Volkskunst zu finden ist. Der Name "Beregina" lässt keinen Zweifel daran, dass diese Kreatur einst schützen sollte. Anscheinend wurde das „Amulett“ in Form einer Meerjungfrau zum ersten Mal auf Schiffen geschnitten, und dieses Bild entstand in jenen fernen Zeiten, als sie an die gute Macht einer Gottheit glaubten, die die Menschen auf Reisen vor bösen Geistern der Elemente schützte. Es wird angenommen, dass die „taube“ Schnitzerei von Nischni Nowgorod auf Bauernhäusern mit tiefem Hintergrund zu Beginn des 19. Jahrhunderts auftauchte und in der Mitte blühte. Ein so kurzer Entwicklungsweg zeugt von sehr alten Traditionen. Höchstwahrscheinlich wurde die "blinde" Schnitzerei von den Dekorationen der Wolga-Schiffe entlehnt. Geht es in der Holzarchitektur der Wolgaregion um gemütliche Intimität, dann machen die Dörfer des Nordens einen ganz anderen Eindruck. Auf den ersten Blick überraschen sie mit der Pracht der Gebäude, der Strenge der Formen und der Zurückhaltung des Dekors. Unter dem Dach eines nördlichen zweistöckigen Hauses befanden sich manchmal bis zu 10 Wohnhütten (Käfige oder Blockhütten). Vier von ihnen, auf zwei Etagen angeordnet, und ein Licht darüber, waren der Fassade zugewandt, der Hauptstraße, die parallel zur Straße oder zum Fluss verlief. Zwei Hütten auf zwei Stockwerken standen auf der einen Seite der Fassade, zwei auf der anderen. Das Blockhaus der hinteren Hütte krachte mit seinem Volumen direkt in die Viehhöfe. Es wurde verwendet, um Wasser für das Vieh zu erhitzen und Kälber für den Winter zu bringen. Unter dem gleichen Dach mit diesen Hütten befanden sich Viehhöfe, direkt angrenzend an die Rückseite der Wohnanlage. Über ihnen, in ihrer ganzen Länge, im zweiten Stock, war ein Stockwerk - ein riesiger, nicht eingezäunter Raum für Heu und bäuerliche Geräte. Das Märchen hatte manchmal vier oder fünf Blockhütten mit unabhängigen Toren im zweiten Stock, wo ein Pferd mit einem Heuwagen über einen Blockboden fuhr. Dem geschnitzten Dekor in den nördlichen Häusern wurde ein sehr kleiner Platz eingeräumt. Anscheinend war es schwierig, das gesamte Gebäude mit Schnitzereien zu „verkleiden“. Hier schmückten sie gerne die Veranda der Außentreppe in den zweiten Stock, die an der Wand der Hütte entlanglief. Viel Aufmerksamkeit wurde der Gestaltung einer massiven Säule geschenkt, auf der sich eine Veranda befand, die einem fabelhaften Haus ähnelte. Die Veranda hatte gewundene Säulen, einen kleinen Grat auf dem Dach und einen Volant, der wie eine schmale Spitze das Vordach der Treppe hinunterlief. Ein schmales Spitzenmuster wurde auch in die Bretter der Kapellen des riesigen Giebels geschnitten. Manchmal wurden sie mit "Tüchern" - hängenden Brettern - auch mit durchgehenden Schnitzereien versehen. Das Giebelfenster hatte oft einen kleinen Balkon, der mit den gleichen schmalen Holzschnüren und gedrehten Säulen geschmückt war. Er krönte dieses gesamte schlanke, grandiose nördliche Gebäude mit einem Okhlupen - einem riesigen Lärchenstamm, dessen Rhizom das Aussehen eines Pferdes, einer Ente und manchmal eines Hirsches erhielt. Sie galten hier einst als heilige Tiere, gute Gottheiten. Lange Jahrhunderte machten die Form dieser alten Idole so perfekt und schön, dass die Menschen, die sich nicht mehr an die schützende Bedeutung dieser alten Skulpturen erinnerten, sie nicht nur als notwendiges Detail einer komplexen Holzkonstruktion, sondern auch als obligatorische Dekoration des Ganzen platzierten Haus (Abb. III).

Noch heute haben sich weit im Norden, an abgelegenen Orten am Fluss Mezen, Dörfer mit solchen Hütten erhalten. Am hohen Ufer, über den Weiten des riesigen nördlichen Flusses, stehen strenge Riesenhäuser, und klare, stolze Silhouetten von Pferden und Enten ragen in den Himmel, die ihre raffinierte Ausdrucksform zur Schau stellen. In der Stadt Tar-noga in der Region Wologda werden immer noch Pferde von alten Gebäuden in neue Hütten gebracht. Die im Album reproduzierten Okhlupni wurden während der Expedition 1959 in die Nördliche Dwina entfernt und ins Museum gebracht.

Das Bild eines Pferdes in der russischen Volksholzskulptur war am häufigsten. Und neben den großen, monumentalen Werken, die die Coolness des Nordens beinhalten sollen, sind Kinderspielzeuge – Schlittschuhe – von großem Interesse. Im 19. Jahrhundert waren sie sowohl im Norden als auch im Wolgagebiet weit verbreitet. Jede Region entwickelte ihre eigenen Formen und Charaktere des Dekors dieser kleinen Holzskulptur. Aber ob es sich um einen Schlittschuh vom nördlichen Fluss Mezen oder von der Wolga handelt, sie werden ausnahmslos durch die Merkmale zusammengebracht, die jeder russischen Holzskulptur innewohnen: Konventionalität in der Lösung des Bildes, Verallgemeinerung der Form, extreme Ausdruckskraft. Mit großen Plänen schnitt der Spielzeugmacher aus Mezen seinen Holzschlittschuh, mit mehreren Axtschlägen hackten sie ein Spielzeug an der Wolga. Knallbunt bemalte Holzschlittschuhe in Gorokhovets. Aber trotz der Konventionen von Schnitztechniken, Formen und Malereien erscheint das Bild eines Pferdes, mal kraftvoll und bewegungslos in seiner Majestät, mal gewalttätig fröhlich und schnell, in all seiner Ausdruckskraft vor uns. Die Techniken des Schnitzens, die Besonderheiten der Form der Werke aus diesen Zentren haben jahrhundertealte Traditionen. In der russischen Volkskunst des 19. Jahrhunderts gibt es individuelle Unikate, die von Meistern ohne Kontakt zu etablierten Traditionen geschaffen wurden. Zu solchen Werken von großem künstlerischem Wert gehören ein im Album reproduzierter Bienenstock in Form eines Bären und zwei Vogelhäuschen - „alter Mann“ und „alte Frau“. Das skulpturale Bild eines Bären verdient besondere Anerkennung. Groß, der Bär wird sehr bedingt entschieden. Der Schnitzer behielt fast die Form eines massiven Baumstamms bei. Diese im Leben der Menschen des 19. Jahrhunderts seltenen Objekte sind ein deutlicher Beweis dafür, wie weit und unbegrenzt die schöpferischen Möglichkeiten der Menschen sind, wie groß ihr Verlangen nach Schönheit ist.

Einen großen Platz bei der Gestaltung von Fassaden und Innenräumen von Häusern nahm die Malerei ein. Ihre Techniken sowie das Schnitzen sind vielfältig. Von künstlerischem Interesse sind die dekorativen Malereien an den Fassaden der Hütten des russischen Nordens. Die sonst vor Regen und Schnee geschützten Teile des Hauses waren mit Malereien bedeckt: die Unterseite der breiten Dachschuppen, der Balkon des Zimmers und der Giebel (Abb. IV). Das Gemälde war sehr groß, dekorativ und in leuchtenden Farben. Oft wurde ein Muster in einem farbigen Schachbrettmuster verwendet, sie schrieben sehr gern Blumen, und manchmal verwandelte sich die Oberfläche des Giebels in ein Bild eines üppigen Gartens. Auf beiden Seiten des Lichtfensters fügen sich dekorative Löwenfiguren ein, und manchmal wurden der Besitzer und die Herrin des Hauses dargestellt, als ob sie auf einem Balkon stünden. Aber viele dieser dekorativen Gemälde wurden im Laufe der Zeit zerstört, und nur wenige Fragmente sind bis heute erhalten. Besser erhalten ist die Bemalung bäuerlicher Interieurs. Es war besonders in den Regionen des russischen Nordens verbreitet. Im 19. Jahrhundert, oft auch in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts, war fast das gesamte Innere der Nordhütte von Malerei bedeckt. Es entstand ohne Vorzeichnung mit freien malerischen Pinselstrichen, die dann mit Zwischenräumen (Animationen) betont wurden. Die Motive dieses Gemäldes sind verschiedene Blumen. Sie bemalten Golbets (ein überdachtes Gehege neben dem Ofen, mit einer Tür zur Treppe zur unteren Kiste), eine Schale mit Türen (wo die Zangen versteckt waren), eine Schöpfkelle für Geschirr, ein Gefäß mit mehreren Türen (das von der Ofen an der Seitenwand), ein Voronets (ein Balken für Regale), ein Regal für Ikonen in der roten Ecke, die Eingangstür. Und in der Mitte einer hellen, fröhlich bemalten Hütte, die ebenfalls mit Gemälden geschmückt war, hing eine Wiege. Dieser ganze Komplex der Wand- und Möbelmalerei wurde durch bemalte Truhen ergänzt; im Winter wurde am Eingang an einem speziellen Sims der Bank ein Kragen aufgehängt, dessen Holzteile auch mit Gemälden bedeckt waren; auf der Bank, erhellt vom Licht des Fensters, stand ein Spinnrad; Auf den Regalen über den Fenstern standen Holzutensilien mit einem Gemälde:

Heutzutage kann man sich dieses elegante Interieur nur anhand der erhaltenen Teile davon in den wenigen Häusern des Nordens und Haushaltsgegenständen aus Museumssammlungen vorstellen. Das Album enthält Fragmente von Mustern bäuerlicher bemalter Möbel. Ihre Malerei ist sehr dekorativ, lakonisch, die Farbpalette ist begrenzt, aber farblich harmonisch. Für die Bemalung des gesamten Innenraums wurde der Hintergrund einfarbig gestaltet, das Muster ist meist floral, einige erhaltene Fragmente solcher Bemalung tragen die Unterschriften der Meister und das Ausführungsdatum. Normalerweise erinnern sie sich in den Dörfern selten an die Namen dieser Meister, da es sich meistens um Außerirdische handelte. Die Pinselmalerei, die in allen Gebieten des russischen Nordens und der oberen Wolga-Region zu finden ist, ist ihrer Natur nach ähnlich.

Von den hölzernen Haushaltsgegenständen und Werkzeugen ist das am besten erhaltene Spinnrad ein Gegenstand, an dem eine Person seit langem Fäden herstellt. Das Spinnrad war ein ständiger Begleiter im Leben einer russischen Frau - von der Jugend bis ins hohe Alter. In die künstlerische Gestaltung wurde viel Herzblut investiert. Sehr oft wurde ein Spinnrad von einem jungen Meister für seine Braut hergestellt. Und dann wurden nicht nur Können und Talent, sondern auch all diese erhabenen Gedanken und Bestrebungen, Schönheitsträume, zu denen die Jugend fähig ist, in die Dekoration dieses Objekts investiert, das der Mann seiner Verlobten als Zeichen der Liebe und des Respekts brachte. Mal wurde ein Spinnrad für eine junge Frau angefertigt, mal dekorierte ein berühmter und sehr erfahrener Handwerker ein Spinnrad als Mitgift zum Glück seiner Tochter. Und in jedem von ihnen steckte der uns unbekannte Meister meistens ein Teilchen seiner Seele als Künstler.

Die Spinnräder wurden ihr ganzes Leben lang aufbewahrt und als Erinnerung an die nächste Generation weitergegeben. Aus diesem Grund wird dieses Objekt immer noch in den Bauernhäusern Nordrusslands als Erinnerung an die Mutter aufbewahrt. Dies hat es ermöglicht, heute die reichste Sammlung zu sammeln, die fast alle Arten von Spinnrädern des russischen Nordens und der oberen Wolga-Region umfasst. Говоря в целом о русской прялке, необходимо отметить, что не только для каждой области, но и для каждого района, а иногда даже и для нескольких изолированно расположенных деревень был свой особенный, традиционный, отличающийся от других тип прялки, который бытовал обычно только здесь, vor Ort. Die hellen Merkmale der verschiedenen Produktionszentren und der Existenz russischer Spinnräder wurden von Forschern schon vor der Revolution bemerkt. Der Begründer der Klassifizierung russischer Spinnräder war A. A. Bobrinsky, dessen zusammenfassendes Album die erste ernsthafte Veröffentlichung über Holzprodukte der russischen Volkskunst ist. Bobrinsky teilte alle russischen Spinnräder in acht Typen ein. Sowjetische Forscher setzten diese Arbeit fort. Derzeit sind mehr als 30 Sorten russischer Spinnräder bekannt. Viele der bisher unbekannten Kunstzentren wurden von den Expeditionen des Sagorsker Museums entdeckt.Das Album zeigt eine Vielzahl russischer Spinnräder mit ihren auffälligen Design- und Formmerkmalen, Schnitztechniken und Schreibtechniken, Farb- und Kompositionslösungen kann unterteilt werden in fest (oder Wurzel) , vollständig aus Rhizom und "gerade" (Stamm eines Baumes) und abnehmbar, bestehend aus einem Kamm und einem Boden. Die Forschung der letzten Jahrzehnte hat es ermöglicht, das Existenzgebiet von zu bestimmen diese beiden Strukturen.Ein massives oder Wurzelspinnrad existierte im Norden des europäischen Teils Russlands bis zur Wolga.Das klassische Zentrum der zusammengesetzten Spinnräder - ein Kamm mit einem Boden - war die Gorki-Region.In der oberen Wolga-Region Es gab einen Kamm mit einem Boden, aber daneben erschien in der Antike ein elegantes säulenförmiges Spinnrad, das sein vorgefertigtes Design wiederholte.Anstelle eines Kamms für Flachs hat es eine kleine Klinge an einem hohen Bein , das in den eingesetzt wurde unten.Und in der gesamten Oberen Wolga und ihren Nebenflüssen dieses zerbrechliche säulenförmige Spinnrad zittert. So fallen zwei große Massive auf die Karte: der Norden Russlands, wo ein festes Wurzelspinnrad existierte, und die Wolga-Regionen, wo sie sich auf einem Kamm oder einem säulenförmigen Spinnrad drehten und den Kamm im Design wiederholten.

Das nördliche Spinnrad, immer aus einem monolithischen Stück Holz gefertigt, wird in verschiedenen Regionen und Regionen des Nordens unterschiedlich genannt. So wird zum Beispiel in den Regionen Wologda und Archangelsk das Spinnrad meistens "Presnitsa" oder "Preslitsa" genannt. Im Norden der Region Kostroma - "Spin", in der Region Kalinin - "Kopanets", in der Region Jaroslawl lautet der alte Name des Spinnrads "krummer Huf", aber häufiger werden diese Spinnräder "Teremkovy" genannt. „terem“, „terematye“, „teremanya“ und „teremovye“. Die einzelnen Teile, aus denen das Spinnrad besteht, werden auch anders bezeichnet. So heißt beispielsweise der untere Teil des Spinnrades, auf dem der Spinner sitzt, nicht nur „Po“, sondern auch „Darm“, „Windel“, „Huf“. Das Bein des Spinnrades - "Riser" und "Säule". Der obere Teil des Wurzelspinnrads wird „Klinge“ oder „Klinge“, „Schaufel“, „Maske“, „Kopf“, „Feder“ und manchmal sogar „Kamm“ genannt, da sie in der Wolga-Region den vertikalen Teil nennen des Spinnrades, das in den Boden eingesetzt wurde. Als eine der ältesten und archaischsten Formen des nördlichen Wurzelspinnrockens ist wohl ein Spinnrad anzusehen, dessen Stiel sich wie ein breites Brett von der Basis aus erhebt und nach einem schmalen Schnitt mit einem kleinen Blatt endet, an dem Flachs befestigt war ( Abb. V). Die Yaroslavl Terem Rocken (auf ihrem Stiel war ein Turm abgebildet) und die benachbarten Gryazovets und Bui haben eine solche Form der Beine. Sie unterscheiden sich hauptsächlich in der Form der Klinge. Yaroslavskaya endet mit einem hohen spitzen Kokoshnik, bei Gryazovets scheint der obere Teil des Kokoshniks abgeschnitten zu sein, und das Bui-Spinnrad ist mit drei Vorsprüngen - drei Hörnern - gekrönt.

Auch die breiten Beine dieser ähnlich geformten Spinnräder waren unterschiedlich verziert. Jaroslawler Teremokrocken wurden immer aus Birke geschnitten und auf der dem Betrachter zugewandten Vorderseite mit der sogenannten Konturschnitzerei verziert, die auf einer dünnen, leicht eingerückten Linie basierte. Diese Technik ermöglichte es, komplexe Kompositionen aufzuführen. Der antike Ursprung des Spinnrads wird durch die ornamentalen Motive belegt, die es schmücken: symbolische Bilder von Pferden, Vögeln, Korbwaren - ein Symbol für Wasser, eine Rosette - die Personifikation des Sonnengottes. Später, auf den Spinnrädern von Jaroslawl, erscheinen offenbar bereits im 18. Jahrhundert und insbesondere im 19. Jahrhundert Bilder, in denen die Themen des Volkslebens einen großen Platz einnehmen. Dies sind vor allem Szenen, die mit der Hochzeitszeremonie verbunden sind: die Reisen des Bräutigams zur Braut, die Braut, Spaziergänge der Jungen, Teegesellschaften, festliche Feste, Volkstänze. Die Technik des feinen Konturschnitzens scheint speziell für ein breites, leicht gebeugtes, plastisch geformtes Bein, leicht nach vorne gebeugt, geschaffen worden zu sein. Die Schnitzerei ist sehr dekorativ. Der Schnitzer verletzt niemals die Ebene des Baumes. Um die diskrete Schönheit dieser Schnitzerei zu verstehen, muss man sie aus nächster Nähe betrachten.

Die Spinnräder von Gryazovets schmückten ihre Spinnräder auf ganz andere Weise. Meister. Sehr massiv, wie seit Jahrhunderten von einem dicken Brett geschnitten, haben Gryazovets Spinnräder ein Dekor, das die Monumentalität ihrer Form betont. Die Klinge ist normalerweise mit einem geometrischen Muster verziert, das mit dreiflächigen Schnitzereien gefüllt ist. Diese Schnitzerei gilt als eine der ältesten. In den fernen Jahrhunderten des Heidentums hatte jede geometrische Figur und ihre verschiedenen Kombinationen ihre eigene symbolische Bedeutung. Jahrhunderte vergingen, Schönheitsideale entwickelten sich, geometrische Elemente formten sich zu harmonischen Mustern. Und schon im 19. Jahrhundert war die semantische Bedeutung dieser geometrischen Figuren in Vergessenheit geraten und man schätzte nur noch ihre dekorative Wirkung. Die unzählige Vielfalt kompositorischer Lösungen, die technische Perfektion geometrischer Schnitzereien auf Haushaltsgegenständen aus Holz erfreuen unsere Zeitgenossen noch heute mit ihrer ursprünglichen Schönheit. Anscheinend begannen bereits im 19. Jahrhundert die breiten Aufsätze der archaischen Gryazovets-Spinnräder, zusätzlich zu den alten dreiflächigen Lochschnitzereien, durch Schlitzmuster zu schmücken, was den Eindruck seiner Monumentalität nicht störte. Bui Spinnräder aus der Mitte des 19. Jahrhunderts wurden nur mit Pinselmalerei verziert, davor waren sie nur mit Schnitzereien bedeckt.

Das klassische Zentrum der großen dekorativen dreieckigen Sumpfschnitzerei im Oblast Wologda kann als abgelegenes Gebiet von Tarnogi angesehen werden, das sich nördlich des Flusses Sukhona entlang des Kok-Shenga befindet. Die Form des Tarnog-Spinnrads ist archaisch. Eine riesige rechteckige Klinge erreichte anscheinend einst den Boden, wurde aber später an ihrem unteren Teil durch ein niedriges Bein gebrochen. Diese Form bildete die Grundlage für viele Arten von Spinnrocken in Wologda-Wurzelspatenform und vor allem für Spinnrocken mit großer Klinge, wie zum Beispiel die Spinnrocken der Bezirke Nyuksensky und Nikolsky (I.-I. VI). Wahrscheinlich hat vor allem die Größe des Tarnog-Spinnrads die dekorative Wirkung der großen und reichen Schnitzereien darauf bestimmt. Die riesige Leinwand der Klinge gibt der Fantasie des Meisters Raum. Manchmal trägt der Schnitzer nur wenige große Elemente des Musters auf die glatte Oberfläche der Klinge auf und betont die Schönheit der Holzstruktur durch Schnitzen, manchmal dicht, ohne auch nur einen Zentimeter glattes Holz zu hinterlassen, bedeckt die gesamte Vorderseite des Spinnens Rad mit einem dichten Muster. Zu diesen seltenen Exemplaren gehört das im Album abgebildete Spinnrad des Bauern Stepan Ogloblin. Der Künstler verwandelte ein Stück Holz in ein echtes Schmuckstück. Meisterhaft schneidet er eine dekorative Platte einer Klinge aus großen und reich an Ausführungselementen eines geometrischen Ornaments, enthüllt die Form eines Beins mit einem dichten Muster. Ein geschnitzter geprägter Kamm auf der Innenseite des Spinnrads betont die Solidität und den plastischen Übergang des Bodens in den Stiel. Mit Augenmaß, leicht mit einem Meißel berührend, verziert er die Innenseite der Klinge, wo Flachs gebunden wurde. Südlich des Sukhona, in dichten Wäldern entlang der Ufer seines Nebenflusses Pechenga, stoßen wir auf einen völlig anderen Charakter dreiflächiger Kerbschnitzereien. Die große Klinge ist förmlich übersät mit kleinsten, meisterlich ausgeführten Mustern, die in vielen Facetten ihrer komplexen Kompositionen schillern (Abb. VII). Diese Spinnräder wurden aus Birke geschnitten und nie mit Farbe bedeckt - sie sorgten für die Schönheit des Baumes. Die technische Perfektion des Schnitzens und der dekorativen Handwerkskunst zeugen von der tiefen Tradition dieses Zentrums der Volkskunst. Es gibt mehrere weitere Sorten von Pechenga-Spinnrädern. Ihre Form wurde offenbar von den benachbarten Zentren - Sovega, Tolshma und insbesondere Totma - beeinflusst. Das Totem-Spinnrad hat meist ein dünnes und hohes Bein, das unten eine ziemlich große quadratische Klinge mit großen Ohrringen und oben ein breites durchgehendes Gitter anstelle von Städten trägt. Dreiflächige Schnitzereien, deren Muster eine Rosette war, verzierten nicht nur die Klinge und die Vorderseite des Beins, sondern auch seine Kanten. Oben auf den Schnitzereien waren Totem-Spinnräder normalerweise mit Farbe bedeckt. Die Form des Totma-Spinnrads bildete die Grundlage für die Spinnräder vieler Zentren rund um Totma. Ähnlich in der Form unterscheiden sie sich in der Art des geschnitzten Dekors. Mancherorts wird bei der Herstellung von Spinnrädern großer Wert auf die Form und Ausführung des Blattes gelegt. Die Spinnräder des Bezirks Mezhdurechensky werden von einer Reihe von Kuppelstädten gekrönt. Am Tolshma-Fluss haben Spinnräder nur drei große runde Städte auf den Blättern, und in den Dörfern von Sovegi hat sich diese einfache Vervollständigung in dekorative Locken in Hufeisenform verwandelt. Die phantasievolle Form dieser Spinnräder wird durch eine bunte Bemalung der Schnitzerei ergänzt (Abb. VIII). Eine andere Gruppe von Spinnrädern, deren Form ebenfalls auf dem Totma-Spinnrad basiert, zeichnet sich durch sehr einfache und strenge Linien der Klinge und die hervorragende Technik des dreiflächigen Schnitzens aus. Dies sind die Spinnräder von Pogorelov, Biryakov und Chuchkov. Das Dekor der Beine von Chuchkovs Spinnrädern verdient besondere Aufmerksamkeit. Der subtile Rhythmus des Ornaments, die Schönheit der natürlichen Farbe des Holzes machen diese Gegenstände zu einer einzigartigen Schönheit von Kunstwerken. Neben dem Schnitzen wurden russische Spinnräder oft mit Gemälden verziert. Oft, besonders in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, wurde die Schnitzerei wie eine Tönung mit Farbe übermalt und hervorgehoben. So sind beispielsweise die Spinnräder von Totma ohne Farbe nicht mehr wegzudenken – so wurden diese beiden unterschiedlichen Dekortechniken hier organisch miteinander verschmolzen. Ihre Färbung ist sehr zurückhaltend, gedeckt. Aber in manchen Zentren malte man Spinnräder gerne bunt und „lautstark“. Von Totma stromabwärts der Sukhona, an den malerischen Ufern, liegt Nyuksenitsa. Ihre Spinnräder hatten neben klingelnden "Halsketten" (Friese aus eingebetteten Perlen) eine helle Bemalung. Sie wurden auf der Schnitzerei hell hinterlegt und große und kleine Sonnenrosetten aufgemalt, Sterne und kleine Blumen appliziert. Und das Gemälde machte den Eindruck eines bunten Chintz. Auf dem Fluss Vychegda und entlang seiner Nebenflüsse wurden Blumen in der Technik der Pinselmalerei auf einen einfarbigen Hintergrund aufgetragen, der verwendet wurde, um die Schnitzerei des Spinnrads zu bedecken. All dies erweckte den Eindruck von Sättigung und Fülle des Dekors (Abb. IX). Noch weiter nördlich, bereits in der Region Archangelsk, entlang des gesamten Verlaufs des Vaga-Flusses, eines Nebenflusses der Nördlichen Dwina, gab es ein Spinnrad, mit dem sich in Bezug auf die Klangfülle der Malerei vielleicht keine andere Art messen kann . Dies ist ein Shenkur-Spinnrad (Abb. X). Auf orangerotem Grund wurde eine Komposition aus drei übereinander angeordneten, fast immer ockergelben Blüten aufgetragen. Die Farbe von Shenkurs Spinnrad in Helligkeit kann mit dem Feuer eines lodernden Feuers verglichen werden.

