Die Arbeit mit einem Schauspieler ist eines der Kernprobleme der Regie. Es gibt drei Arten von Beziehungen zwischen Schauspieler und Regisseur. Die erste ist die ideale, die ziemlich selten ist: ein völliger kreativer Zufall, gemeinsame Kreativität und die Suche nach der Wahrheit. Die zweite - der Regisseur und der Schauspieler gehen aufeinander zu, wie Bergleute, die einen Tunnel von zwei Seiten graben. Und der dritte, der enttäuschendste, ist die völlige Diskrepanz zwischen Ansichten und Wünschen, wenn der Regisseur dem sich widersetzenden Schauspieler einfach die Zeichnung der Rolle aufzwingt.

Die menschliche Wahrnehmung räumlicher Bilder erfolgt immer zeitlich, sie ist immer diskret (diskontinuierlich). Der Regisseur erleichtert diese Wahrnehmung, indem er in seiner Inszenierung Zeitgrenzen festlegt, nach denen unsere Wahrnehmung in einzelne rhythmische Takte aufgeteilt wird. Zeit ist in der Arbeit des Regisseurs nicht nur ein Darstellungsobjekt, sondern auch ein Ausdrucksmittel.

So sieht die Struktur der Zeit in den Raumzeitkünsten aus:

• empirische Zeit - Zeit in der Realität, die als Material für die Arbeit dient;

• Handlungszeit - die zeitliche Organisation der Handlung;

• Betrachterzeit - berücksichtigt die Wahrnehmungsdauer.

Ein weiterer wesentlicher Bestandteil der Arbeit des Regisseurs ist die Lösung räumlicher Probleme. Die Raumstruktur in den darstellenden Künsten gliedert sich in drei Komponenten:

1) Der Raum, in dem sich die Objekte befinden;

2) Der Raum, in dem sich das Publikum befindet;

3) Die Ebene der Bühne (Leinwand), die das Erste widerspiegelt und das Zweite andeutet.

Das Prinzip der Raumstruktur ist dasselbe wie das Prinzip der Zeitstruktur, da beide Kategorien - Raum und Zeit - eng miteinander verwandt sind. Es gibt jedoch auch erhebliche strukturelle und funktionale Unterschiede zwischen ihnen. Darüber hinaus gibt es deutliche Unterschiede in der künstlerischen Ausdruckskraft des Raumes in der dreidimensionalen Regie (Dramatisches Theater, Ballett, Oper, Bühne, Zirkus) und der Ebene (Kino, Fernsehen, Figurentheater). Die künstlerische Ausdruckskraft des Raumes volumetrischer Kunst liegt in der Verschmelzung von Bühnenraum, Bühnenraum und Zuschauerraum, mit der unabdingbaren Freiheit in der Wahl des Blickwinkels des Betrachters.

Die räumliche (und auch zeitliche) Struktur ist gewissermaßen durch die Art, Gattung oder Stilrichtung des Werkes vorgegeben.

2.2 Regie im Tourismus

Der Tourismus als Form der Freizeitgestaltung der Bürger ist in letzter Zeit sehr populär geworden. Dies wird durch die Intensivierung der Arbeit erleichtert, die die effektive Reproduktion der geistigen und körperlichen Kräfte einer für die Produktion aufgewendeten Person, eine Erhöhung der Freizeit und die Einstellung dazu als Wert erfordert. Gleichzeitig steigen die kulturellen und kognitiven Anforderungen.

Die Tourismusbranche ist eine der führenden und dynamischsten Branchen und gilt aufgrund ihres rasanten Entwicklungstempos als Jahrhundertphänomen.

Die Leitung des Tourismus ist die Tätigkeit der Entwicklung und Präsentation von Kultur- und Freizeitprogrammen.

Tourismuslenkung besteht in der kreativen Gestaltung aller Elemente von Kultur- und Freizeitprogrammen, um ein einheitliches, harmonisch ganzheitliches Freizeitangebot zu schaffen. Dieses Ziel erreicht der Regisseur auf der Grundlage seines gestalterischen Konzepts und durch die Lenkung der schöpferischen Tätigkeit aller daran beteiligten Personen.

Durch die Regie erhalten Kultur- und Freizeitprogramme insgesamt eine stilistische Einheit und eine gemeinsame ideologische Zielstrebigkeit. Daher erweiterte und vertiefte sich mit dem Wachstum der ideologischen und ästhetischen Anforderungen auch das Konzept der Kunstleitung.

Apropos Regie im Tourismus, man muss sich an die tiefen und fruchtbaren Lehren von V.I. Nemirovich-Danchenko über die "drei Wahrheiten": die Wahrheit des Lebens, die Wahrheit des Sozialen und die Wahrheit des Theaters. Diese drei Wahrheiten sind eng miteinander verbunden und werden in ihrer Einheit Wechselwirkung und Durchdringung genannt, so die Lehre.

Unabhängig davon, ob das Genre einfach oder komplex ist, muss der Regisseur alle Genremerkmale in die Aufführung implementieren. Und dazu muss er selbst alle Beziehungen, alle Gefühle des Autors zum Thema des Bildes tief und aufrichtig erfahren: seine Liebe und seinen Hass, seinen Schmerz und seine Verachtung, seine Freude und Zärtlichkeit, seinen Zorn und seine Empörung, seinen Spott und Traurigkeit.

Nur die tief und leidenschaftlich erlebte Haltung des Regisseurs kann der Form Schärfe, Leuchtkraft und Ausdruckskraft verleihen. Eine gleichgültige Lebenseinstellung führt entweder zu einer blassen, erbärmlichen naturalistischen Form der äußerlichen Nachahmung des Lebens.

Die Einbeziehung von Methoden und Formen der Steuerung im Bereich Tourismus kann anhand der Modellierung von Freizeitangeboten erfolgen. Modellierung (nach V. S. Sadovskaya) ist ein Prozess der Systematisierung von Methoden, Techniken und Mitteln, um neue ursprüngliche Bedingungen für die Einbeziehung einer Person in kreative Aktivitäten zu schaffen. Die Modellierung von Freizeitprogrammen ermöglicht es somit, die Inhalte der touristischen Freizeit anzureichern und ihre Entwicklungsfunktionen zu verbessern. Der Tourismus als „aktive, zielgerichtete Konsumtätigkeit“ wandelt sich in eine kreative Tätigkeit.

Gegenwärtig ist die Struktur der modernen Kultur von Unterhaltungsprogrammen und verschiedenen Shows besetzt, die eine bedeutende Rolle bei der ideologischen, moralischen und künstlerischen Erziehung der Menschen, der Organisation ihres Lebens und ihrer Freizeit spielen.

SCHLUSSFOLGERUNGEN ZUM ZWEITEN KAPITEL

Regie im modernen Sinne - als persönliche Kreativität - begann sich im europäischen Theater erst im 15.-16. Jahrhundert intensiv zu formen. Eine wichtige Rolle spielte dabei die Entstehung der Bühnenloge, die Verlegung von Theateraufführungen von Straßen-, Platz- und Jahrmarktsbühnen in die geschlossenen Räumlichkeiten des Schlosses und dann in eigens errichtete Gebäude. Der sichtbare Hintergrund der Aufführungen begann sorgfältig entwickelt zu werden, was die bedeutende Figur für das europäische Theater des 17. bis 19. Jahrhunderts zum Leben erweckte, die Figur eines Künstler-Dekorateurs, der auf die eine oder andere Weise die Funktion eines Bühnenregisseurs ausübte .

Die Verbesserung von Kultur- und Freizeitprogrammen hängt weitgehend von der Fähigkeit und den Fähigkeiten von Drehbuchautoren ab, Szenarien für verschiedene Kultur- und Freizeitprogramme zu entwickeln und umzusetzen. Die Erstellung eines Drehbuchs ist ein komplexer, mehrstufiger, kreativer Prozess, der Perioden der Anhäufung von Informationen und Inhalten, die Bildung einer Idee und das Schreiben eines dramatischen Werks umfasst.

FAZIT

Ein Kultur- und Freizeitprogramm ist eine Form der Freizeit- und Entwicklungsaktivität, deren Inhalt einen Komplex von speziell ausgewählten und synthetisierten Arten der kulturellen Aktivität eines Individuums im Freizeitbereich umfasst.

Die Entwicklung von Kultur- und Freizeitangeboten ist seit jeher untrennbar mit der Entwicklung der Gesellschaft verbunden. Jede historische Epoche brachte ihre eigenen neuen Anforderungen, Formen, Konstruktionen in Kultur- und Freizeitprogrammen mit sich. Moderne Theorie und Praxis verallgemeinern in sich alle früher gesammelten Erfahrungen und die Analyse des aktuellen Standes. Kultur- und Freizeitprogramme haben eine tausendjährige Entwicklungsgeschichte. Massenfeste des antiken Hellas, mittelalterliche Mysterien, Karnevale, Theaterumzüge, Feierlichkeiten der Französischen Revolution, russische Volksfeste - all dies ist eine großartige Erfahrung, die heute in modernen Massenformen von Kultur- und Freizeitprogrammen genutzt wird.

Der Reichtum der Richtungen von Kultur- und Freizeitprogrammen, die Vielfalt der Inhalte und der Einsatz von Ausdrucksmitteln bieten Fachleuten im soziokulturellen Bereich unbegrenzte Möglichkeiten. BEI modernen Bedingungen von großer Bedeutung für ihre Aktivitäten ist die Synthese von Wissen, fachliche Exzellenz, Urheberrechtskonzepte und soziale Ordnungen der Gesellschaft.

Die Arbeit des Regisseurs ist sehr schwierig, jeder Misserfolg kann eine große Anzahl von Menschen betreffen, daher braucht es eine Grundlage für die tägliche kreative Arbeit. Es ist notwendig, über die Professionalität des Direktors, über die Ausbildung von qualifiziertem Personal zu sprechen.

