Sztuka teatralna Stanów Zjednoczonych do końca XIX wieku. rozwijała się w sposób kompleksowy, po specjalnej ścieżce, praktycznie nie skorelowanej z paneuropejską. Angielscy purytanie, którzy stanowili większość osadników w młodym kraju, przynieśli ze sobą skrajnie nietolerancyjny stosunek do kultury artystycznej w ogóle, a sztuki teatralnej w szczególności. Początków tego można doszukiwać się w XVII wieku, od czasów angielskiej rewolucji burżuazyjnej, kiedy to w 1642 roku parlament angielski specjalnym dekretem zakazał wszelkich przedstawień teatralnych. Jednak Anglia, pomimo swojego wyspiarskiego położenia, nadal nie mogła rozwijać się w oderwaniu od ogólne trendy europejskiego oświecenia XVIII wieku, które postawiło teatr na usługach swojej ideologii, a co za tym idzie, przywiązywało dużą wagę do sztuki teatralnej. Stany Zjednoczone, ze względu na swoje oddalenie od Europy, miały znacznie większą zdolność przeciwstawiania się integracji nurtów kultury artystycznej. Purytańscy osadnicy, konsekwentnie głoszący ideologię ascezy, przez dwa stulecia przypisywali teatrowi rolę „niskiego” i społecznie nieakceptowanego rodzaju ludzkiej aktywności, głosząc rozwój intelektualny, ale nie artystyczny jako centrum życia duchowego. Nie mogło to w żaden sposób zniszczyć teatru, ale spowodowało dość określone formy jego rozwoju.
istnienie w XIX wieku. Amerykański teatr spoza oficjalnej ideologii przyczynił się do rozwoju jego najprostszych i prymitywnych form, przeznaczonych dla niedoświadczonej, a przez to niepozornej publiczności. Ponadto trupy teatralne i indywidualni aktorzy migrujący z Europy z reguły nie byli najbardziej utalentowanymi i zamożnymi ludźmi, którym nie udało się odnieść sukcesu w swojej ojczyźnie. Najbardziej rozpowszechnione były wówczas trupy wędrowne, składające się z niewielkiej liczby aktorów. Niewielki skład zespołów decydował o ich repertuarze: zestaw niejednorodnych, przeważnie komicznych numerów, krótkich skeczy, scen muzycznych czy tanecznych. Jak każdy teatr wędrowny, którego byt materialny jest bezpośrednio związany ze specyficznymi zainteresowaniami publiczności, zespoły te były zmuszone do opanowania „lokalnej specyfiki”, w tym folkloru murzyńskiego. Do połowy XIX wieku. Powstały amerykańskie gatunki teatralne, reprezentujące, pomimo zapożyczenia nazw z teatru europejskiego, ich bardzo szczególną różnorodność. Wszystkie miały wspólny cel – rozrywkę. Różnice między tymi gatunkami były bardziej formalne niż fundamentalne.
Musical zawdzięcza swoje narodziny przypadkowi. W 1886 roku w jednym z nowojorskich teatrów muzycznych wybuchł pożar, a trupa baletowa została bez pracy. Producent ofiar pożaru zwrócił się do kolegi z teatru dramatycznego, gdzie przeprowadzili próbę melodramatu. Wspólnie wymyślili oryginalne posunięcie: połączyli oba zespoły i pokazali niezwykły muzyczny występ. Trwało to pięć i pół godziny, ale nie zmęczyło publiczności – przyjęli to z zachwytem. Sukces zainspirował dyrektorów teatrów, a podobne spektakle zaczęły pojawiać się na różnych scenach. Z powyższego wynika, że gatunkowy charakter musicalu wynika w dużej mierze z praktyki przedsiębiorczości teatralnej w Stanach Zjednoczonych. Teatr amerykański to przede wszystkim komercyjne przedsiębiorstwo, i przybrała postać sztuki wyjątkowo lekkiej, generalnie nastawionej na rozrywkę. Musical ma więc podwójną naturę: z jednej strony jest sztuką, z drugiej potężnym przemysłem rozrywkowym.
Początki musicalu sięgają początku XX wieku. Poprzednikami tego gatunku są ballada operowa, „teatr minstreli”, ekstrawagancja, burleska i wodewil, rewia, operetka.
