W latach 70. w kulturze zachodniej, rzucając wyzwanie sztuce abstrakcyjnej, powstał nowy nurt malarstwa - fotorealizm (lub hiperrealizm, superrealizm). Ogromne płótna malarstwa olejnego, które tylko rozmiarem różnią się od zdjęcia. Czegoś takiego w sztuce jeszcze nie było - artyści za podstawę przyjęli nie życie, ale fotografię, co więcej, fotografię codzienną, amatorską. W obrazach fotorealistów - banalna codzienność, bezosobowa, dwuwymiarowa, zimna, bezosobowa, pozbawiona emocji rzeczywistość, przeniesiona przez fotografię. Superrzeczywistość łączy się z dystansem przy kopiowaniu takich fotografii. Ideologia fotorealizmu polega na uznaniu, że reklama, telewizja i przede wszystkim fotografia w różnych jej przejawach tak dominują w percepcji wizualnej nowoczesny mężczyzna które wypierają rzeczywistość jako taką. Fotografia to przedmiot równie realny i ważny jak rzeczywistość - fotografia jest często nawet bardziej przekonująca niż sama rzeczywistość. Opierając się na zasadach nowoczesnej percepcji wizualnej i roli artysty w społeczeństwie, fotorealizm stał się pierwszą sztuką konceptualną.
Fotorealizm udowodnił, że fotografia jest najbardziej adekwatnym językiem wizualnym dla współczesnej świadomości i percepcji, podstawą wszelkiej współczesnej kultury wizualnej.
Ralph Goings. „Niebieski serwetnik”. 1980
Ralph Goings.
Fotografia współczesna (współczesna - fotografia aktualna) powstała w latach 90., kiedy artyści zaczęli pracować z fotografią jako medium. Współczesna fotografia nie istnieje poza kontekstem i jest niezrozumiała dla nieprzygotowanego widza. Fotografia przestała być przedmiotem estetycznym. Całą współczesną fotografię można podzielić na dwa obszary:
1. Fotografia konceptualna (sama eksploruje);
2. Fotografia interdyscyplinarna (dyscyplinami pokrewnymi mogą być: nauka, kultura, socjologia; np. studia społeczne czy dialog kulturowy z fotografią klasyczną).
Równolegle z fotografią współczesną istnieje sztuka piękna (sztuka piękna, sztuka o pięknie), której jedynym zadaniem jest przekazanie piękna otaczającego świata. Do fotografia współczesna Sztuka piękna nie ma zastosowania.
Fotografia konceptualna to fotografia o fotografii, sztuka analizująca sztukę. Jest zajęta odkrywaniem siebie: własnego języka, funkcji, roli, natury.
Głównym zadaniem artysty jest skłonienie widza do zastanowienia, a fotografia konceptualna raczej stawia pytania niż udziela odpowiedzi. Kiedy powstaje fotografia, trwają badania i rozumowania, są one ważniejsze niż efekt końcowy - sama fotografia. Fotografia to tylko media, wizualna forma wyrażania myśli, poszukiwania artysty.
Seria we współczesnej fotografii ma nowe znaczenie- to nie jest historia fotografii, jak w modernizmie, ale typologia, jak Karl Blossfeldt. Z wyjątkiem niektórych autorów, artyści pracują w seriach (stwierdzenie rodzi się dopiero w serii), gdzie każde pojedyncze zdjęcie nie jest rodzajem opowieści.
Początkowo fotografia koncepcyjna była nieestetyczna, dokumentalna i nieciekawa malarsko. W ten sposób artyści zdefiniowali nowy język fotografii, nowy cel. Po usunięciu z obrazu wszystkich zwykłych bodźców fotografii klasycznej („decydujący moment”, kompozycja, emocje, gesty, rozpoznawalna scena, podkreślenie tego, co najważniejsze), artyści starali się skłonić widza do spojrzenia na samą fotografię, do przemyślenia jego charakter. Fotografia konceptualna jest nieoceniająca, sucha i zdystansowana.
Później pojawiła się tak zwana „fotografia postkonceptualna”, która stała się bardziej oswojona z estetycznego punktu widzenia i kosztowna w produkcji, co w konsekwencji wpłynęło na cenę finalnego dzieła sztuki. Z reguły takie prace, zgodnie z fotorealizmem, są ogromne, kręcone aparatami wielkoformatowymi i drukowane w taki sposób, aby widoczne były wszystkie najdrobniejsze szczegóły. Dzięki takiemu sposobowi przedstawienia obrazu, fotografia w jak największym stopniu zbliża się do rzeczywistości, pozwalając widzowi podzielić się rzeczywistością przedstawioną na fotografii. Hiperdetalizacja daje hipertroficzną hiperrzeczywistość. Jednocześnie wielu artystów wykorzystuje estetykę fotografii amatorskiej do przekazywania swoich pomysłów.
Artyści używają w fotografii nowoczesnego języka, z wyjątkiem sytuacji, gdy wchodzą w dialog kulturowy z historią sztuki lub historią fotografii.
Konceptualne podejście do fotografii mogło początkowo osłabić zainteresowanie gatunkiem martwej natury. Jednak dzięki niektórym artystom otrzymaliśmy fotograficzną martwą naturę Nowa scena rozwój. Tak więc Jan Gruver (1943-2012) zamienił przybory kuchenne w zręczne kompozycje. Grover często przedkłada formę nad treść, prawie eliminując temat ze swoich prac. Jej kompozycje często składają się jedynie z krawędzi przedmiotów wyciętych nie do poznania. Tekstura jest tak samo ważna jak forma. Fotografie Gruvera z tej serii są mniej przyborami kuchennymi, a bardziej złożonymi, czasem abstrakcyjnymi przedstawieniami przestrzennych aranżacji z wykorzystaniem kształtu, koloru i faktury.
Jana Gruvera. Nieuprawny. 1978
Twórczość szwajcarskich artystów Petera Fischli (ur. 1952) i Davida Weissa (1946-2012) ustanawia fotografię jako środek, za pomocą którego artysta jest w stanie przedstawić to, co zwyczajne, aw ich przypadku - przekrzywione, warunkowe, wątpliwe. W swojej serii Balance/Quiet Afternoon wzięli przedmioty codziennego użytku i zrównoważyli je w niestabilnych strukturach w taki sposób, że dziwne rzeźby balansują na krawędzi upadku. Ich przeczące grawitacji rzeźby mają pikantną kruchość i kruchość, a kamera uczyniła je wiecznymi.
