slajd 2
architektura baroku
Cechy charakterystyczne architektury barokowej Arcydzieła włoskiego baroku. Lorenzo Bernini „Cudowny wzór” moskiewskiego baroku Kreacje architektoniczne V.V. Rastrelli
slajd 3
Cechy charakterystyczne architektury barokowej
Barok (zapewne: od portugalskiego perola barroca – perła o dziwacznym kształcie lub od łacińskiego baroco – mnemoniczne określenie jednego z typów sylogizmu w logice scholastycznej), styl dominujący w sztuce europejskiej końca XVI – połowy XVIII wiek. Włochy są słusznie uważane za kolebkę architektonicznego baroku, a Rzym jest stolicą „wiecznego miasta”. Obfitość bujnej ornamentyki Podkreślona teatralność Zniekształcenie klasycznych proporcji Złudzenie optyczne Przewaga skomplikowanych form krzywoliniowych Dysonans, asymetria Wykorzystanie kolumn i półkolumn Rozmiary portali, drzwi i okien zaczęły przekraczać wszelkie rozsądne granice
slajd 4
Arcydzieła włoskiego baroku autorstwa Lorenza Berniniego (1598-1680)
Włoski artysta i architekt, twórca stylu barokowego w jego najbardziej holistycznym i wzorcowym wyrazie. Kluczowe dzieła Apolla i Dafne (1622-1625) - marmur, 243 cm, Galleria Borghese, Rzym. Katedra św. Piotra (1624) - brąz, Watykan. Fontanna Trytona (1624-1643) - Piazza Barberini, Rzym Ekstaza św. Teresy (1647-1652) - marmur, Santa Maria della Vittoria, Rzym Fontanna Czterech Rzek (1648-1651) - marmur i trawertyn, Piazza Navona, Rzym Ekstaza błogosławionej Ludwiki Albertoni (1671-1674) - marmur, San Francesco a Ripa, Rzym
slajd 5
Piazza San Pietro, Rzym. Plac otaczają półkoliste kolumnady w stylu toskańskim zaprojektowane przez Berniniego. Pośrodku znajduje się egipski obelisk przywieziony do Rzymu przez cesarza Kaligulę. Jest to jedyny obelisk w mieście, który przetrwał niezmieniony aż do czasów renesansu. Promienie trawertynu rozchodzą się od obelisku wzdłuż kostek brukowych, ułożonych tak, że obelisk pełni rolę gnomona.
slajd 6
Fontanna Czterech Rzek (z włoskiego Fontana dei Quattro Fiumi) to jedna z najsłynniejszych fontann w Rzymie. Znajduje się na Piazza Navona. Zbudowany w latach 1648-1651. zaprojektowany przez Berniniego. Bernini przygotował projekt fontanny, który przewidywał umieszczenie wokół obelisku posągów bóstw rzecznych głównych rzek czterech stron świata (Nil, Ganges, Dunaj i La Plata).
Slajd 7
Kopuła świątyni w Castel Gandolfo.
Slajd 8
„Apollo i Dafne” Rzeźbiarz uchwycił efekt mitologicznej pogoni boga słońca Apolla za piękną nimfą Dafne. Przejęta przez Apolla Daphne prosi bogów o pomoc - i zaczyna zamieniać się w laur. Bohaterów widzimy dokładnie w momencie, gdy Apollo prawie dogonił uciekiniera, ale palce Daphne już zamieniają się w gałęzie, a jej nogi w korzenie laurowe.
Slajd 9
Fontanna Trytona Cokół fontanny tworzą 4 delfiny, na końcach ich ogonów znajduje się ogromna muszla. Na otwartych skrzydłach tej muszli znajduje się posąg Trytona, syna boga Posejdona. Tryton wydmuchuje z muszli strumień wody, który wypełnia misę fontanny. Pomiędzy delfinami znajdują się wizerunki herbu rodziny Barberini, papieskiej tiary.
Slajd 10
Popiersie Ludwika XIV w Wersalu.
slajd 11
Francesca Bromonniego
Kościół Sant'Agnese 1653. Na Piazza Navona zbudowano kościół ku czci wczesnochrześcijańskiego męczennika św. Agnieszki Rzymskiej w Rzymie.
slajd 12
„Cudowny wzór” moskiewskiego baroku
Kościół wstawiennictwa w Fili 1693-1694 Moskwa. Budynek architektonicznie należy do typu piętrowych kościołów centrycznych, które były rozpowszechnione pod koniec XVII wieku, jako przykład wczesnego baroku moskiewskiego. Budowla łączy w sobie zarówno kościół, jak i dzwonnicę. Dzwony wiszą w przęsłach kondygnacji środkowej.
slajd 13
Kościół Świętej Trójcy w Nikitnikach. 1631-1634 Moskwa. Rzeźbione wykończenia okien (w tym w postaci kokoshników), wielopoziomowe kokoshniki wzdłuż sklepień, gzymsy w formie „zarozumiałych grzebieni”, skręcone kolumny, półkolumny. Wnętrze: bogato barwna ornamentyka roślinna ścian i sklepień. Powierzchnia dekoracyjna na ścianach jest bardzo duża. Kolumny, gzymsy, listwy przypodłogowe, płytki.
Slajd 14
Kreacje architektoniczne V.V. Rastrelli
Rastrelli Varfolomey Varfolomeevich (1700-71), rosyjski architekt. przedstawiciel baroku. Utworzony przez: Annenhof (1730), Pałac Zimowy (1733), Pałac Rundale (1736), Pałac Mitavsky (1738), Pałac Letni (1741), Wielki Pałac Peterhof (1747), Zimowy Pałac Kremlowski (1747), Kościół św. Andrzeja (1749) , Katedra Smolny (1749), Pałac Woroncowa (1749), Pałac Katarzyny (1752), Pałac Maryjski (1752), Pałac Stroganowa (1753), Pałac Zimowy (1753)
Pałac Zimowy 1754-1762 Petersburg Nowoczesny budynek na planie kwadratu z dziedzińcem i fasadami skierowanymi w stronę Newy, Admiralicji i Plac Pałacowy. Splendoru budowli nadaje wspaniała dekoracja elewacji i pomieszczeń. Główną fasadę, zwróconą w stronę Placu Pałacowego, przecina łuk frontowego przejścia.
Wyświetl wszystkie slajdy
Barok ucieleśnia nowe idee dotyczące wiecznej zmienności świata. Wyróżnia się rozmachem, przepychem i dynamiką, zamiłowaniem do spektakularnych spektakli, mocnymi kontrastami skali i rytmu, materiałów i faktur, światła i cienia, łączeniem iluzji z rzeczywistością. Dzięki dziwacznej plastyczności fasad, skomplikowanym krzywoliniowym planom i konturom, barokowe pałace i kościoły nabierają malowniczości i dynamizmu. Wydaje się, że wtapiają się w otoczenie. Barokowe wnętrza zdobią wielobarwne rzeźby, sztukaterie i płaskorzeźby; lustra i malowidła ścienne iluzorycznie powiększają przestrzeń, a malowidła sufitowe tworzą iluzję otwartych sklepień. W malarstwie i rzeźbie dominują dekoracyjne, wieloaspektowe kompozycje o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym, portrety ceremonialne. Przy przedstawianiu osoby preferowane są stany napięcia, egzaltacji i wzmożonego dramatyzmu. W malarstwie ogromnego znaczenia nabiera emocjonalna, rytmiczna i kolorystyczna jedność całości, często nieskrępowana swoboda kreski; w rzeźbie - malownicza płynność formy, bogactwo aspektów i wrażeń.
slajd 2
Barok w architekturze
- Architektura baroku (L. Bernini, F. Borromin we Włoszech, B.F. Rastrelli w Rosji) charakteryzuje się rozmachem przestrzennym, jednością, płynnością złożonych, najczęściej krzywoliniowych form.