Opera balladowa została zapożyczona przez kulturę amerykańską z europejskiej. Jednym z prekursorów słynnego amerykańskiego minstrela była ballada ludowa epoki elżbietańskiej. Na jego podstawie powstał specjalny gatunek teatralny - opera balladowa. to spektakl teatralny zawierała epizody konwersacyjne, jako aranżację muzyczną wykorzystano znane ballady. Podstawą ballady operowej są karykaturalne sceny z historii, słynne dzieła literackie, sztuki teatralne. Ta komedio-muzyczna sztuka była pełna piosenek, których materiał muzyczny nie był oryginalny, ale był prymitywną adaptacją popularnych melodii. Pierwsza amerykańska ballada operowa, The Archers, czyli The Swiss Highlanders, została wystawiona w Nowym Jorku w 1796 roku. Klasyczna opera balladowa i jedyna, która przetrwała do XX wieku, to Opera żebracza, wystawiona po raz pierwszy w 1728 roku i od tego czasu stale odnawiana.
Wyznaczmy kilka cech, które antycypowały cechy gatunkowe musicalu. Po pierwsze, chęć balladowej opery odzwierciedlenia współczesnego życia codziennego, aktualnych tematów z elementami satyry. Po drugie, popularne melodie o charakterze ludowym zostały wtopione w gatunek ballady operowej w rodzaj miejskiego folkloru, który był jednym ze źródeł amerykańskiej muzyki pop aż po współczesną „pop-song”.
Łącznikiem kultury teatralnej Anglii i Nowego Świata okazała się cała tradycja teatralna: w wielu przedstawieniach dramatycznych wystawianych na angielskich scenach wykorzystywano wizerunek czarnoskórego niewolnika, nabierając często wyraźnych cech komediowych. Przedstawienia te dały impuls do rozwoju specyficznie amerykańskiego spektaklu teatralnego. W związku z rozwojem teatru amerykańskiego na początku XIX wieku w Ameryce rozpowszechniła się szczególna forma ludowej rozrywki - „minstrel show”, czyli „przedstawienie minstreli”.
Za jej założyciela uważa się aktora i muzyka Johanna Christiana Gottlieba Graupnera, emigranta z Niemiec, który wystąpił w 1799 roku w bostońskim teatrze z ekscentryczną sceną komediową pomiędzy akcjami „poważnego” przedstawienia, gdzie przebrany za Murzyna ( „czarna twarz”, jak później zaczęto nazywać aktorów minstreli), wcielił się w postać „gejowskiego Murzyna” („The Gay Negro Boy” – widniał na plakacie tego spektaklu), śpiewał i tańczył, akompaniując sobie na banjo. Jego naśladowcami są indywidualni artyści (J. W. Dixon, B. Farrell, J. Nichols, T. „Jim Crow” Rais) oraz zespoły minstreli, które pojawiły się w latach 40. XIX wieku, w tym najsłynniejszy z nich – „Virginia Minstrels” („Virginia Minstrels” ), który po raz pierwszy wystąpił w Nowym Jorku w 1843 roku.
W latach dwudziestych i czterdziestych XIX wieku w „pokazie minstreli” pojawiły się dwa główne typy Murzynów: robotnik dzienny ubrany w szmaty z południowoamerykańskich plantacji i miejski dandys. Początkowo pauzy i przerwy w innych przedstawieniach wypełniały pieśni, karykatury i skecze, którym towarzyszył muzyczny akompaniament banjo. Jednak wraz ze wzrostem liczby „minstreli” powstawały całe trupy, których występ opierał się na takich liczbach.
W 1850 r. „teatr minstreli” osiąga apogeum świetności, poważnie konkurując z operą i dramatem. Niczym parada cyrkowa, trupy minstreli podróżowały po Ameryce (w tym po pływających teatrach pływających po Mississippi), dając przedstawienia w każdym zakątku kraju.
Występy teatru minstreli składały się z żartów i parodii, skeczy i tańców, solówek instrumentalnych i wokalnych. Tekst był zwykle improwizowany. Jeśli chodzi o aranżację muzyczną, w „minstrelu show” wykorzystano najbardziej zróżnicowaną narodowo muzykę: są to tradycyjne gatunki afroamerykańskie oraz stare ballady pochodzenia anglo-celtyckiego i irlandzki jig . Czasami numery muzyczne rosły tak duże, że spektakle nazywano operami „etiopskimi” lub „afrykańskimi”.