Petera Fischli i Davida Weissa. „Ciche popołudnie” 1984-1985
Nobuyoshi Araki (ur. 1940), uważany za geniusza i najwybitniejszego żyjącego japońskiego fotografa, szczególnie interesuje się tematem kobiecości, kobiecej sylwetki i seksu. Za pomocą rdzenia dojrzałego, lekko pomarszczonego owocu Araki powtórzyła kształt żeńskiego organu. Tworząc serię „Erotos” w 1993 roku Araki wymyślił nazwę, łącząc w niej dwa wątki, które odgrywają kluczową rolę w jego twórczości: wątki Erosa i Thanatosa (według teorii Z. Freuda „Eros” – miłość, tworzenie, seks, życie, „Thanatos” – pragnienie okrucieństwa, agresji, sadyzmu i śmierci). Na fotografiach Arakiego ścierają się te siły: źródłem męskiej żądzy jest owoc, który już zaczął pleśnieć i gnić. Krytyk sztuki Jerry Badger powiedział: „Pornografia jest naprawdę w oku patrzącego”.
Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993
Zdjęcie Margriet Smulders „Miłość zwycięża wszystko” budzi sprzeczne uczucia. Widać w nim wpływ malarstwa z XVII wieku i słychać echa tematu domowego komfortu. Piękno jest tu nierozerwalnie związane z rozkładem. Kwiaty na zdjęciach, które Smulders często robi za pomocą luster, wydają się wkrótce odpaść. Sama nazywa kwiaty „aktorami”, przedstawiając „cały świat, ze wszystkimi związkami i dramatycznymi sytuacjami”. To zdjęcie kryje niejasne zagrożenie, z zakrzywionymi gałęziami przecinającymi kompozycję tu i ówdzie, a wodnista niebieska pustka pośrodku grożąca zalaniem całego obrazu i zniszczeniem delikatnych kwiatów. Smulders pracuje w klasycznym gatunku martwej natury, ale przerysowane, nierealistyczne kolory tworzą ostry efekt, którego normalnie nie można znaleźć w fotografii z kwiatami. Jak wielu współczesnych fotografów, Smulders widział śmierć i nieuchronność rozkładu w naturze. Kwiaty na jej zdjęciu wydają się być oddzielnymi częściami ciała, jak zęby i języki, które są skazane na próchnicę. „Bujne i niezwykle erotyczne obrazy przenoszą Cię w inny wymiar. Ogromne lustra, plisowane szklane wazony, grube draperie, owoce i przycięte bukiety – z tego składają się te „płótna” – mówi o swojej pracy sama Margriet Smulders.
Margriet Smulders. "Miłość wszystko zwycięża." 125x1100 cm Fragment. 2005
Praca ta jest w dobrej rozdzielczości na stronie autora http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 gdzie można ją przewijać w wygodnym tempie i trzymać się dowolnej części
Niesamowita strona Smulders z innymi pracami http://www.margrietsmulders.nl
Amerykański fotograf James Welling (ur. 1951) nazywa swoją praktykę „odrodzeniem modernizmu, ale w kontekście historycznym”. Seria Kwiatów to głęboka analiza przeszłości fotografii, jej statusu w miarę ewolucji. Welling umieszcza sadzonki roślin na czarno-białej kliszy i naświetla, ich białe cienie odbijają się na czarnym tle negatywu. Następnie za pomocą kolorowych filtrów o różnych kształtach ponownie naświetla. Rezultatem są jasne fotogramy kwiatów - ich ciemne kontury na białym tle z mnóstwem delikatnych, promiennych odcieni. John Herschel ukuł termin „fotografia” (pisanie światłem), a William Henry Fox Talbot inny termin – „sciografia” (sztuka cieni). Cykl „Kwiat” jest owocem obu definicji: pierwszy etap (tworzenie negatywu) wykorzystuje cień rośliny, drugi (tworzenie kolorowego pozytywu) wypełnia cień jasnym światłem, dając początek fotografii. Welling przypomina, że cień gra tak samo ważna rola podczas tworzenia fotografii, podobnie jak światło. „Nie chodzi o to, że nie jestem zainteresowany treścią, ale treść nie jest jedyną rzeczą, która nadaje sens zdjęciu” – mówi Welling.
Jamesa Wellinga. Z serii „Kwiat”. Autorska technika fotogramowa. 2006
Zdjęcia kwiatów na stronie Welling, gdzie można znaleźć inne projekty http://jameswelling.net/projects/17
Monumentalne abstrakcje Christiana Marclay'a (ur. 1955) - "Przypomnienie (Przetrwanie najsilniejszych)". Nazwa służy jako wskazówka - przypomina o umierającym medium. Przy bliższym przyjrzeniu się widoczne stają się złamane kasety, staje się jasne, że odwinięta taśma magnetyczna rozciąga się wzdłuż całego obrazu. Za aluzję do teorii Darwina i „wyginięcia” kaset Marclay umiejętnie odtworzył prawie wymarłą XIX-wieczną technologię cyjanotypii i naśladował „wymarły” styl abstrakcyjnego impresjonizmu i Jacksona Pollocka.
Christian Marclay. „Najsilniejszy przetrwa”. Cyjanotypy. 2008
„Promieniowanie emanuje z rzeczywistego, „istniejącego” ciała, dotykając mnie, znajdującego się w innym miejscu; moim spojrzeniem ciało fotografowanej rzeczy łączy pozory pępowiny ”- pisał Roland Barthes, a jego słowa przypominały stwierdzenie Susan Sontag, że„ fotografia pozwala, aby przedstawiony na niej przedmiot dotykał nas jak spóźnione promienie gwiazd. Ślad, wskazówka, wątek łączący fotografię z rzeczywistością są ciekawie wplecione w prace brytyjskiego fotografa Richarda Learoyda (Richard Learoyd) (ur. 1966). W swoim warsztacie opracował całkowicie Nowa technologia Zdjęcie. Wykorzystując pokój jako ciemnię, tworzy ogromne płótna na pozytywowym papierze fotograficznym. Światło, które odbija się od obiektu, jest tym samym światłem, które świeci w twoje oczy. Jak powiedziałby Barthes, obiekt i widz są połączone pępowiną fotonów. Odbicia lustrzane Learoyda wydają się niewiarygodnie bliskie; takie fotografie nazywali wcześni teoretycy fotografii „szaleństwem materii” lub, jak powiedział André Bazin, „halucynacją, która jest jednocześnie prawdziwa”.