Die geschickte Auswahl von Ausdrucksmitteln, die organische Einbindung verschiedener Kunstgattungen in das Geschehen, einzelne Nummern, die die Handlung verkörpern und das Thema entwickeln können und damit die kulturelle Kontinuität beeinflussen, sind die Essenz der Arbeit des Regisseurs, die im Grunde pädagogische Funktionen hat: Entwicklung, Bildung und Erziehung.

Kunst zu leiten besteht in der kreativen Gestaltung aller Elemente von Kultur- und Freizeitprogrammen, um eine einzige, harmonisch ganzheitliche Freizeitgestaltung zu schaffen. Dieses Ziel erreicht der Regisseur auf der Grundlage seines gestalterischen Konzepts und durch die Lenkung der schöpferischen Tätigkeit aller am Kollektiv Beteiligten. Durch die Regie erhalten Kultur- und Freizeitprogramme insgesamt eine stilistische Einheit und eine gemeinsame ideologische Zielstrebigkeit. Daher erweiterte und vertiefte sich mit dem Wachstum der ideologischen und ästhetischen Anforderungen auch das Konzept der Kunstleitung.

Heutzutage ist die Schaffung einer nachhaltigen Entwicklung der Tourismuslenkung nur möglich, wenn sich die Qualität der erbrachten Dienstleistungen ständig verbessert und den Bedürfnissen entspricht moderner Mann bei der Gestaltung seiner Freizeit. Hohes Niveau Qualität touristisches Produkt ist eine Voraussetzung für die Geschäftsentwicklung.

Durch die Regie erhalten Kultur- und Freizeitprogramme insgesamt eine stilistische Einheit und eine gemeinsame ideologische Zielstrebigkeit. Daher erweiterte und vertiefte sich mit dem Wachstum der ideologischen und ästhetischen Anforderungen auch das Konzept der Kunstleitung.

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1. Der Begriff „Drama“ und seine Besonderheiten. Dramatik im weitesten Sinne Literarisches Geschlecht (zusammen mit dem Epos und den Texten), die die Handlung darstellen, die sich in Raum und Zeit durch das direkte Wort der Figur entfaltet - Monologe und Dialoge. Wenn sich ein episches Werk frei auf ein Arsenal von Techniken und Methoden der verbalen und künstlerischen Entfaltung des Lebens stützt, dann „passiert“ das Drama diese Mittel durch den Filter der Bühnenanforderungen. Der szenische Zweck des Dramas bestimmte seine spezifischen Merkmale: 1. Das Fehlen der Rede des Erzählers, mit Ausnahme der Bemerkungen des Autors. Monologe und Dialoge treten im Drama als ausdrucksstarke Äußerungen auf. Sie informieren den Leser und Betrachter über das äußere Umfeld der Handlung und nicht direkt gezeigte Ereignisse sowie über die Motive für das Verhalten der Figuren. 2. Die Geburt eines dramatischen Werkes zweimal: „bei Tisch“ als literarisches Werk des Dramatikers und auf der Bühne als Inkarnation des Regisseurs. Ein dramatisches Werk enthält eine unbegrenzte Bandbreite an Bühneninterpretationen. Die Übersetzung eines Dramas als verbal-geschriebenes Werk in ein spektakuläres Bühnenwerk erfordert die Enträtselung seiner Bedeutungen und Subtexte. Der Dramatiker lädt sozusagen den Regisseur und die Schauspieler ein, ihre eigene Version seines Stücks zu erstellen. V. G. Belinsky bemerkte zu Recht, dass „dramatische Poesie ohne Bühnenkunst nicht vollständig ist: Um ein Gesicht vollständig zu verstehen, reicht es nicht aus zu wissen, wie es handelt, spricht, fühlt – man muss sehen und hören, wie es handelt, spricht, fühlt. ” 3. Handlung ist die Grundlage des Dramas. Der englische Romancier E. Forster bemerkte: „Im Drama muss jedes menschliche Glück und Unglück die Form der Handlung annehmen – und nimmt tatsächlich an. Wenn es nicht durch Handlung ausgedrückt wird, bleibt es unbemerkt, und darin liegt der große Unterschied zwischen Drama und Romanze. Es ist die durchgehende Linie sprachlicher Handlungen der Figuren, die das Drama vom Epos mit seiner innewohnenden (epos) freien Erforschung von Raum und Zeit unterscheidet. Drama ist eine obligatorische aktive kontinuierliche Aktion, die in der Handlung implementiert ist. 4. Das Vorhandensein von Konflikten als obligatorischer Bestandteil einer dramatischen Handlung. Gegenstand des künstlerischen Wissens im Drama sind Situationen, die mit äußeren und inneren Konflikten verbunden sind und von einer Person jegliche Handlungen, emotionale, intellektuelle und vor allem willentliche Aktivität erfordern. Der Konflikt ist nicht nur im Drama präsent. Sie durchdringt das ganze Werk, liegt allen Episoden zugrunde. Das Hauptmerkmal des Dramas als literarische Gattung ist jedoch, dass es sein enormes Potenzial für emotionale und ästhetische Wirkung auf den Zuschauer nur in der Synthese mit musikalischer, visueller, choreografischer und anderen Kunstgattungen offenbart. Erstmals machte Aristoteles in „Poetik“ auf die Synthese der Theateraufführung aufmerksam, die durch Wort, Bewegung, Linie, Farbe, Rhythmus und Melodie gegeben ist.

Das Drama im engeren Sinne ist eine der führenden Gattungen der Theaterdramaturgie, die auf der Darstellung des Privatlebens eines Menschen und der psychologischen Tiefe seines Konflikts mit der Außenwelt oder mit sich selbst basiert. Als literarische Gattung zeichnet sich das Drama durch Genrevielfalt aus. Aus rituellen Spielen und Liedern zu Ehren des Dionysos entwickelten sich drei generische Theatergenres: Tragödie, Komödie und Satyrdrama, benannt nach dem Chor, der aus Satyrn bestand – Gefährten des Dionysos. Die Tragödie spiegelte die ernste Seite des Dionysoskults wider, die Komödie die karnevalistische Seite und das Satyrdrama die mittlere Gattung.

2. Die Hauptfunktionen der Redaktion im Drehbuch des Kultur- und Freizeitprogramms. Die Bearbeitung (Montage, Verbindung) ist eine der effektivsten Methoden, die Grundlage für den kompositorischen Aufbau des Szenarios von Kultur- und Freizeitprogrammen, das aus dem Kino in die Vereinspraxis gelangt ist. Die Bearbeitung im Szenario eines Kultur- und Freizeitprogramms, wie im Kino, ist durch drei kreative Hauptfunktionen gekennzeichnet.1. Dem Programm Integrität verleihen. Ohne die Bedeutung einzelner Nummern und Episoden des Drehbuchs als Einheiten von Bühneninformationen zu schmälern, sei darauf hingewiesen, dass ihre Integrität darauf zurückzuführen ist, dass sie sich erst als komplexes System von Interaktionen und Beziehungen entwickelt haben und den Boden für die bilden Wahrnehmung des Publikums und ergibt die endgültige Bedeutung des gesamten Programms. Außerdem kann nur eine solche Verbindung als Montage betrachtet werden, die einen neuen Informationssprung ergibt. Der Kunsthistoriker V. A. Latyshev schrieb: „Ein Montageplan, ein Satz und sogar eine Episode sind Teil des Ganzen, das sich im Kopf des Betrachters vervollständigt. Aber dafür muss das Teil genügend Informationen enthalten, die notwendig sind, um die Konstruktion des Ganzen zu vervollständigen. 2. Organisation der Wahrnehmung des Publikums. Wie oben erwähnt, sollte in den Intervallen semantischer Montageknoten ein subjektives Zuschauerurteil entstehen, das jedoch vom Drehbuchautor "programmiert" wird, da die ideologische und thematische Absicht des Autors durch die Montageverbindungen offenbart wird. An dieser Stelle sei darauf hingewiesen, dass jede Art der Bearbeitung (mehr dazu weiter unten) auf assoziativem Denken basiert. S. M. Eisenstein stellte fest, dass jeder Betrachter gemäß seiner Individualität, aus den Tiefen seiner Fantasie, aus dem Gewebe seiner Assoziationen, aus den Voraussetzungen seines Charakters ein Bild nach präzisen Leitbildern erschafft, die vom Autor angeregt wurden und ihn unaufhaltsam dazu führen das Wissen und die Erfahrung zum Thema. 3. Gestaltung des Tempos des Kultur- und Freizeitprogramms. Tempo (Zeit) ist der Grad der Bewegungsgeschwindigkeit, Umsetzung, Intensität der Entwicklung von etwas. Das Tempo charakterisiert den Ablauf des Kultur- und Freizeitprogramms in der Zeit, nämlich die äußere Manifestation des Ablaufs einer durchgehenden Handlung. Rhythmus ist ein komplexeres Konzept. Rhythmus (teku) ist der Wechsel beliebiger Elemente (Ton, Sprache usw.), der in einer bestimmten Reihenfolge und Häufigkeit auftritt; die Geschwindigkeit, mit der etwas erledigt wird. Wie Sie sehen können, kommt es hauptsächlich von Interpretationen im Zusammenhang mit Musik und Poesie, obwohl Rhythmus auch in scheinbar statischen Künsten vorhanden ist, wie z Kunst und Skulptur. In der musikalischen Kreativität wird Rhythmus sehr oft als Proportionalität, Konsistenz in Zeit und Raum, dimensionale Bewegung, Wechsel von Klängen definiert. Eine solche Herangehensweise an die Definition von Rhythmus in einer Bühnenaktion wurde von K. S. Stanislavsky in dem Buch „Die Arbeit eines Schauspielers an sich selbst“ vorgeschlagen, wobei er sie als zeitlich und räumlich koordinierte Bewegung, Wechsel und Proportionalität aller Elemente und Ausdrucksmittel interpretierte einer Bühnenaktion. Mit anderen Worten, es ist die innere Dynamik, die Spannung, der Puls der dramatischen Handlung. Mit Hilfe der Montage wird die einzig mögliche Korrelation der Rhythmen der Episoden mit dem Rhythmus des gesamten Kultur- und Freizeitprogramms organisiert, um das Konzept des Programms offenzulegen. Die Handlung auf der Bühne kann jedoch, wie K. S. Stanislavsky betonte, nicht nur im Tempo oder nur im Rhythmus stattfinden. In den darstellenden Künsten sind diese Konzepte miteinander verbunden. Der Tempo-Rhythmus verbindet sowohl die wahre innere Spannung der Szene als auch die Geschwindigkeit der Entwicklung der dramatischen Handlung.