- Często spotyka się wielkoformatowe kolumnady, obfitość rzeźby na elewacjach i we wnętrzach, woluty, dużą liczbę uskoków, elewacje łukowe z uskokiem pośrodku, boniowane kolumny i pilastry.
- Kopuły przybierają złożone formy, często są wielopoziomowe, jak w katedrze św. Piotra w Rzymie.
- Charakterystyczne detale baroku - telamon (atlas), kariatyda, maszkaron.
slajd 3
Volute (z wł. voluta - lok, spirala), motyw architektoniczny w postaci spiralnego loka z kołem („okiem”) pośrodku, stanowiący integralną część jońskiej stolicy, jest także włączony do kompozycji korynckich i kapitele złożone.
Kształt wolut stosowany jest niekiedy w detalach architektonicznych służących do łączenia części budowli, a także konsolach gzymsów, obramieniach portali, drzwiach, oknach (głównie w architekturze późnego renesansu i baroku).
slajd 4
- Dominujące i modne kolory: stonowane pastelowe kolory; czerwony, różowy, biały, niebieski z żółtym akcentem.
- Linie: kapryśny wypukły - wklęsły asymetryczny wzór; w formie półkola, prostokąta, owalu; pionowe linie kolumn; wyraźny podział poziomy.
- Kształt: sklepiony, kopulasty i prostokątny; wieże, balkony, wykusze.
- Charakterystyczne elementy wnętrza: pragnienie wielkości i przepychu; masywne schody frontowe; kolumny, pilastry, rzeźby, sztukaterie i malarstwo, ornament rzeźbiony; związek elementów projektu.
- Wzory: kontrastowe, napięte, dynamiczne; z pozoru pretensjonalny, a jednocześnie masywny i stabilny.
- Okna: półokrągłe i prostokątne; z dekoracją kwiatową na obwodzie.
- Drzwi: łukowate otwory z kolumnami; kwiatowy wystrój
slajd 5
Dzięki dziwacznej plastyczności fasad, skomplikowanym krzywoliniowym planom i konturom, barokowe pałace i kościoły nabierają malowniczości i dynamizmu. Wydaje się, że wtapiają się w otoczenie.
slajd 6
Największe i najbardziej znane zespoły barokowe na świecie: Versailles (Francja), Peterhof (Rosja), Aranjuez (Hiszpania), Zwinger (Niemcy).
Slajd 7
Wersal
Slajd 8
Peterhof (Rosja)
Slajd 9
Slajd 10
slajd 11
Zespół Smolny odzwierciedla dwa style rosyjskiej architektury - barok i klasycyzm. Pierwszy klasztor w Petersburgu - Voskresensky Novodevichy Convento został zbudowany na miejscu dawnego Smolyany Yard. Stąd nazwa - Smolny. Autorem projektu był genialny architekt F.B. Rastrelli.
slajd 12
Kościół św. Piotra i Pawła jest znakomitym przykładem baroku z początku XVII wieku. Architekt Giovanni Trevano zaprojektował elegancką trójpoziomową fasadę z pilastrami, wolutami, niszami i przestronnym wnętrzem. Pośrodku krzyża, gdzie nawa przecina się z transeptem, umieszczono potężną kopułę w kształcie elipsy. Wzdłuż ścian jedynej nawy wbudowane są komunikujące się ze sobą kaplice, tworzące rodzaj naw bocznych.
slajd 13
Lorenza Berniniego
Wielkim twórcą epoki baroku był Lorenzo Bernini (1598-1680), który na równi przejawiał się w architekturze i rzeźbie.
Urodził się w Neapolu w rodzinie artysty i rzeźbiarza.
W wieku 25 lat był już sławny i od tego czasu działał głównie w Rzymie.
Slajd 14
Jedną ze swoich najlepszych kompozycji, „Ekstazę św. Teresy” (1645-1652), Bernini stworzył będąc już dojrzałym mistrzem.
Rzeźbę z białego marmuru otacza kolumnada z kolorowego marmuru, a tło stanowią pozłacane promienie, symbolizujące Boskie światło.
slajd 15
Św. Teresa pogrążona jest w stanie duchowego oświecenia, zewnętrznie podobnym do śmierci: jej głowa jest odrzucona do tyłu, oczy zamknięte. Jej postać prawie nie jest odgadywana z powodu dużych, ekspresyjnie ukształtowanych fałd odzieży; wydaje się, że w ich falach rodzi się nowe ciało i nowa dusza, a za zewnętrznym martwym bezruchem kryje się gigantyczny ruch ducha
slajd 16
- Fontanna czterech rzek (Nil, Dunaj, Ganges, Rio de la Plata) na placu Navoma.
- Plac przed Bazyliką Świętego Piotra. Rzym.
- Fontanna „Tryton” na Piazza Barberini. Rzym
Slajd 17
Rastrelli, Bartolomeo Francesco
Warfołomiej Warfołomiejewicz
Słynny rosyjski architekt pochodzenia włoskiego. najjaśniejszy przedstawiciel rosyjskiego baroku. F. B. Rastrelli łączył elementy europejskiego baroku z rosyjskimi tradycjami architektonicznymi, zaczerpniętymi przez niego przede wszystkim ze stylu naryszkińskiego, takimi jak dzwonnice, dachy, kolorystyka.
Slajd 18
- Pałac Zimowy Ermitaż.
- Główna rezydencja rosyjskich cesarzy.
- Duży pałac z kaskadą wodną. Peterhof
- Katedra klasztoru Smolny Pałac Katarzyny w Carskim Siole
Wyświetl wszystkie slajdy
Arcydzieła włoskiego baroku. Lorenzo Bernini Arcydzieła włoskiego baroku. Lorenzo Bernini Kościół Sant'Agnese na Piazza Navona w Rzymie to jedno z najlepszych dzieł architekta. Gładko wygiętą fasadę kościoła zdobi majestatyczna kopuła osadzona na wysokim bębnie. Francesca Barrominiego. Kościół Sant'Agnese, Rzym.
Borromini unika jak najwięcej linii prostych, pionowych lub poziomych, a także kątów prostych. Preferowane są złożone zakrzywione plany Borromini unika w miarę możliwości prostych linii pionowych lub poziomych, a także kątów prostych. Preferowane są złożone zakrzywione plany kościoła Francesco Borrominiego San Carlo alle Cuatro Fontane, (, Sant Ivo, w Rzymie). Francesco Borromini Kościół San Carlo alle Cuatro Fontane, (, Sant Ivo, w Rzymie).
Nie mniej efektowne jest wnętrze katedry, wyróżniające się wyrafinowaniem dekoracji sztukatorskich, wielobarwnych obrazy dekoracyjne, kolorowe marmurowe kolumny. Nie mniej efektowne jest wnętrze katedry, które wyróżnia się wyrafinowaniem stiukowych dekoracji, wielobarwnymi dekoracyjnymi malowidłami i kolorowymi marmurowymi kolumnami. Francesca Borrominiego. Kościół San Carlo alle Cuatro Fontane, (, Sant Ivo, w Rzymie). Francesco Borromini. Kościół San Carlo alle Cuatro Fontane, (, Sant Ivo, w Rzymie).
Francesco Borromini Kościół San Carlo alle Cuatro Fontane, (, Sant Ivo, w Rzymie). Fragment, fasada. Francesco Borromini Kościół San Carlo alle Cuatro Fontane, (, Sant Ivo, w Rzymie). Fragment, fasada.
Głównym dziełem architektonicznym Lorenza Berniniego był projekt placu przed katedrą św. Piotra. Zamienił przestrzeń przed świątynią w jeden zespół dwóch kwadratów. Pierwszy w formie trapezu, drugi w ulubionej formie baroku – owalu. Głównym dziełem architektonicznym Lorenza Berniniego był projekt placu przed katedrą św. Piotra. Zamienił przestrzeń przed świątynią w jeden zespół dwóch kwadratów. Pierwszy w formie trapezu, drugi w ulubionej formie baroku – owalu.