Na zdjęciu „Betonowe bloki z zającem” martwe ciało zająca „trzyma” betonowe bloki w stanie półzawieszenia, reprezentując zamrożoną parodię życia. Reprodukcje Learoyda, podobnie jak wielu innych współczesnych artystów, rzadko trafiają do odbiorców. Jego innowacyjna technika fotograficzna pozwala mu tworzyć monumentalne obrazy z niewiarygodnie ostrymi szczegółami, nawet przy oglądaniu z bliska. Widzów przyciągają ogromne płótna z hiperrealistycznymi obrazami. Na prezentowanej fotografii taka siła obecności, taka wiarygodność tworzą ostry kontrast z martwym torsem martwego zwierzęcia. Użycie przez Learoya pozytywowego papieru fotograficznego przywołuje jedną z pierwszych form fotografii (która stała się popularna w fotografowaniu zmarłych): dagerotyp. Światło pada bezpośrednio z obiektu i osadza się na powierzchni dagerotypu, gdzie, podobnie jak w technice Learoyda, nie ma pośredniego negatywu.
Richarda Learoyda. „Bloki betonowe z zającem”. 2007
Film o Learoydzie i jego aparacie http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694
Większość dzieł niemieckiego mistrza Thomasa Demanda (ur. 1964) jest kopiowana z fotografii, w tym z wiadomości, nabierając potrójnego znaczenia: w rzeczywistości są to fotografie papierowych rzeźb z fotografii oryginalnego wizerunku. Uświadomienie sobie tego prowadzi wzrok widza w dół galerii luster, gdzie staje się widoczna różnica między rzeczywistością a fikcją. Popyt zaczyna od wybrania zdjęcia, a następnie z papieru i tektury tworzy kopię 3D naturalnej wielkości, którą niszczy po zrobieniu zdjęcia. Zdjęcia źródłowe często przedstawiają słynne wydarzenia, np. w swojej pracy „Poll Office” powiela zdjęcia Centrum Operacji Ratunkowych w Palm Beach, gdzie odbyły się wybory prezydenckie z 2000 roku. Obraz nasuwa pytanie o proces „kontemplowania papieru z dziurami przez ponad 6 tygodni, kiedy dwieście lub trzysta kartek papieru znacząco wpłynęłoby na losy tego świata”. Na pierwszy rzut oka obraz na zdjęciu wygląda jak duże biuro. Jednak po bliższym przyjrzeniu się widać, że wszystkie telefony są takie same, powierzchnie są płaskie, a to biuro z papieru. Papier jest zarówno nośnikiem obrazu reliefowego, jak i obiektem obrazu (biuletynami). Demand, subtelnie naśladując rzeczywistość, stawia pytanie o autentyczność fotografii. Czy można ufać zdjęciom? Czy to, co przedstawia, jest prawdziwe?
Thomas Żądanie. „Punkt głosowania”. 2001
Praca Demanda na swojej stronie internetowej (nie zapominaj, że to tylko papier) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/
Ludzie często postrzegają fotografię jako nośnik informacji, który naprawdę oddaje część świata. Praca Ori Gershta (ur. 1967) komplikuje ten pogląd, zmuszając widza do szukania rozbieżności między fotografią a ludzkim wzrokiem. Obraz „Eksplozja” z serii „Time After Time” przedstawia hiperrealistyczny obraz, który dzieli czas na maleńkie cząstki, co jest poza zasięgiem ludzkiego oka. Wydobywa też na powierzchnię napięcie panujące między pięknem a okrucieństwem. Gersht przyznaje: „Interesują mnie przeciwieństwa – piękno i odrzucenie, jak moment zniszczenia podczas eksplozji bukietu staje się dla mnie momentem stworzenia”. Gersht najpierw zamroził kwiaty ciekłym azotem, a następnie umieścił malutkie wybuchowe pociski między płatkami i uchwycił moment eksplozji za pomocą szybkich aparatów cyfrowych i specjalnie zaprojektowanego urządzenia elektronicznego, które je wystrzeliło. Bukiet kwiatów został uwieczniony w momencie eksplozji.
Ori Gersht. "Bukiet kwiatów". 2000
Kolejny projekt na stronie Galerii CRG http://crggallery.com/artists/ori-gersht/
Sharon Core (ur. 1965) początkowo kształciła się jako artystka, a później przekwalifikowała się na fotografa. Dlatego wyznacza wyraźną granicę między tymi dwoma środkami wyrazu. Wchodząc w dialog z fotorealistami malującymi obrazy z fotografii, Cor tworzy fotografie z obrazów. Obraz „Jabłka” znalazł się w serii „Styl kolonialny”. Patrząc na ten obraz wydaje się, że to tylko fotografia obrazu z epoki dawnych mistrzów. „Przedstawiam »rzeczywistość« XIX-wiecznego obrazu pod względem oświetlenia, idei i skali … aby skończyć z iluzorycznym przedstawieniem innej epoki”. Zainspirowała ją Raffaelle Peale, autorka ponad stu martwych natur powstałych w latach 1812-1824. Odtwarzając kompozycję z obrazu Peale w swoim warsztacie, Cor próbowała zamienić trójwymiarowe obiekty w dwuwymiarowe reliefowe powierzchnie z obrazu artystki. Jej technika wyznacza śmiałą granicę między fotografią a malarstwem, pozostawiając widzom pytanie o gatunek dzieła i rolę autentyczności.
Sharon Kor. "Jabłka". 2009
Praca Laury Letinsky (ur. 1962) „Bez tytułu nr 23” swoim stylem przypomina starą martwą naturę, w której wyraźnie śledzone są tradycje holenderskie i flamandzkie. Przyznaje, że jest pod wpływem kapryśnej mieszanki północnego i południowego renesansu, a jej kreacje odzwierciedlają to „niejednoznaczne, mylące i ciężkie” poczucie przestrzeni. Kompozycje Letinsky'ego prezentowane są w naturalnym świetle. Dla niej światło jest także bohaterem, „niekontrolowanym… Światło potrafi zaskoczyć”. W większości swoich prac używa porannego światła, ale do serii Pies i Wilk wybrała aksamitny, mroczny blask i bardzo długie czasy naświetlania. Tytuł odcinka jest aluzją do francuskiego powiedzenia o zmierzchu, magicznym czasie, w którym psy zamieniają się w wilki.
Jej wielkoformatowe fotografie tworzą atmosferę namacalności i intymności, jak gdyby po prostu trzeba było sięgnąć, by dosięgnąć
Przedmiot. „Uderzyło mnie, że Ostatnia Wieczerza to scena posiłku, w której jedzenie na stole pełni rolę dodatkowej postaci, odgrywa rolę drugoplanową. I pomyślałem, co by się stało, gdyby usunęliśmy głównych bohaterów, a wszystko inne zostawimy tak, jak jest. Główny nacisk kładzie się na ideę, że fotografia pokazuje coś, czego już nie ma.