3. Planen und planen Sie in einem dramatischen Werk. Die Handlung ist laut Aristoteles das wichtigste Strukturelement eines dramatischen Werks. Unter der Handlung verstand Aristoteles „Komposition von Ereignissen“, „Kombination von Ereignissen“, „Wiedergabe von Handlungen“ und konzentrierte sich dabei auf die Tatsache, dass „... wenn jemand charakteristische Sprüche und schöne Worte und Gedanken harmonisch kombiniert, wird er das nicht erfüllen Aufgabe der Tragödie, aber viel Tragödie wird sie mehr erreichen, obwohl sie all dies in geringerem Maße nutzt, aber eine Handlung und eine angemessene Zusammensetzung der Ereignisse hat. In der Kunstgeschichte wird neben dem Begriff „Plot“ auch der Begriff „Plot“ verwendet. Darüber hinaus ist es die Handlung, die Handlungsbewegung, die das Wesen einer einzigen dramatischen Handlung ausmacht. Nachdem wir die "Poetik" von Aristoteles sorgfältig studiert haben, kommen wir zu dem Schluss, dass der antike griechische Denker, der die Handlung untrennbar mit den Charakteren verknüpfte, nicht so sehr sein kommunikatives Prinzip als Mittel zur Organisation der Aufmerksamkeit des Publikums offenbarte, sondern ein breiteres und ein tieferes, nämlich das kognitive Prinzip, nicht nur die Komposition von Ereignissen, sondern auch ihre Analyse und ihr Verständnis. Wenn wir also die Konzepte „Handlung“ und „Handlung“ beim Drehbuchschreiben anwenden, definieren wir sie wie folgt. Die Handlung ist die einfachste Form der materiellen Organisation, die Komposition von Ereignissen in einem dramatischen Werk, die sich durch Handlungsreichtum auszeichnet und der kommunikative Beginn der künstlerischen Struktur dieses Werks ist. Dass die Handlung das kommunikative Ziel verwirklicht, wird durch das Theater selbst deutlich. Die meisten Bühnenstücke sind immer überflüssig in Bezug auf die Handlung, in der Kunst, Ereignisse zu eskalieren und die Auflösung bis zum Ende zu verlangsamen. Der bekannte Ausdruck „gut gemachtes Spiel“ bezieht sich auf die Kunst, zum Handeln anzuspornen, die Intrige aufrechtzuerhalten. Die Handlung ist das Skelett der Handlung, der Kern, an dem die Entwicklung der Ereignisse aufgereiht ist. Die Handlung vermittelt nur den Hauptrahmen der Ereignisse, aber nicht ihre Essenz. Das kann nur die Handlung. Die Handlung ist die Form und Methode der Analyse von Ereignissen in einem dramaturgischen Werk, ein qualitativ komplexerer Bestandteil dieses Werks, der kognitive Beginn seiner künstlerischen Struktur. Das Wesen der Interaktion zwischen Handlung und Handlung liegt darin, dass sich ihre semantischen Nuancen in der Sprache der Handlung ausdrücken.

4. Merkmale der Regieorganisation des Tempo-Rhythmus des Kultur- und Freizeitprogramms. Gestaltung des Tempos des Kultur- und Freizeitprogramms. Tempo (Zeit) ist der Grad der Bewegungsgeschwindigkeit, Umsetzung, Intensität der Entwicklung von etwas. Das Tempo charakterisiert den Ablauf des Kultur- und Freizeitprogramms in der Zeit, nämlich die äußere Manifestation des Ablaufs einer durchgehenden Handlung.

Rhythmus ist ein komplexeres Konzept. Rhythmus (teku) ist der Wechsel beliebiger Elemente (Ton, Sprache usw.), der in einer bestimmten Reihenfolge und Häufigkeit auftritt; die Geschwindigkeit, mit der etwas erledigt wird. Wie Sie sehen können, kommt es hauptsächlich von Interpretationen, die mit Musik und Poesie verbunden sind, obwohl Rhythmus sogar in scheinbar statischen Künsten wie bildender Kunst und Bildhauerei vorhanden ist. In der musikalischen Kreativität wird Rhythmus sehr oft als Proportionalität, Konsistenz in Zeit und Raum, dimensionale Bewegung, Wechsel von Klängen definiert. Eine solche Herangehensweise an die Definition von Rhythmus in einer Bühnenaktion wurde von K. S. Stanislavsky in dem Buch „Die Arbeit eines Schauspielers an sich selbst“ vorgeschlagen, wobei er sie als zeitlich und räumlich koordinierte Bewegung, Wechsel und Proportionalität aller Elemente und Ausdrucksmittel interpretierte einer Bühnenaktion. Mit anderen Worten, es ist die innere Dynamik, die Spannung, der Puls der dramatischen Handlung. Mit Hilfe der Montage wird die einzig mögliche Korrelation der Rhythmen der Episoden mit dem Rhythmus des gesamten Kultur- und Freizeitprogramms organisiert, um das Konzept des Programms offenzulegen. Die Handlung auf der Bühne kann jedoch, wie K. S. Stanislavsky betonte, nicht nur im Tempo oder nur im Rhythmus stattfinden. In den darstellenden Künsten sind diese Konzepte miteinander verbunden. Der Tempo-Rhythmus verbindet sowohl die wahre innere Spannung der Szene als auch die Geschwindigkeit der Entwicklung der dramatischen Handlung. Darüber hinaus geht Spannung nicht unbedingt mit einer schnellen Entwicklung von Maßnahmen einher und umgekehrt. Das richtige Tempo der Aufführung bedeutet nicht einen mechanischen Wechsel von mehr oder weniger angespannten Szenen. Tempo ist eine echte Spannung in Verbindung mit den Ereignissen und Umständen jeder einzelnen Szene und der Aufführung als Ganzes. Beim Kultur- und Freizeitprogramm sprechen wir über das Tempo der Nummer, Folge und des Kultur- und Freizeitprogramms insgesamt. Der Tempo-Rhythmus hat die Fähigkeit, die kompositorische Struktur des Kultur- und Freizeitprogramms zu harmonisieren. Tempo-rhythmische Konzentrationsschwäche sowie Monotonie lassen das Publikum schnell ermüden. Präzise organisierter Temporhythmus ist ein mächtiges Mittel, um die sinnlich-emotionale Sphäre des Zuschauerraums zu kontrollieren.

5. Merkmale des Konzepts „Szenario eines Kultur- und Freizeitprogramms“. Das Kultur- und Freizeitprogramm ist eine universelle Form künstlerischer Realitätsmodellierung, deren dramaturgische Grundlage das Drehbuch ist. Wenn wir uns der Etymologie des Wortes zuwenden, dann ist das Drehbuch eine Zusammenfassung der Ereignisse, die im Verlauf der Handlung des Stücks auftreten. Das Wort "Szenario" bedeutete ursprünglich einen detaillierten Plan der Aufführung. Das Drehbuch bestimmte die grundlegende Handlungsreihenfolge, die Schlüsselmomente in der Entwicklung der Intrigen, die Reihenfolge der Auftritte der Figuren des Improvisationstheaters auf der Bühne. Der direkte Text wurde von den Schauspielern während der Aufführung oder den Proben selbst erstellt; Gleichzeitig war es nicht starr festgelegt, sondern variierte je nach Reaktionen und Reaktionen des Publikums. Nach dem Drehbuchprinzip wurden fast alle Arten von Volkstheatern gebaut, insbesondere Komödien (altrussisch - das Theater der Possenreißer, europäisch und slawisch - Puppentheater, französisch - fair, italienisch - die berühmte Commedia dell'arte usw.). Zu Beginn des 17. Jahrhunderts begannen separate Sammlungen von Skripten für Aufführungen der Commedia dell'arte zu erscheinen, deren Autoren meistens die Hauptdarsteller der Truppen waren. Die erste Sammlung, 1611 von F. Skala veröffentlicht, enthielt 50 Szenarien, nach denen sich das Bühnengeschehen entwickeln konnte. Das Skript ist im weitesten Sinne ein spezieller verbaler Text, eine Art Übersetzung aus der Sprache der verbalen Kunstform in die Sprache der audiovisuellen, spektakulären Kunst. Als dramatische Grundlage des Kultur- und Freizeitprogramms „fixiert“ das Drehbuch die künftige einheitliche dramatische Handlung im gesamten Umfang der Ausdrucksmittel. Das Szenario eines Kultur- und Freizeitprogramms ist eine detaillierte literarische Ausarbeitung einer für die Inszenierung auf einer Bühne bestimmten dramatischen Handlung, auf deren Grundlage verschiedene Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen entstehen.