Ein herausragendes Phänomen war die Bemalung von Holzobjekten der nördlichen Dwina. Zuvor umfasste das Konzept dieses Gemäldes alle seine Typen. Aber 1959 hat die Expedition des Sagorsker Museums ihre Zentren gefunden und klar abgegrenzt. Dies sind die Permogorie, Rakulka und Borok mit den stilistisch nahen späten Zentren Puchuga und Toima (Abb. XI). In Permogorye wurden im Gegensatz zu sehr vielen Gegenden, in denen meist nur Spinnräder bemalt waren, Kellen, Schüsseln, Schüsseln, Wiegen, Schlitten, Servietten, Brotkästen, Rote Bete, Krüge mit Malerei verziert. Aber auch hier galt das Hauptaugenmerk der Dekoration des Spinnrades. Die Grundlage der weißgrundigen Gemälde der Spinnräder von Permogorye ist eine klare schwarze Kontur des Bildes, die auf einen flachen Hintergrund aufgetragen wird. Diese Zeichnung wurde dann innen übermalt bzw. mit Farbe gefüllt. Diese Technik wird Grafik genannt. Neben dem vegetativen Muster, das die Oberfläche des Objekts mit einem dicken Teppich bedeckt, sind in den Gemälden von Permogorsk Szenen aus dem Volksleben J4 von besonderem Interesse. Das ist die Szene! Dorfversammlungen, Stagnationen, Reiten, Bauernarbeit. In den traditionellen Schemata zum Bemalen von Spinnrädern in Permogorsk wurden einzelne Handlungen als sequentielle Geschichte angegeben, die aus separaten Szenen bestand. Am gebräuchlichsten war das Schema, bei dem auf der Vorderseite des Spinnrads eine Szene von Mädchenversammlungen in einer eleganten Kammer mit gemusterten Fenstern abgebildet war. Unter den jungen Spinnern sitzt oft ein Junge mit einer Taljanka. Unten ist eine Szene mit einem Hochzeitszug. Und auf die Innenseite des Spinnrades schrieben sie eine Festszene, die die gastfreundlichen jungen Gastgeber verherrlichte. Alle diese Kompositionen sind von kleinen floralen Ornamenten umgeben, und sie selbst werden, ohne die hellen Muster zu verletzen, als ihre Elemente wahrgenommen.

Produkte mit Permogorsk-Malerei sind nur im 19. Jahrhundert erhalten geblieben. Aber seine Traditionen sind zweifellos älter. Die Ursprünge dieses Gemäldes sollten anscheinend in der alten russischen Kunst gesucht werden. Vergleicht man Miniaturmanuskripte des 17. Jahrhunderts mit Szenen der Ernte, Aussaat, Pflügen, Heuernte und Beweidung mit Genrebildern in Permogorye, kann man direkt nicht nur über die Nähe der Handlungen sprechen, sondern auch über die Nähe ihrer Interpretation. Dies ist wahrscheinlich auf die enge Kommunikation zwischen den Meistern, die Haushaltsgegenstände bemalten, und den Künstlern, die an der Erstellung handgeschriebener Bücher arbeiteten, zurückzuführen. Einer der deutlichsten Beweise ist das Permogorsker Spinnrad aus dem Museum für Völkerkunde (Nr. 693-3), auf dem anstelle der Versammlungsszene eine handschriftliche Werkstatt abgebildet ist. Wahrscheinlich hat der Autor selbst in einer solchen Werkstatt gearbeitet. Die Meister von Permogorye beherrschten in ihren Wandgemälden viele Techniken zum Schreiben antiker Miniaturen: die Interpretation von Menschenbildern, die Grundprinzipien des Aufbaus einer Komposition - Erzählung und eine Kombination von Episoden verschiedener Zeiten auf einem Blatt, eine koloristische Lösung. Technik und Färbung der Permogorsker Gemälde haben viel mit den alten russischen Miniaturen gemeinsam. Zuerst wurde der Spinnradbaum mit Kreide und Leim grundiert und mit weißer Farbe bestrichen. Auf einem getrockneten weißen Hintergrund wurde wie auf Papier eine schwarze Zeichnung erstellt und dann die Kontur mit Farbe gefüllt. Erst in den letzten Jahrzehnten des Bestehens des Handwerks begannen die Künstler von Permogorye, Klebefarben zu verwenden, die die seit der Antike in der Ikonenmalerei und Buchminiaturen verwendeten Eierfarben ersetzten. Nicht weniger interessante Analogien konnten zwischen den Gemälden der Spinnräder von Boretsky und der Ikonographie der „nördlichen Buchstaben“ gezogen werden. Bork hat seit langem ein eigenes Konstruktionsschema und einen eigenen Charakter, ein Spinnrad zu malen. Der vordere Teil des Spinnrades ist in drei gleiche, übereinander liegende Teile geteilt, die Dauben genannt wurden. Ende des 19. Jahrhunderts wurden sie so gemalt: Unten ist eine Fahrt in einem eleganten Karren zu sehen, oben eine üppige Blume und fabelhafte Vögel und oben goldene Fenster. Auf die Rückseite des Spinnrades schrieben sie gerne ein laufendes Pferd, Hirten mit einer Herde, Jagdszenen. Der Hintergrund ist normalerweise hellweiß und manchmal goldfarben, es gibt viel Rot im Ornament. In den Gemälden von Boretsky-Spinnrädern erregen die Kleidung der Charaktere, Frauenkopfbedeckungen und die kompositorische Lösung der Reitszenen, in denen der Reiter George von der Ikone ähnelt, Aufmerksamkeit. In der Volksmalerei der Spinnräder von Boretsky gibt es viele Momente, die sie den Ikonen der "nördlichen Buchstaben" näher bringen.

Im Gegensatz zum weißen Hintergrund haben sehr kleine und bruchstückhafte Gemälde von Permogory und Bork, den Spinnrädern des dritten Severodvinsk-Zentrums am Rakulka-Fluss (einem Nebenfluss der nördlichen Dwina), einen gelb-ockerfarbenen Hintergrund und ein großes Gemälde. Es gibt keine Genreszenen. Der obere Teil des Spinnrades ist immer von einem gebogenen Ast mit großen speerförmigen Blättern besetzt, die von schwarzen Umrissranken umgeben sind. Und darunter ist ein Vogel in ein Quadrat eingeschrieben. Es ist mit einem schwarzen Umriss gefüllt. Seine ausdrucksstarke Silhouette, dekorative Lösung, Kunstfertigkeit einer flüchtigen Zeichnung - alles spricht für die traditionelle Natur dieses Motivs. Die Farbgebung des Gemäldes zeichnet sich durch großen Adel aus. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verlor sie diese Farbharmonie;

Mezen-Spinnräder und -Kästen waren im 19. und 20. Jahrhundert weithin bekannt. Sie malten sie im Dorf Palashchelye (Abb. XII). Dieses Handwerk scheint sehr alte Traditionen zu haben. Dies wird durch das Thema der Malerei von Mezen-Spinnrädern belegt. Unter den verschiedenen geometrischen Mustern nehmen Friese mit Bildern von Hirschen und Pferden den zentralen Platz in der Komposition ein. Die Wandzeichnung schlägt mit Rhythmus. Auch seine Farbgebung ist ungewöhnlich, sie scheint den goldenen Glanz des Baumes auszustrahlen. Vor diesem Hintergrund wirkt die bräunlich-rote Bemalung mit schwarzer Umrandung edel und intensiv, die nur für Mezen typische Art des Auftragens. Das Handwerk zum Bemalen von Spinnrädern im Dorf Palaschelye war im 19. Jahrhundert sehr groß. Seine Produkte erreichten Petschora und Onega. Die Ältesten des Dorfes erinnern sich noch an die führenden Künstler des Handwerks. 1961 sammelte die Expedition des Sagorsker Museums viele wertvolle Informationen über die Meister der Mezen-Malerei, die Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts im Dorf Palaschelye wirkten. Ihre Liste besteht aus 24 Namen. Einer der berühmtesten Handwerker war Mikhail Novikov. Unter den großen spatenförmigen Spinnrädern des russischen Nordens heben sich anmutige vesdo-förmige Spinnräder mit dünnen Beinen, wie Blätter auf Stielen, die an den Küsten des Weißen Meeres und in Karelien (Abb. XIII) vorkommen, durch ihre Qualität hervor ungewöhnliche Form. Ihre Form ist mit den Ursprüngen der lokalen alten finno-ugrischen Kultur verbunden. Die Schönheit des Musters und die Feinheit der Schnitzerei zeichnen die Spinnräder der Onega-Halbinsel aus, die in der ursprünglichen Klassifizierung der russischen Spinnräder als Pommersche bezeichnet wurden.

Im Westen der Region Archangelsk, entlang des Flusses Onega, gibt es Spinnräder in der üblichen Spachtelform, die mit Schnitzereien und Gemälden verziert sind. Die Form der spatenförmigen Spinnräder ist besonders eigentümlich im Oberlauf der Onega, in der Nähe der antiken Stadt Kargopol und westlich davon bei Kenozero und in Lyadiny (Abb. XIV). Ihr Bein ist sogar noch niedriger als das der Tarnoga-Spinnräder, und die Leinwand des breiten Bretts der Klinge sank auf die Basis. In dieser Hinsicht ist ein seltenes Exemplar aus Lyadin (einer Gruppe von Dörfern in der Nähe von Kargopol) von großem Wert. Der Fuß dieses Spinnrades ist sehr klein und die lange Klinge der Klinge ist sehr dezent mit einem geometrischen Muster verziert. Hier verwendet der Handwerker die Schnitzerei mit großer Sorgfalt, die die unberührte Oberfläche des Holzes hervorragend kontrastiert und betont, seine natürliche Schönheit offenbart und die ungewöhnliche Form des Objekts betont. Die Spinnrocken von Kenozero, die ihnen nahe standen, waren nicht nur mit geometrischen Schnitzereien verziert, sondern über den Schnitzereien waren sie dicht mit Pinselmalerei bedeckt. Das kleine gemalte Blumenmuster harmoniert gut mit dem geschnitzten Muster. Diese Spinnräder sehen sehr elegant aus.

Am Oberlauf der Onega, in der Nähe von Kargopol und entlang der Ufer des Lacha-Sees, wurde ein Spinnrad mit großen Segeltuchblättern auf einem niedrigen kleinen Bein meistens nur mit Pinselmalerei verziert, groß, dekorativ, mit kräftigen Strichen weißer Animation . Seine Klinge mit einer vertikalen Blumenkomposition ähnelt einer malerischen Tafel. Neuere Studien zeigen, dass diese Form des Spinnrades keineswegs ein zufälliges Phänomen ist. Und im Süden, in der Region Nowgorod und in der angrenzenden Region Kalinin und sogar in Pskow, findet man diese ursprüngliche Form des Spinnrads, dessen durchgehende Leinwand fast bis zur Basis abfällt und nur sein Dekor variiert jede Region oder Bezirk (Abb. XV). Die meisten Varianten dieser Form existierten im südlichen Teil der Region Kalinin. Ihre sehr monumentalen Spinnräder waren nur mit Schnitzereien verziert, in denen riesige Sonnenrosetten einen so bedeutenden Platz einnahmen, dass es kaum zu glauben ist, dass sich die Menschen nicht an ihre ursprüngliche Bedeutung erinnerten - das Symbol der Sonne. Ganze Spinnräder werden in den Regionen der Oberen Wolgaregion durch elegante fragile Säulenspinnräder ersetzt. Die Formen dieser Spinnräder in verschiedenen Regionen sind sehr vielfältig. So gab es beispielsweise im nördlichen Teil der Region Kalinin mehrere Arten von säulenförmigen Spinnrädern. Hier ist nicht nur die Entwicklung von der archaischsten Form eines Spinnrades mit festem Brett anstelle eines Steigrohrs zu einem spatenförmigen Spinnrad deutlich zu erkennen, sondern auch eine allmähliche Abnahme des Blattes. Der häufigste Typ in diesen Gebieten war das Spinnrad, das in der ursprünglichen Klassifizierung der russischen Spinnräder "Twer" hieß - mit einem runden, gedrechselten Bein und einer kleinen Klinge, die normalerweise mit heller Pinselmalerei verziert war. Interessant ist, dass in manchen Gegenden sogar Wurzelspinnräder die Form eines Steigrohrs in Form eines Turms mit Öffnungen haben. In den Regionen der Kalininer Wolgaregion wurden die Beine der Spinnräder oft in Form von flachen Säulen hergestellt und zusammen mit der Klinge mit einer kleinen bunten Malerei bedeckt (Abb. XVI).

Sorten des Säulenspinnrads sind auch charakteristisch für den östlichen Teil der Region Nowgorod, wo die Nebenflüsse der Wolga beginnen, von denen die alten Portagen zu den Flüssen führten, die in den Ilmensee münden. Daher ist es kein Zufall, dass bei den Ausgrabungen des antiken Nowgorod neben Spinnrädern mit kleinen Klingen auch Kämme und Böden gefunden wurden, deren Form typisch für mit der Wolga verbundene Gebiete ist. Ein Bein in Form einer hohen flachen Säule und eine kleine Klinge sind auch charakteristisch für Spinnräder in den Sheksna-Regionen nördlich des Rybinsker Stausees. Dies sind „vergoldete“ Spinnräder, deren Bemalung den Kopfbedeckungen handgeschriebener Bücher ähnelt; Spinnräder mit Chintzmalerei aus dem Dorf Gayutina und schließlich die Spinnräder von Sogozhanka, die fast den gesamten Poshekhonsky-Bezirk der Region Jaroslawl entlang des Flusses Sogozha einnehmen (Abb. XVII). Sogozhanka-Dekor ist ein seltenes Phänomen in der russischen Volkskunst. Mit einem scharfen Meißel wurde ein sehr feines Muster auf eine glatte Oberfläche aufgetragen und dann wurde schwarze Farbe in den tiefen Strich gerieben. In der grafischen Ornamentik von Spinnrädern sowie in der Schnitzerei vieler anderer Zentren haben sich sehr alte Motive erhalten: Rauten, Rosetten, Enten mit Erdklumpen im Schnabel. Unter den Sorten der Volga-Säulenspinnräder war vielleicht eine der häufigsten Spinnräder mit einer gedrehten Säule (Abb. XVIII). Einige Forscher halten es für ein spätes Phänomen, das erst Ende des 19. Jahrhunderts auftrat. Denkmäler der antiken Ikonenmalerei zeugen von der Antike dieser Form. In der Sammlung des Jaroslawl-Museums befinden sich Ikonen, die einen Spinner darstellen, der sich auf einem säulenförmigen Spinnrad mit runden Balustraden dreht. Sie stammen aus dem 16. Jahrhundert. Im Zagorsk-Museum können Sie das Bild eines säulenförmigen Spinnrads auf einem Denkmal mit noch früherem Datum sehen - den königlichen Toren der Schule von Andrei Rublev. Einzelne Elemente von Mustern von säulenförmigen Spinnrädern, die in den Bezirken Seredsky und Nekrasovsky in der Region Jaroslawl existieren, sprechen von noch tieferen Traditionen dieser Zentren. Eines der frühen säulenförmigen Spinnräder von Jaroslawl hat einen Schaft, dessen geschnitzte Dekoration Pferdeköpfe und das Dekor der Klinge Vögel enthält. Die Silhouette des Spinnrades gleicht einer schlanken mehrstufigen Architekturstruktur. Eine der künstlerisch perfekten Varianten der Wolga-"Säule" ist ein säulenförmiges, mehrstufiges Spinnrad mit Fenstern. Die Anzahl der "Etagen" dieser Miniaturzeltstrukturen erreichte manchmal 46 und bestand aus bis zu 500 Fenstern. Und nicht nur die Schönheit der anmutigen schlanken Silhouette wird von den säulenförmigen Spinnrädern von Jaroslawl bewundert. Sie überraschen durch die Perfektion und Virtuosität der Schnitztechnik. Jedes winzige Fenster hat ein elegantes Sandrik, und die Wände zwischen den Fenstern sind mit voluminösen, gedrehten Säulen geschmückt.

Die Böden der Spinnräder sind mit dreiflächigen Schnitzereien verziert, die abgerundete Form gibt Anlass, sie als Wolga-Ursprung oder besser Jaroslawl zu betrachten. Wo sie auf Kämmen gesponnen wurden, war es üblich, den Boden nach der Arbeit als Dekoration an die Wand zu hängen. Deshalb wurde es auch im 19. Jahrhundert mit besonderer Aufmerksamkeit geschmückt. Als Ornament, als eine Art „Bild“ wurde der Donez auch in der Region Gorki wahrgenommen. Die berühmten Donets von Gorodets sind seit langem mit nagelartigen Schnitzereien verziert und mit Mooreiche eingelegt (Abb. XIX). Volkshandwerker führten Motive aus ein modernes Leben, und Mitte des 19. Jahrhunderts wurden die Gorodets Donets nur noch mit dekorativer Malerei geschmückt.

Keine anderen Dinge des bäuerlichen Lebens, abgesehen von Spinnrädern, ermöglichen es, lokale Kunstschulen und Produktionszentren mit einer solchen Vollständigkeit zu verfolgen. Wie oben erwähnt, wurden nicht alle Gegenstände des bäuerlichen Lebens so sorgfältig aufbewahrt wie Spinnräder. Nicht überall und nicht alle Holzsachen waren mit einem Muster bedeckt. Daher erwecken selbst die größten Sammlungen von Holzprodukten den Eindruck, unvollständig zu sein. All dies mindert das Interesse an einer Vielzahl von Haushaltsgegenständen nicht und macht sie noch wertvoller. Sie sind wie selten erhaltene Meilensteine, an denen wir heute die Art der künstlerischen Verarbeitung von Holz in der bäuerlichen Kunst messen können. Viele der Artikel betrafen die Verarbeitung von Leinen: vom Reinigen der Fasern für Garn, vom Weben und schließlich vom Nähen von Kleidung aus Leinengewebe. Ornamentik und skulpturale Abbildungen auf diesen Objekten erreichten mit dem Verlust der semantischen Bedeutung der Symbole im 19. Jahrhundert die Grenze des Dekorativen. Fast in allen Bezirken des Gebiets Wologda wurde der Gestaltung von Flachsrüschen große Aufmerksamkeit geschenkt. Dies ist ein sehr elegantes, dünnes und zerbrechliches Objekt, das in seiner Form einer Feder ähnelt, was auf die Anforderungen für die Verwendung von Rüschen zurückzuführen ist. Mit dosierten leichten Schlägen wurde Flachs gereinigt und in eine seidig dünne Faser verwandelt. Das Ende des schlaufenförmigen, gekräuselten Griffs war sehr oft wie ein Schlittschuh geformt, und seine dünne Ebene, die sich allmählich zum Ende hin ausdehnte, war mit einer sehr flachen, dreiflächigen Kerbschnitzerei bedeckt, in deren Muster die Rosette fast immer den Rand einnahm Hauptort. Sie schmückte wie ein kleiner Stern seinen schmalen Teil und breitete sich dann wie eine blühende Sonnenblume am breiten Ende der Rüsche aus. Manchmal, zusätzlich zu der dreiflächigen Kerbschnitzerei, die die Eleganz der Form und die Zerbrechlichkeit des Objekts betonte, verwendete der Schnitzer durch Schnitzen, dann waren dies durchbrochene Streifen mit einem rhythmischen, sehr einfachen Muster, dann Rosetten, zu denen die durch Schnitzen gab die Leichtigkeit von Schneeflocken. In einem Fall wurde die Rüsche großzügig mit Schnitzereien verziert, im anderen Fall schnitzte der Handwerker sehr sparsam in die glatte Ebene des Baumes und betonte seine natürliche Schönheit, nur ein kleines Element des Musters. Trepalas, die mit dreiflächigen Schnitzereien verziert sind, sind auch in der Region Archangelsk zu finden. Es ist jedoch nicht möglich, die charakteristischen lokalen Merkmale des Dekors darauf zu verfolgen, da es sich um seltene, fast einmalige Stücke handelt. Die Formen der Rasseln sind vielfältig und die Existenz jeder von ihnen hat klare territoriale Grenzen. Nach der Verarbeitung der Faser im Herbst und in den Wintermonaten, näher am Frühling, begannen die Spinner, Leinwände zu weben. In jeder Hütte wurde eine Weberei eingerichtet. Nach den Ausgrabungen des antiken Nowgorod zu urteilen, haben sich Design und Aussehen der Weberei seit dem 13. Jahrhundert überhaupt nicht verändert. Feine, sehr feine Schnitzereien bedeckten glänzend polierte Shuttles, Blöcke erhielten manchmal die Form eines Gänsekopfes, sehr oft diente eine Skulptur eines stilisierten Schlittschuhs, der seine Brust an ein Zahnrad lehnte, als Drücker. Aber die Füllung war sehr elegant verziert - ein großes Detail, das der Weber fast nie losließ und jeden Faden festnagelte, der am Schiffchen vorbeiging. Die Füllung war manchmal mit einer oder mehreren Rosetten verziert, die dreiflächig geschnitzt waren, manchmal mit einem geometrischen Muster, das den gesamten vorderen Teil dicht bedeckte, und manchmal waren ihre Enden wie Pferdeköpfe geformt, manchmal der obere Teil der Füllung, wo sich die Hände des Webers befanden legen, wurde in Form von Figuren von zwei Pferden geschnitten. Ihre Interpretation und schließlich der traditionelle Charakter der Komposition sprechen von der jahrhundertealten Tradition der künstlerischen Gestaltung dieses Teils der Weberei. Die Funde von Archäologen bestätigen, dass das Bild eines Pferdes ein spezifischer weiblicher Schmuck war, da Firstanhänger (Schmuck des 7. bis 13. Jahrhunderts aus Metall mit paarigen Pferdeköpfen) nur in weiblichen Bestattungen gefunden wurden. Und in der Weberei wurden einst Pferdeköpfe als „Amulette“, Schutzzeichen einer Weberin, geschnitten. Neben dem Webstuhl setzte sich im 19. Jahrhundert das Spinnrad mit Rad, bei dem der Faden mechanisch gedreht wurde, fast durch, im Gegensatz zum üblichen Wurzelspinnrad oder Kamm mit Boden, auf dem die Spindel gesponnen wurde. Deshalb wurde sie "Selbstspinnerin" genannt. Aber erst im 20. Jahrhundert verdrängte es die uralte Methode des Spinnens. Sie machten eine "Selbstspinnerei" aus Teilen, die auf einer Drehmaschine gedreht wurden, und nirgendwo war ein geschnitztes Muster verziert. Eine seltene Ausnahme ist der Bezirk Seredsky in der Region Jaroslawl, wo die Klinge für Flachs und das Pendel zum Drehen des Rades gekonnt mit dreiflächigen marinierten Schnitzereien bedeckt wurden. Diese Traditionen wurden offenbar aus den baltischen Staaten hierher gebracht, wo es üblich war, die Klinge eines Spinners mit Schnitzereien zu verzieren und sie zu kräuseln.