Lorenza Berniniego. Fontanna Czterech Rzek na Piazza Navona Alegoryczne figury przedstawiają największe rzeki kontynentów Nil, Dunaj, Ganges i Rio de la Plata. Umiejscowienie figur fontanny zrodziło legendę o pojedynku geniuszy epoki baroku Bernini i Borromini: jakby La Plata Bernini blokował mu rękę, by nie widzieć kościoła, „straszne” dzieło Borrominiego . Alegoryczne figury przedstawiają największe rzeki kontynentów, Nil, Dunaj, Ganges i Rio de la Plata. Umiejscowienie figur fontanny zrodziło legendę o pojedynku geniuszy epoki baroku Bernini i Borromini: jakby La Plata Bernini blokował mu rękę, by nie widzieć kościoła, „straszne” dzieło Borrominiego .
Od 2. połowy lat 50. XVII wieku. Bernini ponownie pracuje w Bazylice św. Piotra, tworząc tu wykonaną z brązu „ambonę św. Piotra” (), ozdobiony figurami ojców Kościoła i aniołów. Od 2. połowy lat 50. XVII wieku. Bernini ponownie pracuje w Bazylice św. Piotra, tworząc tu wykonaną z brązu „ambonę św. Piotra” (), ozdobiony figurami ojców Kościoła i aniołów.
Treści kształcenia: Powstanie stylu barokowego; Główne cechy baroku; architektura barokowa we Włoszech; architektura barokowa we Francji; Architektura baroku w Belgii; architektura barokowa w Niemczech; Barok w Rosji.
Pojawienie się stylu barokowego Styl barokowy powoli dojrzewał w architekturze i rzeźbie „wysokiego renesansu”. Tak więc Michał Anioł, siłą i ekspresją swojego indywidualnego stylu, w jednej chwili zniszczył wszystkie utarte idee dotyczące „zasad” rysunku i kompozycji. Potężne postacie namalowane przez niego na suficie wizualnie „zniszczyły” przydzieloną im przestrzeń malarską; nie pasowały ani do scenariusza, ani do przestrzeni samej architektury. J. Vasari, słynny kronikarz renesansu, zdumiony, podobnie jak inni, nazwał ten styl „dziwacznym, niezwykłym i nowym”. Michał Anioł, sufit Kaplicy Sykstyńskiej, 1508-1512
Rzym uważany jest za kolebkę baroku, a najbardziej uderzające przykłady architektury tego stylu powstały we Włoszech, Hiszpanii, Portugalii, południowych Niemczech, Czechach, Polsce, Litwie, koloniach hiszpańskich i portugalskich w Ameryka Łacińska. We wszystkich tych krajach Kościół katolicki był bardzo wpływowy iw ten sposób przyjął styl barokowy. Za początek nowego stylu uważa się zazwyczaj budowę małego kościoła jezuitów – Il Gesu w Rzymie, rozpoczętą w 1568 roku według projektu Giacomo Vignoli.
Jedną z głównych cech artystycznych kościoła Gesu jest unikalny fresk Triumfu Najświętszego Imienia Jezus na suficie kościoła. Namalowane w specjalny sposób postacie sprawiają wrażenie, jakby unosiły się pod sufitem, a nawet rzucają na niego cień, podczas gdy w rzeczywistości są namalowane w tej samej płaszczyźnie. Freski Il Gesu, w wieku 22 lat, namalował Giovanni Battista Gaulli, utalentowany artysta z Genui, przy pomocy słynnego rzeźbiarza Berniniego.
Narodziny nowego stylu widać na głównej fasadzie z widokiem na mały plac, zaprojektowanej w 1575 roku przez Giacomo della Porta: kolumny i pilastry są przesunięte względem siebie, zgrupowane w pary, belkowanie jest rozdarte, powierzchnia elewacji jest przeładowany mocnymi elementami rytmicznymi.
Główne cechy baroku Sztuka baroku charakteryzuje się rozmachem, pompą i dynamiką, patetycznym uniesieniem, intensywnością uczuć, uzależnieniem od spektakularnych spektakli, połączeniem iluzorycznego z realnym, silnymi kontrastami skal i rytmów, materiałów i faktur, światła i cienia . Synteza sztuk w epoce baroku, która ma charakter wszechstronny i dotyczy niemal wszystkich warstw społecznych (od państwa i arystokracji po miejskie warstwy niższe i częściowo chłopstwo), charakteryzuje się uroczystą, monumentalną i dekoracyjną jednością, która uderza wyobraźnię z jej zakresem. Pałace i kościoły baroku, dzięki luksusowej, dziwacznej plastyczności fasad, niespokojnej grze światłocienia, złożonym krzywoliniowym planom i konturom, nabrały malowniczości i dynamizmu i niejako wlały się w otaczającą przestrzeń. Pałac w Würzburgu. Architekt: Johann Ditzenhofer, od 1719 budową kierował Balthasar Neumann.
Uroczyste wnętrza barokowych budowli zdobiła wielobarwna rzeźba, sztukateria i snycerstwo; lustra i malowidła ścienne iluzorycznie powiększały przestrzeń, a malowidła na suficie tworzyły iluzję ziejących sklepień. Wnętrza pałacu w Würzburgu sztuki piękne W baroku dominują wirtuozowskie kompozycje dekoracyjne o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym, portrety ceremonialne, podkreślające uprzywilejowaną pozycję społeczną osoby.
Guarino Guarini. Kościół San Lorenzo, Turyn, 1666-1687 W baroku odnotowano: złożoność brył i przestrzeni, wzajemne przecinanie się różnych kształtów geometrycznych; przewaga złożonych form krzywoliniowych w określaniu planów i elewacji budowli; przemiana wypukłych i wklęsłych linii i płaszczyzn; aktywne wykorzystanie motywów rzeźbiarskich i architektoniczno-dekoracyjnych; nierównomierne rozmieszczenie środków architektonicznych; kreacja bogatej gry światłocienia, kontrastów kolorystycznych, dynamizmu brył architektonicznych.
Idealizacja obrazów łączy się w nich z burzliwą dynamiką, nieoczekiwanymi efektami kompozycyjnymi i optycznymi, rzeczywistością z fantazją, afektacją religijną z podkreśloną zmysłowością, a często z ostrą naturalnością i materialnością form, graniczącą z iluzją. Barokowe dzieła sztuki zawierają czasem prawdziwe przedmioty i materiały (posągi z prawdziwymi włosami i zębami, kościane kaplice itp.). Guarino Guarini. Kościół San Lorenzo, wnętrze.
Architektura baroku we Włoszech Pierwszym architektem nowej generacji, w którego twórczości nastąpiło już przejście do głównych zadań architektonicznych, był Carlo Maderna. W 1603 r., po śmierci Della Porta, został mianowany głównym architektem bazyliki św. Piotra w Rzymie (rozpoczętej z rozkazu papieża w 1607 r.), której ukończenie stało się jego główna Praca. Za namową papieża Pawła V centryczną budowlę w kształcie krzyża greckiego, wzniesioną przez Michała Anioła, przebudowano na tradycyjną wczesnochrześcijańską bazylikę w kształcie wydłużonego krzyża. W latach 1607-1614. Carlo Maderna dobudował trzy długie nawy do kopułowej części świątyni, a powstały wcześniej budynek stał się częścią ołtarzową nowej, jeszcze okazalszej świątyni.