6. Absicht des Direktors und seine Bestandteile. Die Intention des Regisseurs bei der Umsetzung des dramaturgischen Materials des Kultur- und Freizeitprogramms ist gegenüber dem Szenariodesign zweitrangig und stellt eine bildliche Vision des Freizeitprogramms dar, ein künstlerisches und emotionales Gefühl für sein Thema, seine Idee, seine Form, die geboren wird auf der Suche nach ihrer effektiven Bühnenlösung. Das künstlerische Bild in der Kunst ist eine Form der Reflexion der Realität und Ausdruck der Gedanken und Gefühle des Künstlers. Sie entsteht in der Vorstellung des Künstlers, verkörpert sich in der von ihm geschaffenen Arbeit in der einen oder anderen materiellen Form (Plastik, Klang, Gesten-Mimik, Sprache) und wird in der Vorstellung des Betrachters neu erschaffen. Das künstlerische Bild trägt einen ganzheitlichen spirituellen Inhalt, in dem die emotionale und intellektuelle Einstellung des Künstlers zur Welt organisch verschmolzen sind. Ein künstlerisches Bild ist immer eine harmonische Einheit von Form und Inhalt, emotional und rational. Das Bild muss originell und einzigartig sein. Die Idee des Regisseurs als eine Art Produktionsprojekt, das dem dramatischen Stoff entspricht, beinhaltet: - kreative Interpretation des Szenariomaterials, Umwandlung der ideologischen und thematischen Idee in eine Superaufgabe; - ein Projekt einer künstlerischen Produktionsentscheidung oder eines Regiewechsels; - Charakterisierung der Hauptfiguren und Definition des Genres und der stilistischen Merkmale der Darbietung des Schauspielers (Anführer als Nebenhandlungsfigur); - Auflösung der Produktion im Tempo; - plastische (mise-en-scene) räumliche Lösung des Programms; – Beleuchtungslösung; – Bestimmung der Prinzipien und der Art der Szenografie; – Musik- und Geräuschlösung für das Freizeitprogramm. Das wichtigste Mittel, um die Intention des Regisseurs zu verkörpern, ist die Inszenierung. Der Zug des Szenarioregisseurs ist eine bildliche Bewegung des Konzepts des Autors, die darauf abzielt, das Ziel der künstlerischen, emotionalen und pädagogischen Wirkung zu erreichen. Der Drehbuch- und Regiezug ist ein figurativer und semantischer Kern, der das dramatische und inszenierte Werk durchdringt, die Handlung in ihrer logischen Entwicklung zementiert.

7. Dramaturgie im weiten und engen Sinne des Wortes. eine kurze Beschreibung bzgl dramatische Künste. Dramaturgie ist die Theorie und Kunst, ein dramatisches Werk, sein handlungsartiges Konzept zu konstruieren. Mit anderen Worten, Dramaturgie ist im weitesten Sinne des Wortes eine durchdachte, speziell organisierte und gebaute Struktur, eine Komposition aus irgendeinem Material. Dramaturgie im engeren Sinne ist jedes literarische und dramatische Werk, das seiner Verkörperung durch die eine oder andere Kunstform bedarf. Die dramatischen Kunstformen sind heute: - Theater, dessen dramatische Grundlage ein Schauspiel ist; - Kino, das auf einem solchen literarischen und dramatischen Werk wie einem Drehbuch basiert; - Fernsehen mit einem Fernsehskript als dramatisches Werk; - Radio, dessen dramaturgische Grundlage die Radiodramaturgie ist. Und schließlich das Kultur- und Freizeitprogramm als universellste Form künstlerischer Wirklichkeitsmodellierung, deren dramaturgische Grundlage das Drehbuch ist. Szenariodramaturgie hat einen komplexen synthetischen Charakter und entsteht in der Regel durch künstlerische Montage.

8. Schnittblatt als Regiepartitur. Eigenschaften des Montageblattdiagramms. Die Schnittliste ist eine Regiepartitur einer Kultur- und Freizeitsendung, in der alle Bestandteile jeder Folge und die Nummern innerhalb der Folge sowie die Ausdrucksmittel ihrer Bereitstellung genau beschrieben sind. Es ist der abschließende, integrierte Ausdruck aller vorherigen Phasen des Drehbuchschreibens. Ohne viel Vorarbeit gibt es keine übersichtliche und vor allem wirklich machbare Bearbeitungsliste. In einer grafischen Darstellung ist ein Montageblatt eine Tabelle, die aus folgenden Spalten besteht: 1. Nummer in Ordnung. Die Nummerierung ist während Schnittproben erforderlich, wenn alle Produktionsabteilungen in der Kommunikation untereinander digitale Bezeichnungen verwenden.2. Folge. Der Titel muss genau mit dem Titel im literarischen Skript übereinstimmen. 3. Vorhang. 4. Nummer und Interpret(en). 5. Der Inhalt der Texte, die von der Bühne oder hinter der Bühne erklingen (die Texte der Moderatoren). 6. Mikrofone. 7. Musikalische und klangliche Begleitung. 8. Licht. 9. Videosequenz (Film, Videomaterial, Multimedia-Präsentationen usw.). 10. Szenografie des Raumes. 11. Requisiten und Requisiten. 12. Zeitpunkt der Nummer. 13. Notizen. Der Schnittbogen als Regiepartitur, der Aufgaben für alle Leistungen während des Kultur- und Freizeitprogramms enthält, ist notwendig für diejenigen, die dessen technische Unterstützung erbringen, nämlich Tontechniker, Lichtregie (Feuerzeuge), Videoregisseur, Regieassistenten, Bühnenarbeiter .

9. Kompositionselemente des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms. Die Verbesserung von Kultur- und Freizeitaktivitäten hängt weitgehend von der Fähigkeit und den Fähigkeiten von Drehbuchautoren ab, Szenarien für verschiedene Kultur- und Freizeitprogramme und den kompositorischen Aufbau des Programmszenarios zu entwickeln und umzusetzen. Die Erstellung eines Drehbuchs ist ein komplexer, mehrstufiger, kreativer Prozess, der Perioden der Anhäufung von Informationen und Inhalten, die Bildung einer Idee und das Schreiben eines dramatischen Werks umfasst. Der Autor des Drehbuchs muss alle seine Bestandteile so kombinieren, dass das Ergebnis ein zusammenhängendes dramatisches Werk ist. Das je nach Szenario organisierte und durchgeführte Kultur- und Freizeitprogramm vermittelt den Eindruck eines klaren und vollständigen Ganzen. Jedes Kultur- und Freizeitprogramm enthält ein Konstruktionselement, eine Konstruktion, die den kompositorischen Aufbau des Szenarios, die Organisation des Szenariomaterials bestimmt.

Zusammensetzung - (Verbindung, Anordnung, Zusammensetzung) - Konstruktion Kunstwerk. Es ist die wichtigste organisierende und konstruierende Kraft eines jeden Kunstwerks, es ist ein Gesetz, eine Art, Klang- und Textteile zu verbinden, etwa in literarischen und musikalischen Werken, ein Mittel, um die Verbindungen zwischen den Elementen eines bestimmten Werks auszudrücken. Der kompositorische Aufbau des Drehbuchs ist der wesentlichste Teil des kreativen Prozesses.

Die Exposition ist das erste Strukturelement des kompositorischen Aufbaus des Drehbuchs. Die Exposition steht in der Regel am Anfang und dient als Grundlage für die Entwicklung der darauffolgenden dramatischen Handlung. Die Besonderheit der Ausstellung besteht darin, dass es praktisch kein Ereignis darin gibt. Es ist prägnant, kurzfristig, es spiegelt nur die allgemeine Natur des Themas des zukünftigen Kultur- und Freizeitprogramms wider. Dies kann eine Bekanntschaft mit den Teilnehmern der Theateraufführung oder eine Nachricht des Gastgebers der ersten Daten zum Thema des bevorstehenden Programms sein.

Die Handlung ist das wichtigste tragende Strukturelement der kompositorischen Konstruktion des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms. Der funktionale Wert dieses Elements liegt darin, dass es zunächst auf dem sogenannten „Initial“-Ereignis beruht, das den Beginn des dramatischen Konflikts bestimmt und in den nachfolgenden Strukturelementen des kompositorischen Aufbaus seine Entfaltung findet des Szenarios. Es ist das erste Ereignis, das die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zieht und es dazu ermutigt, die weitere Handlungsentwicklung der Handlung zu verfolgen.

Der Höhepunkt ist der Höhepunkt der Entwicklung des dramatischen Konflikts im Drehbuch, der Höhepunkt der emotionalen Wahrnehmung des Zuschauers. Im Zentrum des Höhepunkts steht das Hauptereignis, dessen Aufgabe es ist, den gesamten dramatischen Konflikt im Drehbuch aufzulösen. Werden das Anfangsgeschehen der Handlung und der Handlungsablauf im Hauptverlauf der Handlung logisch verknüpft, folgt der Höhepunkt wie von selbst und wird zum semantischen und emotionalen Zentrum des gesamten Kultur- und Freizeitprogramms.

Die Auflösung erfüllt als strukturelles Element der kompositorischen Konstruktion die Funktion, die Handlung des Szenarios zu vervollständigen. Die Auflösung setzt die letzte Station in der Entwicklung der Durchgangslinie. Es ist wichtig, dies in der Auflösung zu bedenken ohne Fehler es folgt die Schlussveranstaltung, in der über das Ergebnis der Auflösung des dramaturgischen Konflikts berichtet wird. Folglich schließt die Reihe von Ereignissen, die ihren ursprünglichen Anfang genommen hat, und die Handlung, nachdem sie die Hauptentwicklung der Handlung durchlaufen und einen Höhepunkt erreicht haben, ihre dramatische Entwicklung in der Auflösung ab.