Leinenkleidung wurde von Hand genäht. Aus Gründen der Bequemlichkeit und Schnelligkeit wurde bei der Arbeit eine Nähmaschine verwendet - ein Objekt, das in seiner Form ein wenig an säulenförmige Wolga-Spinnräder erinnert. Auf dem Boden saß eine Näherin, und an einer niedrigen Säule war ein Stoff festgesteckt, der es ermöglichte, ihn beim Nähen zu dehnen. Daher gab es in jeder Bauernfamilie einst eine Nähmaschine, wie ein Spinnrad. Fast überall versuchten sie, sie zu dekorieren und schlau zu machen. Trotzdem wurde dem Dekor einer Nähmaschine normalerweise viel weniger Aufmerksamkeit geschenkt als dem Design eines Spinnrads. Einzelne Unikate, wie zum Beispiel eine im Album abgebildete Näherin, verblüffen durch den Reichtum ihrer Schnitzverzierungen. Die Form der Näherin ähnelt einem fabelhaften Glockenturm, der auf einem Würfel steht (wo normalerweise eine Schachtel für Fäden angeordnet war). Eine Vielzahl von Säulen jeder Ebene, die unten mit Schnitzereien verziert sind, machen das Ding zu einem Kunstobjekt. Seine Form, Schnitztechniken, polierte Holzoberfläche, die Art des Ornaments und die Verfeinerung jedes geschnitzten Details machen es möglich, dieses Werk fast unverkennbar der Arbeit der Handwerker der Jaroslawler Säulenspinnräder der Seredsky- und Nekrasovsky-Regionen zuzuordnen. In den Regionen Archangelsk und Wologda war die Näherin eher klein und wurde normalerweise auf einem Drehgelenk zusammengeklappt. Hier gab man der Schneiderin gerne die Form eines Schwanenhalses.

Wenn man sich mit Gegenständen des bäuerlichen Lebens des 19. Jahrhunderts vertraut macht, fällt einem eine ungewöhnlich große Auswahl an elegant dekorierten Gegenständen auf, die aus Holz hergestellt wurden. Fast alle Prozesse der Frauenarbeit wurden von Kunstgegenständen begleitet. So wurden zum Beispiel in einigen Gegenden Brötchen äußerst elegant dekoriert, mit denen man zum Fluss ging, um Wäsche zu waschen. Archäologische Funde im antiken Nowgorod zeigen, dass die Hauptform der Rolle des 10. Jahrhunderts bis zum 19. Jahrhundert vollständig erhalten blieb, nur ihre Details wurden im Laufe der Jahrhunderte verbessert. Die Rollbiegelinie war klar definiert, bestimmt durch die Bewegung während des Aufpralls. Die skulpturale Qualität des Objekts und sein Volumen wurden von Volkshandwerkern mit Schnitzereien wunderschön hervorgehoben. Es wurde auf den nicht arbeitenden Teil der Rolle aufgetragen - auf die Spitze des 20. Griffs und auf die obere, leicht konkave Oberfläche. Das dreiflächige Schnitzen ist besonders traditionell für die Dekoration von Brötchen. Manchmal besteht es aus einer, zwei oder drei separaten Rosetten, und manchmal füllt eine geschnitzte Komposition die gesamte Oberfläche dicht aus, wie auf einer Rolle aus dem Dorf Savino, Bezirk Gorodetsky, Region Gorki. Ein kleines, sehr elegantes, flaches Muster verletzt die Ebene des Objekts nicht. Ab dem Griff, wo der Fächer einer kleinen Rosette beginnt, scheint sich das Muster zu entfalten und frei auf dem breiten Ende der Rolle zu liegen. Espenholz, silbrig in der Farbe, betont mit seiner edlen Farbe die Eleganz der feinen Schnitzereien und die schöne, harmonische Form. Und schließlich ist es interessant, auf einen weiteren Punkt zu achten, der sozusagen den gesamten mühsamen und langen Arbeitszyklus im Zusammenhang mit der Herstellung und Pflege von Bauernkleidung abschließt - dies ist ein Rubel zum Rollen und Bügeln der Leinwand. In der Form ähnelt es etwas einer Rolle, ist aber fast doppelt so lang und seine untere Ebene hat eine gerippte Oberfläche. Wir können über einige Zentren sprechen, die sich entweder durch eine bestimmte Rubelform oder eine Art Dekor auszeichnen. So zeichnen sich beispielsweise in der Region Wladimir mit einem geometrischen Muster verzierte Rubel durch ihre außergewöhnliche Länge aus. In der Region Gorki wurde eine schmale und gerade Leinwand eines Brettes, ohne sich zum Ende hin zu verbreitern, sehr oft mit Reliefschnitzereien verziert. Die Rubel des Bezirks Rybinsk in der Region Jaroslawl sind sehr klein, am Griff sehr schmal und dehnen sich zum Ende hin merklich aus. Am Fluss Mezen wurden die Rubel sehr breit geschnitten, zum Ende hin leicht erweitert, sie waren mit großen und reichen Schnitzereien bedeckt. In der Region Jaroslawl an der Wolga wurde der Rubel neben geometrischen Schnitzereien manchmal mit einer dreidimensionalen Skulptur eines Pferdes verziert, das, über der geschnitzten Oberfläche aufragend, gleichzeitig als sehr praktischer zweiter Griff diente. Alle oben genannten Rubel haben die gleiche Schnitztechnik, die gleichen Elemente des Musters und fast die gleiche Form der Ebene, die für das geschnitzte Ornament vorgesehen ist. Aber jeder von ihnen besticht durch seine Originalität. künstlerische Techniken, Neuheit und Originalität von Zierkompositionen.

Im bäuerlichen Leben bis Ende des 19. Jahrhunderts hing sogar die Herstellung von gemusterten Stoffen für Kleider vom Schnitzer ab, der zunächst eine „Manier“ herstellen musste – ein Brett, mit dem ein buntes Muster auf die Leinwand gestopft wurde. Im 19. Jahrhundert war die gedruckte Tafel klein und alle kleinen Details zum Zeichnen auf der Leinwand bestanden aus Metall. Die Sitten des 17. und frühen 18. Jahrhunderts waren nur aus Holz. Ihre mehrschichtigen Bretter, teilweise bis zu 50 cm im Quadrat, waren aus härtesten Hölzern gefertigt und im Gegensatz zu den bedruckten Brettern des 19. Jahrhunderts beidseitig geschnitzt. Manieren des 17. Jahrhunderts sind eine Rarität in Sammlungen künstlerischer Holzarbeiten. Dies sind wahre Meisterwerke der ornamentalen Schnitzkunst. Viele von ihnen zeichnen sich durch die außergewöhnliche Schlichtheit des Designs aus, die typisch für die Füllung des 17. Jahrhunderts ist. Andere verblüffen mit der königlichen Pracht des Musters, das skurril über die weite Fläche des Bretts verteilt ist. Ein Beispiel für ein solches Muster ist die im Album reproduzierte Art des späten 17. Jahrhunderts, das aus der Region Kalinin gebracht wurde. Dekorative große Tulpen, umgeben von kleinen Ornamenten, füllen dicht den gesamten Raum aus, und der zurückgesetzte Hintergrund betont die Glätte von unberührtem Holz mit schmalen und gebrochenen Lücken. Reichste Fantasie, ein hervorragendes Rhythmusgefühl zeichnen den Autor dieses an Schönheit seltenen Kunstwerkes aus.

Viel Erfindungsreichtum, handwerkliches Geschick, Kunstgeschmack und geistige Wärme steckten russische Schnitzer in das Schnitzen von Lebkuchenbrettern (Abb. XX). Seit der Antike wurden bedruckte Lebkuchen in Rus für festliche Feste, für Treffen mit Gästen, für lustige Volksspiele sowie für Kinder gebacken. Groß und ganz klein, mit üppigen Mustern und rhythmischen Inschriften überraschen sie mit einer Vielfalt an Formen und Dekoren. Blumen, Blätter, Fische, Vögel, Rochen und Hähnchen – all diese realen Bilder, die dem Leben entnommen sind, hat der Volksschnitzer in der Sprache der Holzornamente nacherzählt, sie mit Mustern verziert, sie in die Welt der Fantasie und Märchen übertragen.

Birkenrinde nahm einen sehr großen Platz im Leben eines Bauern ein, besonders in den Regionen des russischen Nordens. Daraus gewebte Füße (leichte Bastschuhe), Körbe, Pesteri - Schulterkörper für Pilze und Beeren, verschieden geformte Straßensoloniks, in denen sie Salz zum Mähen und in den Wald brachten, Schaufeln für Wetzsteine, Schachteln für unprätentiösen Damenschmuck, Rote Bete von verschiedene Größen und sogar Kinderspielzeug. Die in Farbe und Textur schon sehr schöne Oberfläche aus Birkenrinde wurde mit Schnitzereien, Prägungen und Bemalungen verziert. Exzellente Kenntnis der Materialeigenschaften, sehr traditionelle Formen, die im Laufe der Jahrhunderte immer weiter verbessert wurden, ließen diese auf den ersten Blick schlichten und unauffälligen Dinge zu wahren Kunstwerken werden.

Unter den Haushaltsgegenständen waren in der Antike aus Bast gebogene Dinge weit verbreitet - Schachteln, Körbe, Brotkästen, Urinale, Servietten. Die glatte, glänzende Oberfläche der dünnen Wände von Bastprodukten scheint von der Natur speziell für die Bemalung präpariert worden zu sein. Besonderes Augenmerk wurde auf die Dekoration der Brotkörbe gelegt. Die sparsame Einstellung zum Brot auf dem russischen Land, der Respekt vor jeder durch harte Arbeit erzielten Scheibe, war der Grund für eine Art Ritual, jedes Mal, wenn sich die Familie an den Tisch setzte. Brot wurde in einem speziellen Brotkasten gebracht - einem runden oder leicht länglichen Kasten aus Bast. Auf Mezen wurden Brotkästen wie Spinnräder mit traditioneller Malerei geschmückt. Das Muster bestand aus den einfachsten Elementen: Striche, Kreise, Kreuze und Streifen. Zuerst wurde ein schwarzer Umriss aufgetragen und die Mitte mit rotem Blei gefüllt. Ein einfaches Muster aus leicht geneigten abwechselnd schwarzen und bräunlich-roten Streifen verleiht Mezen-Schachteln eine großartige dekorative Wirkung. Das Gemälde wurde mit Leinöl überzogen, dessen Goldton der ganzen Farbe des Brotkastens eine Gelassenheit und Vornehmheit verlieh. Die außergewöhnliche Schlichtheit der Schreibtechnik, die kindliche Naivität der Muster und die äußerst begrenzte Farbpalette verleihen diesem nur für Mezen charakteristischen Objekt einen einzigartigen Charme. An der nördlichen Dwina, in Permogorje, dem alten Zentrum der Weißgrundmalerei, wurden Brotkästen fröhlich geschmückt. Ein kleines Blumenmuster zieht sich wie ein gewellter Ast entlang des Ovals des Deckels und entlang der Wände der Schachtel.

Warmes Rot, die Leitfarbe des Gemäldes, fügt sich sanft in den weißen Hintergrund ein. Sehr interessant sind die Handlungskompositionen, die sich perfekt in das florale Muster einfügen und dessen Farbrhythmus nicht stören. Die allgemeine Bedeutung all dieser Genreszenen ist der Wunsch nach Glück und Wohlbefinden für den Besitzer des Brotkorbs. Brotkästen wurden meist als Mitgift für die Brauttochter bemalt. Die Handwerker von Permogorsk platzierten Genrebilder auf vielen Haushaltsgegenständen, deren Bedeutung mit dem Zweck der Sache verbunden war. So war es zum Beispiel üblich, verschiedene Szenen aus dem Leben eines Menschen vom Moment seiner Geburt an auf einer Wiege darzustellen, als Wunsch, stark, freundlich, fleißig und erfolgreich aufzuwachsen. Auf festlich gemusterten Tellern wurde die Gastgeberin oft mit einem Glas in der Hand als Zeichen der Gastfreundschaft und Gastfreundschaft dargestellt. Auf einem bastförmigen Nabiruh für Beeren wurden neben dem Bild eines Sirin-Vogels, der „für Glück“ gemalt wurde, oft bunte Dorfhähne abgebildet. Sie sind umgeben von flexiblen Trieben fabelhafter Pflanzen, als ob sie von alten Miniaturen hierher abstammen, und dann erröten Preiselbeeren naiv und naiv.

In einem anderen Zentrum der Severodvinsk-Malerei - Rakulka - sind nur wenige Haushaltsgegenstände außer Spinnrädern erhalten geblieben. Sie ermöglichen es Ihnen, dieses Volkshandwerk hoch zu schätzen. Bast Nabiruha, reproduziert in dem Album, das Mitte des 19. Jahrhunderts vom führenden Meister der Rakul-Malerei Dmitry Vityazev angefertigt wurde, ist ein Werk der Volkskunst von außergewöhnlicher Schönheit. Die Bemalung, die auf einer schwarzen Kontur mit starkem Druck und feinen Strichen basiert, ist auf einem ockerfarbenen Hintergrund mit Zinnober und Smaragdgrün mit weißen Akzenten ausgeführt. Mit der Noblesse der Farbe, dem Funkeln der Farben gleicht die Malerei kostbaren Emails. Dies sind eine Art fabelhafte Blumen, die schwarze Antennen und Triebe und Vögel ausbreiten, sehr dekorativ entschieden. Plastisch, leicht verläuft das Muster entlang der geschwungenen Form der Nabiruha, funkelnd wie Edelsteine, mit tiefen, satten Farben. Im bäuerlichen Leben des 19. Jahrhunderts wurde der Dekoration des Tisches, der Dekoration festlicher Speisen große Aufmerksamkeit geschenkt. Salzstreuer hat immer den zentralen Platz darauf eingenommen. In vielen Gegenden wurden sie aus Birkenrinde oder aus Wurzeln gewebt, aber häufiger wurden sie aus Holz geschnitten. Bei der Ausstattung des Salzkellers wurde meist das Hauptaugenmerk auf seine Form, sein skulpturales Aussehen gelegt (Abb. XXI). In den mit der Wolga verbundenen Regionen - Gorki, Kostroma und Jaroslawl - gab es eine Art Salzstreuer in Form eines Sessels. Seine Rückseite diente als bequemer Griff und die Sitzfläche als Deckel. In der Region Gorki wurde ein Salzstreuer-Stuhl mit einer flexiblen Stange gebunden. Das Geschirr wurde in Form einer Spirale hergestellt, und alles andere war mit Gorodets-Malerei bedeckt, in der das Hauptmotiv eine prächtige Rose war. Hell in den Farben, kräftig in den Farbkontrasten, selbstbewusst und meisterhaft in der Technik, war das Gemälde sehr dekorativ. Das breite Spektrum der Produktion von Gorodets-Salzstreuern wird durch ihre Existenz in abgelegenen Gebieten belegt, in die die Menschen von Nischni Nowgorod gingen, um ihre Waren zu verkaufen. Salzstreuer mit Gorodetsky-Rosen sind immer noch in den Regionen Kostroma und Jaroslawl zu finden, obwohl sie eine eigene Produktion von Salzstreuern hatten und mit hervorragenden dreiflächigen marinierten Schnitzereien verziert waren. Geometrische feine Muster bedeckten dicht alle Wände der Salzgruben von Kostroma und Jaroslawl. Besonders elegant war die Rückenlehne des Stuhls geschnitten, wo neben der dreiseitig gezackten oft eine durchgehende Schnitzerei eingebracht wurde. Jedes Detail komplexer und vielfältiger Kompositionen wird meisterhaft ausgeführt. All dies macht einen gewöhnlichen Gegenstand des bäuerlichen Lebens zu einem kleinen "Holzjuwel".

Nördlich der Wolga war ein Salzfass in Form einer Ente weit verbreitet. Salzenten sind echte Skulpturen aus Holz, jede mit ihren eigenen Formmerkmalen, individuellen Methoden der Bildhauerei, jede mit ihrem eigenen Charakter. Gesalzene Enten sind immer noch im russischen Norden zu finden. Einst wurde die Ente von den Menschen als Patronin des Hauses, der Familie, wahrgenommen. Auf der Tischdecke der Hochzeitstafel wurde zuerst die Salzstreuer-Ente platziert. Der festliche Bauerntisch war mit verschiedenen Holzutensilien gefüllt, unter denen Honig- und Bierkellen den Hauptplatz einnahmen. Wie viel Vorstellungskraft, Können und Talent haben die Handwerker in die Schaffung dieser wunderschönen Holzgefäßskulpturen investiert. Ihre Formen sind uns aus alten Zeiten überliefert. Als Beweismittel können Schöpfkellen verschiedener Formen dienen, die bei Ausgrabungen im antiken Nowgorod gefunden und aus der Wurzel eines Baumes ausgehöhlt wurden. Einige von ihnen hatten Griffe, die mit Drachenköpfen endeten. Es wurden auch Eimer mit zwei Griffen - Skopkari - gefunden. Ähnliche Eimer gibt es noch im russischen Norden. Das Album reproduziert einen Skopkar aus der nördlichen Dwina, der mit Permogorsk-Malerei verziert ist. Dieses Gefäß war dazu bestimmt, berauschende Getränke auf den Tisch zu bringen. Sie schnitten es in Form eines riesigen Vogels, dessen Körper eine breite, gedrungene Schüssel war, und Kopf und Schwanz der Ente dienten als bequeme Griffe. Seine stolze Form wird durch die Bemalung betont, die sich in flexiblen Trieben über das abgerundete Volumen des Gefäßes ausbreitet. Von den großen Außenschiffen war das Tal in den Regionen des russischen Nordens weit verbreitet. Dies ist ein riesiges Gefäß, das an die Form eines Bruders auf einer Palette erinnert, aber es hat einen kleinen Ausguss zum Einschenken eines Getränks. Hell, aber sehr schlicht im Muster, umläuft die Bemalung das Gefäß in einem breiten Streifen und betont dessen Volumen. Im Inneren ist der Talboden ebenfalls mit Malereien geschmückt. In vielen Gebieten gab es eine runde Bratina und ein Tal in der Nähe davon mit einer Tülle unterschiedlicher Größe (Abb. XXII). Kleine Endovkas mit Abfluss wurden von den Meistern des Permo-Gebirges sehr elegant bemalt. Der runde Bruder ist oft noch im Oberlauf der Wolga zu finden. Überhaupt waren überall Gefäße mittlerer Größe verbreitet, in denen dem Gast Bier oder Kwas serviert wurde. Ihre Form ist nicht nur schön, sondern vor allem sehr praktisch in der Handhabung. In der Region Kostroma wurden diese Eimer tief geschnitten. Griffe waren die Hauptdekoration solcher Kellen. Die Form der bekannten Twer Schöpfkellen "Trauzeugen" scheint buchstäblich in die Handflächen eingegossen zu sein, so bequem liegen sie darin. An den Seiten leicht abgeflacht, liegt eine Holzschale mit dem Gewicht von zwei Henkeln in den Aussparungen zwischen Daumen und Zeigefinger am Rand der Handflächen. Aber nicht nur bequemer, sondern auch sehr schöner Eimer-Bräutigam. In der Form seiner Schale sind vier wie mit einer Axt zerschnittene Ebenen deutlich zu erkennen, die dann nur an den Ecken leicht abgerundet sind. Diese Klarheit der Form verleiht seinem Bild eine besondere Aussagekraft. Der Eindruck monumentaler Form wird verstärkt durch den Kontrast zwischen der Größe der Schale und den kleinen Köpfen der Pferde, deren mächtige und breite Brust eine Sonnenrosette ziert. Aus großen Außengefäßen wurden Honig und Bier in kleine Holzkellen, deren Form an manchen Stellen überraschend schön und originell ist, in kleinere Gefäße gegossen. Die Namen, die sie bis heute behalten haben, sprechen beredt von ihrem Zweck. Dies sind Schöpfkellen aus dem Oblast Wologda mit einer runden, sehr plastischen Schüssel, die sich nahtlos in einen prächtigen, dekorativ geschnitzten Griff verwandelt, und Schöpfkellen aus der Wolga mit einer klaren und strengen Silhouette. Anders als die Vologda-Schöpfkelle hat die Schaufel einen Boden, der für Stabilität klar geschnitten ist, und einen hohen Griff, der sich fast im rechten Winkel vom Körper erhebt. Das Dekor beider Schöpfkellen - eine Schaufel und ein Likör - behielt sehr alte Elemente in der Schnitzerei bei: eine Rosette, ein Bild einer Ente, ein Pferd. Beide Eimertypen haben am Henkel einen Haken, mit dem sie entweder an den Rand eines großen Eimers oder einer Wanne gehängt wurden.

Riesige Eimer waren keine Seltenheit, die fälschlicherweise als entfernt bezeichnet wurden. Sie wurden anscheinend zuerst auf dem Tisch installiert und dann gefüllt. Andernfalls hätten die dünnen, von der Wurzel ausgehöhlten Wände während des Transports das Gewicht des Inhalts nicht getragen. Ein festlich gedeckter Eimer aus der Sammlung des Museums hat ein Fassungsvermögen von etwa anderthalb Eimern. Dies ist eine riesige runde Schüssel mit weit gespreizten Rändern und einem Griff in Form einer Schlaufe, die die Kelle auf dem Tisch anscheinend nur drehen, aber nicht anheben konnte. Der Körper der Kelle war einst mit hellem Zinnober bedeckt, und am Rand befindet sich wie ein goldenes Ornament eine ligierte Inschrift: „Diese Kelle des Tscheboksary-Bezirks des Dorfes Minin, Mikhail Leksandrov Maslov, wurde für die gegeben Tochter von Anna Michailowna.“ Eine so schöne riesige Schöpfkelle war natürlich die Dekoration der festlichen Tafel. Er war der legitime Stolz des gastfreundlichen Gastgebers, er war ein teures und seltenes Geschenk. Von einem Volkskünstler zur Freude der Menschen geschaffen, begeistert er bis heute mit seiner edlen Schönheit, schlichten und klaren Form.

Groß war die Sehnsucht des russischen Volkes nach dem Schönen. Nicht umsonst begleitete ihn die Kunst von der Geburt bis ins hohe Alter Zeit seines Lebens. Für das Neugeborene, das sich über das Erstgeborene freute, bemalten oder verzierten sie die Wiege mit Schnitzereien, dann schnitt der Vater ein Spielzeug für den Jungen aus - einen Schlittschuh, für ein Mädchen eine Puppe - einen "Punk". So begann ein arbeitsreiches und kunstvoll geschmücktes Leben. Viele Gegenstände aus den einfachsten und billigsten Materialien wurden von Volkskünstlern mit hellen Gemälden und virtuosen Schnitzereien verziert. Sie wurden von den Menschen immer sehr geschätzt. Sie brachten Freude und Schönheit zum Leben. Lange Zeit werden die Menschen die Objekte der Volkskunst bewundern und aus ihrer unerschöpflichen Quelle des geistigen Reichtums schöpfen, die vom Genie des Volkes geschaffen wurde.

Giebel einer Bauernhütte mit Lichtfenster 1882

Region Gorki, Bezirk Kstovsky, Dorf Malye Vishenki. Meister Michail Malyschew

Die gesamte Einrichtung der Hütte stammte 1941 vom MNHR

Das geschnitzte Dekor des Hauses wurde von dem herausragenden Meister der Wolga-Region Michail Malyschew angefertigt. Mehr als 140 laufende Meter Bretter für die Dekoration dieses Hauses wurden mit einem geschnitzten Muster bedeckt. Unter dem Lichtfenster sind die Initialen des Autors der Schnitzerei eingraviert: „M M M“. Ein helles Fenster auf beiden Seiten grenzt an einen gebogenen Stiel mit einer Weintraube oben und einer spiralförmigen Locke unten. Auf den parallel zu den Dachflügeln verlaufenden Brettern des Giebels sind Kamillenblüten und -knospen in große dekorative Blattranken eingeschrieben. Über dem Lichtfenster endet das Muster mit riesigen Weintrauben. Auf der Frontplatte vervollständigen die gleichen Pinsel die sanfte und gleichzeitig rhythmische Bewegung des Blumenmusters auf beiden Seiten. Die Schnitzerei des Giebels zeichnet sich nicht nur durch Plastizität, Schönheit der Komposition, Rhythmus, sondern auch durch die sorgfältige Modellierung jedes Details aus. Der Wert der Arbeit steigt, weil sie signiert ist.

Stirnbretter von Bauernhütten 1882, 1867.