Występy minstrela były najbardziej popularne w latach 30. i 70. XIX wieku. Po zakończeniu wojny secesyjnej w USA (1865) zaczęły powstawać właściwe trupy murzyńskie. Na początku XX wieku teatr minstreli został skomercjalizowany i stopniowo zaczął tracić na znaczeniu, zamieniając się, jak mówi M. Stearns, w „galopującego słonia”. Niemniej jednak historyczna rola minstreli jest niezwykle wielka. Zwrócili uwagę opinii publicznej na Murzyna Sztuka ludowa, stworzył szereg gatunków pieśni i tańca w duchu muzyki murzyńskiej, bardziej przystępnych i zrozumiałych dla szerokiego grona słuchaczy niż jej autentyczne formy.
W muzyce „tetra minstreli” ukształtowały się wczesne elementy jazzu (ragtime). Na początku XX wieku minstrele, wkraczając na scenę Broadwayu, przyczynili się do przeniknięcia jazzu na scenę.
Gatunek ekstrawagancki - francuskie pochodzenie. Został sprowadzony do Ameryki w 1857 roku przez włosko-francuską trupę Ronzani. Nazwa oznaczała ekstrawaganckie, fantastyczne spektakle, pełne melodramatycznych wydarzeń i oszałamiających efektów scenicznych z piosenkami, tańcami, elementami rewii, cyrkowymi atrakcjami. Akcja w większości toczyła się w magicznym świecie duchów, pełnym tajemniczych wydarzeń i niesamowitych postaci. Jednym z pierwszych amerykańskich przykładów „ekstrawagancji” była pięciogodzinna sztuka „The Fraudster Villain” („The Black Rogue”), wystawiona w Nowym Jorku w 1866 roku. Była to „fuzja” francuskiego baletu romantycznego i niesmacznego melodramatu na podstawie „Fausta” I.V. Goethego i „Czarodziejskiego strzelca” I.M. Webera.
Oszałamiające efekty sceniczne - szalejący na scenie huragan, sabat czarownic, wniebowstąpienie aniołów w luksusowych powozach, wspaniała trupa baletowa (100 artystów) odłożyły na dalszy plan kreatywność aktorów. W 1905 roku wybudowano specjalny budynek „Hipodrom”, teatr na 5200 miejsc, na scenie którego znajdowały się dwie areny cyrkowe i basen do efektów wodnych. „Środek grawitacji” przeniesiony został do fantastycznych spektakli, pompatycznej scenerii, kolosalnego widowiska. Spektakle wciąż pełne były muzyki skomponowanej przez znanych kompozytorów.
Z ekstrawagancji przyszły musical zapożyczył przede wszystkim obowiązkowe sceny taneczne inscenizowane z rozmachem. We wszystkich kolejnych produkcjach musicalu wprowadzono podobny „balet”. Stopniowo zatracał swoją klasyczną formę baletową: najpierw został zastąpiony przez tańce ludowe, a następnie „zmodernizowany” przez tancerzy z rewii. Zasługa ekstrawagancji polega również na tym, że w tym gatunku scenicznym doszlifowano profesjonalizm aktorów w zakresie sztuk dramatycznych, wokalnych i tanecznych. Wpływ „ekstrawagancji” na styl i dynamikę akcji musicalu jest niepodważalny.
Burleska (z francuskiej burleski, z włoskiej burla – żart), będąca „parodią” lub parodią poważnej lub słynnej sztuki teatralnej (pierwsze europejskie próbki pochodzą z XVII-XVIII wieku), ma solidną historię. W XIX wieku burleskę stopniowo zaczęto nasycać elementami francuskiej rewii w postaci muzycznych przerywników, numerów komiksowych i popularnych piosenek, które naciskały na fabułę. W tej formie burleska istniała w Ameryce do lat 60. XIX wieku. W latach 70. XIX wieku burleskę często wystawiano w nocnych restauracjach i to nie tylko nowinki literackie i teatralne, ale także prawdziwe życie Amerykanie. Częściej w burleskach pojawiały się karykaturalne typy „zwolenników trzeźwości” i równouprawnienia kobiet, drobnomieszczańskich polityków i wielu innych charakterystycznych dla tego okresu w rozwoju społeczeństwa amerykańskiego. Niektóre próbki burleski zbliżyły się do muzycznej komedii (wtedy pojawiła się nazwa „komedia muzyczna”) - wesołych zabaw o bezpretensjonalnej fabule, bogatych w tańce i śpiewy. W 1874 roku do burleski opartej na idyllicznym poemacie Evangeline G. Longfellowa muzykę autorską skomponował po raz pierwszy kompozytor-amator Edward Rice. Pod koniec XIX wieku burleska miała swój własny teatr „Weber and Field Musical Hall”, otwarty przez J. Webera i L. Fieldsa na Broadwayu. Od 1895 do 1904 konsekwentnie parodiował wszystkie produkcje na Broadwayu. Rozważano parodie Webera i Fieldsoma najlepsza reklama dla pracy. Burleska była na poziomie powyżej oryginału.
