배우와 함께 작업하는 것은 연출의 주요 문제 중 하나입니다. 배우와 감독 사이에는 세 가지 유형의 관계가 있습니다. 첫 번째는 완전한 창조적 우연, 공동 창의성 및 진실 추구와 같은 매우 드문 이상적인 것입니다. 두 번째 - 감독과 배우는 마치 광부가 양쪽에서 터널을 파는 것처럼 서로에게 다가갑니다. 그리고 세 번째, 가장 실망스러운 것은 감독이 단순히 저항하는 배우에게 역할의 그림을 강요할 때 관점과 욕망의 완전한 불일치입니다.

공간 이미지에 대한 인간의 인식은 항상 시간에 따라 수행되며 항상 불연속적입니다. 감독은 자신의 작품에 시간 제한을 지정함으로써 이러한 인식을 용이하게 하며, 이에 따라 우리의 지각은 별도의 리드미컬한 소절로 나뉩니다. 감독의 작업에서 시간은 재현의 대상일 뿐만 아니라 표현의 수단이기도 하다.

시공간 예술에서 시간의 구조는 다음과 같습니다.

경험적 시간 - 작업의 재료로 사용되는 현실에서의 시간.

플롯 시간 - 시간의 플롯 구성;

시청자 시간 - 지각 기간을 고려합니다.

감독의 작업에서 또 다른 필수 요소는 공간 문제의 해결입니다. 공연 예술의 공간 구조는 세 가지 구성 요소로 나뉩니다.

1) 물체가 위치한 공간

2) 관객이 있는 공간

3) 첫 번째를 반영하고 두 번째를 암시하는 무대(스크린)의 평면.

공간 구조의 원리는 공간과 시간의 두 범주가 밀접하게 관련되어 있기 때문에 시간 구조에서 구현되는 원리와 동일합니다. 그러나 그들 사이에는 상당한 구조적 및 기능적 차이도 있습니다. 더욱이 공간의 3차원적 방향(극, 발레, 오페라, 무대, 서커스)과 평면적(영화, 텔레비전, 인형극)의 예술적 표현력에는 상당한 차이가 있다. 체적 예술 공간의 예술적 표현력은 장면의 공간, 무대 공간 및 강당의 융합에 있으며 관객의 화각을 선택하는 데 필수 자유도가 있습니다.

공간(시간과 마찬가지로)의 구조는 작업의 유형, 장르 또는 스타일 방향에 따라 어느 정도 미리 결정됩니다.

2.2 관광 연출

시민의 자유 시간을 조직하는 방법으로서의 관광은 최근 매우 인기를 얻고 있습니다. 이것은 생산에 소비되는 사람의 정신적 육체적 힘의 효과적인 재생산, 자유 시간의 증가 및 가치로서의 태도를 요구하는 노동의 강화에 의해 촉진됩니다. 동시에 문화적, 인지적 요구가 증가하고 있습니다.

관광 연출은 가장 역동적이고 선도적인 산업 중 하나이며 빠른 발전 속도를 위해 세기의 현상으로 인식되고 있습니다.

관광 디렉팅은 문화 및 레저 프로그램을 개발하고 발표하는 활동입니다.

감독의 관광 예술은 하나의 조화로운 전체론적 여가를 만들기 위해 문화 및 여가 프로그램의 모든 요소를 창의적으로 구성하는 데 있습니다. 감독은 자신의 창의적 개념을 바탕으로 그 안에 참여하는 모든 사람들의 창조적 활동을 지시함으로써 이 목표를 달성한다.

연출 덕분에 문화 및 여가 프로그램은 전체적으로 문체의 통일성과 공통된 이념적 목적성을 갖게 됩니다. 따라서 이데올로기적, 미학적 요구의 증가와 함께 예술을 연출한다는 개념 자체가 확장되고 심화되었습니다.

관광 연출에 대해 말하면 V.I.의 깊고 유익한 가르침을 떠올리지 않을 수 없습니다. Nemirovich-Danchenko는 "세 가지 진실": 삶의 진실, 사회의 진실 및 극장의 진실. 이 세 가지 진리는 서로 밀접하게 연결되어 있으며, 그 가르침에 따라 상호 작용과 상호 침투가 통일되어 있습니다.

장르가 단순하든 복잡하든 감독은 모든 장르적 특징을 공연에 구현해야 합니다. 그리고 이것을 위해 그는 자신의 사랑과 증오, 고통과 경멸, 기쁨과 부드러움, 분노와 분개, 조롱과 같은 모든 관계, 이미지의 주제에 대한 작가의 모든 감정을 깊고 진지하게 경험해야합니다. 그리고 슬픔.

감독이 깊이 있고 열정적으로 경험한 태도만이 형태의 날카로움, 밝기, 표현력을 제공할 수 있다. 삶에 대한 무관심한 태도는 삶을 외적으로 모방하는 창백하고 가련한 자연주의적 형태를 낳습니다.

관광 분야에서 연출 방법과 형태를 포함하는 것은 여가 프로그램 모델링을 기반으로 수행될 수 있습니다. 모델링(V.S. Sadovskaya에 따르면)은 창의적인 활동에 사람을 포함시키기 위한 새로운 원래 조건을 만들기 위해 방법, 기술 및 수단을 체계화하는 과정입니다. 따라서 여가 프로그램의 모델링은 관광 여가의 내용을 풍부하게 하고 발달 기능을 향상시키는 것을 가능하게 한다. "적극적인 목적이 있는 소비자 활동"으로서의 관광업이 창조적인 활동으로 변모하고 있습니다.

현재 현대 문화의 구조는 예능 프로그램, 각종 쇼로 구성되어 있으며 사람들의 사상, 도덕, 예술 교육, 생활 및 여가의 조직화에 중요한 역할을 합니다.

두 번째 장에 대한 결론

현대적인 의미의 연출 - 개인적인 창의성으로서 15-16 세기에만 유럽 극장에서 집중적으로 형성되기 시작했습니다. 이와 관련하여 중요한 역할은 무대 상자의 출현으로 이루어졌습니다. 거리, 광장, 공정한 무대에서 궁전의 폐쇄 된 건물로, 그리고 나서 특별히 지어진 건물로 연극 공연을 옮기는 것입니다. 공연의 가시적 인 배경이 신중하게 개발되기 시작하여 17-19 세기 유럽 극장의 중요한 인물, 어떤 식 으로든 무대 감독의 기능을 수행 한 예술가-장식가의 인물을 생생하게 가져 왔습니다. .

문화 및 여가 프로그램의 개선은 다양한 문화 및 여가 프로그램의 시나리오를 개발하고 구현하는 시나리오 작가의 능력과 능력에 크게 좌우됩니다. 대본 작성은 정보 자료의 축적, 아이디어 형성 및 극 작품 작성 기간을 포함하는 복잡하고 다단계의 창작 과정입니다.

결론

문화 및 여가 프로그램은 레크리에이션 및 발달 활동의 한 형태이며, 그 내용에는 여가 공간에서 개인이 특별히 선택하고 종합한 유형의 문화 활동이 포함됩니다.

문화 및 여가 프로그램의 발전은 항상 사회의 발전과 불가분의 관계에 있었습니다. 각 역사적 시대는 문화 및 레저 프로그램에서 고유한 새로운 요구 사항, 형식, 구성을 가져왔습니다. 현대의 이론과 실천은 이전에 축적된 모든 경험과 현재 상태에 대한 분석을 그 자체로 일반화합니다. 문화 및 여가 프로그램은 천년의 발전 역사를 가지고 있습니다. 고대 헬라스의 대규모 축제, 중세 미스터리, 카니발, 연극 행렬, 프랑스 혁명 축제, 러시아 민속 축제 - 이 모든 것이 현대 대중 문화 및 레저 프로그램에 사용되는 훌륭한 경험입니다.

풍부한 문화 및 여가 프로그램 방향, 다양한 콘텐츠, 표현 수단의 사용은 사회 문화적 영역의 전문가에게 무한한 기회를 제공합니다. 에 현대적인 조건그들의 활동에 매우 중요한 것은 지식의 종합이며, 전문적 우수성, 저작권 개념과 사회의 사회적 질서.

감독의 작업은 매우 어렵고 어떤 실패도 많은 사람들에게 영향을 미칠 수 있으므로 일상적인 창작 작업을 위한 기반이 필요합니다. 감독의 전문성, 자격을 갖춘 직원 교육에 대해 이야기해야합니다.

표현 수단의 능숙한 선택, 다양한 유형의 예술 활동에 유기적인 포함, 줄거리를 구현하고 주제를 발전시켜 문화적 연속성에 영향을 줄 수 있는 개별 숫자는 기본적으로 교육적 기능을 갖는 감독 작업의 본질입니다. 개발, 교육 및 교육.

디렉팅 아트는 하나의 조화롭게 통합된 여가를 만들기 위해 문화 및 여가 프로그램의 모든 요소를 창의적으로 구성하는 것입니다. 감독은 자신의 창의적 개념을 바탕으로 집단에 참여하는 모든 사람들의 창조적 활동을 지시함으로써 이 목표를 달성한다. 연출 덕분에 문화 및 여가 프로그램은 전체적으로 문체의 통일성과 공통된 이념적 목적성을 갖게 됩니다. 따라서 이데올로기적, 미학적 요구의 증가와 함께 예술을 연출한다는 개념 자체가 확장되고 심화되었습니다.

오늘날 관광 분야에서 지속 가능한 개발의 창출은 제공되는 서비스의 품질이 지속적으로 향상되고 요구 사항을 충족할 수 있는 경우에만 가능합니다. 현대인그의 여가 조직에서. 높은 레벨품질 관광 상품사업 개발의 전제 조건입니다.

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1. "드라마"의 개념과 그 특징.넓은 의미의 드라마 문학적 성별 (서사시와 가사와 함께) 시공간에서 펼쳐지는 액션을 인물의 직설적인 독백과 대화를 통해 표현했다. 서사 작품이 삶의 언어적, 예술적 발전의 기술과 방법의 무기고에 자유롭게 의존한다면 드라마는 무대 요구 사항의 필터를 통해 이러한 수단을 "통과"합니다. 드라마의 경관적 목적이 그 구체적인 특징을 결정짓는다. 독백과 대화는 드라마에서 표현적으로 의미심장한 진술로 나타난다. 그것은 독자와 관객에게 직접적으로 보여지지 않는 행동과 사건의 외부 환경과 등장인물의 행동 동기에 대해 알려준다. 2. 극작가의 문학적 작품으로서의 "탁자 위에서"와 감독, 무대 구현으로서의 무대에서의 두 번의 극적 작품 탄생. 극 작품은 무대 해석의 폭이 무한합니다. 언어로 쓰여진 작품인 드라마를 스펙타클한 무대로 번역하는 것은 그 의미와 서브텍스트의 해명을 수반한다. 극작가는 말하자면 감독과 배우를 초대하여 자신의 연극 버전을 만듭니다. V. G. Belinsky는 "극적인 시는 무대 예술 없이는 완전하지 않습니다. 얼굴을 완전히 이해하려면 얼굴이 어떻게 행동하고, 말하고, 느끼는지 아는 것만으로는 충분하지 않습니다. 얼굴이 어떻게 행동하고, 말하고, 느끼는지 보고 들어야 합니다. " 3. 액션은 드라마의 기본이다. 영국 소설가 E. 포스터는 이렇게 말했습니다. “드라마에서 모든 인간의 행복과 불행은 행동의 형태를 취해야 하며 실제로 취해야 합니다. 그것이 행동으로 표현되지 않으면 눈에 띄지 않을 것이고, 거기에 드라마와 로맨스의 가장 큰 차이가 있다. 공간과 시간의 고유한(에포스) 자유로운 탐색으로 드라마와 서사를 구별하는 것은 등장인물들의 언어적 행동의 연속적인 선이다. 드라마는 플롯에서 구현되는 필수 활성 연속 동작입니다. 4. 극적 행동의 필수 구성 요소로서 갈등의 존재. 드라마에서 예술적 지식의 주제는 외부 및 내부 갈등과 관련된 상황으로 사람에게 정서적, 지적, 무엇보다도 의지적 활동을 요구하는 상황입니다. 갈등은 드라마에만 있는 것이 아니다. 그것은 전체 작품에 스며들어 모든 에피소드의 기초가 됩니다. 그러나 문학 장르로서의 드라마의 주요 특징은 음악, 시각, 안무 및 기타 유형의 예술과의 합성에서만 시청자에게 정서적, 미적 영향을 미칠 수 있는 엄청난 잠재력을 드러낸다는 것입니다. 아리스토텔레스는 "시학"에서 처음으로 단어, 동작, 선, 색상, 리듬 및 멜로디가 제공하는 연극 공연의 합성에 주목했습니다.

좁은 의미의 드라마는 한 개인의 사생활과 외부 세계 또는 자신과의 갈등의 심리적 깊이에 대한 묘사를 기반으로 한 연극 연극학의 주요 장르 중 하나입니다. 문학 장르로서 드라마는 장르의 다양성이 특징입니다. Dionysus를 기리는 의식 게임과 노래에서 비극, 희극 및 satyr 드라마의 세 가지 일반적인 연극 장르가 성장했으며 Dionysus의 동반자 인 satyrs로 구성된 합창단의 이름을 따서 명명되었습니다. 비극은 디오니소스적 컬트의 진지한 면을, 코미디는 카니발 면을 반영했고, 사티로스 드라마는 중간 장르를 대표했다.

2. 문화 및 여가 프로그램의 대본 편집의 주요 기능.편집 (조립, 연결)은 가장 효과적인 방법 중 하나이며 영화에서 클럽 실습에 들어 온 문화 및 여가 프로그램 시나리오의 구성 구성 기반입니다. 영화에서와 같이 문화 및 여가 프로그램 시나리오에서 편집은 세 가지 주요 창작 기능이 특징입니다.1. 프로그램에 무결성을 부여합니다. 무대 정보의 단위로서 대본의 개별 숫자와 에피소드의 중요성을 과소 평가하지 않고, 그들의 무결성은 상호 작용과 관계의 복잡한 시스템으로 발전했을 때만 청중의 인식과 전체 프로그램의 최종 의미를 발생시킵니다. 또한 새로운 정보의 도약을 제공하는 그러한 연결만이 몽타주라고 할 수 있습니다. 미술 사학자 V.A. Latyshev는 다음과 같이 썼습니다. 그러나 이를 위해 부분은 전체 구성을 완료하는 데 필요한 충분한 정보를 전달해야 합니다. 2. 청중의 인식 구성. 위에서 언급했듯이 의미론적 몽타주 노드의 간격에는 주관적인 관객의 판단이 태어나야 하지만, 몽타주 연결을 통해 작가의 이념적, 주제적 의도가 드러나기 때문에 대본 작가에 의해 "프로그래밍"됩니다. 여기에서 모든 편집 방법(아래에서 자세히 설명)은 연관 사고를 기반으로 한다는 점에 유의해야 합니다. S. M. Eisenstein은 각 시청자가 자신의 개성에 따라 환상의 깊이, 연상의 구조, 캐릭터의 전제 조건에서 저자가 제안한 정확한 안내 이미지에 따라 이미지를 생성하고 주제에 대한 지식과 경험을 알려줍니다. 3. 문화 및 여가 프로그램의 템포 생성. 속도(시간)는 이동 속도, 구현, 무언가의 개발 강도의 정도입니다. 속도는 시간에 따른 문화 및 여가 프로그램의 과정, 즉 행동을 통한 과정의 외적 표현을 특징짓습니다. 리듬은 더 복잡한 개념입니다. 리듬(테쿠)은 특정 순서, 주파수로 발생하는 모든 요소(소리, 말 등)의 교대입니다. 어떤 일을 하는 속도. 보시다시피, 리듬은 다음과 같이 겉보기에 정적인 예술에도 존재하지만 주로 음악과 시와 관련된 해석에서 비롯됩니다. 미술그리고 조각. 음악적 창의성에서 리듬은 종종 비례, 시간과 공간의 일관성, 차원의 움직임, 소리의 교대로 정의됩니다. 무대 동작의 리듬 정의에 대한 이러한 접근 방식은 K.S. Stanislavsky가 "배우 자신에 대한 작업"이라는 책에서 제안했으며 모든 요소와 표현 수단의 교대 및 비례, 시간과 공간에서 조정되는 움직임으로 해석합니다. 무대 액션의. 즉, 내면의 역동성, 긴장, 극적 행위의 맥박이다. 몽타주의 도움으로 에피소드의 리듬과 문화 및 여가 프로그램 전체의 리듬이 가능한 유일한 상관관계를 구성하여 프로그램의 개념을 드러냅니다. 그러나 K.S. Stanislavsky가 지적한 것처럼 무대 위의 행동은 템포나 리듬으로만 이루어질 수 없습니다. 공연 예술에서 이러한 개념은 상호 연관되어 있습니다. 템포-리듬은 장면의 진정한 내부 긴장과 극적 동작의 전개 속도를 결합합니다.