Baldachim nad pochówkiem św. Piotra Baldachim, który stoi obecnie na skrzyżowaniu katedry św. Piotra, nad ołtarzem i miejscem pochówku Apostoła Piotra, został zbudowany w latach 1624-1633. Istnieje kilka jego projektów, prawdopodobnie należących do Carlo Maderno i powstałych pod koniec panowania Pawła V. Jednak w 1624 r. Bernini powierzono prace nad swoim urządzeniem i początkowo otrzymał polecenie wykonania tylko czterech dziesięciometrowych -wysokie kolumny z brązu. Bernini zainstalował je w katedrze latem 1627 roku. Dopiero w następnym roku podpisano umowę na wykonanie baldachimu. W tym czasie projekt ukończenia był już gotowy, a rzeźbiarz Giovanni Battista Soria wykonał swój model dla Berniniego. Ale rada kardynałowa, odpowiedzialna za sprawy katedry, odrzuciła ten projekt, słuchając opinii ludzi, którzy uważali, że jest to niewykonalne.
Kolumny miały być połączone półkolistymi łukami usytuowanymi poprzecznie i przecinającymi się w centrum, gdzie miał stanąć duży posąg Chrystusa wstępującego. Belkowanie nie miało być wykonane; dlatego kolumny oczywiście nie wytrzymałyby naporu łuków, obciążonych kolosalnym posągiem z brązu. Berniniego stworzył nowy projekt, z belkowaniem i bez figury Chrystusa, choć nie odrzucił jej od razu: w 1628 r. przygotowywał się jeszcze do jej odlania. Zamiast tego na cokole, który jest skomplikowanym motywem tych samych przecinających się łuków, zainstalowano kolosalny krzyż.
Architektem Placu św. Piotra był Gian Lorenzo Bernini. To arcydzieło geniuszu architektonicznego powstało w latach 1656-1667. Lorenzo Bernini pracował dla św. Piotra od 1624 roku do końca życia.
Potrzebny był teren, który pomieściłby dużą liczbę wiernych przybywających do katedry, aby otrzymać papieskie błogosławieństwo lub wziąć udział w uroczystościach religijnych. Zadanie to spełnił Giovanni Lorenzo Bernini, który stworzył plac przed katedrą – jedno z najwybitniejszych dzieł światowej praktyki urbanistycznej.
W latach trzydziestych Mussolini położył szeroką ulicę Pojednania (wł. Via della Conciliazione) od centrum Rzymu do placu. Widok na katedrę św. Piotra z ulicy Pojednania
Plac często stawał się miejscem kultu papieskiego. To tutaj, przed główną katedrą świata katolickiego, gromadzi się ogromna liczba pielgrzymów mówiących po polsku inne języki, powinni byli odczuć ich duchową jedność. Aby zrealizować te pomysły, Bernini znalazł wspaniałe rozwiązanie. Przestrzeń przed świątynią zamieniła się w zespół dwóch placów: pierwszy, w formie trapezu, obramowany jest krużgankami wychodzącymi z katedry; druga ma kształt owalu, zwrócona w stronę miasta i otoczona dwiema kolumnadami.
Majestatyczne schody, również zaprojektowane przez Belliniego, są otoczone dwoma kolosalnymi XIX-wiecznymi posągami. : po lewej - św. Piotr, po prawej - św. Paweł
Obelisk, który w średniowieczu otrzymał nazwę „igła”, został przywieziony do Rzymu z Heliopolis przez cesarza Kaligulę w 37 roku; Nero zainstalował go w swoim cyrku, którego miejsce zajmuje obecnie katedra św. Piotra. Jest to jedyny obelisk we Włoszech, który nigdy się nie zawalił. Dodatkowo teren został zaprojektowany w taki sposób, że obelisk pełni rolę gnomona – jego cień to strzała ogromnego zegara słonecznego.
Przy całkowitej populacji Watykanu wynoszącej około 820 osób, w niedziele gromadzą się tu tysiące parafian, aw dzień Wielkanocy ich liczba zmniejsza się do setek tysięcy. I tak w 2009 roku papież Benedykt XVI, w obecności Placu św. Piotra w Watykanie, tradycyjnie już w 63 językach odprawił mszę wielkanocną i gratulacje wielkanocne.
W październiku 2008 roku odbył się tu maraton. Ale nie sportowe, ale biblijne. Następnie 1248 czytelników najwięcej różne narody i religie przez 140 godzin nieustannie czytają wersety z Biblii. Wśród nich było trzech byłych prezydentów Włoch, Mistrz Zakonu Maltańskiego, znani dziennikarze, reżyserzy i aktorzy. W maratonie wzięło również udział troje niewidomych, a jeden z fragmentów został pokazany w języku głuchoniemych. Widok na katedrę św. Piotra.
Kościół Sant'Andrea in Quirinale, Rzym. Lorenzo Bernini, 1653 W 1653 roku Lorenzo Bernini zbudował mały kościółek Sant'Andrea w Rzymie, przy Via Quirinale, jeden z wybitnych budynków w stylu barokowym. Być może jest to najlepsze dzieło architekta. W nim wszystkie formy zbudowane są na elementach krzywoliniowych, a architektura jest postrzegana w ruchu, ale zaskakująco płynnie i spokojnie.
Bernini stworzył podwójną fasadę kościoła Sant'Andrea in Quirinale, nadając jej wielką plastyczną wytrzymałość i wyrazistość linii: do głównej części przylega portyk z kolumnami, utworzony przez dwukondygnacyjny porządek i zwieńczony trójkątnym frontonem. Masywność pierwszego ostro kontrastuje z elegancją drugiego. Półowalne stopnie zdają się schodzić z malowniczego dwukolumnowego portyku podtrzymującego półkoliste belkowanie. Jej zakrzywione linie przecinają się perspektywicznie z gzymsem dużego półkolistego okna elewacji zachodniej. Całą kompozycję wejścia wpisuje duży portyk z wysokimi pilastrami korynckimi po obu stronach i trójkątnym frontonem.
Kościół San Carlo alle Cuatro Fontane w Rzymie. Francesco Borromini, 1638-1677 Borromini zdobył uznanie budową małego franciszkańskiego kościoła San Carlo alle Cuatro Fontane (św. Karola u Czterech Fontann) w Rzymie. Mały kościółek przyciągnął uwagę całego Rzymu, a jego sława szybko rozeszła się po całej Europie. Być może niedogodna lokalizacja kościoła – na skrzyżowaniu dwóch ulic – zmusiła architekta do podjęcia niecodziennej decyzji – w jednym budynku połączył moduły, których nikt przed nim nie łączył – 3 moduły, które normalnie można było zastosować tylko w trzech różnych budynkach : - pofałdowana strefa dolna; - średnia dla plan tradycyjny krzyż grecki; - budynek zwieńczony jest owalną kopułą, rzadko używaną wcześniej.
Tę złożoną kombinację łączą złożone, przeplatające się rytmy. Zewnętrzny wygląd kościoła został zorganizowany przez Borrominiego z oczekiwaniem stworzenia wrażenia wzmożonej malowniczości. Fasada jest podzielona na dwa poziomy, z których każdy jest wyposażony w nakaz. Główna część elewacji jest niczym dekoracyjna aplikacja nałożona na powierzchnię ściany. Gzymsy mają złożony zakrzywiony, falisty kształt. W ogóle nie ma gładkich powierzchni. W międzykolumniach znajdują się nisze z rzeźbami, cztery grupy rzeźbiarskie z fontannami i zadecydowały o nazwie kościoła.
Wnętrze kościoła jest nie większe niż jedna kolumna katedry św. Piotra. Nawa kościoła przypomina zarysy planu dwóch dzwonów, przylegających do siebie podstawami. Taka forma pozwoliła nadać wszystkim ścianom wewnętrznym kształt fali i zwieńczyć budynek owalną kopułą. Pomiędzy wymiarami zewnętrznymi i wewnętrznymi kościoła istnieje duża rozbieżność, tylko częściowo wykorzystany funkcjonalnie.