Das Finale folgt der Auflösung und bedeutet den vollständigen Abschluss des Bühnengeschehens. Das Finale dient als Zusammenfassung der gesamten dramatischen Handlung, die sich auf der Bühne abgespielt hat.

Eine besondere Form des Finales ist ein Epilog (Nachwort). In der kompositorischen Konstruktion des Drehbuchs spielt es die wichtigste apotheotische Rolle, dank der jedes theatralische Kultur- und Freizeitprogramm mit einer massiven emotionalen und spektakulären Aktion endet.

10. Merkmale des Kreativteams des Leiters der Kultur- und Freizeitprogramme. Die Verkörperung einer dramatischen Handlung in ein Bühnenspektakel ist jedoch das Ergebnis der kreativen Bemühungen des Kreativteams des Regisseurs, des sogenannten Produktionsteams, zu dem je nach Form des Kultur- und Freizeitprogramms gehören: Assistent Regisseur - Erster Regieassistent, Hauptkoordinator des Produktionsteams, durch das organisatorische und kreative Fragen, die sich aus Gruppen oder einzelnen Darstellern ergeben, dem Chefregisseur zur Kenntnis gebracht werden. Bei Bedarf oder auf Weisung des Regisseurs führt sein Assistent selbstständig Proben mit Gruppen oder Einzeldarstellern sowie Moderatoren durch. Die organisatorische Arbeit des Regieassistenten umfasst die Information der Teilnehmer des Programms und der technischen Dienste seiner Unterstützung über den Zeitplan der Proben sowie deren direkte Organisation. Der Szenenbildner ist Mitautor der künstlerischen und fantasievollen Lösung des Kultur- und Freizeitprogramms, der Organisator des Bühnenraums eine Art Übersetzer der Intention des Regisseurs des Kultur- und Freizeitprogramms in die Sprache des Spektakels. Szenografie und Bühnenbild sollen die Idee des Autors in der Fülle emotionaler und intellektueller Inhalte in figurativ-symbolischer, metaphorischer Form widerspiegeln, sowie die Atmosphäre eines Kultur- und Freizeitprogramms schaffen. Lichtdesigner - Co-Autor der Lichtdramaturgie des Programms, Autor einer ausführlichen Lichtpartitur. Jeder Lichtwechsel, seine „Übertragung“, jeder Lichteffekt soll nicht die ganze Bandbreite der Möglichkeiten der Licht-„Füllung“ einer bestimmten Bühne demonstrieren, sondern ein künstlerisches Abbild der Aufführung schaffen, die Intention des Regisseurs verraten. In den Händen eines erfahrenen Lichtdesigners wird dieses Ausdrucksmittel zu einem zusätzlichen Element der Inszenierung. „Malerei des Lichts“ (nach der Definition des Filmregisseurs S. Yutkevich) ist eine kontinuierliche Bewegung des Denkens des Autors, die Dynamik des Programms, ein einziges Ganzes mit ihm. Die Regisseure sprechen zu Recht von der Farb-Licht-Dramaturgie des Bühnengeschehens, da nicht nur Licht, sondern auch Farbe eine eigene emotionale und ausdrucksstarke Kraft besitzt. Tontechniker in seinem Professionelle Aktivität erstellt nicht nur das Sounddesign des Programms, sondern auch sein künstlerisches Erscheinungsbild. Die gemeinsam mit der Regie genau gefundene Art der musikalisch-klanglichen Bandbreite des Freizeitprogramms ist eine wichtige Komponente, um das richtige Tempo zu finden. Musik hat eine große emotionale Kraft, und ihre geschickte Beherrschung hilft, eine kohärente dramatische Komposition des Programms aufzubauen. Tontechnik ist ein eigenständiges kreatives Tätigkeitsfeld, das seine eigenen Gesetze und Facetten hat, und der Tontechniker hebt mit der Bearbeitung von Musik, Sound, Soundeffekten die wichtigsten semantischen Stücke hervor, akzentuiert sie und nimmt die sekundären auf Hintergrund, als würde er verdunkeln. Regieassistent - sorgt für die Ordnung der Darsteller auf der Bühne sowie für Disziplin hinter den Kulissen; überwacht die koordinierte Arbeit der Bühnenarbeiter. Die Zusammensetzung der kreativen Inszenierungsgruppe von Massentheaterformen von Kultur- und Freizeitprogrammen (Theaterkonzert, Theateraufführung, Urlaub, Festival usw.) wird ergänzt durch Musikdirektor, Chefchoreograf, Maskenbildner.

11. Szenariokonzept und seine Bestandteile. Die Entstehung einer Idee ist ein komplexer Prozess, der mit den individuellen Eigenschaften eines kreativen Menschen, seiner Weltanschauung und Einstellung zusammenhängt. Das Aufkommen einer Idee gibt zunächst chaotischer Arbeit Sinn, ohne Vorstellungskraft, Intuition und Fantasie einzuschränken. Erklärendes Wörterbuch der russischen Sprache, hrsg. D. N. Ushakova interpretiert die Idee als "etwas, das als Ziel der Arbeit, Aktivität konzipiert, konzipiert wurde". Das Erklärende Wörterbuch der russischen Sprache von S. I. Ozhegov definiert einen Plan in zwei Bedeutungen: 1. Ein geplanter Aktions-, Aktivitäts- und Absichtsplan. 2. Die dem Werk innewohnende Bedeutung, die Idee. Wörterbuch literarische Begriffe charakterisiert ein kreatives Konzept als Vorstellung von den Hauptmerkmalen und Eigenschaften eines Kunstwerks, seinem Inhalt und seiner Form, als kreative Skizze, die die Grundlage des Werks skizziert. Thema (was ist die Basis). Das Konzept des Kultur- und Freizeitprogramms umfasst nicht nur die Persönlichkeit des Drehbuchautors, seine Vision der Welt, sondern auch das letzte Glied im kreativen Prozess – den Zuschauer, das Publikum. Es ist kein Zufall, dass Y. Borev feststellte, dass Kreativität der Prozess ist, die Idee vom Künstler zu entfremden und sie durch die Arbeit auf den Leser, Betrachter, Zuhörer zu übertragen.

Im Mittelpunkt des Szenarioplans des Kultur- und Freizeitprogramms stehen somit zunächst dessen (Programm-)Thema und -Idee.

V.I.Dal definiert ein Thema als „eine Situation, eine Aufgabe, die besprochen oder erklärt wird“. Mit anderen Worten, das Thema des Kultur- und Freizeitprogramms ist eine Reihe von Lebensphänomenen, Themen, Problemen, die den Autor und das Publikum begeistern und die relevantesten und künstlerisch bedeutsamsten sind. Die Wahl des Themas des Freizeitprogramms wird von der Einstellung des Autors des Drehbuchs, seinem Leben, bestimmt Wertorientierungen, jene Phänomene und Zusammenhänge, die er für die wichtigsten hält. Das Thema ist untrennbar mit der Idee eines dramatischen Werks verbunden, das sich durch seine inhaltlich-semantische Integrität und das Produkt der emotionalen Erfahrung und Lebensbewältigung des Autors auszeichnet. Die Idee kann jedoch nicht nur auf den Gedanken des Hauptautors reduziert werden. Es ist ein Winkel, die Sichtweise des Autors auf die "Fakten des Lebens".

12. Führen als Nebenfigur in einem Kultur- und Freizeitprogramm. Die wichtigsten Arten von Führungskräften. Moderator-Kommentator - liest nicht überzeugend, der mündliche Kommentar ist nicht zu lang, es ist nicht notwendig, den offensichtlichen Konversationsstil des Textes zu erklären, wird dem Zuschauer den Zweck des Geschehens erklären, den er nicht sieht, aber er möchte verstehen. Bildzusatz. Der Moderator - der Interviewer - erhält Informationen mit Hilfe von Fragen - Antworten. Taktgefühl, Wachsamkeit. Lassen Sie sich nicht durch Gedanken ablenken. In der Lage sein, direkte und unaufdringliche Fragen zu stellen. Der Anführer ist ein Informant.

14. Grundsätze der Leitung von Kultur- und Freizeitprogrammen. Die Prinzipien der Leitung von Kultur- und Freizeitprogrammen sind die künstlerischen Muster der Organisation des dramaturgischen Szenariomaterials durch den Regisseur. Sie werden sowohl von ästhetischen Gesetzmäßigkeiten als auch von den Zielen der pädagogischen Beeinflussung des Publikums bestimmt. Die Prinzipien der Leitung von Freizeitprogrammen spiegeln wie die Prinzipien jedes künstlerischen Systems die Natur der Interaktion wider Strukturelemente dieses Systems, in unserem Fall sind dies die Tatsachen des Lebens und die Tatsachen der Kunst. Heute spricht man von einer Gruppe allgemeiner künstlerischer und aktivierender Prinzipien. Das allgemeine künstlerisch-ästhetische Gesetz aller spektakulären Künste lautet: Die Arbeit der Sinne wird umso intensiver sein, je vielfältiger organisierte Informationen gleichzeitig oder zeitlich komprimiert zum Betrachter gelangen. Dieses Gesetz zwingt den Regisseur, alle verfügbaren Mittel des künstlerischen Ausdrucks zu verwenden, nämlich: - ein Bildwort; - Musik; – Geräusch- und Hintergrundmaterialien; – Foto-, Film- und Videomaterial; – theatralische, choreografische und plastische Aktion; – Beleuchtungslösung. Mit anderen Worten sprechen wir über das Prinzip der Integrität durch Vielfalt. Die Einheit von Wort, Musik, Licht und Farbe, Inszenierungen sollen eine audiovisuelle Harmonie schaffen, die das künstlerische Bild des Programms offenbart. Vergessen wir jedoch nicht eines der Grundgesetze des kompositorischen Aufbaus des Drehbuchs, das sich auch im Kontext dieses Regieprinzips fortschreibt, nämlich die Unterordnung aller künstlerischen Ausdrucksmittel unter das Szenario des Autors und die Intention des Regisseurs. Das zweite Prinzip wird durch Bühnengesetze bestimmt, die darauf abzielen, das Publikum zu aktivieren, und schreibt die Notwendigkeit vor, diejenigen Nummern und Episoden der Aufführung zu verstärken, die den Zuschauer emotional „aufrütteln“, nicht zulassen, dass er seine Aufmerksamkeit schwächt oder sogar verliert. Und es muss nicht der Höhepunkt sein. Die Schlüsselbedeutung kann bereits in der Exposition oder dem Intro eingebettet sein.