Die Frontplatte war eine der Hauptdekorationen des Wolga-Hauses. Es wurde über den Fenstern an den oberen Balken des Blockhauses befestigt. Über der Frontplatte erhob sich ein Giebel. Der Hauptplatz in der Zusammensetzung der Frontalbretter wurde einem Blumenmuster eingeräumt, das die Daten der Entstehung der Schnitzerei, Bilder fantastischer Tiere und Vögel, Blumentöpfe (die in ihrer Form oft einem Samowar ähneln) und manchmal den Nachnamen oder enthielt Initialen des Autors der Schnitzerei. Das damalige Blumenornament war sehr charakteristisch für eine breite, saftige, plastisch geformte Locke, die sich in einem ruhigen, gemächlichen Rhythmus wiederholte und die gesamte Frontplatte ausfüllte. In die Locken passen entweder große Kamillenblüten oder Früchte oder Weintrauben. Die in diesen Jahren hergestellten Fronttafeln sehen sehr dekorativ aus, ihr Muster ist auf große Entfernung perfekt lesbar. Dieses Ornament war, wie M. P. Zvantsev feststellt, in allen Regionen der Provinz Nischni Nowgorod weit verbreitet, erhielt jedoch seine klassische Lösung in den Dörfern am rechten Ufer der Wolga.

Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Region Gorki

Blindes Schnitzen. 173 x 113.
Ein breites Zierband aus mehreren Architraven mit Fensterläden gehörte zur Dekoration der Hütte im Wolgagebiet. Aufgrund regionaler Unterschiede in der Gestaltung von Fensterrahmen in der Wolga-Region, die von MP Zvantsev festgestellt wurden, sollte dieser Fensterrahmen mit länglichen Proportionen den nordwestlichen Regionen der mittleren Wolga-Region zugeordnet werden. Darüber hinaus ermöglichen das Auflösen des Gesimses, das über dem Brett des Kopfstücks hängt, und das Vorhandensein von Kapitellen, die die Seitenbalken abschließen, die die aufgetrennten Seitenteile des Gesimses tragen, es nicht vor den 1860er Jahren zu datieren. Das Ochelia-Brett ist dicht mit Schnitzereien gefüllt. Ein Doppeladler, eine Krone, Vögel - all dies, mit Locken verflochten, ergibt ein reichhaltiges Muster. Auf der unteren Platte des Gehäuses befindet sich ein Bild eines Vogels - sein Gefieder, seine Flügel und sein Schwanz sind ebenfalls verziert und werden als ein Ganzes mit einem Muster um ihn herum wahrgenommen.

Mitte 19. Jahrhundert

Region Gorki

Blindes Schnitzen. 136 x 129
Die Verkleidung des Lichtfensters wiederholt die Form des Portikus, der von der Stadt- oder Gutsarchitektur des Klassizismus beeinflusst wurde. Acht gedrehte Säulen sind mit korinthischen Kapitellen ausgestattet, der Giebel ist mit Croutons eingefasst. Das Gebälk und das Podium dieses klassischen Portikus sind mit Bildern fantastischer Tiere geschmückt, die einst von den Menschen als Amulette angesehen wurden. Die Banken und Löwen mit Locken um den Kopf blicken den Betrachter inbrünstig an, mit einem schneidig geworfenen Schwanz, dessen Bürste der Meister in ein Blatt verwandelte. Die uralte Bedeutung heidnischer Idole war zu dieser Zeit bereits in Vergessenheit geraten.

Mitte 19. Jahrhundert

Region Gorki

Blindes Schnitzen. 180 x 125.
Alle Hauptelemente eines klassischen Portikus sind in den Architraven der Leuchte deutlich sichtbar. Das Lichtzimmerfenster nahm den zentralen Teil des Giebels ein. Das untere Brett ist mit einer dreiteiligen Komposition mit zwei Löwen und einer Küstenlinie in der Mitte verziert. Vier gedrehte Säulen tragen ein entwirrtes Gebälk mit Rundbogen. Sein westlicher Teil und zwei seitliche Vorsprünge sind mit Vogelbildern verziert. Basierend auf der von M. P. Zvantsev vorgeschlagenen Klassifizierung stammt diese Hülle aus den nördlichen oder nordwestlichen Regionen der Wolga-Region und stammt aus den 1880er Jahren, als Märchenwesen begannen, den Hauptplatz im Dekor einzunehmen.

Fragment

Das Bild eines Vogels befindet sich im Bogen, in der Mitte des Giebels der leichten Architrave. Der Vogel wird von fantastisch geschwungenen Blättern eingefasst. Die Bewegung der Blätter wird durch die anmutige Neigung des Kopfes mit einem Büschel, die Form der Flügel und das Ornament, mit dem der Schnitzer das Gefieder des Vogels schmückte, widergespiegelt.

Zweite Hälfte 19

Blindes Schnitzen. Malerei. 70 x 45.
1955 vom Staatlichen Historischen Museum erhalten
An den Rändern der Frontplatte wurden oft Löwen mit einem Blumenmuster dargestellt, das die Komposition abschloss. Hier wird eine in ihrer Dynamik seltene Figur wiedergegeben. Der Kopf mit offenem Mund und hervorstehender Zunge ist scharf zum Schwanz gedreht, der zu einer elastischen Schlaufe gedreht ist. Die Bewegung wird durch die Strähnen der Mähne betont. Auf dem Fragment blieb die Malerei erhalten, die auf die Schnitzerei aufgetragen wurde, was bei der Gestaltung von Häusern in der mittleren Wolga-Region sehr selten vorkam. Der Künstler verwendete hier rote, gelbe und grüne Farben.

Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Region Gorki

Blindes Schnitzen. 215 x 40.
1942 vom Abramtsevo-Museum erhalten
Das Tor und das Tor des überdachten Hofes, der sich seitlich an das Haus anschloss, waren zur Straße gerichtet, und daher wurde großer Wert auf ihre Dekoration gelegt. Dieses Brett diente zur Dekoration der Torveranda. Mit großem Geschick baut der Schnitzer eine vertikale Komposition. Seine Ober- und Unterseite sind mit Rosetten eines ungewöhnlich komplexen Musters verziert. In der Mitte des Bretts befindet sich ein Blumentopf, aus dem Weinreben ragen. Die Verzierung des Ornaments, die komplexe Verflechtung von Zweigen, Blättern und Traubenfrüchten, die feine Verarbeitung von Details verleihen dem Muster Pracht.

Frühes 20. Jahrhundert

Schlittschuh. Ein Spielzeug. Frühes 20. Jahrhundert. Gebiet Archangelsk, Leshukonsky

Faden. 16 x 6 x 19,5.

Mit sehr sparsamen Mitteln schafft der Schnitzer trotz der geringen Größe des Spielzeugs das Bild eines starken, kraftvollen Pferdes. Ein kleiner Kopf, ein steiler Hals, eine breite Brust und weit auseinanderstehende, gerade Beine unterstreichen den monumentalen Eindruck der Skulptur. Das Geschirr ist geschnitzt.

Schlittschuh. Ein Spielzeug. Frühes 20. Jahrhundert. Gebiet Archangelsk, Leshukonsky
Bezirk, Dorf Palaschelye am Fluss Mezen
Schnitzen, Färben. 22 x 5,5 x 23,5.
Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1961, O. V. Kruglova)
Das Pferd wird zusammen mit dem Reiter aus einem Stück Holz geschnitzt. Offenbar stand er auf einem Ständer mit Rädern. Das Geschirr besteht aus in Holz getriebenen Kappen. Die Auflösung des Bildes hat viel mit den stilisierten Schlittschuhen in der Malerei der Mezen-Spinnräder gemeinsam.

Schlittschuh. Ein Spielzeug. Frühes 20. Jahrhundert. Gebiet Wladimir, Stadt Gorokhovets
Schnitzen, malen. 24 x 19 x 6,5.
Sammlung des Spielzeugmuseums
Das bemalte Pferd wird mit einer Axt geschnitten. Die Form wird verallgemeinert gelöst. Anstelle von Beinen gibt es Räder ohne Ständer, auf denen der Torso des schwarz lackierten Skates befestigt ist. Auf dem Kamm werden die mit roten und gelben Farben bemalten Augen, Nasenlöcher und das Geschirr als helles Muster wahrgenommen.

Schlittschuh. Ein Spielzeug. Frühes 20. Jahrhundert. Oblast Gorki, Dorf Lyskowo
Ungeschickte Arbeit, Malerei. 14 x 11 x 3.
Der Grat wurde mit einer Axt aus einem flachen Keil geschnitten. Ein solches Spielzeug in der Region Gorki heißt Axt. Die Rückseite des Spielzeugs hat einen scharfen Vorsprung, wie ein fabelhaftes buckliges Pferd. Das verleiht ihm Dynamik. Bemalt mit abgerundeten schwarzen Linien und weißen Tupfen.

matschige Ente
Mitte 19. Jahrhundert

Gebiet Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Dorf Parfenovskaya an der nördlichen Dwina. Mit einer Axt gehackt. 73 x 39 x 51.

Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Diese Ente schmückte das Haus, dessen Fassade auf die Ufer der nördlichen Dwina blickte und vom Fluss aus sichtbar war. Eine sehr klare und ausdrucksstarke Silhouette der Skulptur war der perfekte Abschluss des Gebäudes. Bei der Verarbeitung des Rhizoms nutzte der Meister die natürliche Form des Stumpfes hervorragend: Er beabsichtigte einen der Wurzelfortsätze für den Hals der Ente und vervollständigte ihn mit einem ebenfalls sehr verallgemeinerten Kopf mit langem Schnabel. Er erreichte die ultimative Spezifität der Silhouette. Eine ähnliche Form von Okhlupni ist im Norden äußerst selten.

Flauschiges Pferd
Mitte 19. Jahrhundert

Gebiet Archangelsk, Bezirk Werchnetoemski, Dorf Nawolotskaja am Fluss Nischnjaja Toyma

Mit einer Axt gehackt. 73 x 92 x 50.

Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Das skulpturale Bild eines Pferdes vervollständigt ein massiver Stamm aus einem Lärchenstamm, der auf das Dachbrett gedrückt wurde. Es wurde aus einem riesigen Baumrhizom geschnitzt. Das nördliche, große Haus hatte normalerweise zwei Okhlupnyas. Ihre Enden hingen über die vordere und hintere Fassade des Hauses. Bis heute hat sich die Tradition erhalten, Okhlupny das Aussehen eines Pferdes, einer Ente oder eines Hirsches zu geben. In der Antike hatte diese Skulptur die Bedeutung, das Haus zu schützen. Dieser Okhlupen stammt von einem riesigen alten Nordhaus, das Mitte des 19. Jahrhunderts abgerissen wurde. Die hohe Höhe des Hauses rechtfertigte die sehr verallgemeinerten Formen des Firsts. Es scheint mit ein paar sehr präzisen Axthieben gefällt worden zu sein. Das Ohlupen-Pferd beeindruckte mit der Ausdruckskraft einer stolzen Silhouette

1870

Oblast Moskau, Bezirk Jegorjewski, Dorf Timirewo. Meister Savinov Vasily Timofeevich Schnitzen, Malen. 112 x 47 x 77. Inv.-Nr. Nr. 381 d; 99 x 47 x 52. 1939 von der Staatlichen Tretjakow-Galerie erhalten

Ein Vogelhaus ist in Form einer Skulptur gefertigt, die einen alten Mann darstellt. Das Maul diente den Staren als Hahn. Dies ist ein einzigartiges Kunstwerk, nicht typisch für das Leben der Bauern des 19. Jahrhunderts. Wie die Mitarbeiter des Staatlichen Historischen Museums herausfinden konnten, fertigte ihr Autor, der Bauer Vasily Timofeevich Savinov, viele ähnliche Holzskulpturen und viele Haushaltsgegenstände mit Reliefs und dreidimensionalen Bildern einer Person in seinem Leben an. Viele von ihnen lagern in den Beständen des Staatlichen Historischen Museums und kamen dort 1895 an. Das zweite Vogelhaus ist in Form einer alten Frau mit einem Eimer und einem Stock in den Händen gefertigt, wahrscheinlich als Paar zum ersten gedacht. Die Kerbe für Stare ist unter dem Kinn angeordnet. Und in beiden Vogelhäuschen sind noch die Nester ihrer ehemaligen Bewohner erhalten.

Bienenstock
19. Jahrhundert

Schnitzen, malen. 123x64x55. 1939 von der Staatlichen Tretjakow-Galerie erhalten
Der Bienenstock in Form eines Bären ist aus einem riesigen dicken Baumstamm geschnitzt. Der Meister hat seine Form beibehalten, sodass die Figur schwerfällig, statisch, monumental wirkt. Auf der Brust befinden sich zwei Kerben für Bienen. Die gesenkte Pfote scheint das Loch zu bedecken, aus dem der Honig entnommen wurde. Mit Humor wird das Bild des Gourmetbären transportiert.

Frühes 20. Jahrhundert

Gebiet Wologda, Bezirk Totemski, Dorf Fedotowo. Pinselmalerei. 120 x 61.
Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1970, O. V. Krug lova)
Bedeckt mit großer Pinselmalerei auf weißem Hintergrund. Mit einer knauserigen Farbpalette erzielte der Meister den ultimativen dekorativen Effekt. Die Tür wurde als Wertgegenstand von den Besitzern aus dem alten Haus herausgenommen, in dem das gesamte Innere der Hütte mit heller Malerei auf weißem Hintergrund bedeckt war. Im neuen Haus verschloss die Tür auch den Eingang zur Treppe zur unteren Kiste der Hütte (Golbets).

Ende des 19. Jahrhunderts

Gebiet Jaroslawl, Bezirk Breytovsky, Dorf Tretyachikha. Pinselmalerei. 183 x 80 x 39,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1967, O. V. Kruglova)

Die Schrankwände und die Schublade sind mit Malerei verziert. Gefüllt mit kräftigen Pinselstrichen ist es farblich harmonisch. Der Schrank sperrte einen Teil des Raumes vor dem Ofen ab. Aus dem Dorf genommen, das an der Grenze der Regionen Jaroslawl und Kalinin lag, wo Pinselmalereien weit verbreitet waren. Hingerichtet offenbar nicht von einem Einheimischen, sondern von einem außerirdischen Künstler.

Spinnrocken. Fragment
Ende des 19. Jahrhunderts

Gebiet Wologda, Bezirk Tarnogski, Dorf Petruschino
Pinselmalerei. 100 x 20 x 55,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1970, O. V. Kruglova)
Dies ist ein sehr seltener Fall, als in der Region Tarnoga ein Spinnrad nicht mit Schnitzereien, sondern mit Malerei verziert wurde. Es wurde von einem ausländischen Künstler ausgeführt. Der Schreibstil ist schwungvoll, mutig.

Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Gebiet Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Dorf Bolschoi Dwor auf Tsivozero
Pinselmalerei. 76x41x28.
Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)
Alle Außenwände der Wiege sind gestrichen. Die Wiege befand sich in einem alten Haus, dessen Inneres mit demselben Gemälde geschmückt war. Sie wurde anscheinend gleichzeitig mit dem Innenraum gemalt und nahm einen zentralen Platz in der Hütte ein.

Frühes 20. Jahrhundert

Oblast Wologda, Bezirk Mezhdurechensky, Dorf Igumentsevo
Malerei. 58x41x29. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)
Die Form der Truhe mit flachem, leicht überhängendem Deckel ist typisch für Wologda und nördliche Teile der Region Jaroslawl. Das nach der Zeichnung gegliederte Gemälde ist farblich sehr harmonisch: Auf einem rötlich-orangenen Grund befinden sich schwarze Farbstreifen, die Eisenverkleidungen imitieren. Die Truhe diente zur Aufbewahrung von Kleidung und wurde als Mitgift in das Haus des Mannes gebracht. Solche bunt bemalten Truhen des Heiratsvermittlers wurden auf einen Karren gestapelt und zusammen mit anderer Mitgift zum Haus des Bräutigams gebracht. Sie waren der Stolz der Braut und zeugten von ihrem Reichtum.

Ende des 19. Jahrhunderts

Gebiet Archangelsk, Bezirk Leschukonsky, Dorf Zasulye am Fluss Mesen
Pinselmalerei. 53 x 38 x 30. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1961, O. V. Kruglova)
Mit gewölbtem Deckel. Mit Eisenstreifen gebunden und mit großen Gemälden bedeckt, deren Hauptelement eine Wirbelrosette ist. Die Bemalung ist äußerst schlicht und sehr dekorativ. In solchen Truhen wurden Kleider aufbewahrt, und sie standen normalerweise in einem Kühlraum an den Blockwänden, und wenn sie nicht in einer Reihe paßten, wurden sie in Pyramiden übereinander gelegt. Die kunterbunte und elegante Bemalung von Truhen, Truhen und Kisten machte den Raum hell und schön.

Schlitten für Karneval
Frühes 20. Jahrhundert

Gebiet Archangelsk, das Dorf Cherevkovo an der nördlichen Dwina
Schnitzen, malen. 57x26x28. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)
Aus Holz, mit Eisenstreifen gebunden. Verziert mit drei Quadraten mit geprägten Schnitzereien und dekorativer Bemalung, wobei Rot und Grün die Hauptfarben sind. Solche hellen, eleganten Schlitten mit fröhlicher Bemalung wurden in den Dörfern entlang des Mittellaufs der nördlichen Dwina hergestellt und bemalt, speziell für Mädchen und Jungen, um während der Faschingszeit – einem Feiertag der Begegnung von Frühling und Sonne – von den Bergen zu reiten.

Spinnrocken. Fragment "Reiter"
Erstes Viertel des 19. Jahrhunderts

Gebiet Jaroslawl, Bezirk Danilowski, Dorf Sanino
Kontur und gehefteter Faden. 78 x 15 x 51. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1964, O. V. Kruglova)
Zwei Genrekompositionen, die sich im unteren Teil des breiten Stiels befinden, sind anscheinend durch eine gemeinsame Handlung verbunden. In einem - ein Typ auf einem Schlitten fährt zu einem Schatz, in dem anderen (bereits im Turmzimmer) - ist er Gast am Tisch. Jaroslawler Turmspinnräder stellen eine der wenigen Abteilungen der Volkskunst des 19. Jahrhunderts dar, in der das Genre den Hauptplatz einnahm. Die Technik des Kontur- und Bügelschnitzens ermöglichte es dem Schnitzer, eine „Gravur“ auf Holz zu erstellen. Das Grundstück ist dekorativ ausgeführt. Ein verzweigter Baum, ein geschnitzter Bogen und ein Schlitten, mit einem Muster bestickte Kleidung, ein mit Dekorationen bedecktes Geschirr - alles ist dekorativ entschieden und wird als schönes Muster wahrgenommen.

Frühes 20. Jahrhundert

Oblast Wologda, Dorf Obericha. Meister Konovalov Fedor Alekseev
Keder und Dreikantfaden. 78,5 x 18 x 48. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1966, O. V. Kruglova)
Gryazovets Spinnräder mit breitem Stiel wurden aus einem einzigen Stück Holz geschnitten. Der lokale Name für ein solches Spinnrad ist "frisch".

Frühes 20. Jahrhundert

Turmspinnrad Fragment "Teetrinken", "Quadrille"
1835

Yaroslavskaya über den Lyubimsky-Bezirk, das Dorf Makarowo Kontur- und Klammerschnitzerei. 84,5 x 16 x 51,5 Mitgebracht von der Expedition des Sagorsker Museums (1966, O. V. Kruglova)
Auf dem unteren Teil des Beins des Terem-Spinnrads sind zwei Genrekompositionen übereinander geschnitzt. Unten ist anscheinend ein Tanz dargestellt - vier Mädchen, die sich an den Händen halten, stehen paarweise, zwischen ihnen steht ein Baum. Oben ist die Szene des Teetrinkens. Über dem Samowar sind die Entstehungsdaten des Spinnrades „1835“ und „1836“ eingraviert. Und auf dem Zifferblatt der Turmuhr sind die Buchstaben „M. F. Ch.“, - offenbar die Anfangsbuchstaben des Vor- und Nachnamens des Schnitzers. Die Spinnrocken dieser Gruppe unterscheiden sich von den Teremok-Spinnrocken anderer Regionen der Region Jaroslawl durch die ungewöhnliche Darstellung von Frauenköpfen mit einer Haarbürste, die mit einem Kamm verziert ist.

Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Gebiet Wologda, westlicher Teil des Bezirks Gryazovetsky, Dorf Mokeevo

Durch- und Dreikantschnitzerei, Kolorierung und Pinselmalerei in Öl.

76x13x53. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1968, O. V. Kruglova)

Spinnrocken. Ende des 19. Jahrhunderts. Region Wologda, der zentrale Teil des Bezirks Gryazovets, das Dorf Gridino

Dreikant gerillt, durchgehendes Gewinde. Malerei. 74 x 16,5 x 59. Inv.-Nr. Nr. 5274 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1968, O. V. Kruglova)

Spinnrocken. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Wologda, östlicher Teil des Kreises Gryazovetsky, Dorf Orlovo

Trieder und Durchgangsgewinde. Malerei. 72x16,5x58. Inv. Nr. 5338 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Gryazovets Spinnräder wurden manchmal mit Ölfarben bedeckt. Es war entweder eine mehrfarbige Färbung oder sehr oft eine Blumenzeichnung mit dem Pinsel. Den Daten auf den Spinnrädern nach zu urteilen, gehören diese Werke in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Spinnräder des westlichen Teils sind sehr bunt, sie sind mit hellen offenen Farben bemalt. Die Bemalung von Spinnrädern im zentralen Teil der Region ist sehr intensiv und farbig gesammelt. Die Spinnräder des östlichen Teils waren meist zwei- oder dreifarbig bemalt: Auf farbigem, meist rotem Grund wurde das geschnitzte Muster mit einem gelblich-ockerfarbenen Ton überzogen, wodurch es wie eine kostbare Einlage wirkte. Spinnrocken, die mit übermalten Schnitzereien verziert sind, sind in der Region Gryazovets viel häufiger als unbemalte Spinnrocken. Die Schaufel eines Spinnrades aus dem Dorf Mokeevo ist nicht nur mit dreiflächigen Schnitzereien, sondern auch mit Malerei verziert. In der Mitte der Klinge ist eine rote Tulpe geschrieben. Das figurierte Bein des Spinnrads sieht aus wie ein eleganter Stiel, als würde er eine Blume tragen. Dieses Ding ist eine außergewöhnlich gelungene Kombination zweier Techniken.

Drehende Räder. Pinselmalerei
Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Oblast Wologda, Kreis Grjasowez, Dorf Zhernakovo
Durch Schnitzen und Pinselmalerei. 74 x 15 x 51.
Oblast Wologda, Kreis Grjasowez, Dorf Slobodische. Pinselmalerei. 75 x 17 x 62. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1968, O. V. Kruglova)
Die Pinselmalerei, bei der eine Tulpen- oder Rosenblüte in den unterschiedlichsten Kompositionen gegeben wurde, war in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts typisch für die Dekoration der Spinnräder von Gryazovets. Der Schreibstil ist frei, die Bemalung erfolgt mit großen dekorativen Pinselstrichen.

1890

Gebiet Wologda, Bezirk Tarnogski, Dorf Denisowskaja. Meister Stepan Ogloblin Trihedral Schnitzen. 103 x 30 x 56. Inv.-Nr. Nr. 5444 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1970, O. V. Krutlova)

Ein charakteristisches Beispiel für das Tarnoga-Spinnrad: Auf einem schlanken, niedrigen Bein befindet sich eine riesige Klinge mit zwei runden „Ohrringen“ und einer Reihe rautenförmiger Nelken – „Städte“. Unter den Gemeinden ist eine Inschrift eingraviert: "THIS IS STRAIGHT (LKA) PEASANTS (KI) NASTA (SII) ALEXA (EVNA) SHIBA (NEW)". Der Meister verwandelte das Blatt des Spinnrades (Vorderseite) in eine luxuriöse dekorative Platte mit einer klaren, schlanken Komposition. Seine Basis ist ein Muster aus kleinen Quadraten. Darüber befindet sich eine komplexe Komposition aus Rosetten, in deren Mitte sich eine Wirbelrosette befindet, die in der Antike als Symbol des Donners galt. Auf der Innenseite des Blattes dieses Spinnrades ziert das Ornament nur den unteren Teil und lässt eine glatte Mitte übrig, wo Leinen befestigt wurde. Auf der Klingenoberseite befindet sich eine Inschrift: „SIYU PRYASN (ITSU) SLAB (OTAL) KRE (STYANIN) DER (EVNI) OAK () STEP (AN) OGLOB (LIN) 1890 DECEMBER 29 DAY“. Dieses Spinnrad ist ein einzigartiges Kunstwerk. Alles darin ist harmonisch, alles zeugt vom großen Talent des Künstlers, der seinen Namen geschnitzt hat. Signature Items sind in der russischen Volkskunst selten.