Wyrzucona skórka na wpół zjedzonej pomarańczy i porozrzucane skorupki pistacjowe – cała scena przypomina niesprzątany po obiedzie stół. „Fotografuję resztki i śmieci, aby przeanalizować związek między dojrzałością a zniszczeniem, wyrafinowaniem a niezdarnością, kontrolą a przypadkowością”. Perspektywa obrazu jest bardzo nietypowa: stół wygląda geometrycznie nieproporcjonalnie, a pistacje na podłodze praktycznie łączą się z muszlami na stole. Upiorna kompozycja Letinsky'ego tworzy bolesną atmosferę niepewności i braku obecności człowieka w przeszłości. "Interesuje mnie, co się stało" po", co zostało... i co przeminęło na zawsze."
Laura Letinsky. „Bez tytułu nr 23”. 2009
Każdy autor ma własne podejście do martwej natury, każdy rozwiązuje własne problemy, stosując unikalne metody pozyskiwania obrazów i formy prezentacji. Ale w każdym razie we współczesnej martwej naturze, jak we wszystkich nowoczesnych fotografiach, pomysł wysuwa się na pierwszy plan. W zależności od wypowiedzi wybierana jest zarówno metoda realizacji (inscenizowane lub dokumentalne), jak i sposób prezentacji finalnego obrazu (plastyfikacja, lightboxy, autorskie fotoksiążki, obrazy uzyskane alternatywnymi metodami druku lub przy użyciu pierwszych technologii fotograficznych itp.).
Od samego początku rozwoju fotografii fotografia martwa natura zawsze cieszyła się szczególną popularnością, a wszystko dzięki temu, że fotografowane obiekty są statyczne i nieruchome, a można z nimi eksperymentować bez ograniczania się w czasie i pomysłach – w końcu pierwsze aparaty miały bardzo długi czas naświetlania, co komplikowało zadanie rejestrowania dynamicznych scen. Dziś, po prawie dwóch wiekach, sztuka fotografii nadal jest wzbogacana o ciekawe ujęcia z wszelkiego rodzaju obiektami ułożonymi w określony sposób i z konkretną koncepcją. Wielu fotografów preferuje ten gatunek od wszystkich innych, ponieważ praca w nim nie zna granic.
Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że fotografowanie w martwej naturze obiektów statycznych to sprawa prosta i szybka, ale w rzeczywistości wszystko okazuje się zupełnie inne. Trudności zaczynają się od samego początku, przy wyborze niezbędnych przedmiotów i ułożeniu ich zgodnie z wszelkimi prawami kompozycyjnymi, a kończą się ułożeniem światła i wyborem zwycięskiego kąta strzału, który na koniec trzeba pokonać wysokiej jakości obróbką obrazu. Fotografowie spędzają na takiej pracy godziny, a nawet cały dzień - inaczej nie dostaniesz profesjonalnych ujęć.
Funkcje fotografowania martwej natury
Zaletą pracy z martwą naturą jest to, że nie trzeba szukać specjalnego miejsca do fotografowania ani góry profesjonalnego sprzętu. Nawet środowisko domowe jest odpowiednie jako lokalizacja: wybierz miejsce oświetlone światłem dziennym lub użyj lampy błyskowej, wybierz i zbuduj odpowiednie tło samodzielnie - i możesz robić zdjęcia.
W przeciwieństwie na przykład do robienia portretów i krajobrazów, potrzebujesz znacznie mniej dodatkowych szczegółów. Ale główna różnica polega na tym, że będziesz miał tyle czasu na pracę, ile potrzebujesz, ponieważ interakcja z tematem jest znacznie łatwiejsza: możesz je przestawiać, usuwać niepotrzebne, dodawać nowe, wypróbowywać nieskończoną liczbę kątów i urzeczywistniać dowolne pomysły . Z ludźmi, zasoby energetyczne które są ograniczone, takich możliwości w strzelaniu nie będzie.
Fotografując ludzi, zwierzęta lub krajobrazy, fotografowie często muszą robić wszystko niemal w biegu, ale w przypadku obiektów nieożywionych wszystko jest inne: można przemyśleć każdą drobiazg i stworzyć naprawdę doskonałe ujęcie.
Między innymi fotografia martwej natury zawsze była ceniona w fotografii komercyjnej, więc dobre ujęcia mogą przynieść nie tylko przyjemność estetyczną, ale także dobry zysk. We współczesnym świecie publikuje się coraz więcej czasopism, katalogów i innych publikacji różnego rodzaju, w których konieczne jest wykazanie szerokiej gamy przedmiotów i towarów: żywności i dań gotowych, napojów, akcesoriów, ubrań, artykułów wyposażenia wnętrz i wiele więcej. Takie zdjęcia można niezależnie promować w Internecie za pomocą specjalnych giełd i innych zasobów.
Co fotografować?
Dla wielu gatunek martwej natury w fotografii wydaje się klasyczny, standardowy i przewidywalny, w którym główne miejsce w kadrze zajmują warzywa, owoce czy kwiaty. Tak naprawdę to, co fotografować, zależy tylko od Twojej wyobraźni i upodobań. Rozejrzyj się i poszukaj przedmiotów, które mogą opowiedzieć ich historię, bez względu na to, jak są niezwykłe. W końcu tutaj, jak w każdym innym gatunku, jest miejsce na oryginalność i kreatywność.
Niezwykłe lub ciekawe rzeczy do fotografowania można znaleźć wszędzie: na spacerze, w kawiarni iw wielu innych miejscach. Zapamiętaj lub zapisz pomysł, który pojawił się w twojej głowie, gdy zobaczysz przedmiot, który ci się podoba i spróbuj wcielić go w swoje domowe otoczenie. Początkującym zaleca się zacząć od prostszych przedmiotów, unikając szkła i metalu, które trudno dopasować do oświetlenia. Po przećwiczeniu czegoś zrozumiałego możesz wybierać bardziej złożone kształty, łącząc ze sobą obiekty w korzystne kombinacje.
Konfiguracja oświetlenia
Zaletą fotografii martwej natury jest to, że nie trzeba do niej kupować drogiego sprzętu oświetleniowego, jak jest to konieczne przy fotografowaniu studyjnym. Pamiętaj, że masz pełną kontrolę nad całym przepływem pracy, dzięki czemu możesz poradzić sobie ze światłem przy minimalnej ilości sprzętu i w domu.