Odważne efekty iluzoryczne uzyskuje się dzięki starannie dobranemu oświetleniu, które powiększa wnętrze kościoła. Kopuła, pomalowana wszystkimi kolorami tęczy, wydaje się być oderwana od podstawy. Przytłumione oświetlenie dziwnie pasuje do wykwintnych krzywizn ścian. Wydaje się, że gęsta, ciężka masa kamienia zmienia się nieustannie na naszych oczach – to uwielbiany przez mistrzów baroku motyw przemiany materii.
Kościół Santa Maria in Campitelli w Rzymie. Carlo Rainaldiego, 1663-1667 Do najbardziej charakterystycznych barokowych kościołów Rzymu należy Santa Maria in Campitelli (1663-1667), wzniesiony na miejscu starszego kościoła dla upamiętnienia uwolnienia od zarazy. Pokazuje bardziej północny styl włoski niż rzymski.
Dwupoziomowa fasada kościoła przypomina kościół Il Gesu. Wysoka, imponująca ściana elewacyjna, „przykrywająca” główną bryłę budowli, zbudowana jest tektonicznie w oparciu o zróżnicowane wykorzystanie dwóch kolumnowych portyków, wysuniętych do przodu lub cofniętych, podkreślających plan wertykalny. Zakończenie jest efektownie i pięknie pomyślane w postaci kombinacji łukowatych i trójkątnych naczółków ułożonych jeden w drugi.
W kościele znajduje się cudowna ikona Matki Bożej (Madonna del Portico), wykonana rzadką dla Rzymu techniką emalii. Uważa się, że ten wizerunek, umieszczony w złotym tabernakulum, chroni Rzymian przed straszliwą chorobą.
Palazzo Carignano, zbudowany przez wielkiego architekta Guarino Guariniego w 1679 roku, zyskał uznanie jako najpiękniejszy pałac miejski drugiej połowy XVII wieku we Włoszech. Falująca fasada, imponująca podwójnie zakrzywiona klatka schodowa i podwójna kopuła w luksusowym salonie sprawiają, że pałac robi niezatarte wrażenie. Palazzo Carignano w Turynie. Guarino Guarini, 1679
Struktura ogólna Budynek łączy się z renesansowym palazzo (graniastosłupowa bryła, zamknięty dziedziniec), jednak w ten tradycyjny układ wprowadzono element „niespodzianki”: środkowa część głównego budynku jest niejako wstawką w główny tom. Oto główny przedsionek i główna klatka schodowa. Przedsionek uzyskał w planie kształt owalny, biegi schodów krzywoliniowe o zakrzywionych konturach.
Charakterystyczne są detale elewacji, w szczególności obramowania okien, „faktura” pilastrów na piętrze i inne. Pomimo małej skali formy te wyróżniają się plastyczną soczystością. O oryginalności wielu motywów decyduje ich związek z formami zdobniczymi architektury mauretańskiej, której pomniki obserwował Guarini podczas swojego wczesnego pobytu na Sycylii. W jego twórczości pojawiają się także przetworzone motywy rodowodu gotyckiego. Wszystkie razem nadawały pracom tego mistrza wielką ostrość, a nawet ekstrawagancję.
Palazzo Ca'Pesaro (obecnie Muzeum Correr), Wenecja. Balthasar Longhena 1652/1659 -1710 Dla architektury weneckiego baroku typowy jest Palazzo Ca' Pesaro, który wznosi się na prawym brzegu Canal Grande, naprzeciwko Ca d'Oro. Majestatyczna fasada Palazzo Pesaro wyróżnia się dużym nasyceniem zewnętrznych dekoracja Bryła budynku odpowiada panującym tu tradycjom - jest trzykondygnacyjna, piętro masywniejsze - ściana obłożona boniowaniem ściętym, dwie górne otwiera system dużych łukowych okien z naniesionymi porządkami .
Do umieszczenia rzeźby wykorzystano każdy, nawet niewielki fragment ściany, a zwłaszcza kąty łuków okiennych. Wszystko to nadaje budynkowi czysto wenecki charakter. Budynek szczególnie uderza połączeniem masywnych form architektonicznych (mocne boniowanie pierwszego piętra, plastikowe kolumny i luźne gzymsy, bujna dekoracja rzeźbiarska) oraz harmonią ogólnego projektu elewacji.
Architektura baroku we Francji Dla patrona architekta, kardynała Richelieu, Jacques Lemercier zbudował Pałac. Kardynał (później przemianowany na Palais Royal) w Paryżu. Jego amfiteatr był jedną z pierwszych budowli we Francji zbudowanych wyłącznie do celów teatralnych. Palace Cardinal (później przemianowany na Palais Royal), Paryż. Jacques Lemercier, 1629
Palais Royal (fr. Palais Royal – „pałac królewski”) to plac, pałac i park położony w Paryżu naprzeciw północnego skrzydła Luwru…
Za Ludwika XIV i jego następców pałac służył jako miejska rezydencja książąt Orleanu, aw niemowlęctwie Ludwika XV to stąd książę regent rządził całą Francją. W jednym z budynków gospodarczych „Król Słońce” zakwaterował swoją ulubienicę, księżną de La Vallière; tam urodziła dwóch nieślubnych synów króla. Na początku XVIII wieku apartamenty pałacowe zostały odnowione w modnym dopiero wówczas stylu rokoko. Wnętrza te uległy zniszczeniu w 1784 r., kiedy to na miejscu części pałacu wzniesiono budynek teatralny dla Comédie Francaise. Istniejący wcześniej teatr Palais Royal był tak ściśle związany z życiem i twórczością Moliera, jak londyński Globe z twórczością Szekspira.
Mniej więcej w tych samych latach przedrewolucyjnych właściciel pałacu, książę Orleanu, znany później jako Philippe Egalite, otworzył ogrody dla wszystkich do zwiedzania i wzniósł na rynku majestatyczne kolumnady ze sklepami. Ta manifestacja populizmu przyniosła księciu Orleanu lokację najszerszych warstw paryskiego społeczeństwa. Wkrótce zabłysły tu światłami najmodniejsze kluby i kawiarnie miasta.
Nikołaj Karamzin, który odwiedził Paryż w 1790 roku, nazwał Palais-Royal swoją stolicą: „Wyobraź sobie wspaniały kwadratowy zamek i pod jego arkadami, pod którymi znajdują się wszystkie skarby świata, bogactwo Indii i Ameryki, diamenty i diamenty, srebro i złoty blask w niezliczonych sklepach; wszystkie dzieła natury i sztuki; wszystko, co kiedykolwiek zdobiło królewski przepych; wszystko wymyślone przez luksus dla przyjemności życia!. .
A wszystko to, aby przyciągnąć wzrok, jest najpiękniej ułożone i oświetlone jasnymi, wielobarwnymi światłami, które oślepiają wzrok. „Wyobraź sobie mnóstwo ludzi, którzy tłoczą się w tych galeriach i chodzą tam iz powrotem, żeby tylko na siebie popatrzeć! - Tutaj widzisz kawiarnie, pierwsze w Paryżu, gdzie wszystko jest również pełne ludzi, gdzie czyta się na głos gazety i czasopisma, robią hałas, kłócą się, wygłaszają przemówienia i tak dalej .... Wszystko wydawało mi się urokiem, wyspa Calypsin, zamek Armidine ”(„ Listy rosyjskiego podróżnika ”, list z 27 marca 1790 r.).