3. 극적인 작업에서 플롯과 플롯.아리스토텔레스에 따르면 플롯은 극 작품의 구조적 요소의 주요 요소입니다. 줄거리 아래 아리스토텔레스는 "... 사람이 특징적인 말과 아름다운 말과 생각을 조화롭게 결합하면 그는 성취하지 않을 것이라는 사실에 초점을 맞춘 "사건의 구성", "사건의 조합", "행동의 재현"을 이해했습니다. 이 모든 것을 덜 사용하지만 줄거리와 사건의 적절한 구성을 가지고 있지만 많은 비극이 그녀에게 더 많이 다가 올 것입니다. 미술사에서는 "plot"의 개념과 함께 "plot"의 개념이 사용됩니다. 더욱이, 그것은 하나의 극적인 행동의 본질인 플롯, 플롯 이동입니다. 아리스토텔레스의 "시학"을 주의 깊게 연구한 결과, 줄거리와 등장인물을 불가분의 관계로 연결하는 고대 그리스 사상가가 청중의 관심을 조직하는 수단으로서 의사 소통 원리를 드러낸 것이 아니라 더 광범위한 그리고 더 깊은 것, 즉 인지 원리는 사건의 구성뿐만 아니라 사건의 분석과 이해입니다. 따라서 시나리오에 "plot"과 "plot"의 개념을 적용하여 다음과 같이 정의합니다. 플롯은 가장 단순한 형태의 물질적 조직, 즉 극적 작품에서 사건의 구성으로, 풍부한 행동을 특징으로 하며 이 작품의 예술적 구조의 소통의 시작이다. 플롯이 소통의 목표를 실현하고 있다는 사실은 극장 자체에서 분명히 드러난다. 대부분의 무대 연극은 사건을 확대하고 마지막까지 결말을 늦추는 기술의 플롯 측면에서 항상 불필요합니다. 잘 알려진 표현 "잘 만든 연극"은 음모를 유지하면서 행동에 박차를 가하는 기술을 나타냅니다. 플롯은 플롯의 골격이며 사건 전개의 핵심입니다. 줄거리는 사건의 주요 틀만 전달하지만 본질은 전달하지 않습니다. 플롯만이 그렇게 할 수 있습니다. 플롯은 극적 작업에서 사건을 분석하는 형식과 방법이며, 이 작품의 질적으로 더 복잡한 구성 요소이며 예술적 구조의 인지적 시작입니다. 줄거리와 줄거리 사이의 상호 작용의 본질은 의미 론적 뉘앙스가 행동 언어로 표현된다는 사실에 있습니다.

4. 문화 및 여가 프로그램의 템포-리듬의 감독 조직의 특징.문화 및 여가 프로그램의 템포 생성. 속도(시간)는 이동 속도, 구현, 무언가의 개발 강도의 정도입니다. 속도는 시간에 따른 문화 및 여가 프로그램의 과정, 즉 행동을 통한 과정의 외적 표현을 특징짓습니다.

리듬은 더 복잡한 개념입니다. 리듬(테쿠)은 특정 순서, 주파수로 발생하는 모든 요소(소리, 말 등)의 교대입니다. 어떤 일을 하는 속도. 보시다시피, 리듬은 순수 예술 및 조각과 같이 겉보기에 정적인 예술에도 존재하지만 주로 음악과 시와 관련된 해석에서 비롯됩니다. 음악적 창의성에서 리듬은 종종 비례, 시간과 공간의 일관성, 차원의 움직임, 소리의 교대로 정의됩니다. 무대 동작의 리듬 정의에 대한 이러한 접근 방식은 K.S. Stanislavsky가 "배우 자신에 대한 작업"이라는 책에서 제안했으며 모든 요소와 표현 수단의 교대 및 비례, 시간과 공간에서 조정되는 움직임으로 해석합니다. 무대 액션의. 즉, 내면의 역동성, 긴장, 극적 행위의 맥박이다. 몽타주의 도움으로 에피소드의 리듬과 문화 및 여가 프로그램 전체의 리듬이 가능한 유일한 상관관계를 구성하여 프로그램의 개념을 드러냅니다. 그러나 K.S. Stanislavsky가 지적한 것처럼 무대 위의 행동은 템포나 리듬으로만 이루어질 수 없습니다. 공연 예술에서 이러한 개념은 상호 연관되어 있습니다. 템포-리듬은 장면의 진정한 내부 긴장과 극적 동작의 전개 속도를 결합합니다. 더욱이, 긴장은 반드시 빠른 속도로 전개되는 행동을 수반하지 않으며, 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 공연의 정확한 템포는 다소 긴장된 장면의 기계적 교대를 의미하지 않습니다. 템포는 각 장면의 사건과 상황을 개별적으로 연결하고 공연 전체를 연결하는 진정한 텐션입니다. 문화 여가 프로그램과 관련하여 우리는 전체의 수, 에피소드 및 문화 여가 프로그램의 템포에 대해 이야기하고 있습니다. 템포리듬은 문화 및 여가 프로그램의 구성 구조를 조화시키는 능력을 가지고 있습니다. 템포리듬의 집중력 부족과 단조로움은 청중을 금세 피로하게 만든다. 정확하게 조직된 템포-리듬은 강당의 관능적-정서적 영역을 통제하는 강력한 수단입니다.

5. "문화 및 여가 프로그램 시나리오" 개념의 특성.문화 및 여가 프로그램은 현실의 예술적 모델링의 보편적 형식이며 극적인 기반은 대본입니다. 단어의 어원으로 돌아가면 대본은 연극의 행동 과정에서 발생하는 사건의 요약입니다. '시나리오'라는 단어는 원래 공연에 대한 자세한 계획을 의미했습니다. 대본은 행동의 기본 순서, 음모 전개의 주요 순간, 즉흥 연극의 등장인물이 무대에 등장하는 순서를 결정했습니다. 직접 텍스트는 공연이나 리허설 중에 배우가 직접 작성했습니다. 동시에 딱딱하게 고정된 것이 아니라 관객의 반응과 반응에 따라 다양했다. 시나리오 원칙에 따르면 거의 모든 유형의 민속 극장, 특히 코미디 (고대 러시아어 - 부푼 극장, 유럽 및 슬라브 - 인형극, 프랑스 - 박람회, 이탈리아 - 유명한 코메디아 델라르테 등)가 건설되었습니다. 17세기 초에 commedia dell'arte 공연을 위한 별도의 대본 모음집이 출판되기 시작했으며, 그 저자는 대부분 극단의 주연 배우였습니다. 1611년 F. Skala가 출판한 첫 번째 컬렉션에는 50개의 시나리오가 포함되어 있으며 이에 따라 무대 액션이 발전할 수 있습니다. 넓은 의미에서 대본은 특별한 언어 텍스트이며 언어 예술 형식의 언어에서 시청각, 스펙터클한 예술의 언어로 수행되는 일종의 번역입니다. 문화 및 여가 프로그램의 극적인 기초가되는 대본은 표현 수단의 전체 볼륨에서 미래의 통일 된 극적 행동을 "고정"합니다. 문화 및 여가 프로그램의 시나리오는 다양한 형태의 문화 및 여가 프로그램이 생성되는 기반에서 무대를 연출하기 위한 극적인 행동의 상세한 문학적 발전입니다.

6. 이사의 의도와 그 구성요소.문화 및 여가 프로그램의 극적 소재를 구현하려는 감독의 의도는 시나리오 디자인과 관련하여 이차적이며 여가 프로그램의 조형적 비전, 테마, 아이디어, 형식에 대한 예술적, 감성적 감각을 나타냅니다. 효과적인 무대 솔루션을 찾는 과정에서 예술에서 예술적 이미지는 현실의 반영이자 작가의 생각과 감정의 표현이다. 그것은 예술가의 상상 속에서 태어나고 그가 창작하는 작업에서 하나 또는 다른 물질적 형태(플라스틱, 사운드, 제스처 모방, 언어)로 구현되고 보는 사람의 상상 속에서 재창조됩니다. 예술적 이미지는 세계에 대한 예술가의 감성적, 지적 태도가 유기적으로 융합된 전체론적 영적 내용을 담고 있다. 예술적 이미지는 항상 형식과 내용, 감성적이고 이성적인 조화로운 통일체입니다. 이미지는 독창적이고 고유해야 합니다. 극적 자료와 동등한 일종의 생산 프로젝트로서의 감독의 아이디어는 다음을 포함합니다. - 시나리오 자료의 창조적 해석, 이데올로기 및 주제 아이디어를 수퍼 태스크로 변환 - 예술적 제작 결정 또는 감독의 이동 프로젝트; - 주연 캐릭터의 특성화 및 장르 정의 및 배우 연기의 문체 특징(추가 플롯 캐릭터로서의 리더) - 템포의 생산 솔루션; - 프로그램의 플라스틱(미장센) 공간 솔루션; – 조명 솔루션; - 시나리오의 원칙과 성격의 결정; – 여가 프로그램을 위한 음악 및 소음 솔루션. 감독의 의도를 구현하는 가장 중요한 수단은 미장센이다. 시나리오 디렉터의 움직임은 예술적, 정서적, 교육적 영향이라는 목표를 달성하기 위한 작가의 개념을 구상적으로 표현한 움직임입니다. 각본과 감독의 움직임은 극적이고 연출된 작품에 스며들어 논리적 전개 속에서 행동을 굳건히 하는 구상적이고 의미적인 핵심이다.

7. 단어의 넓은 의미와 좁은 의미의 드라마투르기. 에 대한 간략한 설명극적인 예술. 드라마 터지는 극적인 작품을 구성하는 이론이자 예술이며 플롯과 같은 개념입니다. 다시 말해서, 넓은 의미에서 연극은 사려 깊고 특별히 조직되고 구축된 구조, 일부 재료의 구성입니다. 좁은 의미에서 드라마투르기스는 하나 또는 다른 유형의 예술을 통해 구현해야 하는 모든 문학 및 드라마 작품입니다. 오늘날 극적인 예술 형식은 다음과 같습니다. - 각본과 같은 문학적이고 극적인 작품을 기반으로 한 영화; - 극적인 작품으로 텔레비전 대본이 있는 텔레비전; - 라디오, 드라마 튜르그의 기초에서 라디오 드라마 turgy. 그리고 마지막으로 문화와 여가 프로그램은 현실을 예술적으로 모델링하는 가장 보편적인 형태이며, 그 극적인 기반은 대본이다. 시나리오 연극은 복잡한 합성 성격을 가지고 있으며 일반적으로 예술적 몽타주를 통해 만들어집니다.

8. 감독의 악보로 시트 편집.어셈블리 시트 그래프의 특성. 편집 목록은 각 에피소드의 모든 구성 요소와 에피소드 내 숫자 및 제공 표현 수단을 정확하게 기술한 문화 레저 프로그램의 감독 점수입니다. 이는 이전의 모든 시나리오 작성 단계의 최종 통합 표현입니다. 많은 사전 작업 없이는 명확하고 가장 중요하게는 실제로 실행 가능한 편집 목록이 있을 수 없습니다. 그래픽 표현에서 어셈블리 시트는 다음 열로 구성된 테이블입니다. 번호 순서대로. 모든 제작 부서가 서로 통신하기 위해 디지털 지정을 사용할 때 편집 리허설 중에 번호 매기기가 필요합니다.2. 삽화. 제목은 문학 대본의 제목과 정확히 일치해야 합니다. 3. 커튼. 4. 수 및 출연자(들). 5. 무대 또는 무대 뒤에서 들리는 텍스트의 내용(발표자의 텍스트). 6. 마이크. 7. 음악 및 음향 반주. 8. 빛. 9. 비디오 시퀀스(영화, 비디오 자료, 멀티미디어 프레젠테이션 등). 10. 방의 시노그래피. 11. 소품과 소품. 12. 숫자의 타이밍. 13. 메모. 문화 및 여가 프로그램의 모든 서비스에 대한 작업을 포함하는 감독 악보로 편집 시트는 기술 지원을 제공하는 사람들, 즉 음향 엔지니어, 조명 감독(라이터), 비디오 감독, 감독 조수, 무대 작업자에게 필요합니다. .

9. 문화 및 여가 프로그램 시나리오의 구성 요소.문화 및 여가 활동의 향상은 다양한 문화 및 여가 프로그램의 시나리오를 개발하고 구현하는 시나리오 작가의 능력과 능력과 프로그램 시나리오의 구성에 크게 좌우됩니다. 대본 작성은 정보 자료의 축적, 아이디어 형성 및 극 작품 작성 기간을 포함하는 복잡하고 다단계의 창작 과정입니다. 대본의 저자는 결과가 일관되고 극적인 작업이 되도록 모든 구성 요소를 결합해야 합니다. 시나리오에 따라 조직되고 수행되는 문화 및 여가 프로그램은 명확하고 완전한 전체의 인상을줍니다. 각 문화 및 여가 프로그램은 건설, 건설의 요소를 포함하여 시나리오의 구성 구성, 시나리오 자료의 구성을 결정합니다.

구성 - (연결, 배열, 구성) - 예술 작품의 구성. 그것은 모든 예술 작품의 주요 구성 및 구성력이며, 소리와 텍스트 부분을 연결하는 방법, 예를 들어 문학 및 음악 작품에서 주어진 작품의 요소 사이의 연결을 표현하는 수단입니다. 대본의 구성 구성은 창작 과정에서 가장 필수적인 부분입니다.

설명은 스크립트 구성 구성의 첫 번째 구조적 요소입니다. 일반적으로 전시는 시작 부분에 위치하며 후속 극적 동작의 발전을 위한 기초 역할을 합니다. 박람회의 특징은 실제로 이벤트가 없다는 것입니다. 간결하고 단기적이며 미래 문화 및 여가 프로그램 주제의 일반적인 특성만을 반영합니다. 이것은 연극 공연 참가자에 대한 소개 또는 예정된 프로그램의 주제에 대한 초기 데이터의 호스트로부터의 메시지일 수 있습니다.

줄거리는 문화 및 여가 프로그램 시나리오의 구성 구성에서 가장 중요한 지원 구조 요소입니다. 이 요소의 기능적 가치는 우선 극적인 갈등의 시작을 결정하고 구성 구성의 후속 구조적 요소에서 발전을 찾는 소위 "초기"사건에 기반한다는 사실에 있습니다. 시나리오의. 청중의 관심을 끌고 액션의 추가 플롯 전개를 따르도록 권장하는 것은 초기 이벤트입니다.

클라이맥스는 대본의 극적 갈등 전개의 정점이며, 관객의 감정적 지각의 최고점이다. 클라이맥스의 중심에는 대본의 극적인 갈등 전체를 해결하는 것이 주요 사건이 있습니다. 줄거리의 초기 사건과 행동의 주요 전개에서 일련의 사건이 논리적으로 연결되면 클라이맥스가 자연스럽게 따라오고 전체 문화 및 여가 프로그램의 의미 및 정서적 중심이됩니다.

데노망은 구성적 구성의 구조적 요소로서 시나리오의 스토리라인을 완성하는 기능을 수행한다. denouement는 통과 라인의 개발에서 마지막 중지를 둡니다. 종료 후에는 극적 갈등의 해결 결과를 보고하는 최종 사건이 따라와야 함을 기억하는 것이 중요합니다. 결과적으로 본연의 시작과 줄거리를 가진 일련의 사건들은 액션의 주요 전개를 거쳐 클라이막스에 이르러 결말에서 극적인 전개를 완성한다.

피날레는 결단에 뒤따르는 것으로, 무대 동작의 완전한 완성을 의미한다. 피날레는 무대에서 일어난 모든 극적인 행동을 요약하는 수단입니다.

피날레의 특별한 형식은 에필로그(후말)입니다. 대본의 구성에서 가장 중요한 신학적 역할을 하며, 그 덕분에 각 연극 문화 및 여가 프로그램은 방대한 감정적이고 장엄한 액션으로 끝납니다.

10. 문화 여가 프로그램 책임자의 크리에이티브 팀의 특성.그러나 극적인 액션을 무대로 구현하는 것은 문화 및 레저 프로그램의 형태에 따라 다음을 포함하는 소위 제작 팀인 감독의 크리에이티브 팀의 창의적인 노력의 결과입니다. 감독 - 첫 번째 조감독, 프로덕션 팀의 수석 코디네이터. 그룹 또는 개별 공연자로부터 발생하는 조직적이고 창의적인 질문을 수석 감독에게 전달합니다. 필요한 경우 또는 감독의 지시에 따라 조수가 독립적으로 그룹 또는 개별 연주자 및 발표자와 함께 리허설을 수행합니다. 조감독의 조직 작업에는 프로그램 참가자와 리허설 일정 및 직접적인 조직에 대한 지원 기술 서비스를 알리는 것이 포함됩니다. 프로덕션 디자이너는 문화 및 여가 프로그램의 예술적이고 상상력이 풍부한 솔루션의 공동 저자, 무대 공간의 주최자, 문화 및 여가 프로그램에 대한 감독의 의도를 스펙터클의 언어로 번역하는 일종의 번역가입니다. 시노그래피와 풍경은 작가의 생각을 조형적 상징적 은유적 형태로 감성적, 지적 내용으로 충만하게 반영하고 문화 및 여가 프로그램의 분위기를 조성해야 합니다. 조명 디자이너 - 프로그램의 조명 드라마터지 공동 저자, 자세한 조명 점수 저자. 빛의 각 변화, 그 "전달", 각 조명 효과는 특정 무대의 빛 "채우기" 가능성의 전체 범위를 보여서는 안 되며 공연의 예술적 이미지를 만들고 감독의 의도를 드러내야 합니다. 경험 많은 조명 디자이너의 손에서 이 표현 수단은 미장센의 추가 요소가 됩니다. "빛의 그림"(영화 감독 S. Yutkevich의 정의에 따르면)은 작가의 생각, 프로그램의 역동성, 그것과 함께 단일 전체의 지속적인 움직임입니다. 빛뿐만 아니라 색채에도 감정과 표현력이 있기 때문에 감독들이 무대 액션의 색채와 빛의 극화에 대해 이야기하는 것은 옳다. 그의 사운드 엔지니어 전문적인 활동프로그램의 사운드 디자인뿐만 아니라 예술적인 이미지도 만들어 냅니다. 여가 프로그램의 음악적 음역의 성격은 감독과 함께 정확히 찾아내는 것이야말로 적절한 템포를 찾는 데 중요한 요소이다. 음악에는 엄청난 감정적 힘이 있으며 이를 능숙하게 숙달하면 프로그램의 일관된 극적 구성을 구축하는 데 도움이 됩니다. 사운드 엔지니어링은 독자적인 법칙과 면이 있는 창작 활동의 독립적인 분야이며, 사운드 엔지니어는 음악, 사운드, 음향 효과의 편집을 사용하여 주요 의미 부분을 강조 표시하고 강조하고 이차적인 부분을 흐릿하게 보이는 배경. 조감독 - 무대에서 연기자의 순서와 무대 뒤에서 훈련을 보장합니다. 무대 작업자의 조정된 작업을 모니터링합니다. 대중 연극 형태의 문화 및 여가 프로그램(연극 콘서트, 연극 공연, 휴일, 축제 등)의 창의적 무대 구성은 다음으로 보완됩니다. 음악 감독, 수석 안무가, 메이크업 아티스트.