Musical Burlescu „zawdzięcza” ostrość interpretacji problemów naszych czasów. Na przykład w 1931 roku w musicalu „I Sing About You” J. Gershwina, D. Kaufmana i M. Riskina amerykański system wyborczy i kulisy życia politycznego pojawiły się w karykaturze.
W przeciwieństwie do europejskiego wodewilu (sztuka z muzycznymi „wstawkami” - pieśniami i tańcami), amerykański był ciągiem różnych numerów - taniec, śpiew, cyrk, wariacja, z przemyślaną fabułą. „Zamerykanizowana” wersja wodewilu stała się spadkobiercą angielskiego music hallu, przez długi czas kojarzony z barami, restauracjami. Program tzw. „zespołowy” (zestaw sztuczek, numerów akrobatycznych, piosenek, tańców) „wyposażono” w prostą intrygę, która służyła głównie jako pretekst do powstania zabawnego spektaklu. W 1865 G. Pastor założył w Nowym Jorku własne przedsiębiorstwo„Pastors Operhouse”, który podniósł wodewil do rangi sztuki.
Pojawienie się rewii w Ameryce zawdzięcza J.V. Lederera, który w Teatrze Casino wystawił tzw. „przelotne widowisko” (pierwsza wersja rewii). Revue (francuska rewia, dosłownie - recenzja) to pewna sekwencja numerów słownych, muzycznych, tanecznych i akrobatycznych, w której nie ma pojedyncza akcja, ale istnieje jedność tematyczna (temat, który łączy różne liczby). W przeciwieństwie do wodewilu, akompaniament muzyczny rewii, dzięki pracy kompozytorów L. Englandera i G. Kerkera, od samego początku był bardziej spójny stylowo i holistyczny.
W 1906 r. F. Ziegfeld zorganizował w Nowym Jorku własną rewię „Ziegfeld Falls” (z ang. „szaleństwo” lub „szaleństwo” Ziegfelda). W swoich pokazach umiejętnie łączył w dobrych proporcjach tradycje francuską i amerykańską. Muzykę do F. Ziegfelda komponowali znani kompozytorzy: E. Berlin, W. Herbert, J. Kern, R. Friml, Z. Romberg, J. Gershwin. Z rewii do musicalu przeszła umiejętność łączenia najbardziej heterogenicznych, nieprzystających do siebie elementów w jednym wykonaniu. Dzięki rewii do musicalu przeniknęły intonacje muzyki jazzowej.
Przez całą swoją drogę (około pół wieku) amerykańska operetka naśladowała europejską: najpierw angielską, potem wiedeńską. Rozkwit amerykańskiej operetki związany jest z nazwiskami kompozytorów G. Kerkera, L. Englandera, G. Ludersa, R. Frimla, Z. Romberga, K. Khoshny, V. Herberta, R. de Kovina. Amerykańska publiczność jest przyzwyczajona do postrzegania jej jako romantycznego i egzotycznego spektaklu, dalekiego od rzeczywistości, ekstrawaganckiego. Potrzeba bardziej demokratycznego i współczesnego gatunku, ściślej związanego z amerykańską rzeczywistością, zrodziła musical. Powstał nie jako kontynuacja operetki, ale jako jej zaprzeczenie, mimo ciągłości musicalu w stosunku do operetki.