Możesz użyć nie tylko dowolnego sztucznego źródła światła, ale nawet naturalnego światła dziennego. W pierwszym przypadku możesz po prostu zablokować światło dzienne, szczelnie zasłaniając okna roletami i zasłonami, sztucznie wytwarzając całe światło. W przypadku światła dziennego wystarczy wybrać najjaśniejszy punkt pomieszczenia, w pobliżu okna, którego nie zasłaniają drzewa, budynki i inne przeszkody.
Niektórym może się wydawać, że nie da się robić dobrych zdjęć zwykłymi żarówkami, ale tak nie jest. Najważniejsze jest, aby nauczyć się pracować z sztuczne źródła lekkie, eksperymentując z ich aranżacją. Możesz wyróżnić obiekt nie tylko z przodu, co może być dość nudne, ale także z boku, a nawet z tyłu, uzyskując ciekawe efekty. Ale jeśli masz wysokiej jakości i silne źródło naturalnego światła, nie zaniedbuj go, ale spróbuj użyć go do fotografowania obiektów: można go uzupełnić specjalnymi reflektorami lub połączyć z lampą.
Możesz samodzielnie wykonać odbłyśnik za pomocą kartonu i folii.
Praca z kątami
Doskonałym pomocnikiem w fotografowaniu statycznych obiektów i martwej natury jest specjalny statyw do aparatu, który pozwala pewnie trzymać go we właściwej pozycji i wykonywać zdjęcia nawet przy bardzo długich czasach otwarcia migawki. Oprócz tego można dokupić pilota, który pozwoli na oglądanie strzelaniny z boku.
Jak korzystać ze statywu pełna moc? Dzięki niemu możesz oglądać fabułę i korzystać z wielu ciekawych kątów - najważniejsze, aby nie zapomnieć o ich zmianie, w przeciwnym razie aparat może stać w jednej pozycji przez całą sesję zdjęciową, co sprawi, że zdjęcia będą tego samego typu. Statyw do aparatu powinien podkreślać różnorodność kątów fotografowania i w żaden sposób nie ograniczać Twoich pomysłów. Zmieniaj pozycję aparatu, przestawiaj statyw w najbardziej nieoczekiwane miejsca, zmieniaj oświetlenie i ustawienia - wszystko to pomoże stworzyć różnorodne ujęcia, które chcesz wziąć pod uwagę.
Podczas przenoszenia sprzętu pamiętaj, aby nie przesłonić oświetlenia.
Jakie tło powinieneś sfotografować?
Właściwy dobór tła do martwej natury odgrywa ważną rolę w tworzeniu wysokiej jakości obrazu. Tło powinno być proste i neutralne, aby nie odciągać uwagi od tematu. Wybierając tło, zatrzymaj się na zwykłej ścianie, a jeśli jej nie ma, użyj białego kartonu lub innego odpowiedniego koloru. Możesz również użyć lekkiego i nienarzucającego się wzoru, ale tylko wtedy, gdy nie wyróżnia się on zbytnio, zaburzając harmonię obrazu.
Wybierając odcień tła, zwróć uwagę na jego interakcję z fotografowanymi obiektami. Możesz wybrać zarówno neutralny biały kolor, jak i bardziej złożony odcień, który uzupełni obraz.
Jeśli fotografujesz małe obiekty, tło może nie być potrzebne. Po prostu wybierz powierzchnię, na której leżysz pożądany przedmiot. Popularną opcją w tym przypadku jest czarna aksamitna tkanina, która dobrze wchłania kolor i wygląda równomiernie.
zasady kompozycyjne
Podobnie jak w przypadku każdej innej formy fotografii, kompozycja odgrywa ważną rolę w fotografii martwej natury. To ona w dużej mierze decyduje o tym, czy obraz się wyjdzie, czy nie. Odpowiednia kompozycja sprawi, że Twoja praca będzie wyjątkowa, interesująca dla widza i zapadająca w pamięć.
Bardzo ważna zasada każdy fotograf wie, że to zasada trójpodziału. Postępuj zgodnie z nim, a otrzymasz ładne zdjęcia. Nie zapominaj też, że kadr powinien być skomponowany w taki sposób, aby nie zawierał rozpraszających szczegółów, a jedynie to, co niezbędne: wyeksponuj główny temat i tło.
Tworzyć piękne zdjęcia wykorzystaj całą swoją wyobraźnię i nie bój się niestandardowych rozwiązań. Zastanów się, na co patrzy widz podczas oglądania zdjęcia, w jaki sposób wykorzystuje się pustą przestrzeń w kadrze i czy należy ją wypełnić. Konieczne jest przeprowadzenie dobra robota i zrozumieć, jak zaprezentować fotografowany przedmiot w jak najlepszym świetle, ukazując nie tylko jego piękno, ale także oddając sens nadany pracy. Tak, trzeba też popracować nad kontekstem: trzeba zdecydować, czy dany przedmiot będzie dobrze wyglądał sam, czy warto dodać do niego dodatkowe szczegóły. Tylko przepracowując wszystkie powyższe punkty, będziesz w stanie stworzyć ramę idealną pod względem kompozycyjnym.
Błędy w fotografii martwej natury
Każdy fotograf, który dopiero zaczyna fotografować martwą naturę i martwą naturę, napotyka mniej więcej ten sam zestaw pułapek, co wszyscy inni. Nie denerwuj się, jeśli na początku napotkasz trudności, ponieważ uczą nas prawidłowego rozumienia procesu fotografowania i pracy ze wszystkimi subtelnościami i niuansami martwej natury. Warto przeanalizować najczęstsze przyczyny, przez które popełniane są błędy i niedociągnięcia w pracy.
- Za mało praktyki . Wszystkie umiejętności i doświadczenie zawodowe nabywa się dopiero podczas procesu filmowania, więc trzeba trenować i wypełniać rękę tak często i tak często, jak to możliwe. Strzelanie w czas wolny, wkrótce dowiesz się, jak ustawić odpowiednie ustawienia aparatu i pracować z wieloma parametrami. Dotyczy to również pracy z kompozycją: im więcej eksperymentujesz, tym szybciej zaczniesz rozumieć zasady jej budowy i wizji.
- Niedokończony pomysł . Wszystko zaczyna się od pomysłu i dopiero po utworzeniu jasnego pomysłu na przyszłe zdjęcie wybierane są dla niego obiekty i szczegóły, a także tło. Bardzo ważny jest przekaz artystyczny i tkwiący w nim sens, bez nich cały proces kręcenia „czegoś” zakończy się fiaskiem.