11. 시나리오 개념 및 구성 요소.아이디어의 기원은 창조적 인 사람의 개별 특성, 그의 세계관 및 태도와 관련된 복잡한 과정입니다. 아이디어의 출현은 상상력, 직관 및 환상을 제한하지 않고 처음에는 혼란스러운 작업에 목적성을 부여합니다. 러시아어 설명 사전, ed. D.N. Ushakova는 아이디어를 "일, 활동의 목표로 생각하고 생각한 것"으로 해석합니다. S.I. Ozhegov의 러시아어 설명 사전은 계획을 두 가지 의미로 정의합니다. 1. 계획된 행동, 활동, 의도 계획. 2. 작품에 내재된 의미, 아이디어. 사전 문학 용어예술 작품의 주요 특징과 속성, 그 내용 및 형식에 대한 아이디어로서 창작 개념을 작품의 기초를 설명하는 창작 스케치로 특징짓습니다. 주제(기초가 무엇인지). 문화 및 여가 프로그램의 개념에는 시나리오 작가의 성격, 세계에 대한 비전뿐만 아니라 창작 과정의 최종 연결인 시청자, 관객이 포함됩니다. Y. Borev가 창의성이란 작가로부터 아이디어를 소외시키고 그것을 작품을 통해 독자, 시청자, 청취자에게 전달하는 과정이라고 언급한 것은 우연이 아닙니다.

따라서 문화 여가 프로그램의 시나리오 계획의 핵심은 무엇보다 먼저 그 (프로그램) 주제와 아이디어에 있습니다.

V.I.Dal은 주제를 "토론하거나 설명하는 상황, 작업"으로 정의합니다. 즉, 문화 및 여가 프로그램의 주제는 삶의 현상, 문제, 작가와 관객을 흥분시키는 문제의 범위이며 가장 관련성이 높고 예술적으로 의미가 있습니다. 여가 프로그램의 주제 선택은 대본 작성자의 태도, 그의 삶에 의해 결정됩니다. 가치 지향, 그가 가장 중요하게 생각하는 현상과 연결. 주제는 내용 의미 론적 무결성과 작가의 정서적 경험과 삶의 숙달의 산물로 특징 지어지는 극적인 작품의 아이디어와 불가분의 관계가 있습니다. 그러나 그 아이디어는 주작가의 생각으로만 축소될 수는 없다. 그것은 '인생의 사실'에 대한 작가의 관점인 앵글이다.

12. 문화 및 여가 프로그램에서 추가 플롯 캐릭터로 리드.지도자의 주요 유형. 발표자 - 해설자 - 설득력 있게 읽지 않고, 구두 설명이 너무 길지 않으며, 텍스트의 명백하고 대화식 스타일을 설명할 필요가 없으며, 시청자에게 무슨 일이 일어나고 있는지 목적을 설명할 것입니다. 그는 이해하고 싶습니다. 이미지 추가. 진행자 - 면접관 - 질문 - 답변의 도움으로 정보를 받습니다. 재치, 경계. 생각에 주의를 산만하게 하지 마십시오. 직접적이고 눈에 거슬리지 않는 질문을 할 수 있습니다. 리더는 정보 제공자입니다.

14. 문화 및 여가 프로그램의 운영 원칙.문화 여가 프로그램을 연출하는 원칙은 연출가의 극적 시나리오 소재 구성의 예술적 패턴이다. 그것들은 미학적 법칙과 청중에게 미치는 교육학적 영향의 목표에 의해 결정됩니다. 여가 프로그램 연출의 원칙은 모든 예술 시스템의 원칙과 마찬가지로 상호 작용의 본질을 반영합니다. 구조적 요소이 시스템의, 우리의 경우 이것들은 삶의 사실과 예술의 사실입니다. 오늘 그들은 일반적인 예술 및 활성화 원칙 그룹에 대해 이야기합니다. 모든 장엄한 예술의 일반적인 예술적, 미학적 법칙은 다음과 같이 말합니다. 감각의 작업은 더 강렬할 것이고, 더 다양하게 조직된 정보는 동시에 또는 압축된 시간 동안 관객에게 제공될 것입니다. 이 법은 감독이 가능한 모든 예술적 표현 수단을 사용하도록 강제합니다. - 음악; – 소음 및 배경 자료; – 사진, 영화 및 비디오 자료; – 연극, 안무 및 조형 액션; – 조명 솔루션. 즉, 다양성을 통한 무결성의 원칙에 대해 이야기하고 있습니다. 단어, 음악, 빛과 색, 미장센의 통일성은 프로그램의 예술적 이미지를 드러내는 시청각 조화를 만들어야 합니다. 그러나 이 연출 원칙의 맥락에서 업데이트되는 대본 구성 구성의 기본 법칙 중 하나, 즉 작가의 시나리오와 감독의 의도에 대한 모든 예술적 표현 수단의 종속을 잊지 말자. 두 번째 원칙은 관객 활성화를 목표로 하는 무대 법칙에 의해 결정되며, 관객을 감정적으로 "흔들리게 하는" 공연의 수와 에피소드를 강화할 필요성을 지시하고, 관객의 관심을 약화시키거나 잃는 것을 허용하지 않습니다. 그리고 그것이 절정일 필요는 없습니다. 핵심 의미는 이미 설명이나 소개에 포함되어 있을 수 있습니다.

15. 문화 및 여가 프로그램 및 기타 유형의 연극 예술 시나리오의 일반 및 특정 특징. 문화 및 여가 프로그램의 시나리오는 다양한 형태의 문화 및 여가 프로그램이 생성되는 기반에서 무대를 연출하기 위한 극적인 행동의 상세한 문학적 발전입니다. 문화 및 여가 프로그램(시나리오)의 연극은 다른 유형의 연극 예술(연극, 영화, 라디오, 텔레비전)과 공통된 특징을 가지고 있습니다. - 스토리라인 및 이벤트 시리즈; - "행동의 대화"로서의 갈등; - 단단한 구성 구조; - 장르의 다양성(문화 및 여가 프로그램에서 - 다양한 형태). 따라서 문화 및 여가 프로그램의 시나리오는 넓은 의미에서 극적인 작업이며 그에 대한 작업은 극적인 창작물입니다. 그러나 클럽 연극은 예술적 가치뿐만 아니라 청중에게 교육적 영향을 미치는 프로그램이기 때문에 독특한 특징이 있습니다. 문화 여가 프로그램 시나리오의 구체적인 특징은 연극 예술의 극적 기반이 되는 연극과 비교했을 때 가장 뚜렷하게 드러난다. 따라서 극작가의 작업은 개별적 성격을 띠고 대본 작업은 개별적일 수도 있고 집단적일 수도 있습니다. 더욱이 연극의 창작은 언제나 원저자의 작품이다. 문화 및 여가 프로그램의 시나리오는 다른 작가의 문학, 예술, 다큐멘터리, 영화 작업의 몽타주 조합입니다. 즉, 극작가가 차이코프스키의 음악을 극적 소재에 포함시켰다면 이 천재 작곡가는 이 대본의 공저자임에 틀림없다. 연극 연극은 항상 예술적 허구, 고유한 예술적 이미지를 지닌 제2의 현실이며, 문화 및 여가 프로그램의 연극은 항상 "생활의 사실"과 "예술의 사실", 몽타주 방법에 의한 정보 및 엔터테인먼트 구성 요소의 조합입니다. . 대본에서 하나의 극적 행동은 등장인물의 행동과 행동에 의해 제공되는 것이 아니라 모든 다양한 예술적 표현 수단(시어, 소리, 음악, 빛, 조형 구성, 비디오 시퀀스 등)에 의해 제공됩니다. . 이 기능은 다음과 같습니다. 문화 및 여가 프로그램의 대본 작가의 임무는 예술적 가치로서의 극적인 예술 작품뿐만 아니라 청중에게 가장 효과적인 지적, 정서적, 교육적 영향을 만드는 것입니다. 대본은 특정 시청자를 위해 작성되었으며 문화 및 여가 프로그램의 시청자를 활성화하는 방법을 사용하여 의사 소통의 조직도 대본의 구조에 "배치"됩니다. 구체적인 특징으로 홈룸부터 경기장, 도심 거리에 이르기까지 문화 및 여가 프로그램을 개최하기 위한 다양한 장소와 장소를 강조하는 것도 필요합니다. 이 경우 장소는 공간일 뿐만 아니라 영향을 받아야 하는 특정 관객이기도 하다. 그리고 마지막으로 중요한 것. 문화여가 프로그램의 대본은 독자를 위한 것이 아니라 감독을 위한 것이다.

16. 문화 및 여가 프로그램 제작에 있어 미장센의 특징.감독의 의도를 구현하는 가장 중요한 수단은 미장센이다. "미장센(Mise-en-scene)"(무대 위의 위치) - 한 번에 또는 다른 무대 동작에서 서로 그리고 관객과 관련하여 무대 위 배우의 위치. 미장센의 발전은 프로그램의 외부 형태와 내부 구조의 복잡한 상호 작용, 조형적 표현의 예술적 이미지를 반영합니다. Mise-en-scene의 본질은 S.M. Eisenstein에 의해 매우 정확하게 정의되었습니다. "무대에 있는 사람들의 상호 작용에서 공간적 및 시간적 요소의 조합 ... 독립적인 행동 라인과 그들 자신의 분리된 라인을 엮는 것 리듬 패턴의 톤 패턴과 공간 솔루션을 하나의 조화로운 전체로 만듭니다." 즉, 미장센은 정지된 순간이 아니라 V.E. Meyerhold에 따르면 "하위 텍스트가 드러나고 선 사이에 있는 모든 것이 드러난다"는 인간 움직임의 비유적 언어입니다. 미장센은 감독과 출연자들이 순간적인 행동이 아니라 가장 중요한 과제와 여가 프로그램의 동작, 즉 템포-리듬을 추구한 결과이다. 여가 프로그램의 미장센은 무대 정보의 일부이며, 관객에게 효과적인 이데올로기 및 정서적 영향을 목적으로 감독의 조형 수단을 구성합니다. 연출이라는 과제의 맥락에서 미장센은 살아있는 연기자가 그 중심에 있는 공연(또는 여가 프로그램)의 조형적 이미지로 작용한다. 잘 계획된 미장센은 다음 요구 사항을 충족해야 합니다. 1) 숫자 또는 에피소드의 내용을 가장 생생하고 완벽하게 조형적으로 표현하는 수단이어야 합니다. 2) 액터의 관계를 올바르게 식별할 뿐만 아니라 내면의 삶의 각 캐릭터 이 순간그의 무대 생활; 3) 진실하고 자연스러우며 무대 표현력이 있어야 합니다.

17. 문화 및 여가 프로그램의 주요 형태의 특성.문화 여가 프로그램의 형식은 연구 중인 문제에 대한 시나리오 작가의 관점, 다양한 표현 수단을 사용하는 시나리오 자료 및 관객의 구성을 기반으로 구성된 구조입니다. 문화 및 여가 프로그램의 선택된 형식은 콘텐츠 선택, 극적 자료가 구성되는 방식에 적극적으로 영향을 미칩니다. 시나리오 아이디어를 가장 잘 드러내야 하고 시청자가 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 인식을 정서적으로 준비시켜야 하는 형식이기 때문입니다. 현재 여가 프로그램의 형태 유형에 대한 많은 접근 방식이 있습니다. 따라서 저자의 L.I. Kozlovskaya 분류는 사용 된 표현 수단뿐만 아니라 문화 및 여가 프로그램의 내용과 극적인 구조와 같은 특징을 기반으로합니다. 이러한 기능을 기반으로 잘 알려진 벨로루시 연구원은 다음과 같은 형태의 문화 및 레저 프로그램을 구별합니다. - 지식 또는 사회적으로 유용한 활동의 모든 분야에서 주요 참가자 또는 전체 그룹을 선별할 수 있는 다양한 경쟁의 복합체로서의 경쟁 및 엔터테인먼트 프로그램; - 민속 게임, 노래, 춤, 의식, 기타 장르의 구전 민속 예술을 포함한 민속 프로그램 - 스펙타클, 가소성, 춤, 광대의 복합물로 프로그램을 보여줍니다. - 스포츠 및 엔터테인먼트 프로그램 - 야외 게임, 만화 싸움, 복합 계주 및 스포츠 대회의 복합물; - 청중을 위한 새롭고 중요한 정보를 포함한 정보 제공 및 토론 프로그램, 논쟁, 토론, 성찰 장려 - 예방 및 교정 프로그램, 그 내용은 교육학적 및 의학적 초점을 갖고 사람들의 정신 상태 조절에 기여합니다.

18. 문화 및 레저 프로그램 책임자의 전문 활동의 조직 및 창조적 측면. 위에서 언급한 바와 같이 다양한 형태의 문화 및 여가 프로그램을 준비하는 감독의 작업은 감독의 아이디어의 발전으로 시작하여 감독의 결정, 구체적인 내용이 포함된 감독의 대본에 구현으로 계속됩니다. 예술적 기법대본과 감독의 의도를 구현하기 위해 행동의 과정과 표현 수단을 사용합니다.

19. 문화 및 여가 프로그램 시나리오 작업의 주요 단계.문화 및 여가 프로그램을 위한 대본을 작성하는 것은 정보 및 콘텐츠 자료의 축적 기간, 작가의 의도 형성 및 이러한 형태의 극 작품을 직접 작성하는 기간을 모두 포함하는 복잡하고 다단계의 창작 과정입니다. .

"발견"의 첫 번째 단계인 계획의 실행은 시나리오 계획의 작성입니다. 시나리오 계획은 구조적이고 극적인 기초이며 작가와 청중의 특성에 의해 결정되는 이데올로기 및 주제 개념으로 시나리오의 구성 구성에 대한 스케치입니다. 이것은 미래 여가 프로그램의 일반적인 비전, 주요 에피소드, 에피소드 내의 숫자 및 교체의 성격입니다. 그래픽으로 시나리오 계획은 다음 구조를 나타냅니다. 여가 프로그램의 이름.2. 프로그램 양식.3. 청중의 특성.4. 행사 장소 및 시간.5. 시나리오 구성: I. 설명(간단한 설명).II. 묶다. 에피소드 1(에피소드의 주제를 반영한 제목) 1.1. 번호 이름.1.2. 번호 이름.1.3. 번호 이름. III. 메인 액션(보통 3-4개의 에피소드로 구성) 에피소드 2(에피소드의 제목, 주제를 반영). 2.1. 숫자. 2.2. 숫자. 2.3. 숫자. 에피소드 3(에피소드 제목). 3.1. 숫자. 3.2. 숫자. 3.3. 숫자. 에피소드 수에 대해서도 마찬가지입니다. IV. 클라이맥스. 숫자. V. 최종. 숫자. 다음 단계는 글쓰기 문학 대본. 문학 대본은 전체 텍스트, 행동의 장소와 시간에 대한 설명, 시나리오, 음악 및 조명 디자인, 안무 및 조형 구성의 줄거리 및 기타 예술적 표현 수단을 포함하는 이데올로기 및 주제 개념의 상세한 문학적 발전입니다. . 이 단계에서, 일반 구조그리고 극적인 행동의 역동성, 프로그램의 템포. 시나리오 작업의 마지막 단계는 편집 목록 또는 작업 시나리오의 편집입니다. 편집 목록은 각 에피소드의 모든 구성 요소와 에피소드 내 숫자 및 제공 표현 수단을 정확하게 기술한 문화 레저 프로그램의 감독 점수입니다.

20. 문화 및 여가 프로그램을 지시하는 주요 은유 유형의 특성.은유(비유적 의미)는 한 클래스의 대상 이름을 사용하여 다른 클래스의 대상을 설명하는 비유입니다. 은유화는 색상, 모양, 부피, 목적, 공간과 시간에서의 위치 등과 같이 대상의 가장 다양한 특징의 유사성을 기반으로 할 수 있습니다. 문화 여가 프로그램의 감독에게 은유는 무대 이미지를 구성하는 수단으로 사용되기 때문에 가치가 있습니다. 오늘날 다양한 형태의 문화 및 여가 프로그램을 준비하는 관행은 연극화의 언어에서 다음과 같은 은유의 사용으로 표현됩니다. 1. I.E.의 책에서 디자인의 은유. Goryunova "대중 연극 공연과 음악 공연의 방향". 그래서 대승 60주년 기념 뮤지컬 공연의 무대 디자인으로 애국 전쟁, State Central Concert Hall "Russia"에서는 무대 뒤에서 활짝 열린 외투 4개를 플라스툰 방식으로 수천 킬로미터의 최전선 도로를 쟁기질한 단순한 군인의 승리였다는 작가의 생각을 은유적으로 사용했습니다. 그리고 그의 군인의 외투로 모든 사람을 보호했습니다. 2. 플라스틱 은유 또는 무언극의 은유. 다음은 훌륭한 프랑스 마임 Marcel Marceau "The Cage"의 고전적인 줄거리입니다. 깨어난 사람은 앞으로 나아가고 장애물을 우연히 발견하고 그가 새장에 있다는 것을 깨닫습니다. 사방의 모든 벽을 따라 열렬히 손을 움직이며 영웅은 탈출구를 찾고 있습니다. 3. 미장센 은유는 I.E. 고류노바. 우리는 은유적 미장센이 감독의 생각에 대한 일반화된 예술적 이미지를 만들기 위해 조형적 움직임과 언어적 행동의 특히 세심한 개발이 필요하다는 점을 강조할 뿐입니다. 4. 연기의 은유. 저명한 작가인 Y. Olesha는 이렇게 말했습니다. V.E의 감독 작업의 예. 메이어홀드. 그의 붉은 군대 연기 스튜디오에서 리허설에서 대화.

