În anii 1970, în cultura occidentală, provocând arta acum abstractă, a apărut o nouă tendință a picturii - fotorealismul (sau hiperrealismul, suprarealismul). Pânze uriașe de pictură în ulei, care doar dimensiunea diferă de fotografie. Nu a existat niciodată așa ceva în artă – artiștii și-au luat ca bază nu viața, ci fotografia, în plus, fotografia de zi cu zi, de amatori. În pozele fotorealiștilor - viața de zi cu zi banală, realitatea impersonală, bidimensională, rece, impersonală, lipsită de emoții, trecută prin fotografie. Superrealitatea este combinată cu detașarea atunci când copiați astfel de fotografii. Ideologia fotorealismului este recunoașterea faptului că publicitatea, televiziunea și, în principal, fotografia în diferitele sale manifestări domină atât percepția vizuală. omul modern care înlocuiesc realitatea ca atare. O fotografie este un obiect la fel de real și important ca realitatea - o fotografie este adesea chiar mai convingătoare decât realitatea în sine. Argumentând despre principiile percepției vizuale moderne și despre rolul artistului în societate, fotorealismul a devenit prima artă conceptuală.
Fotorealismul a demonstrat că fotografia este limbajul vizual cel mai adecvat pentru conștiința și percepția modernă, baza întregii culturi vizuale moderne.
Ralph Goings. „Suport pentru șervețele albastru”. 1980
Ralph Goings.
Fotografia modernă (fotografie contemporană - fotografia actuală) s-a format în anii 1990, când artiștii au început să lucreze cu fotografia ca mediu. Fotografia modernă nu există în afara contextului și este de neînțeles pentru un privitor nepregătit. Fotografia a încetat să mai fie un obiect estetic. Toată fotografia modernă poate fi împărțită în două domenii:
1. Fotografia conceptuală (se explorează singură);
2. Fotografia interdisciplinară (disciplinele înrudite pot fi: știință, cultură, sociologie; de exemplu, studii sociale sau dialog cultural cu fotografia clasică).
În paralel cu fotografia modernă, există arta plastică (artă frumoasă, artă despre frumusețe), a cărei singura sarcină este de a transmite frumusețea lumii înconjurătoare. La fotografie contemporană Arta plastică nu se aplică.
Fotografia conceptuală este fotografie despre fotografie, artă care analizează arta. Este ocupată să se exploreze: propriul ei limbaj, funcția, rolul ei, natura ei.
Sarcina principală a artistului este de a face privitorul să gândească, în timp ce fotografia conceptuală pune întrebări mai degrabă decât oferă răspunsuri. În timp ce o fotografie este creată, au loc cercetări și raționament, ele sunt mai importante decât rezultatul final - fotografia în sine. Fotografia este doar o media, o formă vizuală de exprimare a gândirii, cercetarea unui artist.
Seria în fotografia modernă are sens nou- aceasta nu este o istorie foto, ca în modernism, ci o tipologie, ca Karl Blossfeldt. Cu excepția unor autori, artiștii lucrează în serie (o declarație se naște doar într-o serie), unde fiecare fotografie individuală nu este un fel de poveste.
Inițial, fotografia conceptuală a fost inestetică din punct de vedere estetic, documentară și neinteresantă din punct de vedere pictural. Astfel, artiștii au definit un nou limbaj al fotografiei, un nou scop. După ce au eliminat din imagine toate declanșatoarele obișnuite ale fotografiei clasice („momentul decisiv”, compoziția, emoțiile, gesturile, o scenă recunoscută, evidențiind principalul lucru), artiștii au căutat să-l facă pe spectator să privească fotografia în sine, să se gândească la natura sa. Fotografia conceptuală nu judecă, uscată și îndepărtată.
Mai târziu, a apărut așa-numita „fotografie post-conceptuală”, care a devenit mai familiară din punct de vedere estetic și mai costisitoare de produs, ceea ce a afectat în consecință prețul operei de artă finale. De regulă, astfel de lucrări, în urma fotorealismului, sunt uriașe, filmate pe camere de format mare și tipărite în așa fel încât toate cele mai mici detalii să fie vizibile. Datorită acestui mod de prezentare a imaginii, fotografia se apropie de realitate cât mai mult posibil, permițând privitorului să împărtășească realitatea care este înfățișată în fotografie. Hiperdetalizarea dă hiperrealitate hipertrofiată. În același timp, mulți artiști folosesc estetica fotografiei amatoare pentru a-și transmite ideile.
Artiștii folosesc limbajul modern în fotografie, cu excepția cazului în care intră într-un dialog cultural cu istoria artei sau istoria fotografiei.
Abordarea conceptuală a fotografiei poate să fi diminuat la început interesul pentru genul naturii moarte. Cu toate acestea, datorită unor artiști, natura moartă fotografică a primit noua etapa dezvoltare. Așadar, Jan Gruver (1943-2012) a transformat ustensilele de bucătărie în compoziții iscusite. Grover acordă prioritate formei în locul conținutului, în timp ce aproape elimină tema din munca sa. Compozițiile ei constau adesea doar din marginile obiectelor tăiate dincolo de recunoaștere. Textura este la fel de importantă ca și forma. Fotografiile lui Gruver din această serie sunt mai puțin de ustensile de bucătărie și mai mult de reprezentări complexe, uneori abstracte ale aranjamentelor spațiale care implică formă, culoare și textura.
Jan Gruver. Fără titlu. 1978
Lucrarea artiștilor elvețieni Peter Fischli (n.1952) și David Weiss (1946-2012) stabilește fotografia ca mijloc prin care artistul este capabil să prezinte obișnuitul, dar în cazul lor este denaturat, condiționat, dubios. Pentru seria lor Balance/Quiet Afternoon, ei au luat obiecte de zi cu zi și le-au echilibrat în structuri instabile, astfel încât sculpturile ciudate se clatină în pragul colapsului. Sculpturile lor care sfidează gravitația au o fragilitate și o fragilitate picante, iar camera le-a făcut eterne.