Tak więc w musicalu zsyntetyzowano elementy różnych gatunków: opery balladowej, „teatru minstrela”, ekstrawagancji, burleski, wodewilu, rewii, operetki. Jazz pełni w tej syntezie rolę katalizatora. Znaczącą rolę w powstaniu jazzu odegrały angielskie, francuskie pieśni ludowe, tańce hiszpańskie, marsze wojskowe i muzyka kościelna. Prawdziwymi twórcami jazzu byli potomkowie czarnych niewolników sprowadzonych do Ameryki z Afryki. Istotą muzyki jazzowej są podstawowe elementy intonacji i rytmiki folkloru afroamerykańskiego, barwa oznacza sposób wykonania, których nie da się dokładnie wyrazić w zapisie muzycznym. Elementem jazzu jest improwizacja. W 1914 roku E. Berlin po raz pierwszy skomponował pełną partyturę w stylu ragtime. W następnej dekadzie numery jazzowe przenikają do wszystkich muzycznych gatunków estradowych. W jazzie muzyka amerykańska zyskała własny styl, oryginalny język muzyczny. J. Gershwin, E. Berlin, K. Porter, G. Arlen, R. Rogers „połączyli” europejskie formy muzyczne z przeszywającymi dźwiękami muzyki murzyńskiej i jej super złożonymi rytmami, tworząc atrakcyjne komercyjnie i jednocześnie znaczące artystycznie muzyka.
W procesie historycznego rozwoju musicalu coraz bardziej wzrasta udział elementów jazzowych. Wyjątkowe wyczucie rytmu, charakterystyczne techniki intonacji i frazowania nadają amerykańskiemu musicalowi szczególną dynamikę i oryginalność.
Historia musicalu jest więc procesem stopniowej integracji poszczególnych elementów zapożyczonych z rewii, wodewilu, operetki, burleski itp.
Za oficjalną datę narodzin nowego gatunku przyjmuje się marzec 1943 roku, kiedy to miała miejsce premiera sztuki Oklahoma! R. Rogersa i O. Hammersteina. Choć początkowo autorzy tradycyjnie nazywali swój występ „komedią muzyczną”, publiczność i krytycy odebrali go jako innowację, która burzy utarte kanony. Spektakl był kompozycyjnie jedną całością: nie było w nim wstawionych numerów wokalno-tanecznych z rozrywką; fabuła, charaktery postaci, muzyka, śpiew - wszystkie składowe istniały nierozłącznie, podkreślając i rozmaitymi środkami rozwijając ogólną linię pracy scenicznej. Za prostą i bezpretensjonalną fabułą stały fundamentalne wartości – miłość, wspólnota społeczna, patriotyzm. Nie bez powodu dziesięć lat później stan Oklahoma ogłosił piosenkę z tego występu swoim oficjalnym hymnem.
Już po premierze, która odniosła niezwykły sukces, autorzy zaproponowali nowe określenie gatunku spektaklu: „musical”. Musical „Oklahoma!” nie opuszczał sceny na Broadwayu przez ponad pięć lat; po - podróżował po całej Ameryce z trasą koncertową. W 1944 otrzymał nagrodę Pulitzera. Po raz pierwszy ukazała się płyta z nagraniem nie pojedynczych numerów muzycznych, ale całego wykonania. W 1955 roku nakręcono film Oklahoma!, który otrzymał dwa Oscary – za najlepszą muzykę i najlepsza praca z dźwiękiem. W 2002 roku sztuka została ponownie wystawiona na Broadwayu. Nowojorska Liga Dramatyczna ogłosiła „Oklahoma!” najlepszy musical stulecia.
Tak rozpoczęła się nowa era w dziejach najpierw amerykańskiego, a potem światowego teatru, który wychwalali tacy kompozytorzy jak J. Gershwin, R. Rogers, L. Bernstein, E. Lloyd Webber, J. Herman i inni. W. Shakespeare, M. Cervantes, C. Dickens, B. Shaw, T.S. Eliota, D. Haywarda i innych.
Przy całej syntetyczności gatunku muzycznego jego specyficzną cechą nie jest obowiązkowa obecność w spektaklu „scen konwersacyjnych”: niewątpliwe są musicale pisane i wystawiane na sposób operowy, w których role zamieniają się w partie: „Porgy i Bess”, „Koty”, „ Jesus Christ - Superstar”, „Evita” itp. Aby uniknąć nieporozumień, takie prace są często nazywane „operami rockowymi”. Jednak w rzeczywistości są one związane z musicalami przez ogólny sposób istnienia aktorskiego, kiedy każdy środek techniki aktorskiej, czy to taneczny, wokalny czy plastyczny, staje się dla wykonawcy absolutnie organiczny w wyrażaniu emocji lub myśli. Ten niezwykle konwencjonalny, plastyczny gatunek teatralny trzeba w niezrozumiały sposób łączyć z naturalnością przejścia od jednego środka wyrazu do drugiego. Ponadto o godz najwyższy poziom wykonanie techniczne, inscenizacja wokali czy plastyczność powinny być zasadniczo inne niż w klasycznych gatunkach muzycznych: głosy nie mogą brzmieć „operowo”, a taniec nie może wyglądać jak „balet”. Mowa, mimika, plastyczność, taniec muszą być podporządkowane jednej linii zachowania scenicznego, zadaniu stworzenia integralnego obrazu.