15. Allgemeine und spezifische Merkmale des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms und anderer Arten von Schauspielkunst. Das Szenario eines Kultur- und Freizeitprogramms ist eine detaillierte literarische Ausarbeitung einer für die Inszenierung auf einer Bühne bestimmten dramatischen Handlung, auf deren Grundlage verschiedene Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen entstehen. Die Dramaturgie des Kultur- und Freizeitprogramms (Szenario) hat Gemeinsamkeiten mit anderen Arten der darstellenden Künste (Theater, Kino, Radio, Fernsehen), nämlich die obligatorische Präsenz darin von: - einer einzigen dramatischen Handlung; - Handlung und Veranstaltungsreihe; - Konflikt als "Dialog des Handelns"; – starre Kompositionsstruktur; - Genrevielfalt (in Kultur- und Freizeitprogrammen - eine Vielzahl von Formen). Somit ist das Szenario eines Kultur- und Freizeitprogramms im weitesten Sinne ein dramatisches Werk, und die Arbeit daran ist eine dramatische Schöpfung. Die Clubdramaturgie zeichnet sich jedoch durch ihre einzigartigen Besonderheiten aus, da sie nicht nur einen künstlerischen Wert hat, sondern auch ein Programm mit pädagogischer Wirkung auf das Publikum ist. Die Spezifika des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms zeigen sich am deutlichsten im Vergleich mit dem Schauspiel als dramatischer Grundlage der Theaterkunst. So ist die Arbeit eines Dramatikers individueller Natur, während die Drehbucharbeit sowohl individuell als auch kollektiv sein kann. Darüber hinaus ist die Entstehung eines Theaterstücks immer ein Originalwerk des Autors. Das Szenario des Kultur- und Freizeitprogramms ist eine Montagekombination aus literarischen, künstlerischen, dokumentarischen, filmischen Werken anderer Autoren. Mit anderen Worten, wenn der Drehbuchautor die Musik von P. I. Tschaikowsky in das dramatische Material einbezieht, dann ist dieser brillante Komponist sicherlich ein Co-Autor dieses Drehbuchs. Ein Theaterstück ist immer eine künstlerische Fiktion, eine zweite Realität mit einem eigenen künstlerischen Bild, die Dramaturgie von Kultur- und Freizeitprogrammen ist immer eine Kombination aus „Fakten des Lebens“ und „Fakten der Kunst“, Informations- und Unterhaltungskomponenten durch die Montagemethode . Eine einzige dramatische Handlung im Drehbuch wird nicht so sehr durch die Aktionen und Aktionen der Charaktere bereitgestellt, sondern durch die ganze Vielfalt der künstlerischen Ausdrucksmittel (poetisches Wort, Ton, Musik, Licht, plastische Kompositionen, Videosequenz usw.) . Aus dieser Funktion folgt Folgendes. Die Aufgabe des Drehbuchautors eines Kultur- und Freizeitprogramms besteht darin, die effektivste intellektuelle, emotionale und pädagogische Wirkung auf das Publikum zu erzielen, und nicht nur ein Werk der dramatischen Kunst als künstlerischen Wert. Das Drehbuch wird für einen bestimmten Zuschauer geschrieben und auch die Organisation der Kommunikation wird in die Struktur des Drehbuchs "eingelegt", indem die Methoden zur Aktivierung des Publikums des Kultur- und Freizeitprogramms verwendet werden. Als Besonderheit gilt es auch, die Vielfalt der Orte und Veranstaltungsorte für die Inszenierung eines Kultur- und Freizeitprogramms hervorzuheben – vom Wohnzimmer über Stadien bis hin zu Straßen der Stadt. Der Ort ist in diesem Fall nicht nur Raum, sondern auch ein bestimmtes Publikum, das es zu beeinflussen gilt. Und zum Schluss die Hauptsache. Das Drehbuch des Kultur- und Freizeitprogramms wird nicht für den Leser geschrieben, sondern für den Regisseur.

16. Merkmale der Inszenierung bei der Produktion eines Kultur- und Freizeitprogramms. Das wichtigste Mittel, um die Intention des Regisseurs zu verkörpern, ist die Inszenierung. „Mise-en-Scene“ (Ort auf der Bühne) – der Ort der Schauspieler auf der Bühne in Bezug zueinander und zum Publikum zu der einen oder anderen Bühnenhandlung. Die Entwicklung der Mise-en-Scene spiegelt das komplexe Zusammenspiel von äußerer Form und innerer Struktur des Programms, sein künstlerisches Abbild in plastischem Ausdruck. Das Wesen der Mise-en-Scene wurde von S. M. Eisenstein sehr genau definiert und beschrieb sie als „eine Kombination von räumlichen und zeitlichen Elementen in der Interaktion von Menschen auf der Bühne ... Die Verflechtung unabhängiger Aktionslinien mit ihren eigenen getrennten Tonmuster, rhythmische Muster und räumliche Lösungen zu einem harmonischen Ganzen.“ Mit anderen Worten, die Mise-en-scène ist nicht nur ein eingefrorener Moment, sondern die bildliche Sprache menschlicher Bewegungen, in der laut V. E. Meyerhold „der Subtext offenbart wird, alles, was zwischen den Zeilen liegt, offenbart wird“. Die Mise-en-Scene ist das Ergebnis der Suche von Regisseur und Darstellern nicht nach momentaner Handlung, sondern nach der wichtigsten Aufgabe und Handlung des Freizeitprogramms, seinem Tempo-Rhythmus. Die Mise-en-scène im Freizeitprogramm ist Teil der Bühneninformation, die Gestaltung des Regisseurs mit plastischen Mitteln zum Zwecke der wirkungsvollen ideologischen und emotionalen Wirkung auf das Publikum. Mise-en-scene fungiert im Rahmen der Regiearbeit als plastisches Abbild einer Aufführung (oder Freizeitsendung), in deren Mittelpunkt eine lebendige, agierende Person steht. Jede gut durchdachte Mise-en-Scene muss die folgenden Anforderungen erfüllen: 1) ein Mittel zum lebendigsten, vollständigsten plastischen Ausdruck des Inhalts einer Nummer oder Episode sein; 2) die Beziehung der Akteure richtig identifizieren, sowie Innenleben jedes Zeichen hinein dieser Moment sein Bühnenleben; 3) ehrlich, natürlich und ausdrucksstark sein.

17. Merkmale der wichtigsten Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen. Die Form des Kultur- und Freizeitprogramms ist die Sichtweise des Drehbuchautors auf das untersuchte Problem, die Struktur, die auf der Grundlage der Organisation des Szenariomaterials und des Publikums mit verschiedenen Ausdrucksmitteln gebildet wird. Die gewählte Form des Kultur- und Freizeitprogramms beeinflusst aktiv die Auswahl seiner Inhalte, die Art und Weise, wie der dramatische Stoff organisiert wird, da diese Form die Szenarioidee am besten enthüllen und den Zuschauer emotional auf die Wahrnehmung des Geschehens vorbereiten sollte. Derzeit gibt es viele Ansätze zur Typologie von Freizeitangebotsformen. Die Klassifizierung des Autors von L. I. Kozlovskaya basiert also auf Merkmalen wie dem Inhalt und der dramatischen Struktur des Kultur- und Freizeitprogramms sowie den verwendeten Ausdrucksmitteln. Basierend auf diesen Merkmalen unterscheidet ein bekannter belarussischer Forscher die folgenden Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen: - Handlungsspielprogramme als Komplex verschiedener Spiele (Bewegungs-, Denk-, Dramatisierungsspiele, Attraktionen usw.), die durch eine Handlung vereint sind; - Wettbewerbs- und Unterhaltungsprogramme als Komplex verschiedener Wettbewerbe, die es ermöglichen, führende Teilnehmer oder ganze Gruppen in jedem Wissensbereich oder jeder gesellschaftlich nützlichen Aktivität auszuwählen; - Folkloreprogramme, einschließlich Folklorespiele, Lieder, Tänze, Rituale, andere Genres der mündlichen Volkskunst; - Showprogramme als Komplex aus Spektakel, Plastizität, Tanz, Clownerie; - Sport- und Unterhaltungsprogramme - ein Komplex von Outdoor-Spielen, Comic-Kämpfen, kombinierten Staffelläufen und Sportwettkämpfen; - Informations- und Diskussionsprogramme, einschließlich neuer und wichtiger Informationen für das Publikum, die zu Streit, Diskussion und Reflexion anregen; - Präventions- und Korrekturprogramme, deren Inhalte pädagogisch-medizinischer Natur sind und zur Regulierung der psychischen Verfassung der Menschen beitragen.

18. Organisatorische und gestalterische Aspekte der beruflichen Tätigkeit des Kultur- und Freizeitprogrammleiters. Die Arbeit des Regisseurs bei der Inszenierung verschiedener Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen beginnt, wie oben erwähnt, mit der Entwicklung der Idee des Regisseurs und setzt sich fort mit ihrer Verkörperung im Drehbuch des Regisseurs, das die Entscheidung des Regisseurs, spezifische künstlerische Techniken zur Inszenierung des Handlungsablaufs enthält selbst und den Einsatz von Ausdrucksmitteln, bei der Umsetzung des Drehbuchs und der Vision des Regisseurs.