Peter Fischli și David Weiss. „După-amiază liniștită” 1984-1985
Nobuyoshi Araki (n. 1940), care este considerat un geniu și cel mai mare fotograf japonez în viață, are un interes deosebit pentru subiectul feminității, figura feminină și sexul. Cu ajutorul miezului unui fruct copt, ușor șifonat, Araki a repetat forma organului feminin. Creand seria „Erotos” în 1993, Araki a venit cu numele, combinând în el două teme care joacă un rol cheie în arta sa: temele lui Eros și Thanatos (conform teoriei lui Z. Freud, „Eros” - dragoste, creație, sex, viață, „Thanatos” - dorința de cruzime, agresivitate, sadism și moarte). În fotografiile lui Araki, aceste forțe se ciocnesc: sursa poftei masculine este fructul, care a început deja să se muceze și să se descompună. Criticul de artă Jerry Badger a spus: „Pornografia este într-adevăr în ochii privitorului”.
Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993
Foto Margriet Smulders „Dragostea învinge totul” dă naștere unor sentimente conflictuale. În ea, se remarcă influența picturilor din secolul al XVII-lea și se aud ecouri ale temei confortului acasă. Frumusețea aici este indisolubil legată de degradare. Florile din fotografiile pe care Smulders le face adesea cu oglinzile par să fie pe cale să cadă. Ea însăși numește florile „actori”, înfățișând „întreaga lume, cu toate relațiile și situațiile dramatice”. Există o vagă amenințare pentru această fotografie, cu ramuri curbe tăind compoziția ici și colo, și un gol albastru apos în centru care amenință să inunde întreaga imagine și să distrugă florile fragile. Smulders lucrează în genul clasic de natură moartă, dar culorile exagerate, nerealiste creează un efect dur care nu se găsește în mod normal în fotografia cu flori. La fel ca mulți fotografi moderni, Smulders a văzut moartea și inevitabilitatea decăderii în natură. Florile din imaginea ei par să fie părți separate ale corpului, precum dinții și limbile, care sunt sortite putrezirii. „Picturile luxuriante și neobișnuit de erotice te duc într-o altă dimensiune. Oglinzi uriașe, vaze de sticlă cu volante, draperii groase, fructe și buchete decupate – în asta constau aceste „pânze” – spune însăși Margriet Smulders despre munca ei.
Margriet Smulders. "Dragostea invinge tot." 125x1100 cm.Fragment. 2005
Această lucrare este într-o rezoluție bună pe site-ul web al autorului http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 unde o puteți derula într-un ritm confortabil și rămâneți la orice parte
Uimitor site Smulders cu alte lucrări http://www.margrietsmulders.nl
Fotograful american James Welling (n. 1951) își numește practica „renașterea modernismului, dar într-un context istoric”. Seria Flower este o analiză profundă a trecutului fotografiei, a statutului său pe măsură ce a evoluat. Welling plasează butașii de plante pe film alb-negru și expune, umbrele lor albe reflectate pe fundalul negru al negativului. Apoi, cu ajutorul filtrelor de culoare de diferite forme, expune din nou. Rezultatul sunt fotograme strălucitoare de flori - contururile lor întunecate pe un fundal alb cu o multitudine de nuanțe radiante moi. John Herschel a inventat termenul de „fotografie” (a scrie cu lumină), în timp ce William Henry Fox Talbot a inventat un alt termen – „sciografie” (arta umbrelor). Seria „Floare” este rodul ambelor definiții: prima etapă (crearea unui negativ) folosește umbra unei plante, a doua (crearea unui pozitiv colorat) umple umbra cu lumină puternică, dând naștere unei fotografii. Welling amintește că umbra joacă la fel rol important atunci când creați o fotografie, la fel ca lumina. „Nu este că nu mă interesează conținutul, dar conținutul nu este singurul lucru care dă sens unei fotografii”, spune Welling.
James Welling. Din seria „Floare”. Tehnica fotogramei autorului. 2006
Fotografii cu flori pe site-ul Welling, unde puteți găsi și alte proiecte http://jameswelling.net/projects/17
Abstracții monumentale de Christian Marclay (n. 1955) - „Reminder (Survival of the fittest)”. Numele servește ca un indiciu - este un memento al unui medium pe moarte. La o examinare mai atentă, casetele sparte devin vizibile, devine clar că o bandă magnetică desfășurată este întinsă de-a lungul întregii imagini. Pentru aluzia sa la teoria lui Darwin și „extincția” casetelor, Marclay a recreat cu pricepere tehnologia cianotipului aproape dispărută din secolul al XIX-lea și a imitat stilul „disparut” al impresionismului abstract și al lui Jackson Pollock.
Christian Marclay. „Cel mai puternic supraviețuiește”. Cianotipuri. 2008
„Radiațiile emană din corpul real, „fiind acolo”, atingându-mă, situat în alt punct; cu privirea mea, corpul obiectului fotografiat leagă aparența unui cordon ombilical”, a scris Roland Barthes, iar cuvintele sale au făcut ecou afirmația lui Susan Sontag că „fotografia permite obiectului înfățișat pe ea să ne atingă ca razele stelare întârziate. O urmă, un indicator, orice fir care leagă fotografia cu realitatea sunt țesute în mod interesant în opera fotografului britanic Richard Learoyd (Richard Learoyd) (n.1966). În atelierul său, el a dezvoltat un complet tehnologie nouă Fotografie. Folosind camera ca o cameră întunecată, el creează pânze uriașe pe hârtie fotografică pozitivă. Lumina care sare de pe obiect este aceeași lumină care strălucește în ochii tăi. După cum ar spune Barthes, obiectul și privitorul sunt conectați printr-un cordon ombilical de fotoni. Imaginile în oglindă ale lui Learoyd par incredibil de apropiate; astfel de fotografii au fost numite de primii teoreticieni ai fotografiei „nebunia materiei” sau, după cum spunea André Bazin, „o halucinație care este în același timp adevărată”.