21. 시나리오의 구성 구성 법칙의 특성.문화 및 여가 프로그램 시나리오의 나열된 극적 요소는 다음 법칙을 통해 전체론적 구조로 결합됩니다. 1) 완전성, 전체에 대한 부분의 상호 연결 및 종속의 법칙. 문화 및 여가 프로그램의 연극의 완성된 효과적인 구조는 주요 몽타주 단위가 에피소드인 여러 주기로 나뉩니다. 전체, 즉 전체 프로그램의 일부인 대본의 에피소드. 문화 및 여가 프로그램의 구성적 무결성은 다음으로 구성된 시나리오의 플롯 구조에서 발생하는 연결 시스템에 의해 달성됩니다. 구성 - 다큐멘터리와 예술적 자료의 상호 작용, "생활의 사실"과"예술의 사실"의 몽타주, - 내용을 표현하는 내부 수단의 정당성과 일관성, - 무대 구현을 위한 기술 및 방법 문학 시나리오; 2) 대조의 법칙. 이 법칙은 시나리오 작가에게 주변 현실의 복잡성과 불일치를 보여줄 뿐만 아니라 청중의 생각을 활성화하고 프로그램을 높은 수준으로 채울 수 있도록 시나리오에서 갈등의 존재에 대한 필요성을 지시합니다. 감정적 인 정도. 대비는 우리 주변의 현실에서 사물과 현상의 가장 포괄적인 속성 중 하나입니다. 대조 연극의 사용 큰 역할감정에. 3) 모든 표현 수단을 문화 및 여가 프로그램의 이념적 디자인에 종속시키는 법. 이 법을 따르면 시나리오 작가는 이념적, 주제적 디자인에 적합한 프로그램의 내용을 개발할 뿐만 아니라 극적 구조에서 그것을 가장 잘 드러낼 수 있는 예술적 표현 수단만 사용할 수 있습니다. 4) 비례의 법칙. 시나리오 구성 구성의이 법칙은 선택한 시나리오 자료의 양적 비율, 에피소드 별 분포를 가정하여 시나리오 작가가 시나리오 자료의 주요 부분과 보조 부분의 위치, 정확한 및 구성 요소의 비례 비율.

22. V.I. 예술 연출에 대한 Nemirovich-Danchenko.감독, V.I.의 유형에 따르면. Nemirovich-Danchenko, 그것은 또한 거울입니다. 개인의 자질배우와 그의 창의적인 재능의 측면. 원칙적으로 연기기법의 모든 요소는 연극에서의 연기에 존재한다. 그러나 감독은 각각의 퍼포먼스와 관련하여 이 퍼포먼스에서 어떤 요소를 전면에 내세워 하나의 떼려야 뗄 수 없는 사슬의 연결 고리로 잡고 전체 사슬을 뽑아내야 하는 문제에 직면한다. 예를 들어, 어떤 공연에서는 배우의 내면 집중과 표현 수단의 인색함이 가장 중요할 수 있으며, 다른 공연에서는 순진하고 빠른 반응이 가장 중요할 수 있으며, 세 번째 공연에서는 생생한 일상적 특징과 결합된 단순함과 자발성, 네 번째 - 감정적 열정과 외적 표현, 다섯 번째는 반대로 감정의 억제입니다. 여기의 다양성에는 제한이 없습니다. 매번 주어진 연극에 필요한 것이 정확하게 설정되는 것이 중요합니다. 정확히 찾아낸 연기 방식을 통해 연기에 대한 올바른 해결책을 찾는 능력과 배우들과 함께 작업하면서 이를 실질적으로 구현하는 능력이 감독의 전문성을 결정한다. 연출과 교육학은 매우 밀접하게 관련되어 있어 한 직업이 끝나고 다른 직업이 시작되는 지점을 찾기 위해 때때로 그들 사이에 선을 긋기가 어렵습니다. 감독은 예민한 교육자로서 진정한 연기력을 분별하고 드러내야 한다. 아이디어를 가진 팀, 가장 중요한 작업, 미래 무대 액션의 성공에 대한 믿음. 그리고 마지막으로 감독의 세 번째 "위협"은 그의 조직 작업, 즉 배우에서 무대 지휘자에 이르기까지 전체 크리에이티브 팀을 포함하는 리허설 프로세스의 정렬입니다. 이 맥락에서 감독의 임무는 설득하고, 실질적으로 조직하고, 수행하고, 감염시키는 것입니다.

24. 연극과 연극연출의 구체적인 내용.연극 콘서트는 하나의 예술적 무대 이미지를 가진 콘서트이며, 그 창작을 위해 극장 고유의 표현 수단이 사용됩니다 : 줄거리, 호스트의 롤 플레잉 의인화, 시나리오, 연극 의상, 메이크업, 무대 분위기 . 다양한 장르를 사용하는 것인데요, 다른 유형 학술 합창단에서 민속 무용에 이르기까지 예술. 연극 콘서트는 항상 주제가 있습니다. 1부 또는 2부에서 휴식 시간이 있습니다(시간의 법칙이 사용됨 - 콘서트가 관객의 주의와 피로에 미치는 영향). 한 파트의 최대 콘서트 시간은 1시간 10분입니다. - 1시간 30분, 2부로 구성된 콘서트는 1시간 - 1시간 10분, 2차 55분 - 1시간으로 나뉩니다. 콘서트 대본은 공연의 단일 이미지를 만드는 표현 수단(빛, 음악, 영화, 슬라이드, 매스 미쟝센)에 대한 설명뿐만 아니라 발표자의 텍스트와 함께 예술 공연 목록입니다. 일반적으로 숫자는 예술적 의미 블록으로 결합됩니다(특정 상호 관계에 배치되어 자세한 예술적 사고를 형성하는 콘서트 공연. 콘서트의 개별 부분에 대한 구성 디자인은 종종 시적임) 숫자의 수는 통일성을 위반해서는 안 됩니다. 테마, 디자인, 대상 작업의. Tumanov에 따르면 명확한 이데올로기적 표현과 예술적 이미지는 연극 공연을 통해 얻을 수 있습니다. 일반적으로 연극 콘서트는 크고 강력하며 밝은 숫자(대량)로 시작해야 합니다. 숫자에 대한 요구 사항: 간결성, 화제성, 형태의 명도. 숫자는 연극의 법칙에 따라 만들어진 완성된 개별 작품으로, 한 명 이상의 출연자의 공연을 포함합니다. 다양한 번호 - 청중이 액세스할 수 있으며 짧고 간결합니다. 재미있는 휴식, 독창성, 관심을 쉽게 전환할 수 있는 순간. 연극 콘서트는 예술가와 관객 사이의 긴밀한 관계를 의미합니다. 아티스트의 주요 파트너는 뷰어(공개)입니다. 무대와 관객의 대화를 의미한다. 연극 콘서트에서 가장 중요한 것은 홀을 동맹국으로 만드는 것입니다. CP 번호 컴파일 원칙: 1. 엔터테인먼트 증가. 2. 대비(대중과 독주, 움직이는 숫자, 정적 - 귀와 시각으로).3. 자급 자족 단위로 각 숫자에 대한 태도.4. 장르 호환성(이전 번호는 인접 번호를 거부해서는 안 됨)5. 기술적 호환성 6. 콘서트 액션의 연속성 원칙. 콘서트 액션의 연속성을 보장하는 방법: 커튼 및 슈퍼 커튼 시스템.2. 무대 원형, 디딜방아, 모든 움직이는 구조의 사용.3. 추가 작업 장소(발코니, 테라스) 4. 도구, 기계, 의자의 예비 충전. 5. 무대 위의 여러 팀, 때로는 여러 팀의 조합 두 가지 유형의 공연자가 있습니다. A) 예술가는 무대와 관객 사이의 매개자입니다. B) 자신을 대신하여 자신의 기술을 보여주는 예술가.

25. 문화 및 여가 프로그램에서 무대 정보의 단위로서의 수와 에피소드.즉, 건축학은 시나리오의 건설적인 기초를 고려합니다. 문화 및 여가 프로그램 시나리오의 효과적인 구조에서 주요 건설적이고 의미 론적 단위는 다른 숫자와 함께 에피소드를 형성하는 숫자입니다. 숫자와 에피소드의 본질을 극적 작품으로 연극 구조의 언어로 번역하면 숫자는 장면 - 일종의 매듭이며 3 ~ 4 개의 "노드"(숫자)가 결합됩니다. 전체 연극(시나리오)의 하나의 극적인 행동의 주기로서의 막(에피소드) .

즉, 작가의 극적 논리의 움직임은 하나의 숫자에서 다른 숫자로, 한 에피소드에서 다른 에피소드로 이동합니다. 따라서 에피소드는 하나의 비교적 완전한 구조로 주제별로 계획적이고 효과적으로 결합된 특정하고 몽타주로 구성된 숫자 세트입니다. 에피소드는 이전 또는 후속 에피소드와 연결되어야만 최종 완성을 달성할 뿐만 아니라 전체 프로그램 구성의 맥락에서 작가의 이념적, 주제적 의도가 일관되게 드러납니다. 에피소드 교체의 역학은 문화 및 레저 프로그램의 예술적 완전성의 가장 중요한 요소 중 하나이며 구조 형성 수단이며 극적인 행동의 연속성을 보장합니다. "행동의 연속성"이라는 개념은 영화에서 우리에게 왔으며 여가 프로그램의 시나리오와 관련하여 시나리오 작가가 해결해야 할 특별한 에피소드 및 숫자 시퀀스를 의미합니다. - 재료 선택 문제; - 전환 문제(마운팅 조인트); - 관중의 주의를 유지하는 문제; - 배우와 관객 사이의 연결로서 극적 긴장의 문제.

26. 문화 및 여가 프로그램을 연출하는 기본 기술.문화 및 여가 프로그램을 감독하는 데 사용되는 몇 가지 기술을 고려하십시오. 1. 에피소드나 이미지 해석의 역설. 이 기법의 사용은 문화 및 여가 프로그램의 청중이 예상치 못한, 때로는 역설적인 관점에서 친숙한 자료를 언뜻보기에 보고 질적으로 새로운 수준에서 사실이나 현상을 이해할 수 있도록 합니다. 2. 은유의 단계 구현. 감독이 만들어내는 예술적 이미지는 하나의 현상을 통해 다른 현상을 드러내는 우화적 은유적 사유이며, 조형적 미장센, 우화적 구성, 조형적 은유는 여가 프로그램의 연극적 형식의 언어라는 점에 주목한다. 은유의 사용 범위는 시나리오에서 전체 프로그램의 비유적인 사운드에 이르기까지 매우 광범위합니다.

3. 음모의 의도적 공개. 이 기법은 V.E. Meyerhold가 N.V. Gogol의 연극 "The Government Inspector"를 기반으로 한 공연을 펼칠 때 처음 사용되었으며, 이는 불후의 코미디의 마지막 장면으로 시작되었습니다. 문화 및 여가 프로그램을 준비하는 관행에서 줄거리를 분류 해제하는 방법은 다음과 같이 일반적입니다. a) 특별 프롤로그에서; b) 미래 사건의 텍스트 내용을 스크린에 투사할 때; c) 진행자의 개회사에서. 4. 반복 접수. 이 기법을 사용하면 감독은 관객의 관심을 가장 중요한 것에 집중할 수 있을 뿐만 아니라 동일한 상황을 다른 관점에서 이해할 수 있습니다. 반복 개체는 날짜, 단어, 구, 사진 또는 슬라이드가 될 수 있습니다. 같은 그림이 화면에 나타나는 것을 시각적인 모티브라고도 합니다. 4. "현장 노출" 접수. V.S. Meyerhold의 연출 연습에서 풍경 없이 맨손으로 더러운 벽돌 장면이 있는 완전히 벗은 장면을 연출하는 데 널리 사용되었습니다. 마스터에 따르면이 기술은 삶의 무대 환상을 파괴합니다. 5. 무대 동작을 강당으로 옮기기. 6. "리빙 커튼" 사용. 이 기술은 프로그램의 템포를 늦추지 않고 한 번의 호흡으로 지속적으로 발전하는 단일 동작을 인식 할 수 있기 때문에 연극 콘서트를 준비 할 때 잘 입증되었습니다.

'살아있는 장막'은 감독이 특별히 무대에 올린 완성된 넘버의 출연자들이 활을 쏘며 다음 넘버를 준비하고 충전 중이다.

27. 문화 및 여가 프로그램 시나리오에서 편집 기법의 특성.다음 기본 기술: 1) 순차적 설치. 이것은 에피소드의 모든 숫자가 특정 논리적 순서로 배열되어 서로 이어지는 가장 일반적으로 사용되는 편집 기술입니다. 대부분 시간적 또는 시간적 순서를 기반으로 합니다. 일반적으로이 편집 방법은 역사적 사건의 연대기를 추적하고 시청자에게 전달할 필요가있는 프로그램에 내재되어 있습니다. 2) 병렬 장착. 그것은 서로를 보완하고 풍부하게 하는 무대 동작의 동시성 또는 병렬성을 기반으로 합니다(대부분 무대의 반대 부분에 있음). 예를 들어, 프로시니엄의 오른쪽에는 군인이 사랑하는 사람에게 편지를 쓰는 파르티잔 캠프가 재구성되고, 왼쪽에는 정면에서 소녀가 편지를 읽는다. 동시에 그의 추억의 영화가 스크린에서 재생될 수 있다. 병렬성은 공연의 예술적 이미지 생성을 보장하고 시청자의 연상적 사고를 활성화합니다. 이러한 몽타주 기법은 하나의 스크린이나 여러 개의 스크린이 등장하면서 활발히 사용되기 시작했으며, 이는 하나의 표현 수단이자 문화 레저 프로그램의 '주인공'이 되었다. 이를 통해 무대와 두 개, 세 개 또는 그 이상의 화면에서 액션의 동시성을 달성할 수 있었습니다. 3) 대비 편집 - 대본의 의미(텍스트, 사운드 솔루션, 플라스틱 솔루션, 비디오 시퀀스 등)의 숫자 또는 에피소드의 반대, 대비를 수렴하는 것을 기반으로 하는 가장 선도적이고 효과적인 편집 기술 중 하나입니다. 대비는 우리 주변의 현실의 모든 것을 포괄하는 성인, 대상 및 현상 중 하나입니다. 대조적으로 편집하면 갈등을 극적인 작업의 필수적인 부분으로 더 명확하게 식별할 수 있습니다. M.I. Romm의 적절한 진술에 따르면 "관절의 날카로움"을 제공하는 대조는 많은 시청자 연상을 유발하며 레저 프로그램의 예술적 이미지를 만드는 데 도움이됩니다. 대조 편집은 청중의 활성화에 기여하고 작가의 생각을 따르게 만듭니다.

4) 기조연설. 음악 예술에서 leitmotif는 일정 기간 후에 반복적으로 반복되는 멜로디입니다. 여가 프로그램의 에피소드 사이에 뮤지컬, 시, 사운드 또는 기타 단편의 반복을 기반으로 하는 덜 널리 사용되는 몽타주 기법. 이 "묶음"은 여가 프로그램의 주제를 상기시키는 역할을 합니다. leitmotif는 테마의 다성적 전개를 달성합니다.

28. 리허설 프로세스 조직의 특징.리허설(반복)은 연극, 버라이어티, 서커스 공연, 문화 및 여가 프로그램의 주요 준비 형태(감독 지휘 하에)이며, 다수의 반복(전체 또는 부분)을 통한 별도의 횟수와 에피소드입니다. 유명한 연극 감독 피터 브룩이 말했듯이 "리허설은 소리내어 생각하는 것입니다." 리허설의 첫 번째 음주 시간 동안 감독은 프로그램의 가장 중요한 작업인 개념을 숙지하고 제작 계획을 수립하기 위해 자신의 예술 및 프로덕션 그룹을 모읍니다. 테이블 리허설, 문학 대본 낭독, 전체 프로그램 및 개별 출연자의 행동을 통한 결정이 이루어질 수 있습니다. 다음 리허설 단계는 문화 및 여가 프로그램의 시나리오에 포함된 숫자를 보는 것입니다. 리허설을 보는 작업은 이미 존재하는 그룹 또는 연주자의 레퍼토리에서 숫자를 선택하거나 예술적 수준을 평가하는 것입니다. 다음으로, 숫자 또는 개별 에피소드의 개별 리허설이 진행되며, 여기서 크리에이티브 팀과 함께, 기술 서비스, 감독의 점수(편집 목록)에 따라 참여합니다. 마운팅 (마운팅) 리허설 - 이것은 무대 디자인, 문화 및 레저 프로그램의 예술적 및 기술적 수단의 상호 작용에 대한 조립 및 테스트입니다. 모든 디자인 요소는 감독이 승인한 풍경 스케치에 따라 무대에 설치됩니다. 이러한 리허설도 일반적인 미장센 구성을 구축하기 위해 수행되며 숫자와 에피소드 간의 편집 연결을 작업합니다. 편집 리허설은 또한 다음과 관련된 모든 문제를 규제하도록 설계되었습니다. 기술적 지원(요약) 런 스루 리허설 전의 숫자와 에피소드. 런 스루(통합) 리허설은 문화 및 여가 프로그램 제작 작업의 추가 단계로, 프로그램의 개별 에피소드를 단일 단계 작업으로 결합하고 전체 미장센 패턴을 조정하는 것으로 구성됩니다. 드레스 리허설은 문화 및 여가 프로그램 구현 작업의 마지막 단계입니다. 프로그램이 진행되는 것처럼 쉬지 않고 진행됩니다. 일반 리허설이 끝난 후 감독은 각 출연자 또는 기술 스태프에게 해설을 한다.