19. Die Hauptphasen der Arbeit am Szenario der Kultur- und Freizeitprogramme. Die Erstellung eines Drehbuchs für ein Kultur- und Freizeitprogramm ist ein komplexer, mehrstufiger kreativer Prozess, der sowohl die Zeit der Sammlung von Informationen und Inhalten, die Bildung der Absicht des Autors als auch das direkte Schreiben dieser Form eines dramatischen Werks umfasst .

Die erste Phase der „Entdeckung“, der Umsetzung des Plans, ist die Erstellung eines Szenarioplans. Ein Szenarioplan ist eine strukturelle und dramaturgische Grundlage, eine Skizze des kompositorischen Aufbaus eines Szenarios mit einem vom Autor bestimmten ideologischen und thematischen Konzept und Eigenschaften des Publikums. Dies ist eine allgemeine Vision des zukünftigen Freizeitprogramms, seiner Hauptepisoden, Nummern innerhalb der Episode und der Art ihrer Abwechslung. Grafisch stellt der Szenarioplan folgende Struktur dar: 1. Der Name des Freizeitprogramms.2. Programmformular.3. Eigenschaften des Publikums.4. Ort und Zeit der Veranstaltung.5. Kompositorischer Aufbau des Szenarios: I. Exposition (Kurzbeschreibung).II. Binden. Episode 1 (der Titel der Episode, der das Thema widerspiegelt) 1.1. Nummernname.1.2. Nummernname.1.3. Nummernname. III. Die Hauptaktion (besteht normalerweise aus 3-4 Episoden) Episode 2 (der Titel der Episode, der das Thema widerspiegelt). 2.1. Nummer. 2.2. Nummer. 2.3. Nummer. Folge 3 (Episodentitel). 3.1. Nummer. 3.2. Nummer. 3.3. Nummer. Und so weiter für die Anzahl der Episoden. IV. Höhepunkt. Nummer. V. Finale. Nummer. Der nächste Schritt ist das Schreiben Literarisches Skript. Ein literarisches Skript ist eine detaillierte literarische Entwicklung eines ideologischen und thematischen Konzepts mit einem vollständigen Text, einer Beschreibung von Ort und Zeit der Handlung, Szenografie, Musik- und Lichtdesign, der Handlung von choreografischen und plastischen Kompositionen und anderen künstlerischen Ausdrucksmitteln . In diesem Stadium ist die allgemeine Struktur und die Dynamik der dramatischen Handlung, das Tempo des Programms. Der letzte Schritt der Szenarioarbeit ist die Erstellung einer Bearbeitungsliste oder eines Arbeitsszenarios. Die Schnittliste ist eine Regiepartitur einer Kultur- und Freizeitsendung, in der alle Bestandteile jeder Folge und die Nummern innerhalb der Folge sowie die Ausdrucksmittel ihrer Bereitstellung genau beschrieben sind.

20. Merkmale der Haupttypen von Metaphern bei der Leitung von Kultur- und Freizeitprogrammen. Metapher (bildliche Bedeutung) ist eine Redewendung, die den Namen eines Objekts einer Klasse verwendet, um ein Objekt einer anderen Klasse zu beschreiben. Metaphorisierung kann auf der Ähnlichkeit verschiedenster Merkmale von Objekten beruhen: Farbe, Form, Volumen, Zweck, Lage in Raum und Zeit usw. Für den Leiter von Kultur- und Freizeitprogrammen ist die Metapher wertvoll, weil sie als Mittel zur Konstruktion von Bühnenbildern verwendet wird. Heute wird die Praxis der Inszenierung verschiedener Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen durch die folgenden Verwendungen von Metaphern in der Sprache der Theatralisierung repräsentiert. 1. Die Design-Metapher im Buch von I.E. Goryunova "Leitung von Massentheaterspektakel und Musikdarbietungen". Also als Bühnenbild für eine musikalische Theateraufführung, die dem 60. Jahrestag des Sieges im Großen gewidmet ist Vaterländischer Krieg, in der Staatlichen Zentralen Konzerthalle „Russland“ wurden vier weit geöffnete Mäntel hinter der Bühne als metaphorisches Bild der Idee des Autors verwendet, dass es ein Sieg für einen einfachen Soldaten war, der Tausende von Kilometern Frontstraßen auf plastische Weise durchpflügte und schützte alle mit seinem Soldatenmantel. 2. Plastische Metapher oder Metapher der Pantomime. Hier ist die klassische Handlung des brillanten französischen Pantomimen Marcel Marceau „The Cage“. Eine Person, die aufwacht, geht vorwärts, stolpert über ein Hindernis und stellt fest, dass sie sich in einem Käfig befindet. Fieberhaft bewegt er seine Hände an allen vier Wänden entlang und sucht nach einem Ausweg. 3. Die Mise-en-Scène-Metapher wird ausführlich in dem erwähnten Buch von I.E. Goryunova. Wir betonen nur, dass die metaphorische Mise-en-Scène eine besonders sorgfältige Entwicklung plastischer Bewegungen und verbaler Aktionen erfordert, um ein verallgemeinertes künstlerisches Bild des Denkens des Regisseurs zu schaffen. 4. Metapher in der Schauspielerei. Der bemerkenswerte Schriftsteller Y. Olesha bemerkte einmal: „Tiere geben wie nichts anderes Anlass zu Metaphern.“ Ein Beispiel aus der Regiearbeit von V.E. Meierhold. Dialog bei einer Probe in seinem Schauspielstudio der Roten Armee.

21. Merkmale der Gesetze der kompositorischen Konstruktion des Szenarios. Die aufgeführten dramatischen Elemente des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms werden durch folgende Gesetze zu einer ganzheitlichen Struktur verbunden: 1) Das Gesetz der Integrität, Verknüpfung und Unterordnung von Teilen unter das Ganze. Die fertige Wirkungsstruktur der Dramaturgie von Kultur- und Freizeitprogrammen gliedert sich in mehrere Zyklen, wobei die Hauptmontageeinheit die Episode ist. Eine Episode im Drehbuch, die Teil des Ganzen, nämlich des gesamten Programms ist. Die kompositorische Integrität des Kultur- und Freizeitprogramms wird auch durch ein System von Verbindungen erreicht, das sich in der Handlungsstruktur des Szenarios ergibt, das besteht aus: - einer geschickt gefundenen Handlung und einem Handlungszug, der das Szenario in der kompositorischen Konstruktion einzigartig und originell macht , - das Zusammenspiel von dokumentarischem und künstlerischem Material, die Montage von "Tatsachen des Lebens" und "Fakten der Kunst", - die Begründung und Stimmigkeit der inneren Ausdrucksmittel der Inhalte, - die Techniken und Methoden zur szenischen Umsetzung der literarisches Szenario; 2) das Kontrastgesetz. Dieses Gesetz schreibt dem Drehbuchautor die Notwendigkeit eines Konflikts im Szenario vor, der es nicht nur ermöglicht, die Komplexität und Widersprüchlichkeit der umgebenden Realität zu zeigen, sondern auch das Denken des Publikums zu aktivieren und das Programm mit einem High zu füllen emotionaler Grad. Kontrast ist eine der umfassendsten Eigenschaften von Objekten und Phänomenen in der Realität um uns herum. Die Verwendung von Kontrasten spielt große Rolle im emotionalen. 3) das Gesetz der Unterordnung aller Ausdrucksmittel unter die ideologische Gestaltung des Kultur- und Freizeitprogramms. Die Befolgung dieses Gesetzes hilft dem Drehbuchautor, nicht nur den Inhalt des Programms zu entwickeln, der der ideologischen und thematischen Gestaltung angemessen ist, sondern auch, in der dramatischen Struktur nur die künstlerischen Ausdrucksmittel zu verwenden, die diese am besten zum Ausdruck bringen. 4) das Gesetz der Verhältnismäßigkeit. Dieses Gesetz der kompositorischen Konstruktion des Szenarios setzt das quantitative Verhältnis des ausgewählten Szenariomaterials, seine Verteilung nach Episoden voraus, wodurch der Drehbuchautor die Proportionalität der Position des Haupt- und Nebenteils des Szenariomaterials, das genaue und erreichen kann proportionales Verhältnis der Strukturelemente der Zusammensetzung.

22. VI. Nemirovich-Danchenko über Kunstregie. Direktor, nach der Typologie von V.I. Nemirovich-Danchenko, es ist auch ein Spiegel, der reflektiert individuelle Qualitäten Schauspieler und die Facetten seines kreativen Talents. In der schauspielerischen Darbietung des Stücks sind in der Regel alle Elemente der Schauspieltechnik vorhanden. Aber für jede Aufführung einzeln stellt sich dem Regisseur die Frage: Welche dieser Elemente sollen in dieser Aufführung in den Vordergrund gerückt werden, um sie als Glieder einer untrennbaren Kette zu fassen und die gesamte Kette herauszuziehen. So mag beispielsweise in der einen Aufführung die innere Konzentration des Schauspielers und die Geiz der Ausdrucksmittel am wichtigsten sein, in der anderen Naivität und Reaktionsschnelligkeit, in der dritten Einfachheit und Spontaneität verbunden mit einem lebendigen Alltagscharakter, in der viertens - emotionale Leidenschaft und äußerer Ausdruck, im fünften dagegen ist Zurückhaltung der Gefühle. Der Vielfalt sind hier keine Grenzen gesetzt, wichtig ist nur, dass jedes Mal genau festgelegt wird, was für ein bestimmtes Spiel benötigt wird. Die Fähigkeit, durch eine genau gefundene Spielweise die richtige Lösung für die Aufführung zu finden und diese Lösung in der Arbeit mit Schauspielern praktisch umzusetzen, bestimmt die fachliche Qualifikation des Regisseurs. Regie und Pädagogik sind so eng miteinander verbunden, dass es manchmal schwierig ist, eine Grenze zwischen ihnen zu ziehen, den Punkt zu finden, an dem ein Beruf endet und ein anderer beginnt. Der Regisseur muss als sensibler Pädagoge in der Lage sein, das wahre schauspielerische Talent zu erkennen, es zu offenbaren. Das Team mit seiner Idee, die wichtigste Aufgabe, der Glaube an den Erfolg des zukünftigen Bühnengeschehens. Und schließlich ist die dritte „Hypostase“ des Regisseurs seine organisatorische Arbeit, nämlich die Ausrichtung des Probenablaufs, die sein gesamtes kreatives Team umfasst – vom Schauspieler bis zum Bühnenarbeiter. Die Aufgaben des Regisseurs in diesem Zusammenhang sind überzeugen, praktisch organisieren, mittragen, anstecken.