În fotografia „Blocuri de beton cu iepure de câmp”, corpul neînsuflețit al unui iepure de câmp „ține” blocuri de beton în stare semi-suspendată, reprezentând o parodie înghețată a vieții. Reproducerile lui Learoyd, la fel ca mulți alți artiști contemporani, rareori rezonează cu spectatorii. Tehnica sa inovatoare de fotografie îi permite să creeze imagini monumentale cu detalii incredibil de clare, chiar și atunci când sunt privite de aproape. Spectatorii sunt atrași de pânze uriașe cu imagini hiper-realiste. În fotografia prezentată aici, o astfel de forță de prezență, o asemenea credibilitate creează un contrast puternic cu trunchiul fără viață al unui animal mort. Folosirea de către Learoy a hârtiei fotografice pozitive evocă una dintre primele forme de fotografie (care a devenit populară pentru fotografiarea morților): dagherotipul. Lumina vine direct din obiect și se așează pe suprafața dagherotipului, unde, la fel ca în tehnica lui Learoyd, nu există un negativ intermediar.
Richard Learoyd. „Blocuri de beton cu un iepure de câmp”. 2007
Videoclip despre Learoyd și camera sa http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694
Majoritatea lucrărilor maestrului german Thomas Demand (n. 1964) sunt copiate din fotografii, inclusiv din știri, dobândind un triplu sens: de fapt, acestea sunt fotografii ale sculpturilor de hârtie ale fotografiilor imaginii originale. Conștientizarea acestui lucru duce privirea privitorului în jos de-a lungul galeriei oglinzilor, unde diferența dintre realitate și ficțiune devine evidentă. Cererea începe prin selectarea unei fotografii, apoi creează o copie 3D la dimensiune naturală din hârtie și carton, pe care o distruge după ce fotografia este făcută. Fotografiile sursă descriu adesea evenimente celebre, cum ar fi lucrarea sa „Poll Office”, el reproduce fotografii ale Centrului de Operațiuni de Urgență din Palm Beach, unde au avut loc alegerile prezidențiale din anii 2000. Imaginea ridică problema procesului de „contemplând hârtie cu găuri pentru mai mult de 6 săptămâni, când două sute sau trei sute de coli de hârtie ar afecta în mod semnificativ soarta acestei lumi”. La prima vedere, imaginea din imagine arată ca un birou mare. Cu toate acestea, la o examinare mai atentă, se observă că toate telefoanele sunt la fel, suprafețele sunt plane și acesta este un birou din hârtie. Hârtia este atât un mediu de imagine în relief, cât și un obiect de imagine (buletine). Imitând subtil realitatea, Demand ridică problema autenticității fotografiei. Pot fi de încredere fotografiile? Este real ceea ce descrie?
Cererea Thomas. „Punctul de vot”. 2001
Lucrarea cererii pe site-ul lui (nu uitați că totul este doar hârtie) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/
Oamenii percep adesea fotografia ca pe un purtător de informații care surprinde cu adevărat o parte a lumii. Lucrarea lui Ori Gersht (n. 1967) complică această viziune forțând privitorul să caute discrepanțe între fotografie și viziunea umană. Imaginea „Explozie” din seria „Time After Time” arată o imagine hiperrealistă care împarte timpul în particule minuscule, ceea ce depășește puterea ochiului uman. De asemenea, scoate la suprafață tensiunea care domnește între frumusețe și cruzime. Gersht recunoaște: „Mă interesează contrariile – frumusețea și respingerea, modul în care momentul distrugerii din timpul exploziei buchetului devine pentru mine momentul creației”. Gersht a înghețat mai întâi florile cu azot lichid, apoi a plasat mici proiectile explozive între petale și a surprins momentul exploziei cu camere digitale de mare viteză și un instrument electronic special conceput care le-a tras. Buchetul de flori a fost imortalizat în momentul exploziei.
Ori Gersht. "Buchet de flori". 2000
Un alt proiect pe site-ul CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/
Sharon Core (n. 1965) s-a format inițial ca artist și ulterior s-a recalificat ca fotograf. Prin urmare, ea trasează o linie clară între aceste două mijloace de exprimare. Intrând într-un dialog cu fotorealiştii care au pictat imagini din fotografii, Cor creează fotografii din imagini. Poza „Mere” a fost inclusă în seria „Stil colonial”. Privind această imagine, se pare că aceasta este doar o fotografie a unui tablou din epoca vechilor maeștri. „Eu pun în scenă „realitatea” unei picturi din secolul al XIX-lea în ceea ce privește iluminarea, ideea și scara... pentru a ajunge la o reprezentare iluzorie a unei alte epoci.” Ea a fost inspirată de Raffaelle Peale, autoarea a peste o sută de naturi moarte create în perioada 1812-1824. Când a recreat compoziția din pictura lui Peale în atelierul ei, Cor a încercat să transforme obiecte tridimensionale în suprafețe de relief bidimensionale din pictura artistului. Tehnica ei trasează o linie îndrăzneață între fotografie și pictură, lăsând spectatorii să pună la îndoială genul operei și rolul autenticității.
Sharon Cor. „Mere”. 2009
Lucrarea Laurei Letinsky (n. 1962) „Untitled No. 23” în stilul său seamănă cu o natură moartă veche, unde tradițiile olandeze și flamande sunt clar urmărite. Ea recunoaște că este influențată de amestecul capricios al Renașterii de Nord și de Sud, iar creațiile ei reflectă acest sentiment „ambiguu, confuz și greu” al spațiului. Compozițiile lui Letinsky sunt prezentate în lumină naturală. Pentru ea, lumina este și o protagonistă, „incontrolabilă... Lumina este capabilă să surprindă”. Ea folosește lumina dimineții pentru cea mai mare parte a muncii ei, dar pentru seria Câine și lup a ales o strălucire catifelată și întunecată și viteze foarte mici ale obturatorului. Titlul episodului este o aluzie la zicala franceza despre amurg, timpul magic in care cainii se transforma in lupi.
Fotografiile ei la scară mare creează o atmosferă de tangibilitate și intimitate, de parcă ai avea nevoie doar să te întinzi pentru a ajunge
subiect. „M-a surprins că The Last Supper este o scenă de masă în care mâncarea de pe masă acționează ca un personaj suplimentar, joacă un rol secundar. Și m-am gândit ce s-ar întâmpla dacă eliminăm personajele principale și lăsăm totul așa cum este. Accentul său principal este pus pe ideea că fotografia arată ceva care nu mai există.