문화 및 레저 프로그램 감독의 조직적이고 창의적인 작업의 결과는 직접 전시, 무대 제작입니다.

29. 시스템의 주요 요소 K.S. 스타니슬라프스키.시스템 K.S. Stanislavsky는 자신의 창의적이고 교육적인 경험과 그의 전임자와 동시대인, 세계 무대 예술의 뛰어난 인물들의 경험을 일반화한 것으로 나타났습니다. 그녀는 연출가와 배우의 실질적인 길잡이가 되어 스타니슬라브스키가 무대 위 창작의 순간에 모방이 아닌 진정한 경험을 요구하는 경험의 예술이라고 불렀던 무대 예술의 현실적 경향을 이론적으로 표현해 내고 있다. 매 공연마다 새롭게 구상된 논리에 따른 살아있는 과정 이미지 라이프. K.S.의 발견 덕분에 무대 예술의 창의적이고 창의적인 원리인 Stanislavsky는 연극의 적극적인 완성, 즉 텍스트를 감독의 악보로 변형하는 과정에서 훨씬 더 완전히 드러났습니다. K.S.는 “극작가들의 작품을 재창조하고 있다”고 썼다. Stanislavsky, - 우리는 단어 아래에 숨겨진 것을 밝히고, 우리 자신의 하위 텍스트를 다른 사람의 텍스트에 넣습니다... 우리는 연극의 비밀 의도와 밀접하게 연결된 작업의 최종 결과에서 진정으로 생산적인 행동을 만듭니다. K.S. Stanislavsky의 작품 "배우 자신의 작업"과 "역할에 대한 배우의 작업"은 무대 창의성의 다양한 요소의 본질을 보여줍니다. 놀이와 역할에 대한 효과적인 분석. 그러나 '행동을 통해'와 '슈퍼 태스크'라는 개념이 가장 많이 사용됩니다. K.S 자신 Stanislavsky는 수퍼 과업과 행동을 통해 다음과 같이 썼습니다. 슈퍼 작업 (욕망)은 행동 (열망)과 그 성취 (행동)를 통해 경험의 창조적 인 과정을 만듭니다 ... 미래가이 주요, 주요, 모든 것을 포괄하는 목표라고 부르도록 동의합시다. 예외없이 작업, 정신 생활 엔진의 창조적 욕구와 배우 역할의 웰빙 요소, "작가의 작업의 슈퍼 작업"; 창조자의 주관적인 경험이 없으면 건조하고 죽은 것입니다. 가장 중요한 임무와 역할이 살아 숨쉬고 떨리고 빛날 수 있도록 작가의 영혼에서 답을 찾는 것이 필요하다. 인간의 삶". Stanislavsky는 "우리는 그 연극에서 사랑받고 있습니다. 우리는 명확하고 흥미로운 슈퍼 작업과 그것에 잘 연결된 스루 액션을 가지고 있습니다. 슈퍼 작업과 행동을 통해 - 그것이 예술에서 가장 중요한 것입니다. 슈퍼 태스크에는 놀라운 기능이 있습니다. 모든 사람에게 의무적인, 진정으로 정의된 하나의 슈퍼 태스크는 각 수행자에게서 영혼의 개별 응답을 깨울 것입니다. 가장 중요한 작업의 정의는 전체 크리에이티브 팀의 작업에 의미와 방향을 제공하기 때문에 감독의 임무는 명확하고 명확하며 이해하기 쉽게 공식화하는 것입니다. 감독의 수퍼 태스크에 대한 명확한 공식화의 필요성에 대해 매우 비유적으로(예술 유형에 관계없이) 러시아 영화 감독 Alexander Mitta는 다음과 같이 자신을 표현했습니다. 말로 표현해! 직원들은 아이디어에서 영감을 받아야 하지만 감독이 배경 화면의 버그처럼 대본을 기어 다니고 자신의 관점을 보지 않고 그가 배를 인도하는 경로를 알지 못한다면 전체 작업의 일부를 어떻게 이해하게 될까요? 슈퍼 태스크를 실행하는 방법은 행동을 통한 것입니다. 이것은 관객의 눈앞에서 일어나는 실제적이고 구체적인 투쟁이며, 그 결과 슈퍼 태스크가 확인됩니다. 아티스트에게 K.S. Stanislavsky는 창조적 인 예술가의 마음, 의지 및 감정에서 비롯된 정신 생활 엔진의 열망 라인의 직접적인 연속입니다. 행위를 통한 행위가 없다면, 극의 모든 조각과 과제, 제안된 모든 상황, 의사소통, 각색, 진실과 믿음의 순간 등이 살아날 희망도 없이 서로 떨어져 초목이 될 것입니다.

30. 연극 형식의 문화 및 여가 프로그램의 연출과 연출의 특징.그러나 문화 및 여가 활동에서의 연출은 자신의 목표, 목적, 원칙 및 기술로 예술을 연출하는 독립적 인 영역입니다. 이러한 특징은 문화 및 여가 활동의 일반적인 내용, 내용 및 내용에 기인합니다. I.M. Tumanov에서 다음을 발견하는 것은 우연이 아닙니다. “노래, 춤, 라이브 사진(플라스틱) 구성과 같은 구성 요소가 대중 표현에서 영웅의 행동에 대한 심리적 정당성을 대체합니다. 이 장르에 내재된 감성은 디테일과 심리적 동기 없이 한 대상에서 다른 대상으로 시청자를 즉시 전환하는 것을 의미합니다. 즉, 대중행동의 극적 연출과 연출은 소재를 표출하는 외적 형태에서 그 아이디어와 리듬, 호흡에 부합하는 내면적 이미지를 찾을 수 있도록 구축되어야 한다.

31. 예술적 표현 수단의 특성.모든 장엄한 예술의 일반적인 예술적, 미학적 법칙은 다음과 같이 말합니다. 감각의 작업은 더 강렬할 것이고 더 다양하게 조직된 정보는 동시에 관객에게 올 것입니다. 이 법은 감독이 가능한 모든 예술적 표현 수단을 사용하도록 강제합니다. - 음악; – 소음 및 배경 자료; – 사진, 영화 및 비디오 자료; – 연극, 안무 및 조형 액션; – 조명 솔루션. 즉, 다양성을 통한 무결성의 원칙에 대해 이야기하고 있습니다. 단어, 음악, 빛과 색, 미장센의 통일성은 프로그램의 예술적 이미지를 드러내는 시청각 조화를 만들어야 합니다. Anaphora - 초기 단어, 구의 반복. Epiphora - 단어 또는 구 뒤의 끝에서 반복. 그라데이션 접수 - 하나의 주제와 관련된 단어를 순차적으로 배열합니다. 반전은 역순입니다. 비교 - 더 나은 이해에 기여합니다. 은유는 비유적 의미에 기초한 단어의 비유적 수렴입니다. 소명은 강조하는 단어입니다. 캐릭터 특성. 문구 학 - 비 유적 의미가있는 표현. Oxymoron - 양립할 수 없는 개념의 조합, 뜨거운 얼음. 환유는 속성 중 하나에 따라 대상을 지정하는 것입니다. 반대말은 반대입니다. 동어반복 - 반복. 동의어는 의미가 유사한 단어입니다. 수사학적 질문

문화 여가 프로그램의 극적 소재를 구현하려는 감독의 의도는 극적 의도와 관련하여 부차적이다. 드라마틱한 아이디어는 전체 문화 및 여가 프로그램이 구축되는 기반이 되며, 실행 과정에서 감독의 것으로 변형됩니다. 문화여가 프로그램을 연출하는 특수성은 작가와 감독이 한 사람으로 합쳐질 때 가장 효과적인 문화 여가 프로그램이 이루어진다는 점에 있다. 그러나 어쨌든 감독의 결정이 발견되고 고려된 후에야 대본 형성에 대한 특정 방향으로 작업이 시작됩니다. 뮤지컬과 조명 악보, 필요한 공연자와 팀의 선택, 그리고 무대에 대한 감독의 작업을 구성하는 모든 것.

여기에서는 모든 창작 과정과 마찬가지로 "받아쓰기에서" 조리법과 작업이 있을 수 없습니다. 극적 아이디어를 감독의 아이디어로 바꾸는 방법은 감독의 창작 스타일, 그의 관점, 환상, 학식, 문화-한마디로 감독의 개성에 따라 개별 사례에서 발전하는 방법에 대해서만 이야기 할 수 있습니다. .

제작 문제를 해결하는 열쇠는 오페라, 오페레타, 발레의 악보가 아니라 연극의 극작에 있지 않고 주제, 지역 특성, 전제, 출연진 및 기타 조건에 따라 삶 자체에 있습니다.

예술적 창의성(즉, 이것이 문화 및 여가 프로그램의 생성을 취급하는 유일한 방법)은 항상 미래 작업에 대한 특정 아이디어를 출발점으로 합니다. 문화 및 여가 프로그램에는 연극과 연출(제작 계획)의 두 가지 아이디어가 있습니다. 두 아이디어 모두 예술적 통합으로 가져와야 합니다.

감독의 의도 구성은 다음을 포함한다. b) 개별 캐릭터의 특성; c) 이 프로그램에서 배우의 연기에 대한 문체 및 장르적 특징의 결정; d) 시간(리듬과 템포)에 맞춰 제작을 해결합니다. e) 미장센 및 레이아웃의 특성에서 공간의 스테이징 솔루션, f) 시노그래피, 음악 및 소음 디자인의 특성 및 원칙 정의. 아이디어는 게임, 일러스트레이션, 연극화와 같은 창의적인 방법의 영향을 크게 받습니다.

이미 아이디어를 만드는 과정에서 감독이 전체에 대한 감각을 가져야 아이디어의 모든 요소가 하나의 공통 뿌리에서 또는 V.I.로 성장하는 것이 매우 중요합니다. 미래 생산의 "곡물"에서 Nemirovich-Danchenko. 각 생산에 대해 이 곡물을 표현하는 정확한 공식을 찾는 것이 중요하지만 "곡물"이 무엇인지 단어로 정의하는 것은 그리 쉽지 않습니다. '곡물'은 감독의 판타지를 움직인다. 그리고 그의 상상의 화면에는 이 씨앗이 낳은 미래의 행동(스테이징)의 순간들이 저절로 나타나기 시작한다. 어떤 것들은 모호하고 불명확하며, 어떤 것들은 밝고 뚜렷하다: 일종의 미장센, 이런저런 대사의 소리와 리듬, 풍경의 세부 사항, 때로는 전체 작품이나 한 장면의 일반적인 분위기. 한 에피소드가 갑자기 날카롭게 느껴진다. 그리고 멀어질수록 감독의 판타지는 더욱 집약적으로 작용하며, 점차 감독의 의도가 담긴 지도의 빈 곳을 자신의 발명품으로 채워나간다.

감독의 의도의 질은 발견된 구상적 해법에 의해 결정된다. 이 결정은 감독의 슈퍼 과업과 밀접하게 관련되어 있으며, 왜 그가 이 극적인 작품을 상연하는지, 관객의 마음에 무엇을 불러일으키고 싶은지, 어떤 방향으로 그에게 영향을 미치고 싶은지에 대한 답을 제시합니다.

아이디어를 만들 때 감독은 재료, 즉 시대, 시대, 관습, 의례, 관습, 스타일, 음악, 미술, 인테리어, 건축, 의상 등을 연구해야 합니다. 이 모든 것은 무대에서 논의될 삶에 대한 완전한 그림을 여러분 앞에서 보여주기 위해 필요합니다. 감독은 스펀지처럼 전체 문학적 기초, 극적 아이디어의 모든 구성 요소를 흡수하여 나중에이 모든 것을 배우에게 전달할 수 있고 프로덕션의 일반적인 수퍼 작업에 해당하는 명확하고 구체적인 작업을 설정할 수 있습니다. .

삶에 대한 감정적 태도(감독이 그것을 인식하는 각도)는 감독의 무대 화신의 슈퍼 태스크이다. 동시에 이 작품은 말하자면 이러한 감성적 시각을 바라보는 '프리즘'이 될 것이다.

그렇기 때문에 문화 여가 프로그램의 드라마틱한 발상, 즉 작가가 작품을 통해 말하고자 하는 바를 이해하는 것이 중요하다. 이것은 시나리오 작가와 감독의 의도가 항상 일치하는 것은 아니기 때문에 중요합니다. 그것은 많은 이유, 특히 감독의 세대가 포함된 삶과 시간의 사건, 사회 발전 추세, 시간에 대한 아이디어, 문화적 수준 등에 달려 있습니다. 감독의 의도는 이 작품이 오늘날 얼마나 의미가 있는지와 직결된다. 따라서 감독의 의도는 미래 문화 여가 프로그램의 구상과 과제와 밀접하게 연결되어 있음을 알 수 있다.

가장 고귀한 생각, 가장 깊은 선견지명, 가장 화제가 되는 생각은 표현되지 않고 조형적인 형태로 묶이지 않는 한 예술이 될 수 없습니다. 시인을 시인으로 만드는 것은 현실에 대한 하나의 시적인 느낌이 아니라 날카로운 피크의 리듬에 이 "느낌"을 캡슐화하고 리듬, 운율, 그리고 그를 흥분시키는 주제를 표현하기 위한 스트롭 조직을 찾는 능력입니다.

작곡가의 마음에 울려 퍼지는 음악이 고유한 모드와 하모니, 선율적 완성도를 갖추기 전에는 노래가 노래가 되지 않습니다. 그림은 작가가 이런 저런 풍경에 충격을 받았을 때가 아니라 가장 물질적인 캔버스에 가장 물질적인 색으로 풍경을 고정할 때 탄생합니다.

감독은 구현된 극적인 작품을 구현하는 방법, 그리고 확실히 작가의 내용을 가장 잘 전달하는 유일한 형식을 배워야 합니다. 이것은 감독의 주요 임무이며 생산의 이념적이고 창조적 인 지도자로서의 그의 기능입니다.

문화 및 여가 프로그램을 만드는 감독은 즉시 미래 제작의 가시적 이미지를 상상 속에 "그립니다". 이 초기 아이디어를 비전이라고 합니다. 일반적으로 이러한 첫 번째 직관적 감각은 정확합니다. 그 안에서 감독은 미래 프로덕션의 일반적인 분위기를 상상합니다: 음악/색 구성표의 특성, 미장센 솔루션, 아마도 시나리오적 순간 등.

이러한 비전은 일반적으로 연결됩니다. 그러나 첫 번째 환상은 오늘날 감독이 인생에서 무엇을 걱정하는지 정확히 확인해야합니다. 오늘날 흥분되는 것에 대해 이야기할 필요가 있다면 이 작업을 구현해야 합니다. 그런 다음 감독은 자신의 비전을 행동으로 옮기기 위한 개념을 개발해야 합니다.

여기에서 생산의 모든 구성 요소를 가장 작은 세부 사항까지 세부적으로 개발하는 것이 매우 중요합니다. 솔루션: 미장센, 시나리오, 빛과 소리, 그리고 물론 연기 자체. 즉, 이러한 비전은 재료에서 테스트됩니다. 이러한 점검을 통해 무엇이 남을 수 있고, 존재할 권리가 있고, 그렇지 않은지 밝혀집니다. 그리고 감독은 어떤 수단을 통해 작품의 통합된 예술적 이미지가 탄생하게 될까요? 때로는 세부 사항에 대한 강한 열정이 전체의 관심을 산만하게하고 이미지의 인식을 파괴하기 때문에 주요 아이디어에서 벗어나지 않는 것이 매우 중요합니다. 진정한 예술가는 초점에서와 같이 주어진 현상의 본질이 집중된 그러한 비 유적 세부 사항을 찾는 방법을 항상 알고 있습니다. 그 표현력 때문에 그런 디테일은 감독이 만든 이미지 자체보다 먼저 기억에 떠오른다.

문화 및 레저 프로그램의 감독의 의도에서 무대, 철학, 생활 및 미적 개념이 함께 병합됩니다. 오늘의 그를 설레게 하고 생각하게 하는 삶의 진리를 가슴으로 느낄 때 비로소 문화 여가 프로그램이 시청자들에게 가까이 다가갈 수 있을 것이다. 만든 프로그램보는 사람을 흥분시키고, 생각하게 하고, 미적 즐거움을 주고, 아름다움을 심어주어야 합니다.

이러한 모든 구성 요소는 서로 밀접하게 관련되어 있으며 단일한 상태에서 상호 작용과 상호 침투가 요구되어 하나의 크고 깊은 생산 개념을 만듭니다. 묘사 된 현실의 철학적 측면을 드러내는 것은 불가능하며, 그 중요한 측면을 무시하고, 이 경우의 철학적 사고는 계획처럼 맨손으로 추상화처럼 들리고 설득력이 없을 것입니다. 철학적 개념에서 벗어난 생명 개념은 하찮고 피상적이며 원시적인 자연주의 예술을 탄생시킬 것입니다. 그러나 생생하고 철학적 인 두 가지 모두가 하나가되어 생생한 무대 형식을 찾지 못하고 미적 개념으로 바뀌면 자신을 드러낼 수 없습니다.

감독이 의도한 수많은 요소 중 문화 및 여가 프로그램의 미학적 개념을 찾는 데 기반이 되는 것은 무엇입니까? 물론 감독은 장식 디자인, 미장센, 리듬 또는 일반적인 분위기와 같은 모든 구성 요소로 작업을 시작할 권리가 있습니다. 그러나 동시에 배우가 주요 요소, 특수성의 보유자, 또는 Stanislavsky의 말에 따르면 "유일한 왕이자 주인"인 공연 예술의 기본 법칙을 잊지 않는 것이 매우 중요합니다. 무대의."