Ende des 19. Jahrhunderts

Region Wologda, Bezirk Nyuksensky, Dorf Berezovaya Slobidka am Fluss Suchona
Dreiflächig und durch Schnitzen, Malen. 98x26x61. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1971, O. V. Kruglova)
Der Flügel eines Nyuksen-Spinnrades mit einem für diese Region typischen Rosettenmuster und Reihen durchgehender runder Löcher, in die Perlen und farbige Kieselsteine ​​​​eingesteckt wurden und bei jeder Bewegung des Spinnrads ein Geräusch erzeugen. Das Spinnrad „mit Halsketten“, wie es in der Region Nyuksen genannt wird, kam in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Mode. Außerdem wurden die Spinnräder von Nyuksenitsa bunt und bunt mit Ölfarben auf Schnitzereien gemalt. Als eine der Sorten des zweiten Wologda-Typs wurde sie erstmals 1958 von der Expedition des Staatlichen Russischen Museums (M. N. Kamenskaya) entdeckt.

Spinnrad-Bein
1890

Gebiet Wologda, Bezirk Tarnogski, Dorf Denisowskaja. Meister Stepan Ogloblin Trihedral Schnitzen. 103 x 30 x 56. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1970, O. V. Kruglova)

An der Wurzel der nördlichen Spinnräder einiger Regionen der Region Wologda geht der Boden sehr plastisch in den Stamm über. Die Geschmeidigkeit der Verschmelzung der beiden Volumen wird auch durch das Dekor des Spinnrads betont. Bei Totem-Spinnrädern sind die Seitenflächen des Stiels normalerweise dicht geschnitzt, und an der Verbindung des Stiels mit dem Boden wird eine Halbrosette wie ein Fächer entfaltet. Bei den Tarnoga-Spinnrädern ist zusätzlich zum Schnitzen der Seitenflächen ein dekoratives Relief „Jakobsmuschel“ innen am Zusammenfluss des Stiels mit dem Boden geschnitzt. Eine noch dekorativere Entwicklung erhielt dieses Element in den Spinnrädern des benachbarten Nyuksenitsa. Hier wurde die „Jakobsmuschel“ deutlicher geschnitten, in jeder Leiste befand sich ein Durchgangsloch.

Spinnrocken. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Wologda, Bezirk Totemski, Dorf Ivakino bei Pogorelov. Meister Kuchin Nikolai Vasilyevich Trihedral Schnitzen und Färben. 2x 18x42. Inv. Nr. 5457 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1970, O. V. Kruglova)

Spinnrocken. Ende des 19. Jahrhunderts. Oblast Wologda, Bezirk Sokolski, Dorf Tschutschkowo. Meister Shestakov Nikolai Ivanovich Trihedral Schnitzen. 84 x 19,5 x 49. Inv.-Nr. Nr. 5336 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Spinnrocken. Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts. Gebiet Wologda, Bezirk Sokolski, Dorf Birjakowo

Dreiflächiges Schnitzen. 82 x 18 x 47,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Die Spinnräder von Pogorelov, Chuchkov und Biryakov sind drei Arten von Totma-Spinnrädern: verwurzelt, mit einem hohen Stiel und mit einer quadratischen Klinge (nördlicher Spinnradtyp). Alle drei Zentren liegen an der alten Straße Wologda-Totma, was die Nähe ihrer Formen erklärt. Sie wurden nicht in die Klassifikation von A. A. Bobrinsky aufgenommen. Sie wurden von Expeditionen des Zagorsk-Museums (1969 und 1970, O. V. Kruglova) entdeckt. Der lokale Name für Spinnräder ist "frisch". Separate Formnuancen und ein vollständig original geschnitztes Dekor der Spinnräder jedes der drei Zentren ermöglichen es uns, sie als separate Varianten des Totem-Spinnrads zu betrachten.

Pogorelovs Spinnräder haben ein dickes Klingenmuster, das fast immer mit Farbe bedeckt ist. Es geht von Städten bis zu Ohrringen und lässt kein Holz von Schnitzereien unberührt. Bei Chuchkovs Spinnrädern ist die geschnitzte Zusammensetzung der Klinge in zwei Teile geteilt: Unten befindet sich ein durchgehendes Muster aus Quadraten, darüber befindet sich zwischen glattem Holz eine Rosette, und die Ecken sind von ihren Fragmenten besetzt. Das Bein des Chuchkovskaya-Spinnrads ist von der Klinge bis zur Basis geschnitzt. Chuchkovs Spinnräder wurden nie signiert. Bei Biryakovs Spinnrädern ist das geschnitzte Muster auf der Klinge nicht dick. Es tritt nur in seinem oberen Teil in das Bein ein. Biryakovs alte Spinnräder waren ebenfalls nicht signiert. Später fing man an, sie wie Mahagoni zu bemalen, und anstatt sie zu schnitzen, wurden sie mit gemusterten übereinandergelegten Kupferplatten, Spiegelstücken und Kupferplatten verziert, die an einer Schlaufe befestigt waren, beweglich waren und bei jeder Bewegung die sich drehenden Räder machten ein Klingelton. Diese Spinnräder wurden von einer Familie lokaler Akkordeonbauer hergestellt.

Wurzelspinnräder von Permogorsk
19. Jahrhundert

1. Gebiet Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Permogorye-Pier, eine Gruppe von Dörfern von Wet Yedoma

Weiße Hintergrundmalerei. 87 x 21 x 49,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Krug lova)

2. Gebiet Archangelsk, Bezirk Tscherewkowski, Dorf Uljanowsk am Fluss Rakulka. Meister Vityazev Yakov Dmitrievich Malerei. 94x19x57. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Spinnräder von Permogorsk - "Wurzel" (nördlicher Typ). Nach der Klassifikation von A. A. Bobrinsky gehören sie zum dritten Dwina-Typus, der alle Arten der Severodvinsk-Malerei umfasste. Erst 1959 wurden diese Arten durch die Expedition des Zagorsk-Museums (O. V. Kruglova) klar abgegrenzt und die Zentren ihrer Produktion gefunden. Für die Permogorsker Malerei war ein solches Zentrum eine Gruppe von Dörfern unter dem gemeinsamen Namen Wet Yedoma in der Nähe des Permogorye-Piers. Permo-Gorsk-Malerei ist weißer Hintergrund. Das Muster basiert auf einem kleinen floralen Ornament aus speerförmigen Blüten und Blättern, darunter Bilder von Sirin, Einhörnern, Löwen und verschiedenen Szenen des Bauernlebens. Auf den Spinnrädern von Permogorye war das Bild des Sirin traditionell. Noch zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde es als Glückswunsch an eine Frau auf ein Spinnrad gelegt. Sirin ist von einem für die Permogorsker Malerei typischen Blumenmuster umgeben. Speerförmige Blätter und fantastische Blüten an flexiblen Stielen umgeben die Komposition, eingeschlossen in einen runden Rahmen aus Dreiecken. Der Künstler füllt den Raum um diesen runden Stempel mit einem floralen Muster. Die Bemalung erfolgt [ohne grüne Farbe, nur in den Farben Schwarz, Rot und Gelb. Rakul-Spinnräder - "Wurzel" (nördlicher Typ). In der Klassifizierung von A. A. Bobrinsky und in seinem Album der Rakul-Netch-Spinnräder wurde dieser Busch erstmals von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova) entdeckt. Produktionszentrum war das Dorf Uljanowsk am Fluss Rakulka, einem Nebenfluss der Nördlichen Dwina. Ein niedriger Stamm, der sich ausdehnt, geht in einen sehr langen Lappen mit vier Städten über. Auf gelbem Hintergrund - dekorative Malerei. Im oberen Teil befindet sich eine große Locke eines gebogenen Astes. Unten sehen Sie ein Bild eines Vogels, der in ein Quadrat eingeschrieben ist. Das Zeichnen ist sehr frei und selbstbewusst. Die braunen und schwarzen Farben des Wandbildes harmonieren mit dem goldgelben Hintergrund.

Spinnrad von Permogorsk - "Geschichte". Mit Fragmenten
19. Jahrhundert

Archangelsk Region, Krasnoborsky District, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern Wet Yedoma White Background Painting. 86 x 19 x 47,5.

Eines der gebräuchlichsten und ältesten Schemata für die kompositorische Konstruktion der Bemalung der Klinge auf den Spinnrädern von Permogorye:

Den zentralen Platz nimmt die Versammlungsszene mit vier Figuren in einer Kammer mit gemusterten Fenstern mit Walmdach ein, über der ein Einhorn und ein Löwe abgebildet sind.

Links sitzen zwei Spinner hinter den Spinnrädern. Eine von ihnen trägt einen im russischen Norden sehr verbreiteten Frauenkopfschmuck: eine glatte Stirn, über der sich wie ein Büschel Anordnungen einer runden Kappe erheben.

Auf der zweiten - der übliche Krieger, der Kopfschmuck einer verheirateten Frau. Rechts ist ein Mädchen mit einer Näherin. Auf ihrem Kopf trägt sie ein mädchenhaftes Stirnband aus einem hellen Seidentuch mit zwei Schnurrbärten. Sie wurden nur an der nördlichen Dwina getragen und "kustushka" genannt. Neben ihr ein Junge mit einer Taljanka in der Hand.

Jedes Detail des Gemäldes ist kein Zufall. Hier können Sie eine ausführliche Geschichte „lesen“, in der der Künstler eine wahre Geschichte mit seinem Schönheitstraum schmückt. Diese Szene des Gemäldezyklus ist die erste in ihrer Bedeutung: die Bekanntschaft junger Menschen bei Versammlungen.

In der folgenden Szene setzt der Künstler die „Geschichte“ fort. Unter der Versammlungsszene befindet sich ein schmaler Wandfries, auf dem der Künstler in schwarzen Umrissen die Figuren von Menschen, einem Hund, einem Schwein, einem Hirsch und einer Kuh zeichnet.

Dieses Motiv findet sich in der Permogorsker Malerei erst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Darunter befindet sich offenbar eine Komposition eines Hochzeitszuges. Wie die Szene der Versammlungen umgibt der Meister einen Wagen mit jungen fantastischen Blumen und versucht, dem Ereignis, von dem er spricht, einen ungewöhnlich festlichen Charakter zu verleihen. Die Rückseite dieses Spinnrades zeigt das Haus eines jungen Paares, der Künstler verherrlicht ihre Gastfreundschaft und Gastfreundschaft.

Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts

Archangelsk Region, Krasnoborsky District, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern Wet Yedoma White Background Painting. 90 x 23 x 49.

Auch die Innenbemalung der Permogorsker Spinnräder erfolgte nach einem bestimmten Schema. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war der untere Teil der Klinge meist mit einer Festszene besetzt. Das Bein sowie die Vorderseite waren mit einem kleinen Blumenmuster auf weißem Hintergrund bedeckt, das normalerweise durch das Bild eines Hahns ergänzt wurde. Der obere, arbeitende Teil der Klinge, an dem Flachs gebunden war, wurde dekorativer bemalt. Auf gelbem Grund waren große Blätter geschrieben, und in den Ecken standen immer Hühner, Hähne, Hunde und Ziegen. Manchmal war der Boden auch mit einem großen Gemälde bedeckt. Sie betonte die Solidität des Wurzelspinnrads, bei dem der Boden aus der Wurzel glatt in das Bein übergeht, das aus der Geradheit (aus dem Stamm) herausgeschnitten ist. Aufgrund der Art des Musters und der Farbe wiederholt die Bemalung des Bodens den oberen Teil der Klinge.

Die Bemalung der Innenseite des Spinnrades von Permogorsk mit der Szene eines Festmahls ist der Handlung nach eine Fortsetzung der beiden vorherigen Szenen der Vorderseite des Blattes. Junge Ehepartner empfangen Gäste in ihrem Haus. Die junge Herrin, die mit dem Baby im Arm dasitzt, trägt bereits einen Frauenkopfschmuck. Der Besitzer des Hauses bringt den Gästen einen Damast und sitzt dekorativ mit einem Samowar am Tisch. In der letzten Szene des Spinnrad-Malzyklus zeigte der Künstler Wohlbefinden, Wohlstand und Familienharmonie. Hört sich an wie gute Wünsche ein junges Mädchen, dem ein Spinnrad geschenkt wurde.

Ende des 19. Jahrhunderts

Oblast Archangelsk, Halbinsel Onega, Sommerstrand

Trieder und durch Schnitzen, Drehen, Färben. 108 x 15 x 60.

Pommersche Spinnräder waren "Wurzel" und wurden aus einem einzigen Stück Holz hergestellt. Spätere Proben von ihnen haben ein Bein, das auf einer Drehbank hergestellt wurde. Nach der Klassifizierung von A. A. Bobrinsky wurden sie dem fünften Typ zugeordnet. Die erste Sammlung von ihnen wurde 1911 von I. M. Pochinovsky in das Archangelsk Museum gebracht. Eine ernsthafte Untersuchung dieser Art von Spinnrad wurde von den Expeditionen des Staatlichen Russischen Museums (1960er Jahre, N. V. Maltsev) durchgeführt. Verteilt an den Lyamets- und Sommerküsten der Onega-Halbinsel. Die Grenzen dieser Zentren fallen mit der Teilung der Halbinsel in zwei Ufer zusammen. Form und Dekor des pommerschen Spinnrads von Letny Bereg bestechen durch Eleganz. Seine ruderförmige Form hebt sich von all den zahlreichen Arten russischer Spinnräder ab und wurde offenbar von den Spinnrädern der Westküste des Weißen Meeres beeinflusst. Dies sind Spinnräder (Abb. XIII im Artikel) auf einem hohen Bein mit einer langen, schmalen Klinge, die oben und unten abgerundet ist. Der Mittelteil ist zur Fassade hin gebogen. All dies lässt es wie ein Ruder aussehen. Es existierte vom Weißen Meer bis zur Grenze zu Finnland und von der Tersky-Küste fast bis zum Onega-See. Höchstwahrscheinlich war die Form des Spinnrads uralt, lokal, es ist mit der finno-ugrischen Kultur verbunden und existierte hier schon vor der Entwicklung dieser Länder durch die Russen. Dieses Spinnrad hat viel mit den Spinnrädern Finnlands und der baltischen Staaten gemeinsam. Die Komposition der geometrischen Schnitzerei besteht aus drei runden Stempeln. Das kleinste Muster bedeckt die gesamte Klinge, deren Oberfläche facettenreich schimmert. Die anmutige Form wird durch den fragilen Abschluss der fünf Städte betont. Das Spinnrad ist mit Schnitzmalerei überzogen.

Kenozero Spinnräder - Wurzel, aus einem Stück Holz gefertigt
Ende des 19. Jahrhunderts

Gebiet Archangelsk, Bezirk Kargopolsky, Dörfer auf Kenozero

Dreiflächiges Schnitzen, Pinselmalerei. 99 x 23,5 x 56. 99 x 23,5 x 56. Präsentiert von der Expedition des Staatlichen Russischen Museums (1964, N. V. Maltsev)

Kenozero-Spinnräder sind Root, sie wurden aus einem Stück Holz gefertigt. Sie wurden nicht in die Klassifikation von A. A. Bobrinsky aufgenommen. Zum ersten Mal wurden sie von den Expeditionen des Staatlichen Russischen Museums (1963, N. V. Maltsev) als eigenständiger Typ gefunden und ausgewählt. Kenozero-Spinnräder gibt es in der Region Kargopol um Kenozero. Ihre Form hat viel mit den Spinnrädern von Kargopol gemeinsam. Sie haben ein niedriges Bein und eine riesige Klinge, deren Spitze zwei Hänge mit fünf großen runden Städten bildet. Die Unterseite der Klinge ist mit zwei großen runden Ohrringen verziert. Die dreiflächige Schnitzerei, die Bein und Klinge dicht bedeckt, weist eine Reihe von Motiven auf, die nur für Kenozero charakteristisch sind (Ornamentstreifen aus Quadraten, die mit einem Strahlenfächer verziert sind). Normalerweise wurden die Schnitzereien elegant bemalt.

Die große, mit Schnitzereien bedeckte Schaufel der Spinnräder von Kenozero war immer auch mit Gemälden verziert. Die Oberfläche des unberührten Holzes wurde über die ganze Klinge in einer Farbe lackiert. Die Schnitzereien der Städte auf dem oberen Teil des Spinnrades, die Ohrringe auf der Unterseite des Blattes, die Zierstreifen und die zentrale Komposition wurden mit Farben koloriert. Über dem Hintergrund wurde eine Pinselmalerei aufgetragen, normalerweise ein Blumenmuster.

Säulenspinnräder - "Wolgasäule"
Ende des 19. Jahrhunderts

Spinnrocken. 19. Jahrhundert. Gebiet Jaroslawl, Bezirk Seredski Trihedral und dreidimensionales Schnitzen. 75x14x64. Inv. Nr. 3206 e Erhalten aus der Sammlung Vl. IV. Sokolowa im Jahr 1957

Spinnrocken. 19. Jahrhundert. Gebiet Jaroslawl, Bezirk Nekrasovsky, Dorf Vyatskoe Trihedral und durch Schnitzereien. 73 x 11 x 64. Inv. Nr. 3673 e 1940 von der Zagorsker Berufsschule erhalten

Die hellsten Sorten der Wolga-Säule. Seine Form und der geschnitzte Dekor der Fenster mit Sandriks erinnern an die hohen, schlanken Zelte der steinernen Glockentürme des 17. Jahrhunderts. Es besteht aus einem Boden und einem darin eingesetzten Bein mit einer kleinen Klinge. Jüngste Studien haben eine ganze Gruppe von Sorten von säulenförmigen Spinnrädern enthüllt, deren Verbindung ihr Design ist - der Boden und der Riser mit einem darin eingesetzten kleinen Kopf. Wir treffen diese Form nur in den an die Wolga und ihre Nebenflüsse angrenzenden Gebieten (in Kostroma, Jaroslawl, im westlichen Teil von Wologda, im östlichen Teil der Regionen Nowgorod und Kalinin). Die Form der Jaroslawler Säule mit Fenstern war die Grundlage für den achten Typ von Spinnrädern nach der Klassifizierung von A. A. Bobrinsky, ohne genaue Angabe ihrer Existenzorte. Die Expedition des Zagorsk-Museums bestimmte dieses Gebiet (1966, O. V. Kruglova): Es besetzt den Seredsky-Bezirk und den nördlichen Teil des Nekrasovsky-Bezirks der Region Jaroslawl. Die Hauptproduktionszentren waren das Dorf Vyatskoye und benachbarte Dörfer. Die Schnitzer der Spinnräder nahmen als Modell steinerne Glockentürme aus dem 17. Jahrhundert mit Fenstern, die auf der weißen Oberfläche des Zeltes verstreut waren, dessen oberer Teil normalerweise mit einem voluminösen Sandrik verziert war. Dieses Motiv der eleganten Fenster wiederholt sich so oft, dass es alle Seiten des hölzernen Türmchens vollständig bedeckt. Die Wände zwischen den Fenstern sind mit verdrehten Säulen gefüllt. Bei der Schnitzerei fallen die sorgfältige Ausarbeitung jedes Details und die brillante Ausführungstechnik auf.

Fragment

Anfang des 19. Jahrhunderts

Gorki-Gebiet, Gorodetsky-Bezirk Inlay. 73 x 32.

Gorodets Böden sind normalerweise in der Nähe des Kopfes abgerundet. Die hier vorgestellte ist mit Mooreiche eingelegt, ohne den Hintergrund zu retuschieren, was Mitte des 19. Jahrhunderts in Gorodets begann. Der mittlere Teil des Bodens ist mit dem Bild marschierender Soldaten verziert. Ihr hoher Tschako-Kopfschmuck ermöglicht eine Datierung der Donez in das erste Viertel des 19. Jahrhunderts. Oben zwei Reiter mit Dreispitz auf gedrungenen, großköpfigen Pferden.

Eine Komposition mit einem Reiter auf einem Pferd, ausgeführt in Intarsientechnik, schmückt die Seitenfläche des Kopfes der Gorodets Donets. Ein Reiter mit hohem Hut, genau wie die Soldaten. Das großköpfige Pferd ähnelt einem Gorodets-Spielzeug. Die Beine des Schlittschuhs werden zu dekorativen Blättern.

19. Jahrhundert

Gebiet Gorki, Bezirk Gorodetsky. Malerei. 79 x 27 x 17.

Die Donets sind mit Gemälden verziert, behalten aber dennoch die für frühere Intarsien-Donets typische Komposition bei - zwei Reiter und ein Baum mit Vögeln in der Mitte. Auch die Farblösung des Gemäldes ahmt die Intarsie nach: schwarze Pferde auf gelbem Grund. Der gelbe Hintergrund tauchte erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts als Tönung auf Gorodets-Intarsien auf. Später, in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts, in der nächsten Phase der Gorodets-Malerei, wurde die traditionelle Szene mit Reitern durch das berühmte Gorodets-Fest ersetzt. Die Bemalung dieses Unterteils zeichnet sich durch Anmut, formale Raffinesse und virtuose Schreibtechnik aus. Breite Malstriche werden durch Animationen ergänzt, saftige Pinselstriche umreißen die Mitte der Blume, eine dünne flexible Linie verläuft am Rand der Blütenblätter.

Die Seitenfläche des Kopfes des Unterteils ist mit einer Komposition mit einem Reiter auf einem schwarzen Pferd verziert. Die Malerei wird von schwarzer Farbe dominiert, über die mit leichten Strichen weiße Animationen aufgetragen werden. Über dem Kopf des Reiters befindet sich eine Rosenblüte, die für Gorodets Malerei sehr charakteristisch ist.

Frühes 20. Jahrhundert

Gorki-Gebiet, Gorodetsky-Bezirk Malerei. 12,5 x 30,5 x 16.

Eine Bastkiste, eine kleine längliche Kiste ohne Deckel, diente zur Aufbewahrung von "Loben" - Bündeln aus gekämmtem Leinen, die für Garn vorbereitet wurden. Verziert mit einem charakteristischen Gemälde für das Gorodetsky-Viertel. An der Verbindungsstelle der Bastwände des Urinals befinden sich Knospen bräunlich-roter Rosen, an den Enden blühen bereits Rosen mit Blättern. Es gibt eine gewisse Eile in der Schreibweise, die durch die Massenproduktion dieser Verkaufsartikel verursacht wird. Trotzdem ist in der Ausführung des Gemäldes die Hand des Meisters sichtbar, der sich in Komposition, Zeichnung und Farbe auskennt.

Solonitsa
Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts

Gebiet Gorki, Bezirk Gorodetsky. Pinselmalerei. 16x19,5x15.

Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1963, L. E. Kalmykova)

Salzstreuer in Form eines Sessels, mit einem Deckel auf einem Drehgelenk, ist mit einer Weidenrute in mehreren Reihen gebunden, die als Reifen dienen. Seine Form ist typisch für die mittlere Wolga-Region. Der Deckel und die Rückseite des Salzkastens sind auf beiden Seiten mit der typischen Gorodets-Bemalung bedeckt, sehr einfach, aber dekorativ. Die Geschmeidigkeit des Musters, die Kühnheit des Strichs, das Vertrauen in die Anwendung der Animation, das durch die Eile des Buchstabens entwickelt wurde, die mit der Produktion für den Verkauf verbunden ist, charakterisieren die Malerei dieses Objekts. Hunderte von Salzstreuern wurden hergestellt, so dass sie auch heute noch weit über die Region Gorki hinaus zu finden sind - in den Regionen Kostroma, Jaroslawl, Kalinin und Wologda.

Shveyka und Salzstreuer
Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts

Schweik. 1893 Wolga-Region Dreiflächiges Schnitzen. 45 x 11,5 x 56.

Solonitsa. Ende des 19. Jahrhunderts. Wolga-Region Dreiflächiges Schnitzen. 15,5x11x11.

Das Design ähnelt einem Spinnrad. An der Unterseite, wo der Kamm am Spinnrad eingesetzt wurde, war eine Säule in Form eines dreistufigen Türmchens an der Näherin angebracht. Oben auf ihrem Kissen, auf dem der Stoff gestochen und fixiert war, was es ermöglichte, ihn beim Nähen zu dehnen. Die Basis des Revolvers ist eine würfelförmige Box für Fäden und Nadeln mit einem Schiebedeckel. Die mittlere Stufe des Turms hat gedrehte Säulen, an den Ecken enden sie mit stilisierten Pferdeköpfen. Über der oberen Reihe ist das Datum "1893" eingeritzt. Der Boden und die Schachtel für Fäden sind mit Schnitzereien bedeckt, deren Muster aus Rosetten, Quadraten und Dreiecken besteht.

Der Salzstreuer in Form eines Sessels ist ebenfalls mit einer dreiflächigen Schnitzerei mit geometrischem Muster verziert.