Coaja aruncată a unei portocale pe jumătate mâncată și cojile de fistic împrăștiate - întreaga scenă seamănă cu o masă care nu a fost curățată după cină. „Fotografiez resturi și gunoi pentru a analiza relația dintre maturitate și distrugere, rafinament și stângăcie, control și aleatorie.” Perspectiva imaginii este foarte neobișnuită: masa arată disproporționat din punct de vedere geometric, iar fisticul de pe podea se contopește practic cu cojile de pe masă. Compoziția fantomatică a lui Letinsky creează o atmosferă dureroasă de nesiguranță și absența unei prezențe umane în trecut. „Mă interesează ce s-a întâmplat” după „, ce a mai rămas... și ce a dispărut pentru totdeauna”.
Laura Letinsky. „Fără titlu nr. 23”. 2009
Fiecare autor are propria abordare a naturii moarte, fiecare își rezolvă propriile probleme, folosind metode unice de obținere a imaginilor și forme de prezentare. Dar, în orice caz, în natura moartă modernă, ca în toată fotografia modernă, ideea iese în prim-plan. În funcție de enunț, sunt selectate atât metoda de fotografiere (în scenă sau documentară), cât și metoda de prezentare a imaginii finale (plastificare, casete luminoase, cărți foto ale autorului, imagini obținute prin metode alternative de imprimare sau folosind primele tehnologii foto etc.).
Încă de la începuturile dezvoltării fotografiei, fotografia cu natură statică a fost întotdeauna deosebit de populară și totul datorită faptului că obiectele fotografiate sunt statice și nemișcate și puteți experimenta cu ele fără a vă limita în timp și idei - până la urmă , primele camere au avut o expunere foarte lungă, ceea ce a complicat sarcina de a surprinde scene dinamice. Astăzi, după aproape două secole, arta fotografiei continuă să se îmbogăţească cu cadre interesante cu tot felul de obiecte aranjate într-un anumit fel şi cu un concept anume. Mulți fotografi preferă acest gen special față de toate celelalte, deoarece munca în el nu cunoaște limite.
La prima vedere, poate părea că fotografiarea obiectelor statice într-o natură moartă este o chestiune simplă și rapidă, dar în realitate totul se dovedește a fi complet diferit. Dificultățile încep de la bun început, atunci când alegeți elementele necesare și aranjați-le în conformitate cu toate legile compoziționale, și se termină cu aranjarea luminii și selectarea unui unghi de fotografiere câștigător, care în concluzie trebuie învins cu o procesare a imaginii de înaltă calitate. Fotografii petrec ore sau chiar o zi întreagă pentru o astfel de muncă - altfel nu veți obține fotografii profesionale.
Caracteristici de fotografiere a naturii moarte
Avantajul de a lucra cu natură moartă este că nu trebuie să cauți un loc special de filmat sau un munte de echipament profesional. Chiar și un mediu acasă este potrivit ca locație: alegeți un loc luminat de lumina zilei sau folosiți un bliț, selectați și construiți singur un fundal potrivit - și puteți fotografia.
Spre deosebire de fotografierea portretelor și a peisajelor, de exemplu, aveți nevoie de mult mai puține detalii suplimentare. Dar principala diferență este că veți avea la dispoziție atât timp cât aveți nevoie pentru a lucra, deoarece interacțiunea cu subiectul este mult mai ușoară: le puteți rearanja, le puteți elimina pe cele inutile, puteți adăuga altele noi, încercați un număr infinit de unghiuri și întruchipați orice idei. . Cu oameni, resurse energetice care sunt limitate, nu vor exista astfel de oportunități la tragere.
Când fotografiați oameni, animale sau peisaje, fotografii trebuie adesea să facă totul aproape pe fugă, dar în cazul obiectelor nevii totul este diferit: puteți gândi fiecare lucru mic și puteți crea o fotografie cu adevărat perfectă.
Printre altele, fotografia cu natură statică a fost întotdeauna apreciată în fotografia comercială, așa că fotografiile bune pot aduce nu numai plăcere estetică, ci și un profit bun. În lumea modernă apar tot mai multe reviste, cataloage și alte publicații de diverse feluri, în care este necesar să se demonstreze o mare varietate de articole și mărfuri: alimente și preparate gata, băuturi, accesorii, haine, articole de interior și mult mai mult. Astfel de fotografii pot fi promovate independent pe Internet, folosind schimburi speciale și alte resurse.
Ce să fotografiezi?
Pentru mulți, genul natură moartă din fotografie pare clasic, standard și previzibil, în care locul principal în cadru îl revine legumelor, fructelor sau florilor. De fapt, ce să fotografiezi depinde doar de imaginația și preferințele tale. Aruncă o privire în jur și caută obiecte care își pot spune povestea, oricât de neobișnuite ar fi acestea. La urma urmei, aici, ca în orice alt gen, există un loc pentru originalitate și creativitate.
Puteți găsi lucruri neobișnuite sau interesante pentru filmare oriunde: la plimbare, într-o cafenea și în multe alte locuri. Amintește-ți sau notează ideea care ți-a apărut în cap atunci când vezi obiectul care îți place și încearcă să-l întrupezi în mediul tău acasă. Pentru incepatori, este recomandat sa inceapa cu obiecte mai simple, evitand sticla si metalul, greu de asortat cu iluminatul. După ce ați exersat pe ceva de înțeles, puteți alege forme mai complexe, combinând obiecte între ele în combinații benefice.
Configurarea luminii
Avantajul fotografiei cu natură statică este că nu este necesar să achiziționați echipamente scumpe de iluminat pentru aceasta, așa cum este necesar pentru fotografierea în studio. Amintiți-vă că aveți controlul complet asupra întregului flux de lucru, astfel încât să vă puteți ocupa de lumină cu o cantitate minimă de echipament și acasă.
Puteți folosi nu numai orice sursă de lumină artificială, ci chiar și lumina naturală. În primul caz, puteți bloca pur și simplu lumina zilei acoperind strâns ferestrele cu jaluzele și perdele, construind toată lumina într-un mod artificial. În cazul luminii zilei, trebuie doar să alegeți cel mai luminos punct din cameră, lângă fereastră, care nu este obstrucționat de copaci, clădiri și alte obstacole.