Taki właśnie tryb życia aktorzy demonstrowali w najlepszych produkcjach broadwayowskich musicali, a także w ich kinowych wersjach: The Sound of Music (1965), West Side Story (1961), Hello, Dolly! (1969), "Zabawna dziewczyna" (1968), "Jesus Christ Superstar" (1973), "My Fair Lady" (1964), "Skrzypek na dachu" (1971) i inne. Wiele z tych filmów otrzymało wysokie nagrody filmowe.
1 slajd
2 slajdy
3 slajdy
Pierwsze kolonie w Ameryce Północnej zostały utworzone na początku XVII wieku przez osadników z Anglii, Holandii i Francji. Szczególnie masowy był co roku napływ kolonistów angielskich. Pierwsze kolonie w Ameryce Północnej zostały utworzone na początku XVII wieku przez osadników z Anglii, Holandii i Francji. Szczególnie masowy był co roku napływ kolonistów angielskich. Wirginia, pierwsza angielska kolonia w Ameryce Północnej, powstała w 1607 roku.
4 slajdy
Terytorium, na którym powstały kolonie, było zamieszkane przez Irokezów i Algonquinów. Łączna liczba osiągnęła 200 tysięcy osób. Indianie byli na etapie prymitywnego społeczeństwa. Początkowo pomagali osadnikom, zaczęli z nimi handlować, ale wkrótce zaczęły się potyczki między „bladymi” a „czerwonoskórymi”. Koloniści próbowali wypchnąć Indian na Zachód lub zamienić ich w niewolników. Niewolnicy – Indianie przybyli zastąpić „białych” niewolników, przestępców i dłużników. Doprowadziło to do krwawych wojen. Terytorium, na którym powstały kolonie, było zamieszkane przez Irokezów i Algonquinów. Łączna liczba osiągnęła 200 tysięcy osób. Indianie byli na etapie prymitywnego społeczeństwa. Początkowo pomagali osadnikom, zaczęli z nimi handlować, ale wkrótce zaczęły się potyczki między „bladymi” a „czerwonoskórymi”. Koloniści próbowali wypchnąć Indian na Zachód lub zamienić ich w niewolników. Niewolnicy – Indianie przybyli zastąpić „białych” niewolników, przestępców i dłużników. Doprowadziło to do krwawych wojen.
5 slajdów
Pojęcie „skóry głowy” oznaczało dla Indian symbol męstwa, a dla białych – czek, na który wypłacano pieniądze. Wojny z Indianami zakończyły się w XIX wieku, kiedy zostali zepchnięci do rezerwatów. Pojęcie „skóry głowy” oznaczało dla Indian symbol męstwa, a dla białych – czek, na który wypłacano pieniądze. Wojny z Indianami zakończyły się w XIX wieku, kiedy zostali zepchnięci do rezerwatów. Od XVI wieku rozpoczął się import czarnych do Ameryki - niewolników. Od XVII wieku Niewolnictwo Murzynów stało się na całe życie. „Biali” niewolnicy stali się nadzorcami czarnych podczas pracy na plantacjach.
6 slajdów
7 slajdów
8 slajdów
9 slajdów
Wszyscy koloniści byli uważani za poddanych króla angielskiego. Wszyscy koloniści byli uważani za poddanych króla angielskiego. W połowie XVIIIw. W koloniach zaczęły pojawiać się zgromadzenia ustawodawcze i rozpoczęła się ich walka z namiestnikami.
10 slajdów
W 1763 roku Jerzy III zabronił kolonistom opuszczania Gór Allegheny. W 1763 roku Jerzy III zabronił kolonistom opuszczania Gór Allegheny. W 1765 r. uchwalono ustawę o opłacie skarbowej. W koloniach stacjonowały wojska do „walki z Indianami”. Koloniści oświadczyli, że ustawę uchwalił parlament, na którym nie było ich przedstawicieli. Po długich zmaganiach ustawa została uchylona, ale wprowadzone zostały cła.
slajd 1
slajd 2
W Ameryce jest jeden dzień w roku, kiedy wszyscy zostają w domu z rodziną i jedzą obfity obiad. To Święto Dziękczynienia. Pielgrzymi obchodzili pierwsze Święto Dziękczynienia jesienią 1621 roku.