K.S.의 다른 모든 구성 요소 Stanislavsky는 보조로 간주되었습니다. 그렇기 때문에 이 프로그램에 누가 출연할 것인가 하는 주요 질문이 해결될 때까지 제작의 해법을 발견한 대로 인식하는 것은 불가능합니다. 다른 질문 -이 근본적인 질문에 대한 답변에 따라 어떤 풍경, 어떤 조명, 어떤 의상 등을 결정합니다. 확장된 형태로 다음과 같이 공식화할 수 있습니다. 내부 및 외부 기술 분야의 어떤 특별한 요구 사항이 이 프로그램 참가자인 행위자에게 제공되어야 합니까?

물론, 어떤 작품과 어떤 역할의 연기 공연에는 연기 기법의 모든 요소가 있어야하며 적어도 하나가 없으면 다른 모든 요소에 표시됩니다. 그러나 감독은 각각의 작품을 개별적으로 연결하는 것과 관련하여 이 작품에서 이 요소들 중 어떤 것을 전면에 내세워 마치 하나의 떼려야 뗄 수 없는 사슬의 고리인 것처럼 결국 끌어당겨야 하는 문제에 직면한다. 전체 체인에서?

극적 소재의 내면적 내용을 드러낸 결과다. 즉, 시청자에게 대본의 내부 내용을 알려주면 아이디어가 실현되고 문화 여가 프로그램의 대본 작성자가 설정한 목표가 달성됩니다. 그리고 감독이 마음대로 할 수 있는 모든 기법과 표현 수단을 통해 내면의 내용을 드러낸다. 감독은 프로그램을 구성하여 모든 수많은 링크를 구성적으로 구축합니다. 시나리오를 만드는 과정은 문화 여가 프로그램을 만드는 주요 단계입니다. 길고 어렵지만 필요합니다.

문화 및 여가 프로그램 디렉터가 아직 가지고 있지 않은 경우 다음과 같은 조직 기술이 중요합니다. 1) 대본; 2) 극단; 3) 리허설을 위한 장소; 4) 소품; 5) 가짜; 6) 풍경 등을 만들기 위한 워크샵?

문화 여가 프로그램의 디렉터는 먼저 문제를 식별하는 프로세스로 작업을 시작합니다. 그런 다음 프로그램의 대본을 작성한 후 수정 과정 및 자체 스테이징 과정에서 텍스트의 부정확성, 언어적 비유성, 텍스트의 장황함과 표현력 부족, 텍스트와 감독의 결정의 실제 가능성의 불일치를 제거합니다. , 부분과 전체 간의 완전한 관계를 위해 새로운 텍스트의 수정, 축소 및 추가 기간이 시작됩니다.

초. 감독은 미래의 출연자들을 만나고, 역할을 분배하고, 창의적인 목표를 달성하기 위해 그들과 같은 생각을 가진 사람들을 만듭니다. 맹목적으로 특정 지시를 따르도록 강요하는 것뿐만 아니라 각 참가자가 자신의 작업을 알고 이해하고 그것을 실현할 준비가되도록 자신의 계획에 사로 잡히도록 그들을 함께 모으는 것이 필요합니다.

제삼. 리허설 기간은 일반적으로 문화 기관의 업무 강도로 인해 약간의 시간이 걸립니다. 이와 관련하여 리허설은 에피소드에서 가장 자주 개최됩니다.

에피소드는 내용의 주제 및 구성 완전성을 갖춘 무대 형식입니다.

중요 문서프로덕션 디렉터가 작업해야 하는 것은 리허설 계획입니다. 잘 짜여진 리허설 계획 없이는 크리에이티브 팀의 작업을 상상할 수 없습니다. 리허설 계획은 리허설 기간의 모든 준비 조건(연주자, 음악 자료 제작 조건, 디자인 등)이 결정된 후 작성됩니다. 리허설 계획은 두 가지 기간으로 제공됩니다. 첫 번째는 리허설실에서, 그 다음에는 공연이 열리는 바로 그 방에서 합니다. 그리고 일반 및 일반 리허설에서 기성 에피소드를 하나의 일관된 프로그램으로 결합할 수 있습니다. 방해가 되거나 불명확하게 조직된 리허설은 항상 문화 및 여가 프로그램의 성공에 의문을 제기합니다. 감독은 리허설 일정을 잡고 대규모 그룹의 분주함을 능숙하게 번갈아 가며 모든 참가자가 필요한 곳과 그렇지 않은 곳을 정확히 결정합니다. 그리고 여기에서 감독의 관리 기술이 필요합니다. 최종 결과는 준비 기간이 어떻게 진행되었는지에 달려 있기 때문에 그는 모든 준비 작업을 명확하게 구성해야합니다.

또한 감독은 사운드 엔지니어의 체계적인 작업에 필요한 음악과 노이즈를 포함한 악보를 작성합니다. 그는 또한 모든 조명 포인트와 전환이 에피소드별로 자세히 설명되어 있는 조명 악보를 만듭니다.

감독이 자신의 능력을 느끼지 못한다면 문화 여가 프로그램 제작은 아예 하지 않는 것이 좋다. 조직자가 된다는 것은 사람들을 관리할 수 있고 특정 작업을 완료하기 위해 노력을 결합할 수 있음을 의미합니다.

감독-주최자는 다양한 사람들과 함께 일하는 능력을 지속적으로 배워야 합니다. 즉, 문화 및 여가 프로그램을 만드는 작업이 결코 예술이 아니라 순수한 생산인 창의적이고 기술적인 근로자, 그리고 매우 번거롭고 기술과 경험뿐만 아니라 엄청난 개인 에너지가 필요합니다. 따라서 감독은 창의적인 목표를 달성하기 위해 함께 일하는 사람들에게 영향을 줄 수 있어야 합니다.

사람들을 설득할 수 있는 것은 조직자-리더의 작업에서 첫 번째 단계입니다. 다음은 작업을 완료하기 위해 그들을 동원하는 것입니다. 철저하게 조직되고 있는 사업을 알아야 합니다. 그런 다음 감독의 모든 작업은 높은 전문가 수준, 팀에서 그의 권위가 증가하고 그의 위치가 더 강해질 것입니다. 그리고 한 가지 더 필요한 자질은 비용이 아무리 많이 들더라도 사람들을 불태우고 계획과 비즈니스 성공에 대한 믿음으로 그들을 감염시키는 능력입니다.

문화와 상상력을 가진 모든 사람이 감독이 될 수 있는 것은 아닙니다. 사람들과 함께 일하고 사람들을 사로잡고 이끌 수 있는 능력은 문화 및 여가 프로그램 책임자의 필수 자질입니다. 똑같이 중요한 기술은 문서 작업입니다. 감독의 문서에는 다음이 포함됩니다. 감독의 제작 계획; 감독의 편집 계획; 악보; 가벼운 점수; 필름 재료 및 슬라이드 프로젝션 사용 계획; 작업 계획; 리허설 계획. Director의 문서는 Director가 직접 개발합니다. 오직 그는 생산의 모든 구성 요소, 모든 세부 사항, 모든 작은 것(소품, 소품 등)에 주의를 기울입니다. 문화 여가 프로그램의 시나리오 승인 후 컴파일을 시작해야 합니다.

감독의 계획에서는 향후 제작의 주요 구성 요소를 간략하게 설명하고 에피소드의 번호 순서와 프로그램 내 에피소드 자체의 순서, 프롤로그의 특성을 결정하고 에피소드 사이의 "다리"를 생각합니다. 아웃 및 에피소드 번호 62가 지정됩니다. 여기서 미장센의 성격도 잘 발달되어야 한다. 소품, 소품, 악기, 의상, 음반의 필요성에 유의하고 완전한 무대 작업에서 주요 작업 단계의 타이밍을 결정하십시오. 감독의 계획에는 주요 출연자들의 윤곽이 나와야 한다. 그런 다음 생성 편집 시트 - 감독의 의도를 그래픽으로 표현한 것.그것은 각 문제의 모든 구성 요소, 모든 제공 수단, 문화 기관의 모든 서비스에 대한 작업을 명확하게 설명합니다.

D.V. Tikhomirov 63은 12개 기둥의 장착 목록을 제공합니다. 첫 번째는 순서대로 번호입니다. 모든 제작 부서가 서로 통신하기 위해 디지털 지정을 사용하는 편집 리허설 중에 번호 지정이 필요합니다. 두 번째 에피소드는 제목이 대본과 감독의 계획과 정확히 일치합니다. 세 번째는 방의 이름과 그 성격입니다. 여기에 작품의 저자와 제목이 표시됩니다. 넷째 - 연주자는 퇴원합니다 : 솔로이스트, 집단. 다섯 번째 -이 번호의 반주를 맡은 사람. 여기에서 필요성을 나타내는 것이 바람직합니다.

에피소드 번호는 경치가 좋고 구성적으로 완전한 작품의 독립적이고 주요 예술적 형식입니다.

오케스트레이션, 그리고 번호가 음반 아래에 있는 경우 음반의 일련 번호를 제공해야 합니다. 여섯째 - 라디오에서 들리는 무대에서 수행되는 모든 텍스트가 입력됩니다. 글이 쓰여진 곳이기도 하다. 일곱 번째 - 테이프 및 형식의 특성을 나타내는 필름 자료의 필요성이 기록됩니다. 여덟 번째 - 숫자가 발생하는 무대 디자인이 표시됩니다. 아홉 번째 - 빛. 각 방의 조명 솔루션이 채워지고 있습니다. 스테이징 효과는 동일한 열에 기록됩니다. 열 번째 - 공연자를위한 의상. 모든 의상 액세서리(홀스터, 부채 등)는 동일한 열에 입력됩니다. 열한 번째 - 소품 및 소품. 열두 번째 - 메모. 일부 감독은 컷 시트를 감독의 점수로 참조합니다.

편집 악보는 편집 시트의 5개 열(에피소드, 번호, 출연자, 반주, 동영상 클립)을 포함합니다. 악보는 프로그램 주제의 전반적인 발전에 기여하고, 그것을 풍부하게 하며, 청중에게 정서적인 영향을 강화합니다. 따라서 프로그램의 역동성과 행동의 기질을 보장하는 작품과 출연자를 선택하는 것이 매우 중요합니다. 음악적 소재를 선택할 때 감독은 프로그램의 발전에 방해가 되는 모든 것을 거부할 수 있어야 한다.

문화 및 레저 프로그램의 감독이 조명 디자인의 예술을 마스터할 수 있는 것이 중요합니다. 감독은 작가와 함께 빛을 설정해야 합니다. 빛은 프로덕션에 일상적으로 추가되는 것이 아니라 가장 강력한 표현 수단 중 하나입니다. 조명 솔루션은 음악, 텍스트, 풍경에 해당하는 프로그램의 전체 드라마를 통과하여 예술적 이미지를 만듭니다. 문화 및 레저 프로그램의 각 방에는 종종 복잡한 자체 조명 솔루션이 필요합니다. 때때로 특정 숫자에 대해 가벼운 점수를 작성해야 할 필요가 있습니다. 동시에 무대에서는 테크니컬 에디팅 리허설도 진행된다. 가장 편리한 것은 빛과 소리의 편집 리허설을 결합하는 것입니다. 모두가 테크니컬, 라이트, 사운드 스코어를 분류한 후에는 첫 번째 스테이지 리허설 시간입니다.

따라서 문화 여가 프로그램에 대한 흥미로운 감독의 아이디어는 개별 문화 및 여가 프로그램의 성공과 전체 문화 기관의 작업 성공을 보장하는 중요한 조건입니다.

자가 진단을 위한 질문

1. 감독의 문화레저 프로그램 아이디어는 어떤 구성요소로 이루어져 있는가?

2. 문화레저 프로그램 원장은 어떤 조직적 능력을 갖추어야 합니까?

3. 문화 및 레저 프로그램의 디렉터는 창의적인 "워크샵"의 대표자들과 어떻게 협력해야 합니까?

4. 문화 및 여가 프로그램의 원장은 어떤 문서를 가지고 있어야 합니까?

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6. Rozovsky M. 스펙터클의 감독. - M.: 1973년 소비에트 러시아.

7. 투마노프 I.M. 매스 홀리데이 연출, 연극 콘서트, - M .: 교육, 1976.

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6장. 문화 여가 프로그램의 음악적 편곡

음악 반주는 아시다시피 음악의 필수적인 부분입니다. 기술 과정문화 및 여가 프로그램을 만듭니다. 감독-제작자는 음악 지식의 기본, 문화 및 여가 프로그램의 음악 디자인에 대한 일반 조항 및 원칙을 완벽하게 마스터하고 제작 과정의 이론, 역사, 실습 및 방법론을 알아야 합니다. 이 장에서는 문화 및 여가 프로그램의 음악 분류, 음악 프롤로그의 특성, 특성 및 기능, 뮤지컬 에피소드, 뮤지컬 번호, 뮤지컬 인터미션, 뮤지컬 피날레 및 문화 및 여가 프로그램의 활동 과정에서 음악을 제공합니다. 성악, 기악, 성악 및 뮤지컬 극과 같은 음악 장르의 특성이 자세히 설명되어 있으며 문화 및 레저 프로그램에서 대중 대중 음악과 대중 음악에 대한 특별 단락이 제공됩니다. 정의가 주어지고, 많은 특별한 개념의 본질이 밝혀지며, 국내 재즈 및 록 음악 형성의 독특한 특징과 단계가 특징 지어지며, 음악과 다른 유형의 예술 (회화, 연극, 영화, 텔레비전)과의 합성 형태는 다음과 같습니다. 외국, 국내, 러시아 클래식 음악의 수많은 예에 표시됩니다. Stanislavsky, Meyerhold, Tairov 등과 같은 잘 알려진 무대 마스터의 음악 작업 원칙이 강조됩니다.

§ 하나. 일반 조항문화 여가 프로그램의 음악적 편곡

문화 및 여가 프로그램을 준비하고 수행하는 복잡한 과정에서 문화 기관의 전문가는 많은 구성 요소를 다루고 많은 표현 수단을 사용하여 상호 작용합니다. 그것들이 유기적으로 연결되어 있는 정도, 특정 프로그램의 주제를 구상적으로 구현하는 정도가 궁극적으로 예술적 수준과 관객에게 미치는 영향의 정도를 결정합니다.

문화 및 여가 프로그램의 중요한 요소 중 하나는 음악입니다. 이것 또는 그 사건의 예술적이고 비유적인 해결책에서 그것의 역할은 정말 큽니다. 음악은 다른 예술 형식과 달리 감정과 생각을 다양하게 전달할 수 있습니다. 감정 상태사람. 음악으로 표현되는 이러한 상태와 경험의 범위는 무한합니다. 친밀하고 부드러운 이미지에서 보편적인 의미와 힘으로 가득 찬 이미지에 이르기까지, 슬프고 애절한 소리에서 기쁘고 엄숙한 소리에 이르기까지. 그렇기 때문에 문화 여가 프로그램의 감독이 보다 효과적인 예술적, 정서적 영향을 조직화하기 위해서는 표현 수단으로서의 음악의 특징, 문화 및 레저 프로그램에서의 음악의 기능, 음반과 라이브 사운드의 유기적 결합에 대한 지식이 필요합니다. 음악적 예술을 통해 관객들에게

문화 및 여가 프로그램의 음악적 반주는 다소 어려움이 있다는 점에 유의해야 합니다. 이는 주로 여가 프로그램의 음악적 디자인에 대한 이론과 실천의 문제가 방법론적 연구에서 발견되는 일부를 제외하고는 문화 연구 문헌에서 거의 발전되지 않았다는 사실에 기인한다. 지금까지 다양한 형태의 문화 및 여가 활동에서 음악을 사용하는 패턴에 대한 기본 정보를 포함하는 교과서나 실용 가이드가 만들어지지 않았습니다.

첫째, 음악은 문화레저 프로그램으로 분류되어야 한다. 편곡은 여가 프로그램에 모든 장르와 형식의 음악을 포함하는 것입니다.보컬, 기악, 합창, 교향곡 조각, 민속, 관악, 팝 - 라이브 사운드 및 음악 음반 형태.

각 문화 및 레저 프로그램은 문화의 궁전, 거리, 경기장, 공원 등 개최 장소에 따라 특정 음악 솔루션이 필요한 고유한 기능을 가지고 있습니다. 그러나 장르의 다양성과 조건에도 불구하고 문화 및 여가 프로그램의 음악은 음악 프롤로그, 뮤지컬 에피소드, 뮤지컬 번호, 뮤지컬 막간, 뮤지컬 피날레, 행동 과정의 음악으로 분류 할 수 있습니다.

뮤지컬 프롤로그 -이것은 초기 음악 섹션, 노래 또는 연극의 단편, 작품, 뮤지컬 환상으로 여가 이벤트의 주요 에피소드의 개발을 준비하는 것을 목표로하며 전체 공연의 성격으로 작성되거나 대조됩니다.

음악적 프롤로그는 기능적 의미에 따라 서론이나 설명 역할을 할 수 있습니다. 프롤로그 진입의 주요 임무는 청중의 관심을 모으고 행사의 일반적인 분위기, 특정 시대의 환경을 도입하여 주요 섹션의 내용에 대한 정서적 인식을 준비하는 것입니다.

뮤지컬 프롤로그-박람회의 특징은 음악 예술 작품이나 음악과 다른 예술적 수단의 결합을 통해 이벤트의 주요 부분에서 밝혀지는 사건들에 대한 간결하고 방대한 이야기라는 점이다. 그리고 표현적 영향력(단어, 안무, 영화, 무언극 등). 프롤로그는 명확한 구조 및 플롯 구조를 가지고 있습니다. 소개, 주요 주제 또는 주제의 프레젠테이션, 종종 이벤트의 첫 번째 에피소드로의 전환 역할을 하는 마지막 부분입니다.

음악 프롤로그는 서곡, 뮤지컬 플라스틱 포스터, 뮤지컬 무대 구성, 뮤직 비디오, 영화 프롤로그로 나타낼 수 있습니다. 음악 프롤로그의 가장 일반적인 형식은 서곡입니다. 음악 작품, 노래, 댄스 및 팝 멜로디는 물론 개별 음악 문구, 코드, 호출 부호를 사용합니다. 예를 들어, 주제 프로그램 "Roads of War, Roads of Victory"에서 A. Novikov의 노래 "Roads"는 저녁 "Word about Bread"에서 서곡으로 사용되었습니다. B. Mokrousov의 노래 " 대초원은 정원과 함께 피어납니다."