Unora li se poate părea că nu puteți face fotografii bune cu lămpi cu incandescență obișnuite, dar nu este așa. Principalul lucru este să înveți cum să lucrezi cu surse artificiale lumină, experimentând aranjarea lor. Puteți ilumina un obiect nu doar din față, ceea ce poate fi destul de plictisitor, ci și din lateral și chiar din spate, obținând rezultate interesante. Dar dacă aveți o sursă de lumină naturală de înaltă calitate și puternică, atunci nu o neglijați, dar asigurați-vă că încercați să o utilizați la fotografierea obiectelor: poate fi completată cu reflectoare speciale de lumină sau poate fi combinată cu o lampă.
Puteți face singur un reflector de lumină folosind carton și folie.
Lucrul cu unghiuri
Un asistent excelent in fotografiarea obiectelor statice si a naturii statice este un trepied special pentru camera, care ii permite sa se tina ferm in pozitia potrivita si sa fotografieze cadre chiar si cu viteze foarte mici ale obturatorului. Pe lângă aceasta, puteți achiziționa o telecomandă care vă va permite să urmăriți filmarea din lateral.
Cum se folosește trepiedul toata puterea? Cu acesta, puteți urmări intriga și puteți utiliza multe unghiuri interesante - principalul lucru este să nu uitați să le schimbați, altfel camera poate sta într-o singură poziție pentru întreaga ședință foto, ceea ce va face imaginile de același tip. Un trepied pentru cameră ar trebui să sublinieze varietatea unghiurilor de fotografiere și să nu îți limiteze în niciun fel ideile. Schimbați poziția camerei, rearanjați trepiedul în locurile cele mai neașteptate, schimbați lumina și setările - toate acestea vă vor ajuta să creați o varietate de fotografii pe care doriți să le luați în considerare.
Când mutați echipamentul, nu uitați să vă asigurați că iluminatul nu este ascuns.
Ce fundal ar trebui să fotografiezi?
Selectarea corectă a fundalului pentru o natură moartă joacă un rol important în crearea unei imagini de înaltă calitate. Fundalul trebuie să fie simplu și neutru, pentru a nu atrage atenția de la subiect. Atunci când alegeți un fundal, opriți-vă la un perete simplu, iar dacă nu există, atunci folosiți carton alb sau orice altă culoare potrivită. Puteți folosi și un model ușor și discret, dar numai dacă nu iese prea mult în evidență, rupând armonia imaginii.
Atunci când alegeți o nuanță de fundal, acordați atenție modului în care interacționează cu subiecții fotografiați. Puteți alege atât o culoare albă neutră, cât și o nuanță mai complexă, care va completa imaginea.
Dacă fotografiați subiecte mici, este posibil să nu aveți nevoie de un fundal. Alegeți doar suprafața pe care vă așezați subiectul dorit. O opțiune populară în acest caz este țesătura de catifea neagră, care absoarbe bine culoarea și arată uniform.
reguli de compunere
Ca și în cazul oricărei alte forme de fotografie, compoziția joacă un rol important în fotografia cu natură statică. Ea este cea care determină în mare măsură dacă imaginea se va dovedi sau nu. Compoziția potrivită va face munca ta unică, interesantă pentru privitor și foarte memorabilă.
Cel mai regula importanta despre care fiecare fotograf știe că este regula treimii. Urmăriți-l și veți obține imagini care sunt plăcute de privit. De asemenea, nu uita ca cadrul trebuie alcatuit in asa fel incat sa nu contina detalii care distrage atentia, ci doar esentialul: evidentiaza subiectul principal si fundalul.
A crea imagini frumoase, folosiți-vă toată imaginația și nu vă fie frică de soluții nestandardizate. Gândiți-vă la unde se uită spectatorul în timp ce vizionează fotografia și cum este utilizat spațiul gol din cadru și dacă ar trebui să fie umplut. Este necesar să se efectueze buna treabași înțelegeți cum să prezentați obiectul fotografiat în cea mai bună lumină, arătându-și nu numai frumusețea, ci și reflectând sensul investit în lucrare. Da, trebuie lucrat și contextul: trebuie să decideți dacă elementul va arăta bine singur sau dacă merită să adăugați detalii suplimentare. Numai lucrând prin toate punctele de mai sus, vei putea crea un cadru perfect din punct de vedere compozițional.
Greșeli de fotografie cu natură moartă
Fiecare fotograf care abia începe în natura moartă și fotografia cu natură statică se confruntă cu aproximativ același set de capcane ca toți ceilalți. Nu vă supărați dacă la început întâmpinați dificultăți, deoarece acestea ne învață înțelegerea corectă a procesului de fotografiere și lucrăm cu toate subtilitățile și nuanțele fotografiei cu natură statică. Merită să analizați cele mai frecvente motive din cauza cărora se comit greșeli și deficiențe în muncă.
- Nu este suficientă practică . Toate abilitățile și experiența de lucru sunt dobândite numai în timpul procesului de filmare, așa că trebuie să vă antrenați și să vă umpleți mâna cât mai mult și cât mai des posibil. Trag înăuntru timp liber, în curând veți învăța cum să setați setările adecvate ale camerei și să lucrați cu mulți parametri. Aceasta include și lucrul cu compoziția: cu cât experimentezi mai mult, cu atât mai repede vei începe să înțelegi principiile construcției și viziunii sale.
- Idee neterminată . Totul începe cu o idee și numai după ce se formează o idee clară despre viitoarea fotografie, obiectele și detaliile, precum și fundalul, sunt selectate pentru aceasta. Mesajul artistic și sensul inerent sunt foarte importante, fără ele întregul proces de fotografiere a „ceva” va fi un eșec.
- Lucrări slabe de iluminat . Trebuie să vezi clar că nu există exces sau lipsă de lumină, altfel orice, chiar și cea mai originală și creativă idee va fi distrusă. Puteți folosi lumina zilei, blițuri externe speciale, lămpi și chiar lumânări - principalul lucru este că subiectul este iluminat corespunzător. Rețineți că lucrul cu reflectoare va îmbunătăți rezultatul, așa că încercați să nu utilizați lumină directă.