Schwejka
Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts

Gebiet Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Dorf Podbereznaya auf Tsivozero

Volumetrisches Schnitzen, Färben. 49 x 9 x 53. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Das Kleidungsstück ist faltbar. Sein Riser hat die Form eines zweistufigen Turms. Die Hauptdekoration des Turms sind gedrehte Säulen und endet mit einer Schlittschuhfigur. Der Kopf des Grats wird auch an der Verbindung des Steigrohrs mit dem Boden ausgeschnitten. Diese Form des Nähens ist typisch für die Regionen der nördlichen Dwina. Die Schnitzerei wurde mit Ölfarben bemalt. Eine Nähmaschine war ebenso unverzichtbar wie ein Spinnrad, daher wurde auch ihrer Dekoration große Bedeutung beigemessen.

Trepalo
Mitte 19. Jahrhundert

Gebiet Archangelsk, Bezirk Cherevkovsky, Dorf Srednee Kharino

Dreiflächiges Schnitzen. 17x13.

Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Rassel für Flachs. Die Form ist typisch für die Regionen der nördlichen Dwina: Von einem geraden Griff aus erweitert er sich allmählich und endet mit einem abgerundeten Ende. Es ist kleiner als die Rassel der Region Wologda, aber viel dicker, massiver und schwerer. Eine Seite der Rassel ist mit einer dreiflächigen Schnitzerei bedeckt. Eine kleine Wirbelrosette beginnt die Komposition in der Nähe des Griffs. Dann betonen zwei Rauten, eine größer als die andere, die sanfte Ausdehnung der gekräuselten Ebene. Eine große Rosette schließt die Komposition der Spitzenschnitzerei ab.

Füllungen vom Webstuhl
Ende des 19. Jahrhunderts

Gebiet Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Dorf Bolshoy Dvor auf Tsivozero. 99 x 16. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Gebiet Wologda, Bezirk Totemski, Dorf Ivakino. Dreiflächige und geprägte Schnitzerei. 83 x 14. Inv.-Nr. Nr. 5491 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1970, O. V. Kruglova)

Der Webstuhl war oft mit Schnitzereien verziert. Besonders elegant wurden Webstühle im mittleren Wolgagebiet geschmückt. Ihre massiven Aufsätze von außen waren mit großen Schnitzereien bedeckt, ganz in der Nähe der Hausschnitzereien der Wolga-Region. Im Norden Russlands wurden nur einzelne Details des Webstuhls dekoriert - Schiffchen, Tuschelnik, Streifen zum Spannen der Leinwand, und dem Dekor der Füllung wurde die meiste Aufmerksamkeit geschenkt. Die obere Füllung des Lagers im Becken der nördlichen Dwina war besonders elegant dekoriert. Sein zentraler Teil ist dicht mit einem großen dreiflächigen Muster bedeckt, und die Enden sind wie Pferdeköpfe geformt. Die damit gepaarte untere Polsterung geht verloren. Auf dem anderen Füllungspaar sind Pferdeköpfe das Hauptdekor. Sie schmücken nicht nur ihre Enden. Paarige Pferdeköpfe sind auch im mittleren Teil der Füllung geschnitzt, auf zwei Vorsprüngen für die Hände.

Webstuhl Weber
Ende des 19. Jahrhunderts

Weberei der Weber. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Kostroma, Bezirk Susaninski, Dorf Pleschiwzewo Schnitzerei. 30 x 5,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1968, O. V. Kruglova)

Weberei der Weber. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Jaroslawl, Bezirk Seredski, Dorf Okunewo

Faden. 31 x 7. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1966, O. V. Kruglova)

Detail eines Webstuhls in Form eines Schlittschuhs mit Zahnrad. Es dient zum Strecken der Kettfäden. Sein hölzernes Zahnrad, das mit der „Naht“ (einem dicken Stock, auf den die bereits gewebte Leinwand gewickelt war) verbunden war, konnte sich nur in eine Richtung drehen, und seine Bewegung in die entgegengesetzte Richtung wurde durch eine Figur eines stilisierten Schlittschuhs verzögert, in dessen Brust die Ausrüstung ausgeruht. In den Regionen des russischen Nordens war diese Form der Zahnspange am weitesten verbreitet.

Die Schaufel und das Pendel des Spinnrades "selbstspinnend"
Ende des 19. Jahrhunderts

Die Schaufel eines Spinnrades "selbstdrehend". Frühes 20. Jahrhundert. Jaroslawskaja

Oblast, Bezirk Seredski, Dorf Tjujaftino. Meister Fedorow Michail

Sergeevich Trihedral gerilltes Schnitzen. 24,5 x 7,5.

Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1966, O. V. Kruglova)

Die Klinge ist Teil eines „Selbstspinners“ (Spinnrad mit einem Rad). Das Ornament besteht aus geometrischen Elementen und basiert auf einer strahlenden Rosette. Das Muster ist dem der alten säulenförmigen Spinnräder der Gegend sehr ähnlich. Auf dem Klingenrücken sind die Buchstaben eingraviert: „A. ABER." (Anastasia Alexandrovna ist der Name des Mädchens, für das Meister Mikhail Sergeevich Fedorov das Paddel geschnitten hat). Im Bezirk Seredsky in der Region Jaroslawl war es üblich, die Paddel zum "Selbstspinnen" mit Schnitzereien zu verzieren. Andere Zentren im russischen Norden, in denen „selbstdrehende“ Klingen mit Schnitzereien verziert wurden, sind noch unbekannt.

Das Pendel eines Spinnrades mit Rädern "selbstspinnend". Frühes 20. Jahrhundert. Gebiet Jaroslawl, Bezirk Seredski, Dorf Semzewo. Meister Chernov Valeryan Grigorievich Trihedral Schnitzen. 52 x 5,5. Inv. Nr. 5172 e Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1966, O. V. Kruglova)

Das Pendel ist ein Detail eines „selbstdrehenden Rades“ (ein Spinnrad mit einem Rad), das mit einem schmalen Ende an seinem Trittbrett befestigt war und das Rad drehte. Bedeckt mit der kleinsten dreiflächigen Schnitzerei. Ein Muster aus kleinen strahlenden Rosetten, die Schneeflocken ähneln. Die Inschrift auf der Rückseite lautet: „A. K. C. M. V. G. C. DARYU. AUF DER. ERINNERUNG “(Ich gebe Anna Kuzminishna Chernova Meister Valeryan Grigorievich Chernov als Andenken). Es wurde vom Meister seiner Frau unmittelbar nach der Hochzeit überreicht. Als Erinnerungsobjekt wurde dieses Pendel nicht an einer „selbstdrehenden Maschine“ getragen. Gemusterte Pendel waren im Bezirk Seredsky in der Region Jaroslawl sehr verbreitet. Andere Zentren im Norden, wo „selbstgesponnene“ Pendel mit Schnitzereien verziert wurden, sind unbekannt.

19. Jahrhundert

Gebiet Orjol, Kreis Jelez Dreiflächiges Schnitzen. Die durchschnittliche Größe beträgt 14-15 cm und wurde von der Expedition des Zagorsk-Museums (1958, L. E. Kalmykova) mitgebracht.

Sticks zum Weben von Spitzen. Hergestellt aus Massivholz. Der untere Teil der Spulen, frei von Fäden, war mit kleinsten Schnitzereien bedeckt. Ihre Muster sind äußerst vielfältig und gleichzeitig schlicht. Sie bestehen aus Dreiecken, Rauten, Quadraten in verschiedenen Kombinationen, Zickzackstreifen, Sternen.

Rubel
Anfang des 19. Jahrhunderts

Gebiet Archangelsk, Bezirk Leshukonsky, Dorf Yedoma Trihedral-Schnitzerei. 72,5x13x2. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1961, O. V. Kruglova)

Rubel zum Rollen (Glätten) von selbstgesponnenen Leinenprodukten zeichnet sich durch außergewöhnliche Plastizität der Form aus. Es ist typisch für die Gebiete des Mezen-Flusses. Das dünne Rubelbrett hat in der Mitte eine leicht merkliche Biegung, was seine Form sehr elegant macht. Das breite Ende des Rubels ist sehr dekorativ. Abgerundet wird es durch zwei kleine Kreise, die mit Wirbelrosetten verziert sind. Die gesamte Oberfläche des Rubels ist mit einer sehr dekorativen, saftigen plastischen Schnitzerei bedeckt.

Walki
19. Jahrhundert. Wolga-Region

Ausleger. 19. Jahrhundert. Wolgagebiet Reliefschnitzerei. 45 x 15 x 3.

Ein bequemer Griff, eine breite, glatte, leicht gewölbte Oberfläche der Walze entspricht der seit Jahrhunderten ausgearbeiteten Bewegung beim Schlag auf nasse Wäsche. Nicht funktionierende Teile der Rolle - ihre Oberfläche und die Spitze des Griffs - sind seit langem mit Schnitzereien verziert.

Das Dekor der Rolle ist ungewöhnlich. Reliefschnitztechnik, selbst in den Regionen der mittleren Wolgaregion, ist bei diesen Objekten äußerst selten. Das Design der Rolle wurde zweifellos unter dem Einfluss der Schnitzerei der Wolga-Region hergestellt. Dies wird nicht nur durch die Blindschnitztechnik belegt, sondern auch durch das Bild der Sirin, die den gesamten zentralen Teil der Rolle einnimmt. Die Schnitzerei zeichnet sich nicht durch tadellose Komposition und Brillanz der Technik aus. Aber seine Einfachheit und der geniale Wunsch des Autors, über altbewährte Traditionen hinauszugehen, büßen für technische Unvollkommenheit.

Ausleger. 19. Jahrhundert. Gebiet Gorki, Bezirk Gorodezki, Dorf Savino Dreiflächige Schnitzerei. 45x13x3.

Valek ist aus Espe und hat eine silberne Farbe. Verziert mit einem geometrischen kleinen, flachen Muster. Der quer verlaufende, leicht vorstehende Querbalken, der an der Verbindung des Griffs mit der Rolle liegt, ist das kompositorische Bindeglied des Musters. Von dort aus beginnt sich ein gefalteter Strahlenfächer auf die zentrale, weit auseinandergezogene Rosette zuzubewegen. Am Rand befindet sich ein Streifen eines sehr statischen Ornaments aus Quadraten. Das Muster betont perfekt die Form des Objekts.

Ausleger. 1848 Trihedral-Schnitzerei. 42,5 x 18,5 x 4.

Valek ist massiv und dekorativ. Der Querbalken an der Verbindung des Griffs mit der Rolle, in der Mitte mit einer Wirbelrosette verziert, ist an den Seiten wie geschnitten und ähnelt einer kunstvollen Schleife. Die Schnitzerei hebt sich gut vom glatten Holzhintergrund ab. Das stark aufgeweitete Ende der Rolle wird von einer großen Rosette eingenommen, deren komplexes Muster sich aus kleinen Rosetten zusammensetzt. Am Rand der Rolle verläuft ein schmales „Seil“-Muster. Auf der runden Spitze des Stiftes ist das Datum eingraviert: „1848“ (die Buchstaben neben dem Datum sind unleserlich).

Formen für Lebkuchen. "Beschleunigung"
19. Jahrhundert

Formular für Lebkuchen "Beschleunigung". 19. Jahrhundert. Region Moskau, Bezirk Dmitrovsky, aus dem Olgovsky-Nachlass der Apraksins-Kerbschnitzerei. 47 x 30 x 4. 1965 im Dmitrovsky-Museum erworben

Eine große Lebkuchenform besteht aus 63 kleinen Quadraten mit einer Seitenlänge von drei Zentimetern. Die winzige Größe der Quadrate schränkte die Möglichkeiten der Detaillierung ein, und der Meister verlieh den Bildern mit nur wenigen Strichen Charakter und Ausdruckskraft. Auf ihnen sind verschiedene Bilder eingeritzt: Blätter, Blumen, Sterne, Bienen, Krebse mit hervorquellenden Augen und schließlich eine ganze Reihe fantastischer Vögel, entweder mit verspielten Büscheln auf dem Kopf oder mit erhobenen Flügeln oder mit fächerförmigen Schwänzen. Das Brett verblüfft mit der Vorstellungskraft des Meisters und der hervorragenden Schnitztechnik. Ein solcher Lebkuchen wurde "Beschleunigung" genannt. 220 Sie backten es für die Hochzeit und trugen es als Zeichen dafür, dass der Feiertag vorbei war, um die Gäste herum.

Formular für Lebkuchen. Kerbschnitzerei aus dem 19. Jahrhundert. 40 x 10,3 x 3.

Auf einem Lebkuchenbrett sind drei längliche Aussparungen für Lebkuchen geschnitzt. Auf einem ist geflochten, auf dem anderen eine Komposition aus einem Quadrat aus Blättern und Sternen, auf dem dritten eine stilisierte Blume in einem Topf. Die Schnitzerei ist flach. Es zeichnet sich durch äußerste Klarheit der Komposition, Einfachheit der Muster und Meisterschaft in der Ausführung aus. Lebkuchen in Rus werden seit langem für viele Veranstaltungen hergestellt: für eine Hochzeit, als Geschenk für die Eltern, für eine Totenwache, zu Ehren eines lieben Gastes, für einen Namenstag. Und ihre Größe war sehr unterschiedlich: von denen, die auf einem Karren transportiert werden mussten, bis zu winzigen von 2-3 Zentimetern Größe. An der festlich gedeckten Tafel wurden kleine Lebkuchen um die Gäste herumgetragen, junge Leute brachten den alten Leuten Lebkuchen als Zeichen des Respekts und der Aufmerksamkeit und auf Volksfesten verwöhnten die Jungs die Mädchen. Vielen traditionellen Zeremonien im Volksleben verlieh das Anbieten eines Lebkuchens noch mehr Festlichkeit, Bedeutung und Feierlichkeit, diente als Zeichen der Aufmerksamkeit und Liebe.

Körper. Spatel
Ende des 19. Jahrhunderts

Körper. Ende des 19. Jahrhunderts. Region Wologda, Bezirk Sheksninsky, Dorf Pavlikovo Beresta. Weben, Prägen, Färben. 16 x 35 x 35. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Runde Dose, flach, mit Henkel, aus Birkenrinde geflochten. Das Gewebe ist sehr fein und dicht. Außen ist jeder Block aus Birkenrinde mit einem in Prägetechnik aufgebrachten Sternchen verziert. Die Karosserie ist in Rot und Schwarz lackiert. Die Bemalung passt gut zur natürlichen Farbe der Birkenrinde. Einige der Sterne haben Spuren von türkiser Farbe behalten.

Spatel. Frühes 20. Jahrhundert. Region Kostroma, Bezirk Soligalichsky,

Das Dorf Balynovo Beresta. Weben, Prägen. 20 x 7 x 2,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1969, O. V. Kruglova)

Spachtel - ein Etui für einen Stabschleifstein, mit dem die Sensen geschärft werden. Auf jeder Webzelle wird ein Sternchen mit einem Metallstempel herausgedrückt. Mit minimalen künstlerischen Mitteln erzielte der Meister den Eindruck ornamentalen Reichtums.

Dienstag. Dupelischko
Ende des 19. Jahrhunderts

Dienstag. Ende des 19. Jahrhunderts. Oblast Archangelsk, Bezirk Leschukonsky, Dorf Zasulye am Fluss Mesen Beresta, Holz, Prägung. 10 X 10. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1961, O. V. Kruglova)

Tuesok mit einem Griff auf einem Holzdeckel. Es wurde als Gefäß für Flüssigkeiten verwendet. Er hielt die Temperatur des Inhalts lange Zeit. Ein flexibler Weidenstab, der zur Verstärkung durch den Rand genäht wird, ist auch ein dekoratives Element. Auf die Oberfläche der Birkenrinde wird mit einem Metallstempel ein Muster aus Kreisen, kleinen Dreiecken und anderen Figuren aufgebracht. Diese einfache Dekorationstechnik ermöglichte es, den Eindruck des ornamentalen Reichtums der Oberfläche der Tuesca zu erzielen.

Dupelischko. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Archangelsk, Bezirk Tscherewkowski, Dorf Podnegla Holz, Birkenrinde, Schnitzerei. 10,5 x 8 x 8,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Aus Holz und umwickelt mit mehrlagig verlegten Birkenrindenstreifen. Die hervorstehenden Kanten der Birkenrindenstreifen sind mit kleinen Zähnen geschnitten und sind die Hauptdekoration des Artikels. Eine sehr einfache Schnitztechnik hinderte den Meister nicht daran, ein wunderschönes Objekt zu schaffen, in dem perfekt gefundene Proportionen, plastische Form und die Fähigkeit, Material zu verwenden, zu spüren sind.

Brotkästen
Ende des 19. Jahrhunderts

Brot-Box. 19. Jahrhundert. Region Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Permogorye-Pier, eine Gruppe von Dörfern Wet Yedoma Lub, Baum. Weiße Hintergrundmalerei. 18x30x45.

Brotkästen, Brote, Kästen oder Stapel, wie sie auf der nördlichen Dwina genannt wurden, dienten zur Aufbewahrung von Brot und als Truhen für Stoffe, Bänder, Kopfbedeckungen und andere Accessoires einer bäuerlichen Tracht. Das Brot wird aus dem Bast gebogen. Mit Permogorsk-Malerei verziert. In der Mitte des Deckels ist ein Fisch gezeichnet. Bilder eines Mannes mit einem Messer und einer Frau mit einer Gabel sind in das Blumenmuster eingraviert. Die Charaktere sind in urbane Kleidung gekleidet. Abbildungen von Haustieren sind in das florale Muster auf dem Deckel und an den Wänden eingraviert. Dieser Gegenstand wurde in der Regel von der Braut als Mitgift aus dem Elternhaus mitgenommen. Anscheinend war er eine Art Wunsch für ihren Reichtum und Wohlstand.

Brot-Box. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Archangelsk, Bezirk Kotlas, Mole Rjabowo, Dorf Ustye am Fluss Vychegda. Bast, Baum. Pinselmalerei. 44 x 18,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1964, O. V. Kruglova)

Aus dem Bast in Form eines runden Laibes gebogen. Brot bleibt lange frisch. Während des Festessens wurde der Brotkasten von der Gastgeberin an den Tisch gebracht und auf eine Bank neben dem Tisch gestellt. Das Brot wurde vom Hausbesitzer geschnitten. Es war eine Art Brotverehrung vor dem Essen. Deckel und Seitenwände des Brotkastens sind mit einem schwarz gemalten Blumenmuster auf einem dunkelorangen Hintergrund bedeckt, durch das der Hintergrund überall durchschimmert. Die Bügel des Brotkastens sind dick lackiert, ebenfalls schwarz. Das Muster wird fließend und locker ausgeführt.

Lukoschko ("Kiste")
Frühes 20. Jahrhundert

Lukoschko ("Kiste"). Frühes 20. Jahrhundert. Gebiet Archangelsk, Bezirk Leshukonsky, Dorf Konoshchelye am Fluss Mezen. Meister Novikov Evlampy Iosifovich Lub, Holz. Malerei. 51x30x22. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1961, O. V. Kruglova)

Wird zur Aufbewahrung von Brot verwendet. Aus dem Bast gebogen. Verziert mit einem Muster aus großen Sternen, die aus Kreisen und Ovalen bestehen. In der Mitte des Deckels befindet sich eine Wirbelrosette. Die Bügel der Schachtel sind mit einem Ornament aus leicht geneigten Streifen bedeckt. Die Bemalung der Mezen-Körbe ist mit äußerst sparsamen Mitteln ausgeführt, mit dem nur für die Mezen charakteristischen Dekorationsstil dieser Gegenstände. Die Farbe von natürlichem Holz, in Gold gegossen unter einer Schicht aus trocknendem Öl, kommt hervorragend zur Geltung. Ein bräunlich-rotes rhythmisches Muster mit schwarzer Umrandung klingt darauf angespannt und streng.

Packungen für Beeren
19. Jahrhundert

Packungen für Beeren. 19. Jahrhundert. Region Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern von Wet Edom. Bast, Birkenrinde, weiße Hintergrundmalerei. 12,5x31.

Nabiruhi sind aus Bast gewölbt, Boden und Griff sind aus Birkenrinde. Sie dienten als Kisten zum Beerenpflücken. Bemalt mit Permogorsk-Malerei. Flexible Stiele mit skurrilen Blattmustern und einer Streuung aus roten Preiselbeeren verlaufen plastisch auf dünnen, wie ein Haar, Beinen. Pferde, Hähne und Sirenen, eingeschrieben in ein florales Muster, werden als Bestandteile des Ornaments wahrgenommen. Ein dünner Gürtel aus Dreiecken grenzt an die zentralen Kompositionen. Die rote Farbe, die durch die Nachbarschaft von Gelb und Grün weicher wird, klingt weich auf einem weißen Hintergrund.

Krug
19. Jahrhundert

Jban. 19. Jahrhundert. Archangelsk Region, Krasnoborsky District, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern Wet Yedoma White Background Painting. 19 x 17 x 20.

Festliches Gefäß für Bier. Hergestellt aus schmalen Brettern. Der Deckel ist mit einem Drehgelenk mit Griff befestigt, dessen Oberseite einem stilisierten Pferdekopf ähnelt. Der Krug ist mit drei Bändern aus rot bemalten Holzreifen gebunden; Sie spielen eine wichtige Rolle in der Einrichtung des Themas. Die Lücken zwischen den Reifen sind mit Permogorsker Malerei gefüllt: ein lockiger Stamm, Zweige, Hähne und Hühner. Auf dem Deckel sind Figuren eines Mannes, einer Frau und eines Hahns in einem Blumenmuster eingraviert.

Gericht
19. Jahrhundert

Gericht. 19. Jahrhundert. Region Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern von Wet Edom. Weiße Hintergrundmalerei. Durchm. 23.

Die Schale ist mit Permogorsk-Malerei und gesägten Schnitzereien an den Rändern bedeckt, die an einen nördlichen Hüttenvolant erinnern. Die Komposition des Musters besteht aus einem stilisierten Busch, der sich mit zwei Trieben im Kreis windet. In der Mitte steht eine Frau in heller Kleidung, mit einem Krieger auf dem Kopf, mit einem Damast und einem Glas in den Händen. Sie scheint einen Gast zu einem Drink einzuladen. Schnörkellos und kindlich naiv bringt der Künstler seine Vorstellung von Respekt vor dem Gast, von Gastfreundschaft und Gastfreundschaft zum Ausdruck.

endova
19. Jahrhundert

Region Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern von Wet Edom. Weiße Hintergrundmalerei. 24 x 18 x 11.

Ein hölzernes Gefäß in Form eines Bruders, aber mit einem Ausguss zum Abtropfen. In der Region Wologda wird ein Kupfergefäß dieser Form immer noch als Bratina bezeichnet. Auf weißem Hintergrund ist das Tal mit Permogorsk-Malerei bemalt. In das florale Muster rund um das gesamte Tal sind weibliche Figuren in einem klaren Rhythmus eingeschrieben. Die traditionelle Sirin wurde hier durch einen gewöhnlichen Hahn ersetzt. Alle Handlungseinsätze fügen sich organisch in den allgemeinen Rhythmus der hellen Ornamentik des Objekts ein.

Wasserspender
19. Jahrhundert

Gebiet Archangelsk, Bezirk Krasnoborsky, Permogorye-Pier, eine Gruppe von Dörfern Wet Yedoma Carving, Malerei. 25x34x15.

Runde Form, mit Deckel, mit hohem Griff, bestehend aus dekorativen Locken, und zwei Tüllen zum Ablassen von Wasser in Form von Vogelköpfen. Bemalt auf gelblich-ockerfarbenem Grund. Auf dem breiten unteren Teil des Waschtisches befindet sich in Schwarz wie ein Muster die Aufschrift: „LOVE WASHING WHERE WATER DO NOT BE SORRY YOU WILL BE WHITE AS SNOW“. Sehr seltenes, einzigartiges Kunstwerk. Ausgeführt mit feinem Verständnis für dekorative Aufgaben. Diese Waschtischform ist traditionell. Davon zeugen auch nordische Kupferwaschtische mit rundem Körper und einem Ausguss zum Abtropfen, der ein wenig an einen Vogelschnabel erinnert, und Waschtische, die von Töpfern in vielen Regionen Russlands hergestellt wurden. Bis zum 19. Jahrhundert brachten die Menschen diese schöne dekorative Form aus der heidnischen Kultur, als diese Skulpturen-Gefäße eine semantische Bedeutung hatten.