흥미롭고 표현력이 풍부한 음악 프롤로그는 음악, 무언극 및 안무의 합성인 뮤지컬 플라스틱 포스터가 될 수 있습니다. 이러한 프롤로그의 특징은 그 내용이 음악과 함께 춤과 조형적 움직임으로 구현되고 주제의 초점과 플롯 구조가 명확하다는 것입니다. 그 아이디어는 원칙적으로 제목에 표현되어 있습니다. 예를 들어, 독일의 노동자 축제에서 공연을 위해 감독 M. Zlotnikov와 안무가 P. Gorodnitsky가 상연한 아마추어 콘서트 프로그램에서 뮤지컬 플라스틱 포스터 "Workers' Hands"의 주요 아이디어는 다음을 보여주는 것이 었습니다. 러시아 사람들의 노동 위업.

일종의 음악적 프롤로그는 음악적이고 시적인 구성으로 단어와 음악이 유기적으로 결합되어 간결함, 내용 용량 및 극적 완성도를 갖추고 있습니다. 그래서 Rock for Peace 축제에서는 B. Brecht, G. Lorca, P. Neruda의 시 작품과 G. Eisler와 S. Ortega의 노래 조각이 음악 프롤로그로 사용되었습니다.

음악 프롤로그의 성격은 프로그램의 특성과 성격에 따라 결정됩니다. KVN에서 - 이것은 팀의 음악적 퇴장 및 인사말, 록 그룹의 콘서트 공연 - 도입곡 - 팀의 공연입니다.

휴일, 카니발, 의식, 민속 축제, 참가자의 연극 의상 행렬, 금관 악기 행진, 자동차 및 기타 장비 기병, 축제 개막 시 아마추어 그룹 및 운동 선수의 전통 의식 및 퍼레이드, 스포츠 휴일은 뮤지컬로 제공 프롤로그.

프롤로그에서 처음으로 들렸던 음악적 주제는 프로그램이 진행되는 동안 계속 발전할 수 있습니다. 그래서 프로그램 "The Word about Bread"에서 프롤로그의 "The steppe blooms with gardens"라는 노래의 주제는 엄숙하게 들렸고 에피소드 "Field-Fate"- 불안하게 "Soldier 's Field"- "Gagarin 's Field " - 장엄한 등

각 문화 및 레저 프로그램은 서로 연결된 여러 에피소드로 구성됩니다. 에 실무문화 기관, 대본 작가 및 감독은 종종 뮤지컬 에피소드를 사용합니다.

음악 에피소드 -음악 언어의 표현 수단을 사용하여 내용을 드러내는 프로그램의 상대적으로 독립적인 단편 또는 섹션. 뮤지컬 에피소드의 특수성은 내부적으로 구성의 논리가 있고 완성되어야 한다는 점에 있다. 이것은 음악 프롤로그 설명과의 유사성입니다. 동일한 기본 요소, 완전한 구성 구성입니다. 주요 주제 또는 하나의 주제가 제시되는 박람회와 달리 에피소드에서는 그 중 하나 또는 주요 주제의 별도 측면이 신중하게 개발됩니다.

뮤지컬 에피소드는 하나 또는 다른 작곡가의 완성된 음악 작품의 합성으로, 극적인 완성도를 가진 인생 사건의 본질, 내용, 즉 시작, 클라이막스 및 종료가 있습니다. 뮤지컬 에피소드를 만드는 것은 어려운 작업이며, 그 솔루션에는 특정 음악적 박식인 음악 조각을 능숙하게 조합하는 능력이 필요합니다. 잘못 선택한 음악은 이벤트의 템포 리듬을 끌 수 있습니다. 그리고 그 반대의 경우도 잘 만들어진 곡은 에피소드의 핵심이 될 수 있습니다.

플러그인 뮤지컬 넘버는 문화 및 레저 프로그램에서 널리 사용됩니다. 플러그인 음악 번호 -독립적인 연주를 위한 음악. 노래, 로맨스, 기악곡, 안무 구성, 뮤지컬 영화의 한 조각, 오페레타 등이 될 수 있습니다. 일반적으로 삽입 번호는 플롯과 연결되지 않습니다. 일부 형태의 문화 및 여가 프로그램에서는 콘서트, "빛"클럽 등의 기초가됩니다.

문화 및 여가 프로그램에서 대본에 뮤지컬 번호를 포함시키는 데에는 고유한 특성이 있습니다. 그것들은 주제, 아이디어와 밀접하게 관련되어야 할 뿐만 아니라 프로그램의 줄거리에 유기적으로 구성되어야 합니다. 프로그램의 감독은 음악 작품 자체에 내재된 일종의 뮤지컬 극작가를 소유해야 합니다. 서론, 전개, 클라이맥스, 코다가 있습니다. 그리고 감독의 임무는 한 사람의 삶, 운명, 감정, 생각에 대한 노래에서 일종의 음악적 이야기를 만드는 것입니다.

뮤지컬 인터미션 -프로그램의 후속 부분에서 펼쳐질 작업에 대한 축소 서곡입니다. 그러나 음악적 인터미션의 기능적 목적은 서곡의 목적과 다소 다릅니다. 그 경치는 일종의 서론일 뿐만 아니라 이전 에피소드의 결말, 즉 두 에피소드를 연결하는 역할을 한다는 점이다. 그런 면에서 음악은 매우 유연한 소재입니다. 다른 예술 형식과 마찬가지로 쉽게 변형할 수 있습니다. 같은 멜로디의 감독은 엄숙함, 부드러움, 슬픔과 기쁨, 불안과 숭고한 기쁨의 특성을 줄 수 있습니다. 인터미션 음악은 프로그램의 템포-리듬을 유지하고 관객의 생각과 상상을 조직화하고, 재배열, 일시정지, 재배열, 장면 전환 동안 음악적 이미지에서 전개되는 행위의 공범자가 되도록 설계되었다.

뮤지컬 엔딩 -문화 및 여가 프로그램의 상당 부분은 이전 에피소드와 구조적으로 분리되어 있지만 유기적으로 연결되어 있으며 일반적으로 음악 작품의 대규모 공연, 액션의 완성을 목적으로 합니다. 이것은 프레젠테이션의 가장 중요한 부분 중 하나입니다. 엔딩의 부재는 전체 프로그램의 불완전한 느낌을 남깁니다. 그것은 시청자에게 발생한 생각과 감정을 요약하는 특별한 의미 론적 부하를 전달하며 프로그램의 아이디어를 요약하는 휴가의 주요 아이디어를 포함합니다.

뮤지컬 피날레의 일반적인 형태는 통합 오케스트라, 합창단, 안무 그룹 등의 공연입니다. 강당 활성화 방법: 집단 노래, 성가, 행렬. 종종 뮤지컬 결승전은 대규모 대규모 행사로 발전하여 수만 명의 사람들을 축제 행사로 끌어들입니다.

그리고 이제 우리는 고려해야합니다 음악 기능문화 및 여가 프로그램에서. 사용 조건에 따른 음악 안에레저 프로그램은 다양한 기능을 수행할 수 있습니다. 음악의 가장 중요한 기능 중 하나 감정적이고 의미 론적 특성입니다전체 프로그램, 별도의 조각. 그것은 캐릭터의 특성화, 행동 장소 및 시간과 같은 여러 방향으로 나타납니다.

이미지의 음악적 특성이 모호합니다. 음악은 등장인물의 상태, 기분, 캐릭터 특성, 성향, 기질, 등장인물의 국가 및 사회적 소속을 전달할 수 있습니다. 음악 자료에 대한 지식, 음악의 가능성은 조직자가 일반적으로 여가 프로그램에서 일반화 된 성격이기 때문에 조직자가 음악 예술의이 기능을보다 완전히 실현하고 캐릭터의 사회적 초상화를 정확하게 만드는 데 도움이 될 것입니다. : 군인, 선원, 농민, 노동자, 사업가 또는 풍자적 이미지: 주민, 술주정뱅이, 관료 등 작품은 특성에 따라 선택됩니다.

노래, 기악곡, 짧은 악구는 인물이나 개인 그룹에 대한 음악적 이미지를 완전히 만들 수 있습니다. 이것은 행동이 구두보다 더 조형적으로 결정되는 경기장, 거리, 광장, 공원 등의 공연에서 특히 중요합니다. 종종 공연자와 청중이 상당히 멀리 떨어져 있기 때문에 마이크 없이 텍스트를 사람들에게 전달하는 것은 어렵습니다. 여기서 음악이 구출됩니다.

음악은 행동의 장소와 시간을 특징짓는 데 중요한 역할을 합니다. 프로그램에 전념하는 특정 시대의 특정 풍미를 만들 수 있습니다. 음악, 특히 노래, 소유시간 감각은 그것이 만들어졌을 당시의 심리와 분위기를 흡수합니다. 노래가 그 시대의 음악적 문서로 간주되는 것은 우연이 아닙니다. 시대의 정신을 정확하게 전달하기 위한 이러한 음악의 가능성에 대한 지식은 "문화 및 레저 프로그램의 감독이 진정성을 달성하고 역사적 사건에 참여하는 사람들의 기분, 생각 및 감정을 전달하기 위해 더 효과적으로 사용하는 데 도움이 될 수 있습니다.

자가 진단을 위한 질문

1. 감독이라는 직업의 기원. 306

섹션 II. 문화 및 여가 활동 기술

2. 이사의 직업안에 현대 시대.

3. 이사라는 직업에 대한 윤리 원칙의 중요성은 무엇입니까? 이사에게 그것은 무엇을 의미합니까?

4. 감독 작품의 주요 개념적 장치.

1. 자하바 V.E. 배우와 감독의 기술. - 4판.-M.: 계몽, 1978.

2. 크네벨 M.O. 교육학의 시. - M.: VTO, 1970.

3. 포포프 A.D. 공연과 감독. - M.: VTO, 1972.

4. Rozovsky M. 스펙터클 연출. - M.: 1973년 소비에트 러시아.

5. Silin A. Squares는 우리의 팔레트입니다. - M.: 1982년 소비에트 러시아.

6. Tovstonogov G.A. 생각의 원(기사). -L .: 예술, 1972.

7. 투마노프 I.M. 대규모 휴일 및 연극 공연을 감독합니다. - M.: 계몽주의, 1976.

문화 여가 프로그램의 극적 소재를 구현하려는 감독의 의도는 극적 의도와 관련하여 부차적이다. 드라마틱한 아이디어는 전체 문화 및 여가 프로그램을 구성하는 기반이 되지만 실행 과정에서 감독의 프로그램으로 변형됩니다. 문화여가 프로그램을 연출하는 특수성은 작가와 감독이 한 사람으로 합쳐질 때 가장 효과적인 문화 여가 프로그램이 이루어진다는 점에 있다. 그러나 어쨌든 감독의 결정이 발견되고 고려된 후에야 대본 형성에 대한 특정 방향으로 작업이 시작됩니다. 뮤지컬과 조명 악보, 필요한 공연자와 팀의 선택, 그리고 무대에 대한 감독의 작업을 구성하는 모든 것.

가장 고귀한 생각, 가장 깊은 선견지명, 가장 화제가 되는 생각은 표현되지 않고 조형적인 형태로 묶이지 않는 한 예술이 될 수 없습니다. 시인을 시인으로 만드는 것은 현실에 대한 하나의 시적인 느낌이 아니라, 이 느낌을 "예리한 피크의 리듬"으로 캡슐화하고, 그를 흥분시키는 주제를 표현하기 위해 리듬, 박자, 스트롭 조직을 찾는 능력입니다.

문화 및 여가 프로그램을 만드는 감독은 즉시 미래 제작의 가시적 이미지를 상상 속에 "그립니다". 이 초기 아이디어를 비전이라고 합니다. 일반적으로 이러한 첫 번째 직관적 감각은 정확합니다. 그것들에서 감독은 미래 제작의 일반적인 분위기를 상상합니다. 음악의 성격, "색 구성표, 미장센 솔루션, 아마도 장면 그래픽 순간 등 *;

문화 및 레저 프로그램의 감독의 의도에서 무대, 철학, 생활 및 미적 개념이 함께 병합됩니다. 오늘의 그를 설레게 하고 생각하게 하는 삶의 진리를 가슴으로 느낄 때 비로소 문화 여가 프로그램이 시청자들에게 가까이 다가갈 수 있을 것이다. 만들어진 프로그램은 보는 사람을 흥분시키고 생각하게 하고 미적 즐거움을 주고 미감을 심어주어야 합니다.

물론 안에어떤 프로덕션과 어떤 역할을 수행할 때 연기 기술의 모든 요소가 있어야 하며, 그 중 적어도 하나가 없으면 다른 모든 요소가 생략됩니다. 그러나 감독은 각각의 작품을 개별적으로 연결하는 것과 관련하여 이 작품에서 이 요소들 중 어떤 것을 전면에 내세워 마치 하나의 떼려야 뗄 수 없는 사슬의 고리인 것처럼 결국 끌어당겨야 하는 문제에 직면한다. 전체 체인에서?

제삼. 리허설 기간은 일반적으로 문화 기관의 업무 강도로 인해 약간의 시간이 걸립니다. 이와 관련하여 리허설은 에피소드 6에서 가장 자주 개최됩니다.

에피소드는 내용의 주제 및 구성 완전성을 갖춘 무대 형식입니다.

프로덕션 디렉터가 작업해야 하는 중요한 문서는 리허설 계획입니다. 잘 짜여진 리허설 계획 없이는 크리에이티브 팀의 작업을 상상할 수 없습니다. 리허설 계획은 리허설 기간의 모든 준비 조건(연주자, 음악 자료 제작 조건, 디자인 등)이 결정된 후 작성됩니다. 리허설 계획은 두 가지 기간으로 제공됩니다. 첫 번째는 리허설실에서, 그 다음에는 공연이 열리는 바로 그 방에서 합니다. 그리고 일반 및 일반 리허설에서 기성 에피소드를 하나의 일관된 프로그램으로 결합할 수 있습니다. 방해가 되거나 불명확하게 조직된 리허설은 항상 문화 및 여가 프로그램의 성공에 의문을 제기합니다. 감독은 리허설 일정을 잡고 대규모 그룹의 분주함을 능숙하게 번갈아 가며 모든 참가자가 필요한 곳과 그렇지 않은 곳을 정확히 결정합니다. 그리고 여기에서 감독의 관리 기술이 필요합니다. 최종 결과는 준비 기간이 어떻게 진행되었는지에 달려 있기 때문에 그는 모든 준비 작업을 명확하게 구성해야합니다.

사람들을 설득할 수 있는 것은 조직자-리더의 작업에서 첫 번째 단계입니다. 다음은 작업을 완료하기 위해 그들을 동원하는 것입니다. 철저하게 조직되고 있는 사업을 알아야 합니다. 그럼 모두 일하다감독은 높은 전문성을 바탕으로 하고, 팀 내에서의 그의 권위는 더욱 커질 것이며, 그의 위치는 더욱 강해질 것입니다. 그리고 한 가지 더 필요한 자질은 비용이 아무리 많이 들더라도 사람들을 불태우고 계획과 비즈니스 성공에 대한 믿음으로 그들을 감염시키는 능력입니다.

D.V. Tikomirov는 12개 열의 마운팅 목록을 제공합니다. 첫 번째는 순서대로 번호입니다. 모든 제작 부서가 서로 통신하기 위해 디지털 지정을 사용하는 편집 리허설 중에 번호 지정이 필요합니다. 두 번째 에피소드는 제목이 대본과 감독의 계획과 정확히 일치합니다. 세 번째는 방의 이름과 그 성격입니다. 여기에 작품의 저자와 제목이 표시됩니다. 넷째 - 연주자는 퇴원합니다 : 솔로이스트, 집단. 다섯 번째 -이 번호의 반주를 맡은 사람. 여기서 오케스트레이션의 필요성을 나타내는 것이 바람직하며 번호가 음반 아래에 있으면 음반의 일련 번호를 제공해야 합니다. 여섯째 - 라디오에서 들리는 무대에서 수행되는 모든 텍스트가 입력됩니다. 글이 쓰여진 곳이기도 하다. 일곱 번째 - 테이프 및 형식의 특성을 나타내는 필름 자료의 필요성이 기록됩니다. 여덟 번째 - 숫자가 발생하는 무대 디자인이 표시됩니다. 아홉 번째 - 빛. 각 방의 조명 솔루션이 채워지고 있습니다. 스테이징 효과는 동일한 열에 기록됩니다. 열 번째 - 공연자를위한 의상. 모든 의상 액세서리(홀스터, 부채 등)는 동일한 열에 입력됩니다. 열한 번째 - 소품 및 소품. 열두 번째 - 메모. 일부 감독은 컷 시트를 감독의 점수로 참조합니다.

문화 및 레저 프로그램의 감독이 조명 디자인의 예술을 마스터할 수 있는 것이 중요합니다. 감독은 작가와 함께 빛을 설정해야 합니다. 빛은 프로덕션에 일상적으로 추가되는 것이 아니라 가장 강력한 표현 수단 중 하나입니다. 조명 솔루션은 음악, 텍스트, 풍경에 해당하는 프로그램의 전체 드라마를 통과하여 예술적 이미지를 만듭니다. 문화 및 레저 프로그램의 각 방에는 종종 복잡한 자체 조명 솔루션이 필요합니다. 때때로 특정 숫자에 대해 가벼운 점수를 작성해야 할 필요가 있습니다. 동시에 무대에서는 테크니컬 에디팅 리허설도 진행된다. 가장 편리한 것은 빛과 소리의 편집 리허설을 결합하는 것입니다. 모든 것이 정리된 후 안에테크니컬, 라이트, 사운드 스코어, 첫 스테이지 리허설의 시간이 왔습니다.