- Lucrând cu echipamente sofisticate . Un începător și orice alt fotograf nu trebuie să urmărească echipamente scumpe - fotografii bune cu naturi statice sunt obținute chiar și la costuri minime. Calitatea imaginii depinde direct de abilitate, și nu de câți bani au fost investiți în muncă.
- Incoerența stilului . Puteți experimenta oricând culori, combinații de obiecte, texturi și texturi, forme. Dar nu ar trebui să încercați să introduceți în imagine un obiect care nu se potrivește absolut în compoziție în ceea ce privește stilul, epoca sau alți parametri evidenti.
- Greșeli în selectarea fundalului . Spatele unei fotografii nu este deloc un fleac, ci un detaliu care poate „ucide” cu ușurință o fotografie, o poate face inestetică și chiar respingătoare. Fiți deosebit de atenți atunci când alegeți un fundal pentru o natură moartă: dacă nu apare în niciun fel în idee și compoziție, atunci alegeți nuanțe neutre care să nu atragă atenția asupra dvs. De exemplu, puteți alege o culoare albă cu o textură simplă.
Principalul lucru pe care trebuie să-l știți despre fotografierea cu natură moartă de succes și de înaltă calitate este că ar trebui să trageți în mod constant, să puneți mâna pe ea ori de câte ori este posibil și chiar pe orice obiect, iar apoi veți putea obține rezultate bune în acest meșteșug și chiar începe să faci bani din asta.
Natura moartă ca gen de artă a apărut în îndepărtatul secol al XV-lea și apoi a avut o conotație religioasă foarte clară. Multe imagini cu sfinți au fost înrămate cu aranjamente florale. Deja în secolul al XVII-lea, natura moartă s-a format în sfârșit ca gen, în același timp au apărut regulile de bază ale compoziției și tehnicile clasice.
De la apariția fotografiei, natura moartă nu și-a pierdut din popularitate, chiar dacă majoritatea fotografilor de astăzi sunt atrași de posibilitatea de a fotografia în acțiune. Maeștrii tind să filmeze ceva momentan și neașteptat, imaginile statice sunt mai puțin atractive și mai puțin interesante pentru mulți.
Unii pot crede în mod eronat că fotografia cu natură statică nu este un tip de fotografie dificil, deoarece poate părea că fotografiarea a ceva care nu se mișcă și nu se schimbă în timp nu este atât de dificilă. De fapt, fotografiile cu natură moartă sunt rezultatul unei lungi munci monotone. Un fotograf de natură statică trebuie să lucreze tot timpul cu lumină și obiecte. Schimbă periodic subiecte, fundaluri și unghiuri.
Ca exemple grozave de fotografii cu natură moartă, vă vom arăta imagini Paulette Tavormina – fotograf celebru din New York. Trăiesc în oraș mare, Paulette și-a găsit propriul mod de a scăpa din forfotă. Ea dispare ore întregi în propriul studio, filmând naturi moarte, formate din legume, fructe și flori. Fotografiile Paulettei Tavormina amintesc de imaginile clasice ale picturii clasice. Sunt foarte artistici și fascinanti.
Paulette Tavormina creează, de asemenea, aranjamente uimitoare de flori, plante și insecte mici în avion. Imaginile sunt mai mult ca ilustrații din cărți despre botanică sau modele uimitoare de plante.
Fotografiile Paulettei Tavorminei se află în muzee, colecții corporative și private și au fost prezentate la Paris, Londra, Moscova, New York, Los Angeles, Miami și Chicago. Paulette este o fotografă autodidactă, și-a dezvoltat ea însăși tehnica sa unică de fotografie cu natură moartă, studiind picturile maeștrilor olandezi.
modele de legume
Natura moartă poate fi numită pe bună dreptate unul dintre cele mai dificile genuri din orice fel de artă plastică. Și în fotografie la fel. Natura, de exemplu, este frumoasă în sine. Pentru a crea un peisaj bun, este suficient ca un artist să găsească un loc atractiv, cu alte cuvinte, o natură frumoasă și să transmită starea naturii pe pânză. Da, cu siguranță este dificil. Foarte dificil. Nu toată lumea este capabilă să transmită starea de spirit din imagine. Este mai greu să faci asta într-o natură moartă. Până la urmă, într-o natură moartă, spre deosebire de, să zicem, un peisaj sau un portret, artistul însuși organizează această natură, construiește el însuși compoziția, selectează obiecte pentru imagine... Toate acestea se aplică și fotografilor. Când lucrezi la o natură moartă mare rol imaginația creativă a autorului joacă, cunoașterea legilor compoziției, sentimentul texturii și luminii... La urma urmei, spre deosebire de peisajul deja creat înaintea artistului de către natură și om, artistul creează o natură moartă de la zero, o organizează pe tabula rasa. Unde nu era nimic înainte. Acesta este probabil motivul pentru care nu orice artist poate crea o natură moartă bună. Uită-te doar la pictori. Există mulți adevărați maeștri ai naturii moarte printre ei? Există mult mai mulți pictori de portrete și peisaje... Același lucru se poate spune despre arta fotografiei.
În acest articol, vom încerca să vă spunem cum să creați o natură moartă fotografică bună. Desigur, vom da câteva sfaturi în acest sens. Sperăm că te vor ajuta în munca ta de creație. Ele vor stimula creativitatea.
Cum începe o natură moartă?
O natură moartă începe cu o idee, adică cu o idee. Privește în jur - care dintre ceea ce este în casa ta este de interes ca obiect pentru alcătuirea unei compoziții de natură moartă? Ce obiecte „cere” cadru? Obiectele vechi și „texturate” arată foarte bine într-o natură moartă - diverse vaze, ceasuri, cărți vechi, figurine de porțelan, lămpi de masă, seturi, sfeșnice și lumânări, unele lucruri din țesătură grosieră și mare - șervețele, fețe de masă ... Arată bine în naturile moarte ale fructelor și legumelor. Florile sunt, de asemenea, unul dintre obiectele preferate ale pictorilor de naturi moarte. În plus, florile nu sunt doar vii, ci și uscate. Nu există limită pentru fantezie. O varietate de obiecte sunt potrivite pentru natura moartă. Principalul lucru este că toate aceste obiecte se armonizează între ele în formă, culoare, textură, sens ... Ei bine, de exemplu, care este ideea de a combina într-o natură moartă, de exemplu, clește și o vază de mere?