Burak aus Birkenrinde
19. Jahrhundert

Oblast Archangelsk, oberer Fluss Uftjuga Beresta, Baum. Malerei. 14 x 12. Inv.-Nr. Nr. 5180 e Mitgebracht aus Rybinsk (1964, O. V. Kruglova)

Ein Gefäß mit dichtem Deckel und bequemem Griff hielt die Temperatur des Inhalts lange Zeit. Deshalb trugen die Bauern so gern Mittagessen, Milch und kalten Kwas auf dem Feld. Das Handwerk der Rote-Bete-Malerei an der Oberen Uftjuga (einem Nebenfluss der Nördlichen Dwina) hatte sehr alte Traditionen und entwickelte seinen eigenen Stil, seine eigenen Maltechniken und Ornamente, die nur für die Uftjuga charakteristisch sind. Auf einem orangefarbenen Hintergrund, der bei Uftyuga sehr beliebt ist, wird eine elegante Silhouette eines Vogels mit einem hellschwarzen Umriss erstellt. Die Flügel und der Schwanz von drei Blütenblättern sind grün und braun gefärbt, weshalb der Vogel als eines der Elemente des Pflanzenmusters wahrgenommen wird. Die Bemalung der Roten Beete wurde bei Uftyug nicht wie bei Per-Mogory mit einem durchgehenden Teppich, sondern sparsam aufgetragen, der Hintergrund blieb sauber. Zum ersten Mal wurde das Zentrum dieses Gemäldes 1957 von V. M. Vishnevskaya eröffnet.

Nabiruha für Beeren aus Bast und Birkenrinde
19. Jahrhundert

Gebiet Archangelsk, Bezirk Tscherewkowski, Dorf Uljanowsk am Fluss Rakulka. Meister Witjasew Dmitri Fjodorowitsch. Bast, Birke. Malerei. 33 x 13. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Es ist aus Bast gebogen, der Boden und der Griff sind aus Birkenrinde. Es wurde als Kiste zum Beerenpflücken verwendet. Gemalt mit Rakul-Malerei. Auf einem goldgelben Hintergrund ein Muster aus großen fantastischen Blumen und Vögeln, schwarzer Umriss, rotem Zinnober, Smaragdgrün und Weiß. Ein Werk von seltener Schönheit. Die Kunstfertigkeit der schwarzen Kontur, die in kontinuierlicher Bewegung entlang der abgerundeten Fläche des Objekts verläuft, die Schönheit der Farbe, wo die Farben wie kostbare Emaileinsätze auf goldenem Hintergrund klingen, der Rhythmus des Musters, die Komposition – alles spricht von Traditionen und seltenes Talent von Meister Dmitry Fedorovich Vityazev. Das Zentrum der Rakul-Malerei wurde erstmals 1959 von der Expedition des Zagorsk-Museums eröffnet.

Solonitsy
Ende des 19. Jahrhunderts

Solonitsa. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Archangelsk, Bezirk Cherevkovsky, Dorf Parfenovskaya Rezba. 25 x 15 x 10. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1959, O. V. Kruglova)

Salzstreuer in Form einer schwimmenden Ente. Ein großer Entenschnabel ist mit der Brust der Ente verbunden und die daraus resultierende Schlaufe dient als praktischer Griff. Abnehmbare Rückwand (Salzkastenabdeckung) ist auf einem Drehgelenk montiert und wird zur Seite eingezogen. Die Form des Salzstreuers ist sehr stabil und monumental. Der Schnitzer fing die charakteristischsten Merkmale eines schwebenden Vogels ein. Ente für viele Gebiete der Region Archangelsk, insbesondere für die gesamte nördliche Dwina, war die häufigste Form von Solonik. Das Bild der Ente war einst eng mit der Hochzeitszeremonie verbunden. Sie wurde von den Menschen als Patronin des Familienglücks angesehen. Dies war noch in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts und sogar ganz am Anfang des 20. Jahrhunderts zu beobachten. Aber jetzt erinnern sich nur die ältesten Menschen dieser Orte daran. Die Tradition, eine Salzkeller-Ente ständig selbst auf einem gereinigten Tisch zu halten, blieb in vielen abgelegenen Regionen des Nordens erhalten.

Solonitsa. Ende des 19. Jahrhunderts. Gebiet Archangelsk, Bezirk Leschukonsky, Dorf Yedoma. Meister Malyschew Iwan Wassiljewitsch Schnitzen. 23,5 x 8,5 x 14,5. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1961, O. V. Kruglova)

Salzstreuer in Form einer schwimmenden Ente. Die Hauptfigur der Silhouette wurde subtil eingefangen. Die Schnitzerei ist sehr selbstbewusst. Der Meister formt die Form in großen Massen und erreicht dabei eine große plastische Ausdruckskraft. Im Rücken der Ente wurde eine Aussparung für Salz gemacht, es gibt keinen Deckel, während bei den meisten Salzstreuern des Nordens der Rücken der Ente abnehmbar oder beiseite gelegt wurde. Aus der Region Archangelsk aus dem Fluss Vashka, einem Nebenfluss des Mezen, gebracht. War vor der Übergabe an das Museum in Gebrauch. Fast das gesamte Dorf Edom nutzte die alten Salzkeller-Enten.

Skopkar. Schöpfkelle
Anfang des 19. Jahrhunderts

Skopkar. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Archangelsk Region, Krasnoborsky District, Permogorye Pier, eine Gruppe von Dörfern Wet Yedoma Carving, weiße Hintergrundmalerei. 64 x 33 x 30.

Wasseramsel. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Gebiet Archangelsk Schnitzen, Malen. 8,5 x 8,5 x 16,5. 1941 vom Smolensker Museum erhalten

Skopkar, ein großes Gefäß für berauschende Getränke, war für festliche Tafeln bestimmt. Es wurde normalerweise von der Wurzel aus ausgehöhlt. Als Griffe dienten Schwanz und Kopf einer Ente mit langem Schnabel. Der Körper des Vogels wurde fast in Form einer runden Schüssel mit leicht nach innen geneigten niedrigen Seiten hergestellt, was ihm Stabilität verleiht. Die Bemalung des Skopkar ist charakteristisch für Permogorye. Als Basis dient ein florales Muster, das sich mit einem flexiblen Trieb an den abgerundeten Gefäßwänden ausbreitet. Der Hintergrund ist weiß. Fantastische Vögel, die in das Muster eingeschrieben sind, betonen den Rhythmus des Musters. Auf dem runden Korpus des Gefäßes befinden sich vier große Zierrosetten. Ein schmaler Gürtel aus geometrischem Ornament aus Dreiecken umläuft das Gefäß ganz am Rand und erhebt sich entlang des Halses und des Kopfes des Vogels. Analog zum Skopkar aus der Sammlung des Staatlichen Historischen Museums mit der Jahreszahl „1823“ stammt auch der Skopkar des Sagorsker Museums aus dem ersten Viertel des 19. Jahrhunderts.

Eimerente - ein kleines Gefäß für berauschende Getränke. Mit Malerei verziert.

endova
19. Jahrhundert

Endova. 19. Jahrhundert. Russischer Norden Schnitzen, Malen. 50 x 40.

Ein riesiges Holzgefäß aus Wurzelholz, das wie ein Bruder mit Tablett geformt ist, aber auch einen Ausguss zum Abtropfen hat. Es war für festliche Tafeln gedacht und daher mit besonderer Aufmerksamkeit geschmückt. Auf der Unterseite sind Spuren von gelber Farbe. Wahrscheinlich wurde das gesamte Tal bis zum Gipfel in dieser Farbe gestrichen. Am Rand verläuft ein bemalter Gürtel: auf dunkelgrünem Grund ein Muster aus kleinen Locken in weißer, roter und schwarzer Farbe. In der Nähe der Nase befindet sich ein Bild eines Baumes mit zwei Vögeln. Das Tal ist auch innen bemalt: Der Boden ist mit einem Stern aus sechs Fischen verziert.

Schöpfkelle für Bier "Konyukh"
Anfang des 19. Jahrhunderts

Eimer für Bier "Bräutigam". Anfang des 19. Jahrhunderts. Gebiet Kalinin, Bezirk Gorizki, Dorf Tschernejewo. Meister Nikitin Nikitin. Faden. 22 x 32 x 22. Mitgebracht von der Expedition des Sagorsker Museums (1960, L. E. Kalmykova)

Ein Holzgefäß von seltener Schönheit. Der hohe Körper der Kelle ist von der Seite der Griffe abgeflacht - einer in Form eines Vogelschwanzes, der andere - drei Pferdeköpfe, wie über einer breiten Brust. Es wird als Bug des Bootes wahrgenommen. Darauf befindet sich eine strahlende Rosette, ein uraltes Symbol der Sonne. Der Eimer, der in seiner Form das Bild der Sonne, eines Bootes, eines Wasservogels und eines Pferdes vereint, wird als Echo einer alten heidnischen Legende über den Lauf der Sonne wahrgenommen. Und diese poetische Lösung des Bildes wurde nicht nur in Folklore, Haushaltsgegenständen bewahrt.

Schöpfkelle für Bier
19. Jahrhundert

Schöpfkelle für Bier. 19. Jahrhundert. Oblast Kostroma, Rajon Buysky, Station Kazarinovo, Dorf Wachruschewo. Meister Konovalov Arsenty Anastasevich Schnitzen, Malen. 37x20x21. Mitgebracht von der Expedition des Zagorsk-Museums (1966, O. V. Kruglova)

Runder Pfannenkörper auf Palette, mit leicht nach innen geneigten und stark erhabenen Rändern, wo sie in zwei symmetrische Griffe mit geschlossenen Scharnieren übergehen. Es war Brauch, den Gästen an heißen Tagen in solchen Schöpfkellen Kwas und an Feiertagen Bier zu bringen. Sanft abgesenkte Kanten zwischen den Griffen machen das Gefäß sehr komfortabel in der Handhabung. Der obere Teil der Griffe ähnelt in der Silhouette stilisierten Pferdeköpfen. Das eigentümliche Aussehen des Eimers ist typisch für den gesamten Buysky-Distrikt der Region Kostroma. Auffällig sind die Schärfe der Form, das skulpturale Volumen und die Plastizität, mit der die Henkel des Eimers in den Korpus übergehen.

Auslegerschaufel
18 Jahrhundert

Tragbarer Eimer. 18 Jahrhundert. Gebiet Jaroslawl Schnitzen, Malen. 58 x 28.

Der Körper der Schöpfkelle ähnelt einer runden Holzschale, die Griffe weisen den Kopf einer Gans auf langer Hals und Schwanz. Trotz andere Form Griffe fand der Meister perfekt das visuelle Gleichgewicht dieser beiden Bände. Die Form des Eimers ist sehr traditionell. S. K. Prosvirkina schrieb diese Eimergruppe Jaroslawl zu. Die Schöpfkelle ist mit Zinnober bemalt. Am Rand befindet sich ein breiter grüner Streifen mit weißer Umrandung. Kopf und Schwanzspitze sind grün. Lakonisch, sparsam in Farbe und Ornamentik, ist die Bemalung sehr dekorativ und betont gut das Volumen der Schöpfkelle.

Pfanne gießen
18 Jahrhundert

Pfannengießen. 18 Jahrhundert. Gebiet Wologda Schnitzen. 25 x 11,5.

Mit einer Schöpfkelle schöpften sie berauschende Getränke, Kwas und Wasser aus einem großen Gefäß. S. K. Prosvirkina betrachtet diese Form von Eimern als Wologda. Die abgerundete Form des Körpers verwandelt sich plastisch in einen großen lockigen Griff, der eine Ente und ein fantastisches Tier darstellt. Der Griff hat einen Haken, für den der "Schnaps" an den Rand einer großen Kelle oder Wanne gehängt wurde. Auf dem Körper der Schnapskelle blieben Spuren von goldockerfarbener Farbe mit einem dunkelgrünen Streifen am Rand zurück.

Schöpfeimer
Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts

Schöpfeimer. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Wolga-Region. Malerei. 17,5 x 9,5.

Pfannenschaufel - sie schöpften aus einem großen gemeinsamen Gefäß. S. K. Prosvirkina betrachtet diese Form von Kozmodemyanskaya-Eimern. Sie haben eine runde Form, einen flachen Boden, der Stabilität verleiht (im Gegensatz zum kleinen Wologda-Likör), und einen hohen Griff mit einem nach oben ragenden Haken. Auf dem Griff ist eine strahlende Rosette geschnitzt, und darüber befindet sich eine stilisierte Figur eines Schlittschuhs. Hier sind, wie bei der Twer-Schöpfkelle mit Pferdeköpfen, die Bilder von Pferd, Sonne und Boot in einer Form vereint. All dies spricht für einen sehr alten Ursprung der Pfannenform. Kozmodemyansk-Schaufeln wurden nie mit Malerei verziert, sie wurden aus hartem Holz geschnitten.

Schöpfkelle für einen großen festlichen Tisch
18 Jahrhundert

Schöpfkelle für einen großen festlichen Tisch. 18 Jahrhundert. Wolga-Region. Schnitzen, Färben. 72 x 28.

Die Schöpfkelle, die etwa anderthalb Eimer Honig oder Bier fasst, beeindruckt nicht nur durch ihre beeindruckende Größe, sondern auch durch die Schönheit und Proportionalität ihrer Formen. Rund, mit leicht erhöhtem Ausguss und flachem Griff mit geschlitzter Schlaufe. Hergestellt aus Lärchenrhizom. Der Körper der Schöpfkelle weist Spuren der Bemalung mit Zinnober auf, die ihn einst dicht bedeckten, harmonisch kombiniert mit der gelben Farbe der Inschrift, die wie ein goldenes Muster entlang der Oberseite der Schöpfkelle verläuft: „DIESER SEE DES CHEBOKSAR-VIERTELS DES DORFES VON MININ MIKHAIL LEKSANDROV MASLOVA AN A FÜR ANNA MIKHAILOVNAS TOCHTER GEGEBEN”. Die Inschrift bezeugt, dass die Schöpfkelle der Stolz des Besitzers und die Dekoration der Hochzeitstafel war.

Quellen

Alexander Morgan "Slawische Kultur" Russische Volksschnitzerei

"Russisches Volksschnitzen und Malen auf Holz"
Verlag "Fine Art" Moskau 1974

Toporkov A. L. Haushaltsgeräte in den Überzeugungen und Ritualen von Polesye // Ethnokulturelle Traditionen der russischen Landbevölkerung des 19. - frühen 20. Jahrhunderts. M., 1990. Ausgabe. 2. S. 67-135

S.K. Zhegalova „Russische Volksmalerei“ Moskau „Aufklärung“ 1984

Fotos aus der Sammlung des Russischen Museums

Die Holzverarbeitung unter den Völkern Dagestans ist eine der ältesten Arten der handwerklichen Produktion. Die weite Verbreitung von Wäldern, eine reiche Vielfalt an Holzarten (Eiche, Hainbuche, Buche, Walnuss, Birke, Kiefer, Pappel usw.), die Biegsamkeit des Materials selbst bei der Verarbeitung haben lange zur Verwendung von Holzprodukten in der Industrie beigetragen Leben der Dagestanis und Holzkonstruktionen in der Architektur ihrer Häuser. Die Kunst der künstlerischen Holzbearbeitung ist seit mehreren Jahrtausenden organisch mit dem Alltagsleben der Dagestanis verbunden. Verschiedene Eigenschaften von Holz wurden von Volkshandwerkern sowohl für technologische als auch für dekorative Zwecke genutzt.

Die wunderschönen Werke dagestanischer Holzschnitzer, die in Moscheen, Häusern und Museen aufbewahrt werden (Säulen, geschnitzte Türen, Fenster, Truhen, Utensilien), verkörperten die besten Traditionen der Volkskunst und des Kunsthandwerks und zeugen vom großen Geschmack und Talent der Menschen. Die Form und Verzierung einiger Denkmäler zeigt eine klare Verbindung mit den ältesten, vormuslimischen Traditionen, während andere - mit der christlichen und muslimischen Zeit des Mittelalters. Die Entwicklung der Holzschnitzkunst ist eng mit der Entwicklung der monumentalen und dekorativen Kunst Dagestans insgesamt verbunden, insbesondere der Stein- und Stückschnitzerei. Diese drei Arten von angewandter Kunst beeinflussten sich spürbar gegenseitig und bereicherten sich gegenseitig mit technischen Techniken und ornamentalen Motiven.

Das früheste Denkmal der Holzschnitzkunst ist ein Fragment einer Schatulle oder Babywiege aus dem Museum von Dagestan Bildende Kunst, gefunden in der Grabstätte Kafirkumukh (Bezirk Buinaksky) und aus dem Jahr 2000 v. e. Das Denkmal, das sich in einem natürlichen Verkohlungszustand befindet, ist mit einem prächtigen geometrischen Rillen-Kerb-Ornament verziert, das von den gut entwickelten Traditionen der Holzschnitzerei in Dagestan bereits in der Bronzezeit zeugt.

Leider kann ein Baum nicht so lange gelagert werden wie ein Stein, daher stammen die meisten Denkmäler, die uns überliefert sind, aus dem Mittelalter. In dieser Zeit fand geschnitztes Holz aufgrund des Aufblühens der Architektur und der monumentalen und dekorativen Kunst eine besondere Verbreitung. Die Kunst der Holzschnitzerei ist sehr hohes Level. Arbeitswerkzeuge werden verbessert, die Qualität der Holzbearbeitung steigt und die Produktpalette wird erweitert. Holzbearbeitungszentren mit hochentwickelten Traditionen entstanden in den Waldregionen (in den Oberläufen der Avar und Andi Koisu, in Tabasaran, Kaitag und anderen Orten).

Die Holzschnitzerei von Dagestan zeichnet sich durch Merkmale aus, die jeder Volkskunst innewohnen: Unmittelbarkeit und künstlerische Integrität, praktischer Zweck und kollektive Kreativität, Namenlosigkeit (in der Regel) von Meistern und außergewöhnliche Stabilität alter Traditionen, eine gewisse Bandbreite an Bildern, die Verwendung einfacher Werkzeuge . Gleichzeitig hat die dagestanische Holzschnitzkunst ihre eigenen Merkmale, die mit den Besonderheiten der örtlichen Gegebenheiten und der Originalität des künstlerischen Denkens der Hochländer verbunden sind.

Holzprodukte mit dekorativer Dekoration können in drei Gruppen eingeteilt werden: architektonische Elemente, Möbel, Gefäße und Haushaltsgegenstände. Von größtem Interesse sind die Details der architektonischen Dekoration (Säulen, Flügel von Toren, Türen und Fenstern, Fenster- und Türrahmen, Säulen, Geländer, Gesimse auf Loggien, Veranden, Balkonen usw.). Geschnitztes Holz wurde häufig bei der Gestaltung religiöser Gebäude verwendet - Moscheen, Minarette, Medressen. Die Türen der Moscheen waren reich verziert (das berühmteste Denkmal sind die Türen der Kalakoreish-Moschee aus dem 12. Jahrhundert), Minbars (Kanzeln für einen Prediger), Notenständer (Ständer) für den Koran und andere heilige Bücher.

Die zweite Gruppe umfasst Behälter und Truhen (feste und bewegliche Typen) sowie Sofas, Bänke, Hocker, Truhen, Wiegen usw. Die dritte Gruppe stellen kleine Haushaltsgegenstände dar, die zu jedem Berghaus gehören - Maßeinheiten, Eimer, Vorräte, Salzstreuer, Mörser, Teigtröge, Tabletts mit drei Beinen usw. All diese Gegenstände werden normalerweise an bestimmten Stellen im Haus aufgehängt - an Säulen und Truhenfassaden.

Von besonderem Interesse sind die monumentalen Awarer Lari-Scheunen zur Lagerung von Getreide und Schüttgütern, die sog. "Tsagurs", die an die Felswand des Hauses angrenzen und der wichtigste Bestandteil des Inneren des Berghauses sind. Die Höhe der Tsagura erreichte normalerweise 2,5 Meter, die Tiefe - bis zu eineinhalb Meter. Die Basis dafür war ein Rahmen aus massiven Holzbrettern.

Tsagura-Türen sind zweiflügelig und drehen sich um die Achse. Der vordere Teil der Truhen aus den tiefen Avar-Regionen ist vollständig mit geschnitzten Ornamenten bedeckt, deren Elemente aus der Antike stammen und einen schützenden Wert haben. Im Grunde sind das Hakenkreuzspiralen, konzentrische Kreise, Labyrinthe, Kreuze, Rauten usw.

Eine wichtige Rolle im Hochländerhaus spielte eine Stützsäule, die von den Awaren "Pfeilerwurzel" genannt wurde. Es hatte eine wichtige funktionale Bedeutung, da es als Stütze für die Matratze diente und das flache Erddach der Hütte stützte. Nicht weniger wichtig war die spirituelle Bedeutung der Säule, die im Haus eine bewachende, schützende Rolle spielte. Nicht ohne Grund wurde beim Bau des Hauses die alte Säule, die Zeuge des Lebens von mehr als einer Generation ist, sorgfältig vom alten Haus in das neue übertragen. Die Stützpfeiler, insbesondere ihr oberer Teil (der sogenannte Unterbalken), waren reich mit tiefen Schnitzereien verziert. Bei verschiedene Völker diese Schnitzerei hatte einen anderen Charakter. Im Allgemeinen werden drei Arten von Ornamenten in der Holzschnitzerei klar unterschieden. Unter den Awaren herrschte ein großes geometrisches Ornament monumentaler Natur (Gidatl) vor, unter den Kubachins - raffinierter, vegetativer, ähnlich dem traditionellen "Markharai", unter den Tabasarans - Band, dem sogenannten. "Netzwerk".

Bei den Laks hatte die Getreidetruhe „su“ die Form einer großen Truhe und war ebenfalls reich mit Schnitzereien und Malereien mit natürlichen Farben verziert. Jedes Haus hatte auch ein Sofa für Ehrenpersonen, das charakteristische Armlehnen in Form von konkaven Hörnern hatte. Das Gewinde überzieht die Stirnseiten der Lehnen- und Sitzlatten, fertig sind die Holme.

In Dagestan gibt es eine einzigartige Art von Kunsthandwerk, die Holzschnitzerei und Schmuckkunst kombiniert - die Untsukul-Metallkerbe auf Holz. Diese Kunst ist relativ jung - sie entstand in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts während des Kaukasuskrieges. Aus dem Schilf, das an den Ufern des Avar Koisu wuchs, begannen die Untsukul, Peitschen für Beine und Hartriegel - Pfeifen und Stöcke - herzustellen. Aber da Imam Shamil das Rauchen von Tabak im Imamat verbot, verkauften die Untsukul-Leute die meisten ihrer Produkte an Offiziere der russischen Armee und exportierten sie auch außerhalb von Dagestan nach Wladikawkas, Tiflis und in die südlichen Provinzen Russlands.

So konzentrierte sich das Untsukul-Handwerk von Anfang an nicht auf den heimischen Markt, sondern auf den externen und damit auf die Produkte des 19. Jahrhunderts. praktisch nicht erhalten. Die frühesten Gegenstände, die in den Sammlungen der Museen von Dagestan präsentiert werden, stammen aus den dreißiger und vierziger Jahren des 20. Jahrhunderts. Gegenstände aus dieser Zeit zeichnen sich durch die Verwendung von Knochen, Horn und türkisfarbener Paste zusammen mit Metalldraht aus.

Mich selbst technologischer Prozess Kerben mit feinstem Silber- und später Kupfernickeldraht auf hartem Hartriegel oder Aprikosenholz ist recht aufwändig und mühsam. Jedes winzige Element erfordert vier Arbeitsschritte: Einen Baum fällen, einen Draht einführen, mit einem Spezialhammer darauf hämmern und den Überschuss abschneiden. Elemente des Untsukul-Ornaments haben ihre eigenen Namen - "Vogelspur", "Straße" usw. Das Ornament ist überwiegend geometrisch und befindet sich am Umfang.

Wie die Kubachi stellten die Untsukul-Handwerker traditionelle Haushaltsgegenstände her: Maßeinheiten für Mehl, Mörser für Knoblauch, Salzstreuer, Schöpfkellen, Vorräte, Schatullen. Die künstlerische Entdeckung des Untsukul-Handwerks war die Herstellung kleiner dekorativer Tafeln, meist rechteckiger Form, die Szenen darstellen, die an Kubachi-Steinreliefs erinnern - Tiere, Vögel, oft von fantastischer Natur, seltener menschliche Figuren. Seit den 1950er Jahren begannen die Untsukul-Handwerker, eine Drehmaschine zu verwenden, die eine gründlichere Oberflächenbehandlung der Produkte gewährleistete und das Sortiment erweiterte, aber allmählich führte dies zur Herstellung sehr großer, nicht funktionaler Produkte, die einen rein dekorativen Wert hatten.

Staatshaushalt Spezial (Korrektur) Bildungseinrichtung für Studenten, Schüler mit Behinderungen "Bugulma spezielle (Korrektions-) allgemeinbildende Schule Nr. 10VIIInett"

Dekorative und angewandte Kunst (Projekt)

"Holzschnitzen". Produkt "Schatulle".