Wersal, Francja. Czołowi architekci to Louis Levo i Jules Hardouin-Mansart, twórcą parku jest Andre Le Nôtre z 1661 roku. Wersal budowany był pod przewodnictwem Ludwika XIV od 1661 roku i stał się swoistym pomnikiem epoki „Słońca King”, artystycznym i architektonicznym wyrazem idei absolutyzmu. Czołowi architekci to Louis Levo i Jules Hardouin-Mansart, twórcą parku jest Andre Le Nôtre. Zespół wersalski, największy w Europie, wyróżnia się wyjątkową integralnością projektu i harmonią form architektonicznych i przekształconego krajobrazu. Od końca XVII wieku Wersal służył jako wzór dla uroczystych wiejskich rezydencji europejskich monarchów i arystokracji, ale nie ma jego bezpośrednich imitacji. Od 1666 do 1789 roku, aż do rewolucji francuskiej, Wersal był oficjalną rezydencją królewską. W 1801 roku otrzymał status muzeum i jest udostępniony do zwiedzania.
Oryginalny budynek z Marmurowym Dziedzińcem jest zamknięty, jak w przypadku, w nowym budynku w kształcie litery U. Elewacje przebudowywanego i rozbudowywanego pałacu ozdobione zostały w oparciu o system klasycystyczny, główną rolę odgrywa w nich kolumnada, usytuowana na poziomie drugiej – frontowej kondygnacji. Pierwszy nabrał znaczenia podium podtrzymującego zamówienie. Trzecie piętro jest urządzone w formie poddasza. Nie ma wysokich dachów, tak typowych dla Francji, dach jest ukryty za attyką. Barokowy motyw pojawia się jedynie w rzeźbie, która kontrastuje z prostymi geometrycznymi zarysami budynku z buntowniczą bujnością form. W wyglądzie elewacji wyraźnie wyraża się nurt klasycystyczny, który zaczyna dominować w formach zewnętrznych architektury francuskiej połowy i drugiej połowy XVII wieku.
Historia pałacu wersalskiego zaczyna się w 1623 roku od bardzo skromnego zamku myśliwskiego na wzór feudalnego, wzniesionego na zlecenie Ludwika XIII z cegły, kamienia i łupków dachowych na terenie kupionym od Jeana de Soisy (Jean de Soisy), którego rodzina posiadała ziemie od XIV wieku. Zamek myśliwski znajdował się w miejscu, gdzie obecnie znajduje się marmurowy dziedziniec. Jego wymiary wynosiły 24 na 6 metrów. W 1632 r. powiększono terytorium poprzez zakup dóbr wersalskich od arcybiskupa paryskiego z rodu Gondi i podjęto dwuletnią odbudowę.
Wokół pałacu stopniowo powstawało miasto, w którym osiedlali się rzemieślnicy zaopatrujący dwór królewski. W pałacu wersalskim mieszkał także Ludwik XVI. W tym czasie ludność Wersalu i okolicznych miast osiągnęła 100 tysięcy osób, jednak szybko spadła po tym, jak król został zmuszony do przeniesienia się do Paryża.
Wnętrza monumentalnych budowli ówczesnej Francji wyróżniały się szczególnie eleganckim wystrojem, miały ceremonialny, barokowy charakter. Typowa jest dekoracja sal Wojny i Pokoju Pałacu Wersalskiego, znajdujących się w narożach parkowej fasady budynku. Stylistyczna opozycja niemal klasycystycznych elewacji i barokowych wnętrz jest specyficzną cechą architektury francuskiej tego czasu.
Galeria Lustrzana to najsłynniejsze wnętrze Pałacu Wersalskiego. Ogromna hala ma 73 metry długości i 10 metrów szerokości. Siedemnaście łukowatych okien wychodzi na ogród, pomiędzy nimi znajdują się otwory z lustrami, tworzące wrażenie bezkresu sali.
Architektura barokowa w Belgii Dla rozwoju architektury barokowej w Belgii, praca słynnego artysty P.-P. Rubensa. Jego podróże do Włoch i Hiszpanii przyczyniły się do rozwoju belgijskich architektów form architektury renesansowej i barokowej w tych krajach....
Rubens był autorem wielu dzieł architektonicznych i dekoracyjnych (łuki triumfalne i inne konstrukcje), które przetrwały do naszych czasów w postaci szkiców olejnych i rycin. Rubens jest właścicielem projektu własnego domu w Antwerpii, wzorowanego na włoskim palazzo, którego projekt wyróżnia oryginalność kompozycji. Obecnie jest to dom-muzeum artysty. Dom Rubensa. Fasada.
Najważniejszą rzeczą, która zachowała się prawie niezmieniona od czasów Rubensa, jest elegancki portyk w stylu włoskiego baroku, łączący budynek mieszkalny i warsztat. Podobnie jak fasada warsztatu od strony dziedzińca, portyk zaprojektował sam artysta. Był bardzo dumny z tego budynku i często przedstawiał go na obrazach. Portyk został odrestaurowany zgodnie z ryciną z 1684 r., która przedstawia dom Rubensa 44 lata po śmierci pierwszego właściciela. . .
Zwieńczone są brązowymi figurami Merkurego i Minerwy, wykonanymi dla niego w 1939 roku i ozdobionymi owalnymi kartuszami z łacińskimi tekstami, które odzwierciedlają zainteresowanie Rubensa filozofią stoicką. Oto dwa cytaty z Satyrów rzymskiego poety Juvenala (II wiek n.e.): „Niech bogowie rozstrzygną, co jest dla nas dobre, a co dla nas dobre. Człowiek jest im droższy niż on sam” i „Musimy modlić się, aby w zdrowym ciele był zdrowy duch, aby dusza była odważna i wolna od lęku przed śmiercią, aby nie zaznała gniewu i niczego nie pragnęła.
Architektura barokowa w Niemczech Siedziba biskupia Würzburga. Budowa budynków rezydencji trwała od 1720 do 1744 roku, a dekoracja trwała do 1780 roku. Architektem był Balthasar Neumann. Pałac rezydencji biskupiej stoi w samym centrum Würzburga, na placu Residenzplatz. Rezydencja biskupów jest ostatnim i najpiękniejszym pałacem z serii tego typu barokowych budowli zbudowanych w Bawarii w XVII-XVIII wieku.
Nowy pałac miał stać się symbolem władzy kościelnej i wyrazistym wyrazem idei absolutyzmu. Wcześniej biskupi wykorzystywali jako rezydencję twierdzę Marienberg, położoną na górze na przeciwległym brzegu Menu. W pałacu znajduje się ponad 340 pokoi.
Słynne dzieło Balthasara Neumanna to klatka schodowa o niepodpartych sklepieniach, ozdobiona największymi na świecie freskami sufitowymi autorstwa Tiepolo.
Nad rezydencją książąt-biskupów würzburskich pracowali wybitni mistrzowie z Paryża, Wiednia, Genui, Wenecji i Amsterdamu, począwszy od 1720 roku. Na przykład Włoch Giovanni Battista Tiepolo namalował największy fresk sufitowy na świecie w Würzburg Staircase autorstwa B. Neumanna
Spośród wszystkich artystów, rzeźbiarzy i rzeźbiarzy Giovanni Battista Tiepolo wyróżnia się tutaj swoimi wyjątkowymi dziełami. Dzieła sztuki, zniszczone w czasie II wojny światowej, a później odrestaurowane, znajdują się w centralnej Sali Cesarskiej, do której prowadzą podwójne schody – najpiękniejsze i największe w ówczesnej Europie. Malowidła Sali Cesarskiej przedstawiają zaślubiny Fryderyka Barbarossy z Beatrice Burgundzką i biskupem Würzburga, który otrzymuje księstwo frankońskie.
Rezydencja została wpisana na Listę Światowego Dziedzictwa Kulturowego UNESCO w 1981 roku. Pałac stał się trzecim niemieckim obiektem, który otrzymał ten prestiżowy międzynarodowy status – po katedrze w Akwizgranie (Aachener Dom) i jednocześnie z katedrą w Speyer (Speyer Dom).