- Słabe oświetlenie działa . Musisz wyraźnie zobaczyć, że nie ma nadmiaru ani braku światła, w przeciwnym razie każdy, nawet najbardziej oryginalny i kreatywny pomysł zostanie zrujnowany. Możesz używać światła dziennego, specjalnych zewnętrznych lamp błyskowych, lamp, a nawet świec - najważniejsze jest, aby obiekt był odpowiednio oświetlony. Pamiętaj, że praca z reflektorami poprawi wynik, więc staraj się nie używać bezpośredniego światła.
- Praca z wyrafinowany sprzęt . Początkujący i każdy inny fotograf nie musi gonić za drogim sprzętem – dobre ujęcia z martwą naturą uzyskuje się nawet przy minimalnych kosztach. Jakość obrazu zależy bezpośrednio od umiejętności, a nie od tego, ile pieniędzy zainwestowano w pracę.
- Niespójność stylu . Zawsze możesz eksperymentować z kolorami, kombinacjami obiektów, tekstur i tekstur, kształtów. Nie należy jednak próbować wciskać w obraz obiektu, który absolutnie nie pasuje do kompozycji pod względem stylu, epoki lub innych oczywistych parametrów.
- Błędy w wyborze tła . Tył zdjęcia to wcale nie drobiazg, ale detal, który może łatwo „zabić” zdjęcie, sprawić, że będzie nieestetyczne, a nawet odrażające. Zachowaj szczególną ostrożność przy wyborze tła do martwej natury: jeśli nie pojawia się ono w żaden sposób w pomyśle i kompozycji, wybierz neutralne odcienie, które nie zwrócą na siebie uwagi. Na przykład możesz wybrać biały kolor z prostą teksturą.
Najważniejszą rzeczą, którą musisz wiedzieć o udanym i wysokiej jakości fotografowaniu martwych natur, jest ciągłe strzelanie, zdobywanie go, gdy tylko jest to możliwe, a nawet na dowolnych przedmiotach, a następnie możesz osiągnąć dobre wyniki w tym rzemiośle, a nawet zacząć zarabiać z tego.
Martwa natura jako gatunek sztuki pojawiła się w odległym XV wieku i miała wtedy bardzo wyraźne konotacje religijne. Wiele wizerunków świętych zostało oprawionych w kompozycje kwiatowe. Już w XVII wieku martwa natura ostatecznie ukształtowała się jako gatunek, jednocześnie powstały podstawowe zasady kompozycji i technik klasycznych.
Od czasu pojawienia się fotografii martwa natura nie straciła na popularności, mimo że większość dzisiejszych fotografów pociąga możliwość fotografowania w akcji. Mistrzowie mają tendencję do robienia czegoś chwilowego i nieoczekiwanego, statyczne obrazy są dla wielu mniej atrakcyjne i interesujące.
Niektórzy mogą błędnie sądzić, że fotografia martwej natury nie jest trudnym rodzajem fotografii, bo może się wydawać, że fotografowanie czegoś, co się nie rusza i nie zmienia przez długi czas, wcale nie jest takie trudne. W rzeczywistości fotografie martwej natury są wynikiem długiej, monotonnej pracy. Fotograf martwej natury musi cały czas pracować ze światłem i przedmiotami. Od czasu do czasu zmienia tematy, tła i kąty.
Jako świetne przykłady fotografii martwej natury pokażemy Ci zdjęcia Paulette Tavormina – słynny fotograf z Nowego Yorku. Żyć w duże miasto Paulette znalazła własny sposób na ucieczkę od zgiełku. Znika na godziny we własnym studio, fotografując martwe natury, składające się z warzyw, owoców i kwiatów. Fotografie Paulette Tavorminy przywodzą na myśl klasyczne obrazy klasycznego malarstwa. Są bardzo artystyczne i hipnotyzujące.
Paulette Tavormina tworzy również niesamowite aranżacje kwiatów, roślin i drobnych owadów na samolocie. Obrazy przypominają bardziej ilustracje z książek o botanice lub niesamowite wzory roślinne.
Fotografie Paulette Tavorminy znajdują się w muzeach, kolekcjach korporacyjnych i prywatnych oraz były prezentowane w Paryżu, Londynie, Moskwie, Nowym Jorku, Los Angeles, Miami i Chicago. Paulette jest fotografem samoukiem, sama opracowała swoją unikalną technikę fotografowania martwej natury, studiując na malarstwie holenderskich mistrzów.
wzory roślinne
Martwa natura słusznie można nazwać jednym z najtrudniejszych gatunków w jakiejkolwiek sztuce. A także w fotografii. Na przykład natura jest piękna sama w sobie. Aby stworzyć dobry krajobraz, wystarczy, że artysta znajdzie atrakcyjne miejsce, czyli piękną przyrodę i odda stan natury na płótnie. Tak, z pewnością jest to trudne. Bardzo trudne. Nie każdy jest w stanie oddać nastrój na zdjęciu. Trudniej jest to zrobić w martwym życiu. W końcu w martwej naturze, w przeciwieństwie, powiedzmy, do pejzażu czy portretu, sam artysta organizuje tę naturę, sam buduje kompozycję, wybiera obiekty do obrazu ... Wszystko to dotyczy również fotografów. Podczas pracy nad martwą naturą duża rola twórcza wyobraźnia autora bawi się, znajomość praw kompozycji, wyczucie faktury i światła... Przecież w przeciwieństwie do krajobrazu stworzonego już przed artystą przez naturę i człowieka, artysta tworzy martwą naturę od podstaw, organizuje ją na czysta karta. Gdzie wcześniej nic nie było. Pewnie dlatego nie każdy artysta potrafi stworzyć dobrą martwą naturę. Wystarczy spojrzeć na malarzy. Czy jest wśród nich wielu prawdziwych mistrzów martwej natury? Malarzy portretowych i pejzażowych jest znacznie więcej…. To samo można powiedzieć o sztuce fotografii.
W tym artykule postaramy się podpowiedzieć, jak stworzyć dobrą fotograficzną martwą naturę. Oczywiście udzielimy kilku rad w tym zakresie. Mamy nadzieję, że pomogą Ci w pracy twórczej. Pobudzą kreatywność.
Jak zaczyna się martwa natura?