Leiter: Makhalov Yuri Mikhailovich,

Technik Lehrer

spezielle BesserungsschuleVIIInett

2014

Inhaltsverzeichnis

1. Auswahl und Begründung des Projektthemas S.3

2. Zweck und Ziele des Projekts S.3

3. Denkschema S.4

4. Geschichte und Moderne der dekorativen Holzbearbeitung S.4

5. Grundlegende Parameter und Einschränkungen S.7

6. Entwicklung der Idee S.7

7. Arbeiten Sie an der Form der Box (Optionen) S.8

8. Ornament für Schmuckkästchen S.9

9. Anforderungen an das Produkt S.9

10. Werkzeuge und Ausrüstung S.10

11. Materialien S.10

12. Technologischer Ablauf der Schachtelherstellung S.10

13. Qualitätskontrolle S.12

14. Sicherheitsvorkehrungen bei der Durchführung von Arbeiten S.12

15. Ökologische und ökonomische Begründung S.12

16. Referenzen S.13

Auswahl und Begründung des Projektthemas.

Mit Holzschnitzerei im Technikunterricht beschäftigt sein,Die Schüler können verschiedene Produkte mit ihren eigenen Händen herstellen undästhetisch ansprechend gestalten,auch wenn es klein ist. In der schulischen Ausbildungswerkstatt besteht die Möglichkeit, Produkte für den Verkauf herzustellen. studierenProben verschiedener Produkte, hinterließen seineWahl bei der Herstellung der Box.

Dieses Produkt zog die Tatsache an, dass die Menschen solche liebenKleinigkeiten und Material für die Kiste werden benötigt. Hölzerne Dinge schaffen Gemütlichkeit im Haus, speichern die Wärme menschlicher Hände und eine Schachtel mit geschnitztem Muster wird zu einem Schmuckstück für jeden Raum.

Darüber hinaus ist die Herstellung einer Schatulle eine andereden Entwicklungsschritt beschleunigen, da dieses Produkt komplexer istin der Fertigung. Es erfordert große Anstrengung, Geschicklichkeit, Genauigkeit, Genauigkeit, Wissen. Es macht es auch möglichstey, um ihr Können zu zeigen.

Zweck und Ziele des Projekts

Ziel des Projekts ist es, eine dekorative Holzkiste herzustellen.

Aufgaben:

Lernen Sie die Geschichte der dekorativen Holzbearbeitung kennen.

Definieren Sie die Hauptidee des Projekts.

Wählen Sie das Objekt und die Technologie der Arbeit aus.

Machen Sie eine Box gemäß der Technologie.

Produktqualitätskontrolle durchführen.

3. Denkschema.

Bevor Sie mit der Arbeit an einem Projekt beginnen, müssen Siealle wesentlichen Aspekte ihrer Arbeit klar darstellen.

4. Geschichte und Moderne der dekorativen Holzbearbeitung.

Schatullen sind ein Haushaltsgegenstand, und sie tauchten in unvordenklichen Zeiten auf. Sie dienen Menschen zur Aufbewahrung verschiedener Kleinigkeiten. Der Zweck kann ein anderer sein. Die Kisten enthielten Geld, Wertpapiere, Briefe, Fotos, Amulette. Es waren einmal Duellpistolen in schönen Schatullen.

Aber die Schachteln waren bei Frauen am gefragtesten, sie bewahrten ihren Schmuck und Schmuck, Näh- und Stickzubehör darin auf.

Seit vielen Jahrhunderten stellen Menschen Kisten aus verschiedenen Materialien her: Ton, Holz, Stein, Metall, Glas, in unserer Zeit - aus Kunststoff. Sie unterschieden sich in Größe, Design, Form (eckig, rund, facettenreich, oval). Geschickte Handwerker stellten Schachteln mit Geheimnissen und Schlössern her und legten sie mit Edelsteinen, Metallen und Elfenbein ein. Am vielfältigsten waren aber die Schatullen aus Holz, da dieses Material besser verarbeitet ist. Kisten aus wertvollen Arten - Walnuss, Buche, Akazie, Eiche, Palisander, Buchsbaum wurden geschätzt. Wenn es kein wertvolles Holz gab, konnte der Meister eine bescheidene Kiste mit reichen Schnitzereien schmücken.

In Rus wurden Arbeiter sehr geschätzt, die Dinge aus Holz herstellen und mit Schnitzereien verzieren konnten. Die meisten Menschen versuchten, solche Produkte zu kaufen, um ihre Häuser zu dekorieren.

Einer dieser Typen war das geometrische oder dreiflächige Schnitzen mit Vertiefungen. In der Literatur gibt es andere Bezeichnungen dafür: keilförmig, keilförmig usw.

Dies ist die zugänglichste Art der Holzschnitzerei in Bezug auf Einfachheit und Herstellbarkeit (nach geschlitzt). Im Kern sind geometrische Schnitzereien keilgeschnittene Vertiefungen, die sich in einer bestimmten Zusammensetzung wiederholen, die in Größe, Tiefe und Geometrie der Winkel, in denen die Vertiefung hergestellt wird, variieren können. Unterschiede können auch in der Anzahl der Flächen jeder Aussparung liegen. Am gebräuchlichsten sind zwei- und dreiseitige Aussparungen. Es war die dreiflächige Kerbe, die eine besondere Entwicklung erhielt, die in vielen Quellen als so bezeichnet wird - dreiflächige Kerbschnitzerei. Seine Attraktivität besteht darin, dass Sie eine unbegrenzte Anzahl von Musteroptionen erhalten. Quadratische und rechteckige tetraedrische Aussparungen werden seltener verwendet, aber ihre Ausführung erfordert mehr Geschick, obwohl sich die Technik nicht von den vorherigen unterscheidet.

Als Unterart des geometrischen Schnitzens ist es notwendig, und zu berücksichtigenKlammer schnitzen. Sein Hauptmerkmal ist, dass Beschnitte (Aussparungen) nicht mit einem geraden, sondern mit einem halbkreisförmigen Meißel ausgeführt werden. Jeder Beschnitt erfolgt in zwei Schritten: zuerst Beschnitt im rechten Winkel, dann im spitzen Winkel, dessen Wert durch die Art des Musters bestimmt wird. Die Hauptholzarten sind die gleichen wie beim Schlitzschnitzen. Und im Allgemeinen bei allen Arten von Schnitzereien - Nadelholz, Linde, Erle, Espe. Es können auch harte Hölzer verwendet werden, aber es ist notwendig, auf härteres Holz umzusteigen, wenn die Technik des Schnitzens auf weichem Holz gut beherrscht wird, dh von einfach zu komplexer.

Es besteht aus einer Reihe von alphabetischen Mustern, deren Kombination schöne, ausdrucksstarke Kompositionen ergibt (Konturschnitzerei wird manchmal auch als eine Vielzahl geometrischer Schnitzereien bezeichnet, wenn sie geradlinige oder kreisförmige Umrisse hat).

Die ganze Vielfalt der geometrischen Schnitzmuster besteht praktisch aus einer Kombination elementarer Elemente: aus einem Stift und einem Dreieck, die in jeder Komposition berücksichtigt werden können. Jedes der komplexesten geometrischen Muster kann in seine Bestandteile unterteilt werden, und es stellt sich heraus, dass es sich entweder um Stifte oder um Dreiecke handelt.

Auf der Suche nach einer dekorativen Komposition empfiehlt es sichWenden Sie sich Werken der Volkskunst zu. Bei den Meisternin verschiedenen Regionen des Landes in der Kunst des geometrischen SchnitzensIhre Vorlieben werden beachtet, obwohl die Anfangselemente dieses Fadens überall gleich sind.

Aus einer Kombination von Dreiecken und aus ineinander übergehenden Stiftenin abgeleitete Muster (Rauten, Ketten, Viteiki usw.) können SieErstellen Sie eine endlose Vielfalt an saftigen, ausdrucksstarkendekorative Kompositionen auf einer Vielzahl von Produkten.

Für die Ausführung von geometrischen Gewinden benötigen Sie einen zuverlässigenMesser. Dies ist das sogenannte schräge oder Schuhmesser. Er mussstark sein, fest in der Hand liegen und sehr scharf geschliffen seinNym. Gute Messer aus den Fragmenten breiter Sägen für Metall (vonhergestellt aus R-18-Stahl). Individuelle Handwerker schmiedenMesser für sich aus breiten Feilen, aus alten Autofedern, aus dem Außenkäfig großer Lager schleifen sieauf einer elektrischen Schleifmaschine aus Fragmenten von Schneidscheiben für Metall. HoroNähmesser werden aus dem Sensennetz gewonnen. Die nutzt jederwelche Möglichkeiten er hat. Die einfachste, aber zuverlässigsteDas Messer kann aus einem gewöhnlichen Meißel mit einer Breite von 20-30 mm hergestellt werden.Es wird auf einem Schmirgelrad bearbeitet.

Für ein schräges Messer stellen sie ein Holz- oder Kunststoffmesser hereinen Stift (oder durch Anbringen von Leder- oder Schaumstoffstreifen auf beiden Seiten).fest mit Vinylchlorid-Isolierband umwickelt).

Beim geometrischen Schnitzen wird das Messer fest gehaltenzur Faust, den Daumen auf den Griff des Messers stützend. Mit den Fingern der anderen Hand die Messerspitze führen, fixierenZeichnen Sie es auf die Linie der Zeichnung.

Jedes der Schnitzelemente lässt sich leicht ausführen, nachdem das Schneiden des Stifts und des Dreiecks gemeistert wurde.

Oberfläche mit geometrischem Gewinde kann hinzugefügt werdennena mit verschiedenen Ausführungen, die den dekorativen Ausdruck verstärkender Wert einer Sache. Veredelung einer Holzoberfläche mit einem geometrischenSkay Carven kann sehr unterschiedlich sein.

Ein Produkt mit einer geometrischen Schnitzerei kann mit Wasserfarbe oder mit flüssiger verdünnter schwarzer Tinte grau getönt werden. Nachdem die Oberfläche getrocknet ist (natürliche Trocknung für etwa einen Tag), wird sie zu einem hellen Holz poliert. Dunkelgraue geometrische Muster auf hellem Holzgrund sind sehr ausdrucksstark. Die graue Farbe kann breite Farbabstufungen von Grau-Ocker bis zu kaltem Grau-Blau haben. Nach dem Schleifen der getönten Oberfläche kann diese leicht (einschichtig) mit flüssig verdünntem Lack überzogen werden.

Sie können einen Faden in einer negativen Version herstellen: Färben Sie das zum Schnitzen vorbereitete Produkt in einer dunklen Farbe, z. B. grau oder braun, vor. Lassen Sie es trocknen und schneiden Sie Muster auf diesem Hintergrund. Helle, saftige Muster auf dunklem Untergrund erzeugen eine ausdrucksstarke Deko-Wirkung. Auf Ausstellungen angewandter Kunst gibt es hellviolett getönte Holzprodukte (wie verdünnte Tinte) mit anschließender leichter Schnitzerei auf diesem Hintergrund.

Es kann auch auf einer vorlackierten oder polierten Oberfläche erfolgen. Wenn das Produkt mit der natürlichen Farbe des Holzes lackiert wird, sind die Muster in der Tiefe matt und heller als die glänzende Oberfläche des Objekts. Wenn die Oberfläche zuerst getönt, dann lackiert (oder poliert) und bereits ein Muster darauf geschnitten wird, erhöht sich die dekorative Ausdruckskraft des Produkts erheblich.

Die Welt des Schnitzens ist verlockend und vielfältig, mit all ihren Trends, Stilen und Techniken. Vor allem ist es eine Einführung in die Natur. Einweihung in dem Sinne, dass es der Schnitzer mit einem Baum zu tun hat, einem in seiner Vielfalt einzigartigen Material, das von der Natur geschaffen wurde. Auch aus Naturbeobachtungen, deren Fantasien unerschöpflich sind, zeichnet der Schnitzer Themen und Plots zur Verkörperung in Holz.

Jeder, dem Schönheit und Perfektion nicht gleichgültig sind, der Errungenschaften in dieser Richtung multiplizieren möchte, sein Leben und das Leben seiner Lieben schöner machen und andere angenehm überraschen möchte, kann diese Welt betreten.

5. Grundlegende Parameter und Einschränkungen.

Das Produkt muss folgende Anforderungen erfüllen:

umweltfreundlich

schön

Sicher

Dauerhaft

Einhaltung des gewählten Stils.

6. Ideenentwicklung.

Nach der Wahl des Arbeitsgegenstandes ist es notwendig, die Form der Waage zu berücksichtigenTulks. Dazu machten sie Abstecher zu Läden, Märkten, schauten sich Muster an, studierten Abbildungen in Schnitzbüchern. Gesammelt habennotwendigen Informationen, erarbeitete folgendes Schema:

Schatulle

Materialien

Werkzeug

Sie

Finishing-Technologie

Funktion

Die Form

Entwurf

Stein

Kunststoff

Metall

Holz :

Linde

Espe

Pappel

Birke

Buche

Eiche

Asche

Ebene,

Bügelsäge, Meißel, Cutter, Markierungswerkzeuge,

Sandpapier

Ausbrennen

Holzmalerei

Holzschnitzen

Arbeiten

dekorativ

Kombiniert

Runden

Rechteckig

facettenreich

Gedreht

geklebt

Mit abnehmbarem Bezug

Infolgedessen haben wir nicht nur den Arbeitsgegenstand, sondern auch die Technologie und den Herstellungsstil (Schnitzen) selbst bestimmt, das Material und das Design der Schachtel ausgewählt. Bei der Erstellung von Skizzen der Form der Schachtel wurde berücksichtigt, dass sie schön, bequem zu verwenden und machbar in der Herstellung sein sollte.

7. Arbeiten Sie an der Form der Box (Optionen).

Variante 1

Option 2

Möglichkeit 3

Die endgültige Form der Box

Die Form der Seiten des Kartons Die Form der Ober- und Unterseite des Kartons

8. Schmuckkästchenverzierung

9. Anforderungen an das Produkt.

Produktname

Schatulle

Funktionaler Zweck

Zur Aufbewahrung kleiner Gegenstände

Benutzer

Unbegrenzt

Einzel- oder Massenproduktion

Single

Maße

klein

Materialanforderungen

natürlich

Herstellungsverfahren

Holzschnitzen

Aussehen, Stil

Folklore (russisch) Stil

Anforderungen an die Gebrauchssicherheit

Glatte, gratfreie Oberfläche

Umweltanforderungen

Umweltfreundliche Materialien - Holz

10. Werkzeuge und Ausrüstung.

Für die Herstellung des Produkts benötigen Sie: einen Hobel, eine Bügelsäge, einen Meißel, einen Cutter, Markierungswerkzeuge, Schleifpapier.

Sind im Ornament Details mit kleinen Kreisen vorgesehen, werden diese mit einem halbrunden Meißel ausgeschnitten. Wenn keine halbrunden Meißel vorhanden sind, werden die Kreise mit einem schrägen Messer ausgeschnitten. Es ist zu beachten: Je kleiner der Durchmesser des Kreises ist, desto schärfer sollte der Klingenschärfwinkel sein (bis zu 30 Grad). Ein schräges Messer kann in alle Richtungen geschnitten werden: auf Sie zu, von Ihnen weg, nach rechts geneigt, nach links, innerhalb des Kreises, nach außen.

Materialien.

Harthölzer eignen sich zum Konturschnitzen: Linde, Espe, Birke, Erle. Nadelbaumarten werden hier aufgrund der unterschiedlichen Härte der Bestandteile der Jahresschicht praktisch nicht verwendet. Zum Schnitzen muss Holz in geeigneter Größe ohne Mängel vorbereitet werden. Zum Schnitzen auf hellem Holz reicht es aus, es mit einem Hobel zu schneiden. Wenn die Komposition auf einem dunklen Hintergrund konzipiert ist, muss die Tafel getönt werden. Wenn eine glänzende Oberfläche erwartet wird, muss sie mit schwarzem Lack bedeckt und nach dem Trocknen mit Politur poliert werden. Eine dunkle, gleichmäßig getönte Oberfläche zum Schnitzen kann auf andere Weise vorbereitet werden: Wischen Sie das gehobelte Werkstück mit einer flüssigen Lösung aus Holzleim oder PVA-Leim ab. Nachdem der Kleber getrocknet ist, wird die Oberfläche mit feinem Schleifpapier geschliffen und erneut mit Kleber bedeckt. Nach mehrmaligem Schleifen ist die Oberfläche des Holzes so weit grundiert, dass die schwarze Tinte gleichmäßig darauf liegt. Getrocknete Tinte wird mit Lack fixiert, der dann poliert wird. Zum Tonen werden verschiedene Farbstoffe verwendet: Tinte, Gouache, Tempera, Aquarell, Anilinfarben, verschiedene Beizen und Beizen, Kaliumpermanganat. Die Oberfläche kann matt belassen werden, sie kann aber auch mit einem leichten Lack (zur Fixierung der Farbe) überzogen und poliert werden.

12. Technologische Abfolge der Schachtelherstellung

der Name der Operation

Skizzieren

Ausrüstung, Werkzeuge

Markieren Sie die Wände der Schachtel auf dem Rohling

Werkbank, Bleistift, Winkel, Lineal

sah durch die Wände

Säge

Eckverbindungen herstellen

Werkbank, Bügelsäge, Meißel

Kleben Sie die Seiten der Schachtel

Kleber, Schraubstock

Bearbeiten Sie die Ober- und Unterkante des Rahmens

Schleifrad

Kleben Sie den Boden und den Deckel

Kleber, Schraubstock

Zugaben entfernen, Karton in Form bearbeiten

Schleifrad

Schmirgle den Sarg

Schleifscheibe, Schleifpapier

Markieren Sie den Schnittpunkt zwischen dem Deckel und den Wänden

Bleistift, Lineal, Bügelsäge

Markieren Sie das Ornament

Bleistift, Lineal, Zirkel

Schneiden Sie das Ornament auf die Schachtel

gemeinsames Messer

Beschichten Sie die Schachtel mit Lack

Pinsel, Lack

Schneiden Sie die Abdeckung ab und reinigen Sie den Schnitt

Metallsäge, Schleifpapier

Scharniere herstellen und montieren

2 Stück

Draht, Zangen, Drahtschneider

Lackieren Sie die Box neu

Pinsel, Lack

Qualitätskontrolle durchführen

13. Qualitätskontrolle.

Das fertige Produkt muss folgende Anforderungen erfüllen:

Die Box ist ordentlich gemacht, in Übereinstimmung mit TechnoLogik.

Die Einheit der kompositorischen Lösung des Ornaments und der Form des Produkts wird beobachtet.

Das ausgewählte Material entspricht dem Verwendungszweck des Produkts.

14. Sicherheitsvorkehrungen bei der Durchführung von Arbeiten.

1. Fixieren Sie das Werkstück zuverlässig beim Hobeln, Sägenund Schnitzen.

2. Arbeiten Sie mit einem gut funktionierenden, etablierten Tool.

Für die Bearbeitung von Teilen mit einer Schleifscheibe verwendenInstallieren Sie einen speziellen Stütztisch.

Bewahren Sie den Schneideplotter in einer Schutzhülle in der Ablage der Werkbank auf.

5. Wenn Sie mit einem Cutter arbeiten, halten Sie Ihre freie Hand mit dem Gegenteilfalsche Seite der Schnittrichtung.

Staub, Späne, Sägemehl mit einer Kehrbürste entfernen.

Arbeiten Sie in einem gut beleuchteten Bereich.

Arbeiten Sie beim Lackieren in einem belüfteten Bereich.

Schneiden Sie mit einem Meißel Holz in die Richtung „von Ihnen weg“.

10. Halten Sie Ihre Hände beim Schnitzen sauber.

15. Ökologische und ökonomische Begründung.

Die Schmuckschatulle ist umweltfreundlich, ohne zu bringengefährliche Folgen für die menschliche Gesundheit durch das Produkt, daaus reinem Holz. Fertigungstechnik fürEinhaltung der Sicherheitsvorschriften und sanitäre und hygienischeNormen ist auch sicher.

Ermitteln Sie den Preis Ihrer Box, summieren Sie die Kostenfür Materialien, Strom (das sind die Kosten),Abzüge für geschätztes Gehalt, Gewinn.

c = c + p

Der Selbstkostenpreis beinhaltet:

AUS 1 - Holzkosten;

AUS 2 - die Lackkosten;

Cz sind die Stromkosten pro Maschine;

AUS 4- Preis Sandpapier

AUS 6 - Gehaltsabzüge;

AUS 7 - Kosten für Sperrholz;

AUS 8 - die Kosten des Stoffes;

AUS 9 - die Materialkosten für Scharniere und ein Schloss;

AUS 10 - die Klebstoffkosten.

Lassen Sie uns die Kosten berechnen:AUS 1 = v1200 = 0,0003 m 3 1200 = 0,36 p. AUS 2 =50gx0,08 reiben. = 4 S.

AUS 3 =1,5kWx1 Stunde (60 Minuten)x2.43 p. = 3,64 p.

AUS 4= 25 R

AUS 6 =20hx30 U / h \u003d 600 Rubel.

AUS 7 = 0,02 m 2 80 \u003d 1,6 S.

AUS 8 = 0,06 m 2 x320 \u003d 19,2 S

AUS 9= 35 pX 2 \u003d 70 Rubel

AUS 10 = 43 r

C = C 1 +C 2 +C 3 +C 4 +C 6 +C 7 +C 8 = 741 Rubel

Die Kosten für die Box betrugen 741 Rubel. Wenn die Box für 950 Rubel verkauft wird, erhalten wir einen möglichen Gewinnaber verwenden, um Materialien zu kaufen:

P \u003d C - C \u003d 950 - 741 \u003d 209 p.

Nach wirtschaftlichen Berechnungen kam man zu dem Schluss, dass carechtfertigt sich sogar.

Kunstschnitzerei auf einer Holzoberfläche ist eine der ältesten Kunstarten in Russland. Hütten, Fürstenhäuser, Schiffe, Haushaltsgeräte, Musikinstrumente sowie Militärwaffen wurden mit ähnlichen Schnitzereien geschmückt. Jede Region des Landes hatte ihren eigenen einzigartigen Stil mit ihren eigenen Merkmalen. In Kirchen beeindruckten Ikonen, Heiligenbilder und Skulpturen, die aus Holz geschnitzt wurden, mit Spiritualität und Schönheit.

Heute befindet sich eine Vielzahl von Produkten mit einem einzigartigen Reliefmuster in Museen. Und jedes Ding, das mit der Technik des künstlerischen Schnitzens hergestellt wurde, ist auf seine Weise einzigartig und unnachahmlich, da jeder Autor sein eigenes Verständnis und seine eigene Vision hat.

Künstlerisches Schnitzen unterscheidet sich in Richtungen und Stilen, aber es gibt keine etablierte Klassifizierung als solche. Beim künstlerischen Schnitzen können 3 Hauptmethoden bedingt unterschieden werden - planar, durch und relief. Alle sind wiederum in Typen sowie Richtungen unterteilt: durchbrochenes (Ausschnitt) und dreidimensionales (skulpturales) Schnitzen. Jede Richtung wird in verschiedenen Bereichen dieser angewandten Kunst verwendet. Durchbrochene Schlitzschnitzereien schmücken Häuser und flache Schnitzereien - alle Arten von Holzprodukten.

Die älteste und einfachste Methode ist das geometrische Schnitzen - eine Unterart des flächigen Schnitzens. Es wird empfohlen, mit dieser Technik das Erlernen der künstlerischen Holzschnitzerei zu beginnen. Der Hauptunterschied zwischen dem planaren Schnitzen besteht darin, dass die Muster auf eine flache Oberfläche aufgetragen werden, während beim geschlitzten Schnitzen der Hintergrund entfernt wird, nachdem das Muster aufgetragen wurde, und das fertige Produkt wie Spitze aussieht. Reliefschnitzerei enthält ein tieferes Ornament, es wird zur Dekoration von Möbeln und Innenräumen verwendet. Der schwierigste Bereich der Holzschnitzerei ist das bildhauerische Schnitzen, denn der Künstler muss den Raum spüren, fast jede Art des Schnitzens kennen und auch das Objekt umfassend darstellen können.

Künstlerisches Schnitzen zeichnet sich durch die Ausführungstechnik aus, da der Baum heterogen ist Naturmaterial. Alle Holzarten haben ihre eigenen besonderen Eigenschaften, Farbe, Textur, erfordern besondere Fähigkeiten und ein spezielles Werkzeugset von den Handwerkern. Alle Holzschnitzmethoden werden mit unterschiedlichen Werkzeugen ausgeführt. Wenn die geometrische Holzschnitzerei von einigen Handwerkern nur mit einem gemeinsamen Messer durchgeführt wird, erfordert das Stapelschnitzen notwendigerweise unterschiedliche Arten von Schnitzmessern.

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