Zwinger, Drezno, 1719. Architekt M. Pöppelmann To arcydzieło sztuki barokowej zostało zbudowane w 1719 roku na wzór zespołu pałacowo-parkowego w Wersalu przez architekta M. Pöppelmanna dla Augusta Mocnego (elektora Saksonii i króla Polski). Jego nazwa pochodzi od niemieckiego słowa „podbić”, „zwyciężyć”: obszar, na którym znajduje się Zwinger, był kiedyś częścią drezdeńskiej twierdzy, zawierającej wewnętrzne i zewnętrzne mury, w przestrzeni pomiędzy którą należy zniszczyć potencjalnego wroga.
Zwinger budowano przez około 20 lat za Augusta II Mocnego, króla Polski i elektora saskiego (Fryderyka Augusta I, 1694–1733), a swój ostateczny wygląd otrzymał niemal przypadkowo. Od samego początku nie stworzono jasnych planów jego budowy, ponadto przeznaczenie Zwingera zmieniało się kilkakrotnie w trakcie budowy budynków: miał być szklarnią, w wyniku czego stał się Królewskim Zespołem Przyrodniczym Muzea.
Rezydencja elektorów saskich - Drezno, pocz. XVIII w. była potężną fortecą w kształcie gwiazdy. Takie kontury powstały dzięki temu, że bastiony, zbudowane z płyt z piaskowca (najpiękniejszego i najdroższego materiału w kraju), wysunęły się ostro do przodu. Tam, gdzie obecnie znajduje się Zwinger, znajdował się Luna Bastion, a wewnątrz niego znajdował się Ogród Zwinger, którego nazwa była związana z fortecą. W ówczesnej branży fortyfikacyjnej – nauce o budowaniu fortyfikacji – pojęcie „międzymurze” oznaczało miejsce pomiędzy dwoma wałami obronnymi, zbiegającymi się pod kątem ostrym.
Król i architekt M. D. Peppelman zdawali się rywalizować pomysłowością i ostatecznie zamiast szklarni powstał budynek przeznaczony na festyny i uroczyste ceremonie. To prawda, że trzeba było poświęcić dla tego wielu: zburzono część istniejących budynków i część bastionów, które broniły miasta, pogłębiono tor wodny Łaby, zaczynając od miasta Königstein, aby dostarczyć potężne bloki piaskowca wzdłuż go z kamieniołomów na podpory, kolumny i monumentalne rzeźby.
Już w 1709 r. architekt zaproponował zamiast tarasów wybudować dwie zaokrąglone galerie – stałe zimowiska dla drzew. Pöppelman umieścił zaokrąglone galerie na niskim tarasie połączonym klatką schodową z ogrodem, a na ich dachach stworzył taras górny dla promenady. Okna galerii sięgały podłogi, przed każdym oknem znajdowała się konsola, na której w ciepłe dni wygodnie było przenosić drzewka cytrusowe w ciężkich baliach.
August Mocny wysłał Pöppelmana do Wiednia i Rzymu, aby zobaczył, jak należy budować pałace i zakładać ogrody. Powracając w 1710 r., Pöppelman proponuje królowi dołączenie dwóch dwupiętrowych pawilonów do Galerii Zaokrąglonych i wykorzystanie różnicy wysokości między wałem Zwinger a ogrodem do budowy kaskad i fontann.
Woda, zarówno stojąca, jak i płynąca, nabiera szczególnej funkcji w architekturze baroku. Tak powstał „teatr wodny” w Zwingerze, zwanym później Termami Nimf. Architekturę ożywiła woda i piękne rzeźby wykonane przez Balthasara Permosera wraz z pomocnikami.
W 1715 roku Pöppelman został wysłany do Paryża w celu zbadania budynków pałacowych i ich wnętrz. Jednocześnie architekt rozwiązuje problem, z którym borykał się od kilku lat – projekt skrzyżowania zachodnich Galerii Zaokrąglonych – Peppelman zaplanował tu całą konstrukcję – Pawilon na Wale, który miał zwieńczyć całego zespołu architektonicznego i pełnią kilka ważnych funkcji: mieszczą drzwi wejściowe do obu krużganków, schody, trzy fontanny tworzące grotę oraz małą sień frontową.
Do 1730 roku Zwinger stał się najbardziej znaczącym zespołem muzeów przyrodniczych w Europie, wraz z grafiką, eksponatami Kunstkamery, zbiorami minerałów, skamieniałości, muszli, koralowców, bursztynu, materiałami z zakresu zoologii, botaniki, anatomii, był też możliwość korzystania z biblioteki przyrodniczej. Teraz Zwinger nie nazywa się szklarnią, ale Królewskim Pałacem Nauk, nie było już świąt.
Barokowe elewacje Zwingera pozbawione są płaskich powierzchni. Kolumny, pilastry, nisze, gzymsy, wnęki i inne formy zdobnicze tworzą malowniczy relief. Niezwykle dużą wagę przywiązywano do rzeźbiarskich figur, wykonanych pod kierunkiem nadwornego rzeźbiarza B. Permosera, który w czasie budowy miał już ponad 60. Permoser, syn bawarskiego chłopa, był osobą niezwykle żywiołową, ubierającą się i zachowującą według własnego uznania dyskrecji, aw swoich pracach naruszył prawa anatomii. Jego wesołe figurki miały fałdy tłustych, okrągłych brzuszków i zbyt grube policzki, fauny miały zbyt duże końskie kopyta, młode kobiety miały zbyt długie, zakrzywione szyje.
Permoser miał wielu pomocników, wiernych metodzie obróbki kamienia i wypracowanej przez siebie formie, którą obecnie nazywa się stylem Zwinger. Byli wśród nich znani mistrzowie: Benjamin Thome, Paul Hermann, Johann Joachim Kretschmar, Christian Kirchner, Paul Egel.
Zwinger często cierpiał z powodu wojen, pierwszych poważnych zniszczeń dokonały wojska pruskie podczas wojny siedmioletniej (1756–1763). Ponadto zbudowano zespół z piaskowca - kamienia raczej miękkiego, podatnego na wietrzenie. Dlatego już w 1783 roku rozpoczęto prace konserwatorskie, którymi kierował I. D. Schade. Od tego czasu, od ponad 200 lat, nieprzerwanie prowadzone są prace konserwatorskie.
W 1849 roku podczas walk rewolucyjnych w Dreźnie wybuchł potężny pożar - spłonęła prawie cała wschodnia część Zwingera. Do 1857 r. część zabudowy odrestaurował K. M. Haenel, który przez niewiedzę wyrządził wielkie szkody: do 1863 r. posągi i ściany pokrywano pod jego kierownictwem wysychającym olejem, co spowodowało zniszczenie piaskowca.
Od 1910 r. rozpuszczalnikiem usunięto schnący olej, częściowo zrekonstruowano budynki i rzeźby. Do 1936 roku renowacja została zakończona, ale 13 lutego 1945 roku anglo-amerykańskie samoloty zbombardowały centrum Drezna, a Zwinger również został poważnie uszkodzony. Do 1964 roku (19 lat) trwały tam prace konserwatorskie pod kierownictwem G. Ermisa i A. Browna, których później zastąpił arch. Frenzla i rzeźbiarza Schlesingera. Prace konserwatorskie w Zwingerze kosztowały 20 milionów marek.
W 1962 roku Muzeum Porcelany mieściło się w pomieszczeniach od Galerii Zaokrąglonej Pawilonu Dzwonowego do Galerii Wschodniej Prostej. W zachodniej Galerii Zaokrąglonej znajduje się Muzeum Zoologii, a na I piętrze Pawilonu Francuskiego ekspozycja poświęcona polowaniom dworskim.