Martwa natura zaczyna się od idei, czyli innymi słowy od pomysłu. Rozejrzyj się - które z tego, co znajduje się w twoim domu, jest interesujące jako obiekt do skomponowania kompozycji martwej natury? Jakie przedmioty „proszą” o oprawę? Stare i „teksturowane” przedmioty wyglądają bardzo dobrze w martwej naturze - różne wazony, zegary, stare książki, porcelanowe figurki, lampy stołowe, zestawy, świeczniki i świece, niektóre rzeczy wykonane z grubej i grubej tkaniny - serwetki, obrusy ... Dobrze wyglądają w martwych naturach owoców i warzyw. Kwiaty to także jeden z ulubionych przedmiotów malarzy martwej natury. Co więcej, kwiaty są nie tylko żywe, ale także suszone. Nie ma ograniczeń co do fantazji. Różne przedmioty nadają się do martwej natury. Najważniejsze, że wszystkie te przedmioty harmonizują ze sobą formą, kolorem, fakturą, znaczeniem ... No, na przykład, jaki jest pomysł na połączenie np. szczypiec i wazonu z jabłkami w jednej martwej naturze?
Zacznijmy dobrze, przynajmniej od najprostszej kompozycji: martwej natury, której głównym „postacią” będzie miska owoców. Ktoś powie, że taka martwa natura jest najczęstsza, powszechna i daleka od nowości. Więc co! Zgadzam się, co może być piękniejszego i bardziej interesującego niż piękne owoce w pięknym wazonie? Taka będzie idea naszej martwej natury. Teraz zdecydujmy, jakie przedmioty możemy postawić obok takiego piękna, jakie faktury i kolory będą współgrać z kolorami i fakturami owoców oraz samego wazonu. Biorąc to wszystko pod uwagę, pamiętaj o semantycznej treści martwej natury. W końcu martwa natura, jak każdy inny obraz, musi opowiadać historię. No wyobraź sobie na przykład wazon z jabłkami, gruszkami i wiśniami, a obok kilka polnych kwiatów i kubek mleka. Wszystko to znajduje się na prostym drewnianym, rustykalnym stole. Oto opowieść o wczesnym poranku w wiosce!
Wybór miejsca do fotografowania martwej natury
Wszystko może służyć jako stół tematyczny do martwej natury. Dowolny stół w Twoim domu może pełnić tę rolę. I nie tylko stół. Przedmioty do fotografii martwej natury można postawić na parapecie, na szafce nocnej, a nawet na półce w szafie. Głównym kryterium jest tutaj wytrzymałość tego stołu obiektu i jego wystarczająca powierzchnia. Aby było miejsce, w którym Twoja twórcza wyobraźnia byłaby wyciszona, by było tam przestronne i łatwe do zamieszkania. Nawet na podłodze możesz organizować kompozycje z obiektów do fotografowania martwej natury. Cóż, jeśli powierzchnia, na której umieszczasz swoje przedmioty, jest nieestetyczna lub w ogóle nie pasuje do wszystkich możliwych kryteriów martwej natury, nad którą pracujesz, możesz ją przykryć piękną szmatką: obrusem lub serwetką. Możesz po prostu położyć na nim kawałek papieru lub piękną sklejkę.
Nie zapomnij o tle swojej martwej natury. Bardzo ważną rolę odgrywa tło w tym gatunku sztuki. W końcu to on ustala cały nastrój obrazu (i oczywiście fotografii)! Na przykład, jeśli tło twojej martwej natury jest czarne, bordowe, ciemnobrązowe lub składające się z kombinacji tych kolorów, to twój obraz okaże się dramatyczny, w pewien sposób nawet nieco ponury. Jasne tło - białe, różowe, jasnozielone, niebieskie - nada martwej życiu delikatność, zmysłowość, romans. Na jasnym tle dobrze jest fotografować martwe natury "kobiece", na ciemnym - "męskie". To znaczy te, na których martwe przedmioty wydają się należeć do kobiety lub mężczyzny lub są dla nich przeznaczone.
Materiałem na tło martwej natury może być sklejka lub tektura pomalowana na pożądany kolor, dowolny inny materiał, najlepiej nie odblaskowy, ale matowy. Praca z błyszczącym tłem jest bardzo trudna nawet dla dobrych mistrzów fotografii. Jeśli użyjesz tkaniny jako tła, można ją pięknie udrapować, czyli ułożyć w efektowne fałdy. Niektórym ludziom udaje się fotografować martwe natury bez używania tła jako obiektu. Możesz to zrobić, jeśli nie używasz naturalnego światła, ale fotografujesz tylko przy sztucznym oświetleniu w ciemnym pomieszczeniu. W takim przypadku urządzenia oświetleniowe muszą być skierowane wyłącznie na fotografowane obiekty. W tym samym czasie wszystko inne, co pozostaje poza tą plamą światła, pogrąża się w całkowitej ciemności i zamienia się w głębokie, piękne matowe czarne tło.
Budowanie kompozycji martwej natury
Tworzenie kompozycji to chyba najtrudniejszy etap pracy nad martwą naturą. Niektórym ten krok może wydawać się nieistotny, nieskomplikowany. Wydaje się, że na pierwszy rzut oka wszystko jest proste: pięknie połóż piękne przedmioty na stole - i zacznij je fotografować. Ale tak nie jest. Dokładniej, absolutnie nie! Bardzo szybko zdasz sobie sprawę, że niektóre przedmioty nie harmonizują ze sobą, na przykład kolorem, rozmiarem, znaczeniem… Kompozycja okazuje się nieproporcjonalna, „przewraca się” na jedną lub drugą stronę. Krótko mówiąc, prędzej czy później dojdzie do Ciebie świadomość, że ten etap pracy nad martwą naturą jest najtrudniejszy i najważniejszy. I zrozumiesz, że to nie jest aż tak doskonałe, ale nawet prawidłowe umieszczenie przedmiotów do martwej natury jest bardzo, bardzo trudnym zadaniem. I nie każdy fotograf i artysta może go szybko rozwiązać.
Przejdźmy więc do właściwej pracy. Zaczynamy tworzyć kompozycję naszej przyszłej martwej natury.
Przede wszystkim musimy ustalić, co będzie dla widza centrum zainteresowania naszej martwej natury. Mówiąc najprościej, jaki będzie główny obiekt na naszym obrazie, wokół którego będzie budowana i owijana cała historia. Cóż, skoro zaczęliśmy mówić o martwej naturze na przykładzie wazonu z owocami, kontynuujmy ten temat. Niech ta waza będzie centrum, głównym przedmiotem całej kompozycji.