Să începem bine, măcar cu cea mai simplă compoziție: o natură moartă, al cărei „personaj” principal va fi un bol cu fructe. Cineva va spune că o astfel de natură moartă este cea mai comună, comună și departe de a fi nouă. Şi ce dacă! De acord, ce poate fi mai frumos și mai interesant decât fructele frumoase într-o vază frumoasă? Aceasta va fi ideea naturii noastre moarte. Acum haideți să decidem ce articole avem pot fi plasate lângă o asemenea frumusețe, ce texturi și culori vor fi în armonie cu culorile și texturile fructelor și ale vazei în sine. Având în vedere toate acestea, amintiți-vă conținutul semantic al naturii moarte. La urma urmei, o natură moartă, ca orice altă pictură, trebuie să spună o poveste. Ei bine, imaginați-vă, de exemplu: o vază cu mere, pere și cireșe, iar lângă ea sunt câteva flori sălbatice și o cană cu lapte. Toate acestea sunt amplasate pe o masă rustică simplă din lemn. Iată o poveste despre o dimineață devreme în sat!
Alegerea unei locații pentru fotografia de natură statică
Orice poate servi drept tabel de subiecte pentru o natură moartă. Orice masă din casa ta poate juca acest rol. Și nu numai masa. Obiectele pentru fotografia de natura statica pot fi asezate pe pervaz, pe noptiera, chiar si pe raftul din dulap. Criteriul principal aici este rezistența acestui tabel de obiecte și suprafața sa suficientă. Pentru ca să existe un loc în care imaginația ta creativă s-ar simți calmă, astfel încât să fie spațios și ușor să trăiești acolo. Chiar și pe podea, puteți organiza compoziții din obiecte pentru filmarea naturii moarte. Ei bine, dacă suprafața pe care îți așezi articolele este inestetică sau nu se potrivește deloc după toate criteriile posibile pentru natura moartă la care lucrezi, atunci o poți acoperi cu o cârpă frumoasă: o față de masă sau un șervețel. Puteți pune doar o bucată de hârtie sau un placaj frumos pe ea, de exemplu.
Nu uita de fundalul naturii tale moarte. Contextul în acest gen de artă plastică joacă un rol foarte important. La urma urmei, el este cel care stabilește întreaga stare de spirit a imaginii (și a fotografiei, desigur)! Ei bine, de exemplu, dacă fundalul naturii tale moarte este negru, visiniu, maro închis sau constă dintr-o combinație a acestor culori, atunci imaginea ta se va dovedi a fi dramatică, într-un fel chiar oarecum sumbră. Un fundal deschis - alb, roz, verde deschis, albastru - va da naturii moarte tandrețe, senzualitate, romantism. Pe un fundal deschis este bine să fotografiați naturi moarte „feminine”, pe un fundal întunecat – „mascul”. Adică acelea pe care obiectele de natură moartă par să aparțină unei femei sau unui bărbat, sau sunt destinate acestora.
Materialul pentru fundalul unei naturi moarte poate fi placaj sau carton, vopsit în culoarea dorită, orice alt material, de preferință nu strălucitor, ci mat. Este foarte dificil să lucrezi cu un fundal strălucitor chiar și pentru buni maeștri ai fotografiei. Dacă utilizați țesătură ca fundal, atunci poate fi drapată frumos, adică așezată în pliuri spectaculoase. Unii oameni reușesc să înregistreze naturi moarte fără să folosească deloc fundalul ca subiect. Puteți face acest lucru dacă nu folosiți lumină naturală, ci fotografiați numai sub lumină artificială într-o cameră întunecată. În acest caz, dispozitivele de iluminat trebuie direcționate exclusiv către obiectele fotografiate în sine. În același timp, tot ce rămâne în afara acestui punct de lumină intră în întuneric complet și se transformă într-un fundal negru mat, profund și frumos.
Construirea unei compoziții de natură moartă
Crearea unei compoziții este poate cea mai dificilă etapă în lucrul la o natură moartă. Pentru unii, acest pas poate părea nesemnificativ, necomplicat. Se pare că, la prima vedere, totul este simplu: puneți frumos pe masă obiecte frumoase - și începeți să le fotografiați. Dar nu este deloc cazul. Mai precis, absolut nu! Foarte repede îți vei da seama că unele obiecte nu se armonizează între ele, de exemplu, în culoare, în dimensiune, în sens... Compoziția se dovedește a fi disproporționată, „cade” într-o parte sau pe cealaltă. Pe scurt, conștientizarea că această etapă a lucrării la o natură moartă este cea mai dificilă și cea mai importantă vă va veni mai devreme sau mai târziu. Și veți înțelege că nu este atât de perfect, dar chiar și doar plasarea corectă a obiectelor pentru o natură moartă este o sarcină foarte, foarte dificilă. Și departe de orice fotograf și artist o poate rezolva rapid.
Deci, să trecem la lucrul propriu-zis. Începem să creăm compoziția viitoarei noastre naturi moarte.
În primul rând, trebuie să stabilim care va fi centrul de interes în natura noastră moartă pentru privitor. Mai simplu spus, care va fi obiectul principal din imaginea noastră, cel în jurul căruia se va construi și se va învălui întreaga poveste. Ei bine, de când am început să vorbim despre natura moartă folosind exemplul unei vaze cu fructe, să continuăm acest subiect. Lasă-o, această vază, să fie centrul, obiectul principal al întregii compoziții.