W Ameryce jest jeden dzień w roku, kiedy wszyscy ludzie zostają w domu ze swoimi rodzinami i jedzą obfity posiłek. To Święto Dziękczynienia. Pielgrzymi po raz pierwszy obchodzili to święto jesienią 1921 roku.
slajd 3
Do Ameryki popłynęli z Plymouth w Anglii we wrześniu 1620 roku. Ich podróż trwała 3 miesiące. Przybyli do Ameryki po wolność religijną.
Popłynęli do Ameryki z Plymouth w Anglii we wrześniu 1920 roku. Ich podróż trwała 3 miesiące. Przybyli do Ameryki po wolność religijną.
slajd 4
slajd 6
Przed przybyciem Pielgrzymów w Ameryce mieszkali ludzie. Ci ludzie byli rdzennymi Indianami Ameryki. Polowali, łowili ryby i uprawiali ziemię, aby przeżyć.
Przed przybyciem Pielgrzymów w Ameryce mieszkali ludzie. Byli to narodowi Indianie amerykańscy. Polowali, łowili ryby i uprawiali ziemię, aby przeżyć.
Slajd 7
Pierwsza zima Pielgrzymów była bardzo trudna. Przybyli za późno, aby uprawiać jakiekolwiek rośliny. Bez świeżej żywności połowa Pielgrzymów zmarła.
Pierwsza zima Pielgrzymów była bardzo trudna. Przybyli zbyt późno, aby uprawiać jakiekolwiek rośliny. Bez jedzenia połowa Pielgrzymów zginęła.
Slajd 8
Następnej wiosny Indianie nauczyli Pielgrzymów, jak sadzić, łowić ryby, polować i przetrwać w Ameryce, uprawiać kukurydzę, dynie i używać żurawiny.
Następnej wiosny Indianie nauczyli Pielgrzymów, jak polować, łowić ryby i przetrwać w Ameryce, uprawiając kukurydzę, tykwy i używając żurawiny.
Slajd 9
Zboża szły dobrze i jesienią 1621 r. Pielgrzymi mieli wspaniałe zbiory. Byli wdzięczni i postanowili uczcić to Świętem Dziękczynienia.
Zboże rosło dobrze jesienią 1621 roku. Pielgrzymi zebrali dobre żniwo. Byli wdzięczni i postanowili obchodzić Święto Dziękczynienia.
Slajd 10
Przygotowali duży obiad z indyka, kukurydzy, fasoli i dyni. Zaprosili swoich indyjskich przyjaciół na tę trzydniową ucztę. Indianie również przynieśli swoje jedzenie na ucztę.
Ugotowali duży obiad z indyka, kukurydzy, fasoli i dyni. Zaprosili tam swoich indyjskich przyjaciół, aby wzięli udział w tej trzydniowej uczcie.
slajd 11
Amerykanie nadal obchodzą Święto Dziękczynienia jesienią. Obchodzony jest w ostatni czwartek listopada. Indyk nadal jest głównym daniem, a ciasto dyniowe i ciasto żurawinowe to najpopularniejsze desery.
Amerykanie nadal obchodzą Święto Dziękczynienia. Obchodzony jest w ostatni czwartek listopada. Indyk nadal jest głównym daniem na świątecznym stole, a ciasto z dynią i żurawiną to najpopularniejsze desery.
slajd 12
Amerykańskie dzieci nie mogą się doczekać spędzenia Święta Dziękczynienia z dziadkami.
Dzieci z niecierpliwością czekają na Święto Dziękczynienia z dziadkami.
slajd 13
Przypomina nam, że nasze pożywienie pochodzi z ziemi. Kukurydza indyjska służy jako dekoracja. Ludzie zwykle chodzą do kościoła rano lub po południu. Wypróbuj stary rytuał Święta Dziękczynienia w tym roku. Rozpocznij posiłek radosnym dźwiękiem Święta Dziękczynienia. Wszyscy ludzie dziękują za dobre rzeczy, które mają.
Przypomina nam, że ziemia daje nam pożywienie. W to święto ludzie zwykle chodzą do kościoła rano lub po południu. Są wdzięczni za wszystkie dobre rzeczy, które mają.