Przede wszystkim należy wziąć pod uwagę, że semantyczne i geometryczne centra dowolnego obrazu, w tym fotografii i oczywiście martwej natury, nie zawsze się pokrywają. Krótko mówiąc, jeśli nasza miska na owoce jest wyraźnie pośrodku obszaru ramy, na przecięciu jej przekątnych, jest to złe (najczęściej złe. Ale nie zapominaj, że są wyjątki od wszelkich zasad ...). Dlatego zalecamy przeniesienie wazonu na jedną stronę ramy. Możesz umieścić lub umieścić obok niego jeden lub więcej przedmiotów. Na przykład połóż jedno jabłko w pobliżu wazonu. Lub postaw obok niego piękny kieliszek wina ... Jeśli chcesz, możesz zostawić wazon z owocami w doskonałej izolacji. I może być też piękna i harmonijna. Niemniej jednak będzie to dość trudne. Minimalizm zawsze był złożonym gatunkiem w sztuki piękne. Im prościej, tym lepiej główna zasada minimalizm. I żeby to ożywić, urzeczywistnić, nie każdy artysta może to zrobić. Na początek zalecamy więc skomponowanie kompozycji martwej natury składającej się z kilku przedmiotów. Ale nie zapominaj, że wszystkie te przedmioty są ze sobą powiązane, harmonizują kolorem, kształtem, rozmiarem i fakturą. Na przykład, jeśli czerwone jabłka są wygodnie umieszczone w twoim wazonie, to obok niego, na pięknym śnieżnobiałym obrusie, możesz położyć dumną czerwoną różę. Albo czerwony mak. Ale powiedzmy, że mikser, który przyniosłeś z kuchni, nawet jeśli jest czerwony, będzie całkowicie nieodpowiedni w tej kompozycji. Musimy dążyć do tego, aby obiekty w martwej naturze wzajemnie się uzupełniały, nie kłóciły ze sobą, nie powodowały u widza uczucia dezorientacji.
Więc zdecydowaliśmy się na kompozycje. Przejdźmy do następnego kroku:
Stawiamy światło
Prawidłowo ustawione lub wybrane światło w martwej naturze jest nie mniej ważne niż sam jego skład.
Jeśli pracujesz nad martwą naturą w domu, a nie w specjalnym studiu, ale w swoim mieszkaniu, najlepiej zacząć fotografować w naturalnym świetle dziennym. W takim przypadku zalecamy umieszczenie stolika przedmiotowego niedaleko okna lub przed nim. Miękkie, rozproszone, a jednocześnie kierunkowe światło padające z okna na kompozycję obiektów stworzy piękne, długie, szorstkie cienie z obiektów, a jednocześnie korzystnie podkreśli i odsłoni fakturę tych obiektów, doda im objętości.
Choć może ci się to wydawać dziwne, dość łatwo jest kontrolować i regulować naturalne światło słoneczne wpadające przez okno. Łatwo to zrobić, manipulując różnymi odbłyśnikami i amortyzatorami wykonanymi na przykład z tektury, sklejki lub innych materiałów, które są pod ręką. Na przykład odbłyśnik może być zwykłym arkuszem papieru A4 opartym o coś na stole przedmiotowym. Tak, nawet gazeta złożona do „chatki” i umieszczona obok może działać jako reflektor! I możesz zasłonić światło z okna za pomocą zasłon okiennych lub żaluzji.
Jeśli wieczorami pracujesz nad swoją martwą naturą, a światło dzienne po prostu nie jest dla ciebie dostępne, musisz pracować ze sztucznym światłem. Jako źródło takiego światła dobrze nadaje się najzwyklejsza lampa błyskowa. Wystarczy nałożyć na nią dyfuzor. Jeśli nie zostanie to zrobione i nakręcone bez dyfuzora, na tle mogą powstać ostre, szorstkie i brzydkie cienie. Jeśli masz do dyspozycji dobre źródło stałego sztucznego światła, lepiej zastosować je w połączeniu z softboxem.
Jako dodatkowe źródło światła możesz użyć lampy stołowej. Na przykład wiązka światła z niego może być skierowana na tło. Ale w tym przypadku powinien znajdować się z dala od tła, w odległości około jednego metra. W przeciwnym razie plama światła na tle będzie bardzo ostra, szorstka i brzydka. Lampę stołową można również zainstalować za kompozycją obiektów, które zbudowałeś i wykorzystać jako źródło podświetlenia.
Proszę bardzo. Kompozycja jest zbudowana. Światło jest ustawione. Wszystko gotowe. Zaczynamy filmować. Martwe natury najlepiej fotografować ze statywu. Czemu? Ponieważ możesz potrzebować wystarczająco dużo pracy, aby osiągnąć określone cele. długie ekspozycje. A bez statywu takie strzelanie jest po prostu niemożliwe. Kamera musi być stabilna. Jako przykład można przytoczyć martwe natury Vaclava Jiru, klasyka czechosłowackiej fotografii z połowy ubiegłego wieku, które tworzył w swoim studio lub poza nim nocą, wyłącznie w świetle księżyca, bez użycia dodatkowych źródeł światła. Cóż, a jeśli nie stawiasz sobie tak wysokich celów, to podczas fotografowania z ręki staraj się trzymać aparat tak, aby się nie trzęsł. Smarowanie, rozmycie w martwej naturze są wykluczone. To taki gatunek w sztuce – wszystko powinno być jasne.
W procesie fotografowania martwej natury zalecamy przestawianie obiektów z miejsca na miejsce, swobodne zmienianie światła, przesuwanie jego źródeł w różnych kierunkach. Fotografuj z różnymi czasami otwarcia migawki i różnymi przysłonami. Zmień inne ustawienia aparatu. Strzelaj pod różnymi kątami, z różnych punktów strzeleckich. Fotografuj z różnymi obiektywami. Improwizuj w podróży! Szukaj różnych opcji! W trakcie kręcenia martwej natury pojawia się pewne podekscytowanie, rodzaj odwagi. Będziesz chciał budować coraz więcej kompozycji martwej natury, coraz więcej schematów oświetleniowych. Nie powstrzymuj lotu swojej twórczej wyobraźni! Być może dzisiaj stworzysz swój własny najlepsza rama, który cię wtedy uwielbi!
Tak i jeszcze jedna uwaga. Nasza ostatnia rekomendacja na dziś. Jeśli w Twojej martwej naturze jest dużo bieli, przed rozpoczęciem fotografowania zdecydowanie zalecamy pamiętanie o prawidłowym ustawieniu balansu bieli w ustawieniach aparatu. W przeciwnym razie później, w trakcie przetwarzania obrazu na komputerze, będziesz musiał trochę majstrować przy korekcji kolorów w edytor graficzny. Innymi słowy w Photoshopie.