În primul rând, trebuie să țineți cont de faptul că centrele semantice și geometrice ale oricărei imagini, inclusiv fotografia și, desigur, natura moartă, nu coincid întotdeauna. Pe scurt, dacă fructul nostru se află în mod clar în centrul zonei cadrului, la intersecția diagonalelor sale, acest lucru este rău (cel mai adesea rău. Dar nu uitați că există excepții de la orice reguli ...). Așa că vă recomandăm să mutați vaza pe o parte a cadrului. Puteți pune sau pune unul sau mai multe articole lângă el. Ei bine, de exemplu, pune un măr lângă vază. Sau puneți un pahar frumos de vin lângă el... Dacă doriți, puteți lăsa o vază cu fructe într-o izolare splendidă. Și poate fi, de asemenea, frumos și armonios. Dar, cu toate acestea, va fi destul de dificil să faci asta. Minimalismul a fost întotdeauna un gen complex în Arte Frumoase. Cu cât este mai simplu, cu atât este mai bine principiu principal minimalismul. Și pentru a o aduce la viață, în realitate, nu orice artist o poate face. Deci, pentru început, vă recomandăm să compuneți în continuare o compoziție de natură moartă din mai multe articole. Dar nu uitați că toate aceste obiecte sunt interconectate în sens, se armonizează în culoare, formă, dimensiune și textură. De exemplu, dacă merele roșii sunt amplasate confortabil în vaza dvs., atunci lângă el, pe o față de masă frumoasă albă ca zăpada, puteți pune un trandafir roșu mândru. Sau un mac roșu. Dar, să zicem, mixerul pe care l-ai adus din bucătărie, chiar dacă este roșu, va fi complet nepotrivit în această compoziție. Trebuie să ne străduim să ne asigurăm că obiectele din natura moartă se completează reciproc și nu se ceartă între ele, nu provoacă un sentiment de nedumerire privitorului.
Deci, ne-am hotărât asupra compozițiilor. Să trecem la pasul următor:
Punem lumina
Lumina fixată sau aleasă corect într-o natură moartă nu este mai puțin importantă decât compoziția sa în sine.
Dacă lucrați la o natură moartă acasă, nu într-un studio special, ci în apartamentul dvs., atunci cel mai bine este să începeți să fotografiați în lumina naturală, a zilei. În acest caz, vă recomandăm să plasați masa cu obiecte nu departe de fereastră sau în fața acesteia. Lumina moale, difuză și, în același timp, direcțională, care cade din fereastra asupra compoziției subiectului dvs. va crea umbre frumoase, lungi și aspre din obiecte și, în același timp, va sublinia și dezvălui în mod favorabil textura acestor obiecte, le va oferi volum.
Oricât de ciudat vi s-ar părea, este destul de ușor să controlați și să reglați lumina naturală a soarelui de la fereastră. Acest lucru este ușor de realizat prin manipularea diferitelor reflectoare și amortizoare realizate, de exemplu, din carton, placaj sau alte materiale care sunt la îndemână. Reflectorul, de exemplu, poate fi o foaie obișnuită de hârtie A4 rezemată de ceva de pe masa cu obiecte. Da, chiar și un ziar pliat într-o „colibă” și plasat lângă el poate funcționa ca reflector! Și puteți umbri lumina de la fereastră cu ajutorul draperiilor sau jaluzelelor.
Dacă lucrați la natura moartă seara și pur și simplu lumina zilei nu vă este disponibilă, trebuie să lucrați cu lumină artificială. Ca sursă de astfel de lumină, blițul cel mai obișnuit este bine potrivit. Trebuie doar să-i pui un difuzor. Dacă acest lucru nu este făcut și fotografiat fără difuzor, pe fundal se pot forma umbre dure, aspre și urâte. Dacă aveți la dispoziție o sursă bună de lumină artificială constantă, atunci este mai bine să o utilizați împreună cu un softbox.
Ca sursă suplimentară de lumină, puteți folosi o lampă de masă. Un fascicul de lumină din acesta, de exemplu, poate fi direcționat spre fundal. Dar în acest caz, ar trebui să fie plasat departe de fundal, la o distanță de aproximativ un metru. În caz contrar, pata de lumină de pe fundal va fi foarte ascuțită, aspră și urâtă. O lampă de masă poate fi instalată și în spatele compoziției obiectelor pe care le-ați construit și pe care le-ați folosit ca sursă de iluminare de fundal.
Poftim. Compoziția este construită. Lumina este pusă. Totul este gata. Începem filmările. Naturile moarte sunt cel mai bine fotografiate de pe un trepied. De ce? Pentru că s-ar putea să fie nevoie să muncești suficient pentru a atinge anumite obiective. expuneri lungi. Și fără un trepied, o astfel de fotografiere este pur și simplu imposibilă. Camera trebuie să fie stabilă. Un exemplu aici sunt naturile moarte ale lui Vaclav Jiru, un clasic al fotografiei cehoslovace de la mijlocul secolului trecut, pe care le-a creat in studioul sau sau in afara lui noaptea, exclusiv la lumina lunii, fara a folosi nicio sursa de lumina suplimentara. Ei bine, și dacă nu vă setați obiective atât de mari, atunci când fotografiați cu mâna, încercați să țineți camera astfel încât să nu tremure. Sunt excluse lubrifierea, estomparea în natura moartă. Acesta este un astfel de gen în artă - totul ar trebui să fie clar.
În procesul de fotografiere a unei naturi moarte, vă recomandăm să rearanjați obiectele dintr-un loc în altul, nu ezitați să schimbați lumina, să-i mutați sursele în direcții diferite. Înregistrați cu diferite viteze de expunere și diafragme diferite. Modificați alte setări ale camerei dvs. Trage din diferite unghiuri, din diferite puncte de fotografiere. Filmați cu diferite lentile. Improvizați din mers! Căutați diferite opțiuni! În procesul de fotografiere a unei naturi moarte, apare o anumită emoție, un fel de curaj. Veți dori să construiți din ce în ce mai multe compoziții de natură moartă, tot mai multe scheme de iluminat. Nu ține apăsat zborul imaginației tale creative! Poate că astăzi îți vei crea propria ta cel mai bun cadru, care atunci te va slăvi!
Da, și încă o notă. Ultima noastră recomandare pentru astăzi. Dacă natura moartă are mult alb în ea, înainte de a începe să fotografiați, vă recomandăm insistent să vă amintiți să setați corect balansul de alb în setările camerei. În caz contrar, mai târziu, în procesul de post-procesare a imaginii pe un computer, va trebui să modificați corect corectarea culorii în editor grafic. Cu alte cuvinte, în Photoshop.