첫 번째 장의 결론

문화 및 여가 프로그램은 대중의 집단적 레크리에이션을 목표로 하며, 그 이름에서 종종 청중의 연령 표시가 있습니다(경쟁적인 가족 프로그램, 어린이 마티네, 청소년 쇼 프로그램). 이 형태의 이벤트는 인지적, 오락적, 아마추어적 의사소통의 다양성과 용이성으로 구분되며 참가자에게 한 유형의 활동에서 다른 유형의 활동으로 전환할 수 있는 기회를 제공합니다.

이러한 프로그램은 주최자의 창의성, 상상력 및 발명과 청중의 연령을 고려한 시나리오의 명확한 구성이 필요합니다.

여가 프로그램의 범위는 토크쇼, 문학 및 음악 작곡, 경쟁 및 게임 프로그램, 휴일, 연극 공연 등 매우 광범위합니다.

위의 문화 여가 프로그램 분류는 다음 중 하나입니다. 옵션여가 활동 형태의 체계화. 제안된 분류의 가치는 프로그램 참여 정도가 여가 조직의 성공을 위한 가장 중요한 요소이자 조건이라는 사실에 있습니다.

2. 문화레저 프로그램 연출의 특징

문화 여가 프로그램을 만들기 위해서는 드라마틱한 구성의 법칙을 잘 이해하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 각 표현 수단의 잠재적 가능성을 정확히 이해하고 설치, 일러스트레이션, 연극화 및 게임 방법의 가능성을 사용할 수 있어야 합니다. 이러한 방법과 다양한 표현 수단의 도움으로 실제 사회 심리적 문제를 해결하는 프로그램이 만들어집니다. 일러스트레이션, 연극화 및 게임 방법은 프로젝트에서 실제 건설로 전환하는 데 도움을 받아 문화 및 레저 프로그램의 예술적 솔루션을 독립적으로 구현할 수 있습니다.

문화 및 여가 활동의 개선은 다양한 문화 및 여가 프로그램의 시나리오를 개발하고 구현하는 시나리오 작가의 능력과 능력에 크게 좌우됩니다. 대본 작성은 정보 자료의 축적, 아이디어 형성 및 극 작품 작성 기간을 포함하는 복잡하고 다단계의 창작 과정입니다. 대본의 저자는 결과가 일관되고 극적인 작업이 되도록 모든 구성 요소를 결합해야 합니다. 시나리오에 따라 조직되고 수행되는 문화 및 여가 프로그램은 명확하고 완전한 전체의 인상을줍니다. 각 문화 및 여가 프로그램은 건설, 건설의 요소를 포함하여 시나리오 자료의 구성 구성을 결정합니다.

언급했듯이 문화 및 여가 프로그램의 디자인은 드라마틱한 개념에서 형성되기 시작합니다. 따라서 문화 및 여가 활동 방법의 첫 번째 방법을 몽타주라고하는 것이 맞습니다. 각 유형의 문화 및 여가 프로그램에서 전문가는 시나리오를 개발할 때 편집을 사용합니다.

각 시나리오는 다양한 문학 작품에서 발췌한 다큐멘터리 자료를 사용하며 특정 순서로 연결되어야 합니다. 사실, 사건, 현상의 교대와 그것들의 비교는 필연적으로 자료의 몽타주 구성을 필요로 한다.

회사 창립 기념일(또는 회사의 전통적인 생일이 된 다른 날짜)은 가장 중요한 휴일 중 하나입니다. 달력 휴일은 전 세계 또는 전 세계에서 축하합니다. 그리고 회사의 날은이 조직의 직원을 정확하게 통합하고 강조하는 특별한 의미로 가득 찬 날입니다. 지금은 기업 정신을 함양하기에 가장 좋은 순간이며, '리더'를 수여하고 젊은이들을 팀으로 받아들이기에 가장 적합한 날입니다.

기념일 축하의 중요한 구성 요소는 다음과 같습니다.

고객의 희망과 예산에 따라 축하 행사에 가장 적합한 장소 선택

· 원본 초대장;

필요한 경우 축제 메뉴 (연회, 뷔페 테이블) 준비, 케이터링 서비스 조직;

손님 배달을 위한 운송 주문

· 휴일 장식신선한 꽃으로 구성된 기념일의 장소, 풍선, 경치.

회사의 기념일은 거의 5년마다, 많게는 10년마다 열리는 기업 행사입니다. 회사의 연혁, 성과입니다. 그리고 더 잘 일하고 회사의 위상을 높이려면 회사의 복지와 공동 대의의 기초가 매일 놓여지는 좋은 휴식과 휴식이 필요합니다.

2.1 감독의 기본

19세기의 90년대로 돌아가 보면 Efron과 Brockhaus 사전은 감독의 직업을 다음과 같이 정의했습니다. 생산의; 이것은 무대, 문학, 고고학에 대한 철저한 지식뿐만 아니라 많은 재치와 예술가들과 어울리는 능력을 요구하는 감독의 관심사입니다.

이 모든 것이 19세기 후반에 R. Wagner와 L. Kroneg의 Meiningen Theatre에서의 활동으로 특징지어지고, 극장에서 공연 예술의 일종의 혁명을 일으켰던 거대한 도약을 위한 준비가 되었습니다. 19세기와 20세기로 접어들면서 전 세계의 감독들이 연극팀의 크리에이티브 디렉터가 되었습니다. 이 현상은 앞으로 수년 동안 감독 직업의 얼굴을 결정한 "위대한" 은하계 전체의 출현으로 표시되었습니다. 러시아 - K. Stanislavsky, Vs. Meyerhold, A. Tairov, E. Vakhtangov; 프랑스 - A. Antoine, J. Capo; 독일 - M. Reinhardt; 영국에서 - G. Craig. 연출은 창작 활동의 독립적인 형태로 등장했다.

직업 감독의 의미를 정의하는 많은 공식이 있습니다. '연출은 삶의 방식'에서 '감독은 공간적으로 생각하는 사람'으로.

그러나 동시에 많은 다른 감독 직업이 발생합니다.

드라마 감독

오페라 감독;

안무가;

뮤지컬 드라마 극장의 감독;

무언극 감독;

서커스 감독

영화 감독 (소설, 다큐멘터리, 대중 과학, 애니메이션);

TV 감독

· 무대감독.

따라서 감독의 작업은 구상과 구현(스테이징)의 두 가지 주요 단계로 구성됩니다.

아이디어는 그의 미래 작업에 대한 감독의 초기 아이디어이며 창작 과정이 시작되는 다소 의식적인 프로토 타입입니다. 계획, 적용, 스케치, 설명 - 이들은 아이디어를 수정하는 가장 일반적인 형태입니다. 어떤 감독들은 자신의 아이디어를 가능한 한 정확하게 구체화하기 위해 종이에 아주 자세하게 그림을 그립니다. 프랑스 감독 르네 클레어(René Clair)는 “내 영화는 이미 준비가 완료되었습니다. 촬영만 남았습니다.

Michelangello Antonioonni와 같은 다른 감독들은 세트 작업을 시작하기 전에 아이디어를 구체화하지 않으려고 합니다.

감독의 의도를 실현함에 있어 시각화가 지배적이다. 외부의 감각적으로 구체적인 현실 이미지를 지시함으로써 재생산.

그러나 준비 작업의 모든 중요성에도 불구하고, 아이디어, 감독 작업의 주요 순간은 세트 작업 (극장에서의 리허설 기간, 영화관 및 TV에서의 촬영 기간)에 있습니다.

그리고 감독이 어떻게 작품을 준비하든 이 단계에서 그의 작품은 항상 즉흥적인 성격을 띤다.

즉흥은 주어진 주제에 대한 환상인 예술 작품을 창조하는 순간적인 창조적 행위입니다. 즉흥적인 연출의 과정에서 감독의 창의적 개성이 가장 뚜렷하게 드러난다.

감독은 자신의 작업 결과에 고유한 성격을 부여하는 독창적인 개성, 개성의 고유한 독창성을 갖추어야 합니다. 감독이 창조하는 것, 또는 그가 창조할 수 있는 것의 범위와 존엄성은 그가 어떤 개인인지에 따라 결정된다. 연출은 본질적으로 창의적이고 권위적이며 "극적인" 활동입니다.

예술의 창조적 개인만이 직관, 현실의 현상에 숨겨진 전체론적 의미를 직접 볼 수 있는 능력, 이 "무의식적이고 본능적인 비유적 원리와 창의성의 자극"(Bergson)을 가지고 있습니다.

예술의 개성만이 자신의 예술적 개념, 즉 삶과 그 문제에 대한 비 유적 해석을 만들 수 있습니다. 이 개념은 감독의 전체 작업과 그의 개별 작업을 모두 포함하며 특정 의미론적 지배성을 포함합니다. 그의 아이디어를 실현하기 위해 감독은 시각적이고 표현적인 수단의 전체 복합체, 즉 역사적으로 확립 된 물질적 수단과 예술적 이미지를 생성하는 방법의 시스템을 사용합니다. 시각적이고 표현적인 수단은 특정한 전체성과 상호 연결성을 통해 그 내용을 구현하는 예술 작품의 예술적 형식을 형성합니다. 예술적 형식의 요소로서 조형 및 표현 수단은 기술적-구성적, 구성적-구조적 의미를 갖는 동시에 조형적 의미의 전달자이다.

시각적 표현 수단의 풍부함과 구상성은 예술 작품의 예술성을 나타내는 지표입니다. 일반적으로 작품의 개념이 복잡할수록 감독이 사용하는 시각과 표현의 세련미가 높아집니다. 그들은 소위 지적 엘리트주의 예술에서 복잡성의 정점에 도달합니다.

연출 기술의 지성주의는 예술적 사고의 특별한 유형, 방식, 형태, 개념적, 철학적 창고이며, 세계는 아이디어의 드라마로 나타나며 캐릭터는 의인화되고 행동을 통해 전달됩니다 (얼굴 놀이) 작가의 생각, 그의 예술적 개념의 다양한 측면을 표현합니다. 예술의 지성주의는 일반적으로 소위 포물선 사고의 사용, 비유 또는 기타 삽입 요소를 작품에 포함시키는 것과 관련이 있습니다. 그러나 이러한 문제로부터의 이탈은 직선으로 발생하지 않고 포물선을 따라 발생하며, 이는 말하자면 측면으로 이탈한 생각을 문제로 되돌리는 것입니다. 따라서 철학은 내용일 뿐만 아니라 예술 작품의 구조가 되며, 그 유형 자체가 공연 개념, 발레 개념, 영화 개념으로 바뀝니다. 작품은 예술적 정보의 전달자가 된다.

예술적 정보는 감성적인 영향을 미친다는 점에서 예술적 메시지의 특성을 드러내는데, 이는 표준화된 표준 언어로 전달되는 것이 아니라 개별화된 예술적 이미지의 체계이다.

종종 다양한 예술적 정보를 하나의 전체로 결합하는 감독은 콜라주 방식을 사용합니다. 즉, 몽타주를 사용하여 이종 물체나 주제를 예술 작품에 포함시켜 전반적인 이데올로기 및 미적 영향을 강화합니다. 이 방법은 Bertolt Brecht 및 Evgeny Vakhtangov, Yuri Lyubimov 및 Erwin Piscator, Federico Fellini 및 Andrei Tarkovsky에 의해 사용되었습니다.

콜라주는 포물선 원리에 따라 구상 및 표현 수단의 조직이며 많은 의미 론적 유사성과 대조를 제공하고 지시하는 지성주의의 구조적 기초입니다. 그는 모든 종류의 근사, 유추, 변형, 반복으로 작동하며 때로는 라이트모티프의 역할을 합니다. 감독은 에피소드, 프레임, 미장센, 복제품을 편집하여 예술적이고 조형적인 정보를 전달하는 시각적인 지적 콜라주를 만듭니다. 편집, 재료 정리, 이것은 감독의 작업이며 예술에 대한 그의 방식입니다.

감독은 역할의 창조자로서 자신이 창조한 물질적, 시각적 수단이 아닌 배우의 창의성을 통해 자신의 예술적 주도권을 자신의 의지와 결합하고 자신의 의도를 언어적, 신체적 행동으로 구현함으로써 자신의 창조적 의지를 행사한다. . 감독은 연기 예술의 촉매 역할을 하고, 배우의 권리를 찬탈하여 프로덕션의 완전성을 위해 사용합니다.

따라서 감독의 창의성의 주재료는 심리물리적 장치를 통해 감독의 의도를 표현하는 배우이다. 배우는 무대 행사의 중심에 있습니다. 그는 작가의 텍스트, 감독의 무대 결정, 관객의 인식 사이의 살아있는 연결 고리입니다. 감독은 제작의 이질적인 요소를 포함한 다양한 재료를 사용하여 Leo Tolstoy에 따르면 예술의 본질을 포함하는 "연결의 미로"를 형성합니다. 입체적인 무대 구조와 음향, 그리고 무엇보다 배우의 움직임과 자세가 감독의 의지로 얽혀 근본적으로 새로운 예술적 현상을 낳는다.

연출은 미장센을 창조하고 운용함으로써 미장센에 특유한 미적 대상을 획득하는데, 이는 다른 형태의 예술의 능력을 넘어선다. 이것들은 시간의 끊임없는 변화와 함께 시각적으로 각인된 공간 조각입니다.

예술적이고 표현적인 수단의 전체 복합체를 통해 감독은 프로덕션에서 자신의 환상과 예술적 허구를 실현할 수 있습니다. 예술적 소설은 처음에는 작품 작가의 상상 속에만 존재하고, 그 다음에는 관객의 상상 속에만 존재하는 등장인물과 사건이 나타나는 행동 유형입니다. 픽션과 관련된 행위는 작품의 저자(감독 및 극작가)에게 어떠한 의무도 부과하지 않는 "사소한" 행위입니다.

연출은 전적으로 작가의 상상력에서 탄생한 것이기 때문에 시공간에 구현된 예술적 허구이다. 그것에서 소설은 감독과 배우라는 두 명 이상의 "척"에 의해 수행됩니다.

시공간 예술에서 시간의 구조는 다음과 같습니다.

경험적 시간 - 작업의 재료로 사용되는 현실에서의 시간.

플롯 시간 - 시간의 플롯 구성;

관중 시간 - 지각 기간을 고려합니다.

감독의 작업에서 또 다른 필수 요소는 공간 문제의 해결입니다. 공연 예술의 공간 구조는 세 가지 구성 요소로 나뉩니다.

1) 물체가 위치한 공간

2) 관객이 있는 공간

3) 첫 번째를 반영하고 두 번째를 암시하는 무대(스크린)의 평면.

공간 구조의 원리는 공간과 시간의 두 범주가 밀접하게 관련되어 있기 때문에 시간 구조에서 구현되는 원리와 동일합니다. 그러나 그들 사이에는 상당한 구조적 및 기능적 차이도 있습니다. 더욱이 입체 연출(극, 발레, 오페라, 무대, 서커스)과 평면(영화, 텔레비전, 인형극)의 공간 예술적 표현력에는 상당한 차이가 있다. 체적 예술 공간의 예술적 표현력은 장면의 공간, 무대 공간 및 강당의 융합에 있으며 관객의 화각을 선택하는 데 필수 자유도가 있습니다.

공간(시간과 마찬가지로)의 구조는 작업의 유형, 장르 또는 스타일 방향에 따라 어느 정도 미리 결정됩니다.

2.2 관광 연출

관광 연출은 가장 역동적이고 선도적인 산업 중 하나이며 빠른 발전 속도를 위해 세기의 현상으로 인식되고 있습니다.

관광 디렉팅은 문화 및 레저 프로그램을 개발하고 발표하는 활동입니다.

관광 분야에서 연출 방법과 형태를 포함하는 것은 여가 프로그램 모델링을 기반으로 수행될 수 있습니다. 모델링(V.S. Sadovskaya에 따르면)은 새로운 것을 만들기 위해 방법, 기술 및 수단을 체계화하는 프로세스입니다. 원래 조건창조적 활동에 개인을 포함시키는 것. 따라서 여가 프로그램의 모델링은 관광 여가의 내용을 풍부하게 하고 발달 기능을 향상시키는 것을 가능하게 한다. "적극적인 목적이 있는 소비자 활동"으로서의 관광업이 창조적인 활동으로 변모하고 있습니다.

두 번째 장의 결론

결론

풍부한 문화 여가 프로그램의 방향성, 다양한 콘텐츠, 표현 수단의 활용 무한한 가능성사회문화 전문가. 현대 조건에서 지식, 전문 기술, 저자의 개념 및 사회의 사회적 질서의 종합은 활동에 매우 중요합니다.

오늘날 관광 분야에서 지속 가능한 개발의 창출은 제공되는 서비스의 품질이 지속적으로 향상되고 여가를 조직하는 현대인의 요구를 충족시킬 수 있는 경우에만 가능합니다. 관광 상품의 높은 품질은 사업 발전의 전제 조건입니다.

문화 및 여가 프로그램을 준비하고 연출하는 기술. 문화 및 여가 활동의 기술 디렉팅

시공간 예술에서 시간의 구조는 다음과 같습니다.

경험적 시간 - 작업의 재료로 사용되는 현실에서의 시간.

플롯 시간 - 시간의 플롯 구성;

시청자 시간 - 지각 기간을 고려합니다.

감독의 작업에서 또 다른 필수 요소는 공간 문제의 해결입니다. 공연 예술의 공간 구조는 세 가지 구성 요소로 나뉩니다.

1) 물체가 위치한 공간

2) 관객이 있는 공간

3) 첫 번째를 반영하고 두 번째를 암시하는 무대(스크린)의 평면.

공간(시간과 마찬가지로)의 구조는 작업의 유형, 장르 또는 스타일 방향에 따라 어느 정도 미리 결정됩니다.

2.2 관광 연출

참조

첫 번째 장의 결론

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