Barok w Rosji Znaczącym zabytkiem architektury sakralnej epoki baroku jest cerkiew papieża Klemensa w Zamoskvorechie, która jest również czczona przez prawosławnych. Zbudowany na koszt kanclerza Bestużewa według projektu Pietra Trezziniego (1742-1747). Pierwsza wzmianka w źródłach pisanych pod tą nazwą pochodzi z 1612 r., w związku z wydarzeniami bitwy moskiewskiej między milicjami rosyjskimi a wojskami polsko-litewskimi hetmana Chodkiewicza. 24 sierpnia 1612 r. toczyły się ciężkie bitwy między Kozakami broniącymi więzienia a piechotą hetmana Chodkiewicza ...
Podczas tych walk, gdy wojska hetmańskie zdobyły więzienie i kościół św. Klemens, św. Avraamiy (Palitsyn) dokonał jednego ze swoich wyczynów, powstrzymując odwrót Kozaków z więzienia. jak św. Awramy: „Kozacy, którzy wybiegli z więzienia św. Klemensa i spojrzeli w górę na więzienie św. Klemensa, widząc litewskie chorągwie na cerkwi… rozsądnie i wzdychali i ronili łzy do Boga – nie było dość ich w liczbie - i tak wracając i pędząc jednogłośnie do więzienia, przyjdź i weź je”.
W swojej księdze wspomnień Apollon Grigoriew napisał: „Ale to nie cerkiew Piatnicy-Praskoveya uderza i zatrzymuje wzrok od szczytu Kremla, kiedy stopniowo odwracając wzrok od południowego wschodu, kierujesz je na południe , ale pięciokopułowy, wspaniały kościół papieża Klemensa Romana. Zatrzymasz się przed nim i przejdziesz wzdłuż Piatnickiej: zadziwi cię surowością i majestatem swojego stylu, nawet harmonią części… część „Zamoskworieczje”…
Pałac Zimowy w Sankt Petersburgu to dawny pałac cesarski, obecnie część Głównego Zespołu Muzealnego Państwowego Ermitażu. Budynek pałacu został wzniesiony w latach 1754-1762 przez włoskiego architekta B. F. Rastrelli w stylu bujnego baroku elżbietańskiego z elementami francuskiego rokoka we wnętrzach. Trzykondygnacyjny budynek ma kształt kwadratu o 4 skrzydłach z dziedzińcem i fasadami skierowanymi w stronę Newy, Admiralicji i Placu Pałacowego. Splendoru budowli nadaje wspaniała dekoracja elewacji i pomieszczeń.
Inaczej ułożone elewacje, mocne występy ryzalitów, akcentowanie uskokowych narożników, zmienny rytm kolumn tworzą wrażenie niepokoju, niezapomnianej powagi i przepychu. Budynek pałacu posiada 1084 pokoje, 1945 okien, 117 schodów (w tym tajnych). Długość fasady od strony Newy wynosi 137 metrów, od strony Admiralicji - 106 metrów, wysokość 23,5 metra. W 1844 r. Mikołaj I wydał dekret zakazujący budowy budynków cywilnych w Petersburgu wyższych niż wysokość Pałacu Zimowego ...
Musiały być zbudowane co najmniej o jeden sąż mniej. Pomimo przebudowy i innowacji, główny plan urbanistyczny pałacu zachował idee F.-B. Rastrelli. Budynki pałacowe powstają wokół wewnętrznego Wielkiego Dziedzińca. W skrzydle północno-zachodnim i południowo-zachodnim na miejscu Sali Tronowej i Opery utworzono lekkie dziedzińce, wokół których uformowano amfilady pomieszczeń mieszkalnych.
Trzykondygnacyjny budynek pałacu jest podpiwniczony i posiada liczne antresole, część głównych sal drugiego piętra jest dwustronna. Inżynier M.E. Clark opracował trójkątne kratownice do podtrzymywania dachu Pałacu Zimowego - „sprengele dachowe”, a do stropów sal pałacu - „dmuchane belki eliptyczne”. Sprengle i belki zostały wykonane w zakładzie Alexander przy użyciu tylko dwóch technologii obróbki metalu: kucia i odlewania. W projektach zastosowano różnorodne połączenia: na śruby, nity, kliny, zaciski; stosowano również spawanie kuźnicze.
Po przypadkach odkształceń konstrukcyjnych między kratownicami zainstalowano przekładki, aby zapobiec przemieszczeniom. Reżim temperaturowy, a co za tym idzie zachowanie konstrukcji metalowych, zależał od jakości ocieplenia poddasza. 9 sierpnia 1841 roku zdarzył się wypadek - w Sali Św. Jerzego zawalił się strop. Komisja badająca tę sprawę doszła do wniosku, że dwuteowniki spoczywały w „niepewnych miejscach” ścian nośnych. Podczas renowacji używano już sprengli.
Elewacje i dach pałacu kilkakrotnie zmieniały kolorystykę. Pierwotny kolor miał bardzo jasne, ciepłe zabarwienie ochry, z układem porządkowym i dekorem z tworzywa sztucznego podkreślonym białą farbą wapienną. Protokoły Kancelarii z budynków mówią o wydaniu wapna, kredy, ochry i tuszu do tych prac. W późniejszych dokumentach pojawiają się takie określenia jak „bladożółty z białym”, „pod kolorem dzikiego kamienia”.
Przed pożarem w 1837 r. nie było zasadniczych zmian w kolorystyce pałacu, z wyjątkiem dachu, który w 1816 r. zmienia kolor z biało-szarego na czerwony. W trakcie renowacji po pożarze kolorystykę elewacji uzupełniono gaszonym wapnem tosno, ochrą, mumią włoską i częścią ziemi ołonieckiej, która służyła jako pigment i miała odcień kości słoniowej, natomiast dach jest pomalowany żelazną minią, nadającą mu brązowo-czerwony kolor.
W drugiej połowie lat 50. - 60. XIX wieku za cesarza Aleksandra II zmienił się kolor elewacji pałacu. Ochra staje się gęstsza. Układ porządkowy i dekor plastyczny nie są poplamione dodatkowym kolorem, lecz zyskują bardzo lekkie podkreślenie tonalne. W latach 80. XIX wieku, za czasów cesarza Aleksandra III, kolorystykę elewacji przeprowadzono w dwóch tonacjach: wyraz gęstej ochry z dodatkiem czerwonego pigmentu oraz słabszy ton terakoty. Wraz z wstąpieniem na tron Mikołaja II w 1897 roku cesarz zatwierdził projekt malowania elewacji Pałacu Zimowego w kolorze „nowego ogrodzenia Ogrodu Własnego” – czerwonego piaskowca bez tonalnego podkreślenia kolumn i dekoracji.
Terakotowo-ceglany kolor pałacu zachował się do końca lat 20. XX wieku, po czym rozpoczęto eksperymenty i poszukiwania nowej kolorystyki. W 1927 r. podjęto próbę pomalowania go na szaro, w latach 1928-1930. - w tonacji brązowo-szarej, a miedziana rzeźba na dachu - w kolorze czarnym. W 1934 roku po raz pierwszy podjęto próbę pomalowania pałacu pomarańczową farbą olejną, podkreślając układ porządkowy białą farbą, jednak Farba olejna miały negatywny wpływ na dekorację kamienną, gipsową i sztukatorską.
Z początkiem Wielkiego Wojna Ojczyźniana dla kamuflażu pałac jest pomalowany dwustronną samoprzylepną szarą farbą. W latach 1945-1947 komisja złożona z głównego architekta Leningradu N.V. Baranowa, szefa Państwowej Inspekcji Ochrony Zabytków N.N. Belechowa, przedstawicieli Leningradzkiego Komitetu Wykonawczego, Państwowego kontrola budynku, Państwowego Ermitażu i konsultantów naukowych, postanowiono pomalować ściany pałacu tlenkiem chromu z dodatkiem pigmentu szmaragdowego; kolumny, gzymsy, listwy międzykondygnacyjne i ramy okienne - w kolorze białym; dekoracja stiukowa, kartusze, kapitele - ochrą, natomiast zdecydowano się na pozostawienie rzeźby w kolorze czarnym.