24. Die Besonderheiten der Dramaturgie und Regie eines Theaterkonzerts. Ein Theaterkonzert ist ein Konzert, das ein einziges künstlerisches Bühnenbild hat, für dessen Gestaltung die dem Theater eigenen Ausdrucksmittel verwendet werden: Handlung, rollenspielende Personifizierung der Gastgeber, Szenografie, Theaterkostüm, Maske, Bühnenatmosphäre . Dies ist die Verwendung verschiedener Genres, verschiedene Typen Künste, vom akademischen Chor bis zum Volkstanz. Das Theaterkonzert ist immer thematisch. Es passiert im 1. oder 2. Teil mit einer Pause (das Gesetz der Zeit wird genutzt - die Wirkung des Konzerts auf die Aufmerksamkeit und Ermüdung des Zuschauers). Die maximale Dauer des Konzerts in einem Teil beträgt 1 Stunde 10 Minuten. - 1 Stunde 30 Minuten, das Konzert in 2 Teilen ist in 1 Stunde unterteilt - 1 Stunde 10 Minuten, 2. 55 Minuten - eine Stunde. Das Konzertskript ist eine Liste der künstlerischen Darbietungen, begleitet vom Text des Moderators, sowie eine Beschreibung der Ausdrucksmittel (Licht, Musik, Kino, Dias, Masseninszenierungen), die ein einheitliches Bild der Darbietung schaffen, und die Zahlen werden in der Regel zu künstlerischen und semantischen Blöcken zusammengefasst (in bestimmte Wechselbeziehungen gesetzt Konzertaufführungen, die einen detaillierten künstlerischen Gedanken bilden. Die kompositorische Gestaltung einzelner Konzertteile ist oft poetisch) die Zahl der Zahlen soll die Einheit nicht verletzen des Themas, der Gestaltung, der Zielaufgabe. Eine klare ideologische Ausdruckskraft und künstlerische Bildsprache, so Tumanov, könne durch Theateraufführungen erreicht werden. In der Regel sollte ein Theaterkonzert mit einer großen, kraftvollen, hellen Nummer (Messe) beginnen. Anforderungen an Zahlen: Prägnanz, Aktualität, Formbrillanz. Eine Nummer ist ein abgeschlossenes Einzelwerk, das nach den Gesetzen des Dramas aufgebaut ist und Darbietungen von einem oder mehreren Interpreten beinhaltet. Sortennummer - für das Publikum zugänglich, kurz und prägnant. Ein Moment unterhaltsamer Entspannung, Originalität, Leichtigkeit, die Aufmerksamkeit von einem zum anderen zu lenken. Ein Theaterkonzert impliziert eine enge Beziehung zwischen dem Künstler und dem Publikum. Hauptpartner des Künstlers ist der Betrachter (Publikum). Es impliziert einen Dialog zwischen der Bühne und dem Publikum. Die Hauptsache bei einem Theaterkonzert ist, den Saal zu Ihrem Verbündeten zu machen. Grundsätze für die Erstellung von CP-Nummern: 1. Unterhaltung steigern. 2. Kontrast (Masse und Solo, bewegliche Zahlen, statisch - nach Gehör und nach Augenmaß).3. Einstellung zu jeder Zahl als autarke Einheit.4. Genre-Kompatibilität (vorherige Nummern sollten die benachbarte Nummer nicht ablehnen)5. Technische Kompatibilität 6. Das Prinzip der Kontinuität der konzertierten Aktion. Möglichkeiten zur Sicherstellung der Kontinuität der Konzertaktion: Vorhang- und Supervorhangsystem.2. Verwendung von Bühnenkreis, Laufband, jeder beweglichen Struktur.3. Zusätzliche Szenen (Balkon, Terrasse) 4. Vorladung von Werkzeugen, Maschinen, Stühlen. 5. Kombination mehrerer, manchmal vieler Teams auf der Bühne Es gibt 2 Arten von Performern: A) Ein Künstler ist ein Vermittler zwischen der Bühne und dem Publikum. B) Ein Künstler, der in seinem eigenen Namen spricht und seine Fähigkeiten demonstriert.

25. Nummer und Folge als Einheit der Bühneninformationen im Kultur- und Freizeitprogramm. Mit anderen Worten betrachtet die Architektur die konstruktiven Grundlagen des Szenarios. Die wichtigste konstruktive, semantische Einheit in der effektiven Struktur des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms ist die Zahl, die zusammen mit anderen Zahlen eine Episode bildet. Wenn wir die Essenz der Nummer und Episode in die Sprache der Struktur des Stücks als dramatisches Werk übersetzen, dann ist die Nummer eine Szene - eine Art Knoten, und drei oder vier solcher "Knoten" (Nummern) werden kombiniert ein Akt (Episode) als Zyklus einer einzelnen dramatischen Handlung des gesamten Stücks (Szenario) .

Mit anderen Worten, die Bewegung der dramatischen Logik des Autors geht von einer Nummer zur anderen, von einer Episode zur nächsten. Somit ist die Episode eine spezifische, montageorganisierte Reihe von Zahlen, die thematisch, handlungsleitend und effektiv zu einer einzigen, relativ vollständigen Struktur vereint sind. Eine Folge findet ihre endgültige Vollendung erst im Zusammenhang mit vorangegangenen oder nachfolgenden Folgen sowie im Rahmen der Komposition des Gesamtprogramms, die die ideologische und thematische Intention des Autors immer wieder erkennen lässt. Die Dynamik des Episodenwechsels ist eines der wichtigsten Elemente der künstlerischen Integrität des Kultur- und Freizeitprogramms, seines strukturbildenden Mittels, das die Kontinuität seines dramatischen Geschehens gewährleistet. Der Begriff „Aktionskontinuität“ stammt aus dem Kino und bedeutet in Bezug auf das Szenario einer Freizeitsendung eine spezielle Folge von Episoden und Nummern, die vom Drehbuchautor zu lösen sind: - das Problem der Stoffauswahl; - Übergangsprobleme (Montagefugen); - Probleme, die Aufmerksamkeit der Zuschauer aufrechtzuerhalten; - Probleme der dramatischen Spannung als Verbindung zwischen Schauspieler und Publikum.

26. Grundlegende Techniken zur Leitung von Kultur- und Freizeitprogrammen. Betrachten Sie einige der Techniken, die bei der Leitung von Kultur- und Freizeitprogrammen verwendet werden. 1. Paradox in der Interpretation der Episode oder des Bildes. Der Einsatz dieser Technik ermöglicht es dem Publikum des Kultur- und Freizeitprogramms, den auf den ersten Blick vertrauten Stoff in einer unerwarteten, manchmal paradoxen Perspektive zu sehen und den Sachverhalt oder das Phänomen auf einer qualitativ neuen Ebene zu begreifen. 2. Stage Umsetzung der Metapher. Wir stellen nur fest, dass das künstlerische Bild, das der Regisseur kreiert, ein allegorischer, metaphorischer Gedanke ist, der ein Phänomen durch ein anderes offenbart, und die figurative Inszenierung, allegorische Konstruktion, plastische Metapher ist die Sprache theatralischer Formen von Freizeitprogrammen. Die Bandbreite der Verwendung von Metaphern ist extrem breit - von der Szenografie bis zum figurativen Klang des gesamten Programms.

3. Vorsätzliche Offenlegung der Handlung. Diese Technik wurde erstmals von V. E. Meyerhold angewendet, als er eine Aufführung nach dem Stück von N. V. Gogol „Der Generalinspekteur“ inszenierte, die mit der Schlussszene der unsterblichen Komödie begann. In der Praxis der Inszenierung von Kultur- und Freizeitprogrammen sind solche Methoden zur Deklassifizierung der Handlung üblich, wie zum Beispiel: a) in einem speziellen Prolog; b) bei der Projektion des Textinhalts zukünftiger Ereignisse auf die Leinwand; c) in der Eröffnungsrede des Moderators. 4. Rezeption der Wiederholung. Die Verwendung dieser Technik ermöglicht es dem Regisseur, die Aufmerksamkeit des Publikums nicht nur auf das Wichtigste zu lenken, sondern auch die gleiche Situation aus verschiedenen Blickwinkeln zu begreifen. Wiederholungsobjekte können ein Datum, Wörter, ein Satz, ein Foto oder eine Folie sein. Das Erscheinen desselben Bildes auf dem Bildschirm wird auch als visuelles Leitmotiv bezeichnet. 4. Rezeption der "Bloßstellung der Szene". Es wurde in V. S. Meyerholds Regiepraxis einer völlig nackten Szene mit nackten, schmutzigen Backsteinszenen ohne jegliche Kulisse weit verbreitet. Diese Technik, so der Meister, zerstört die Bühnenillusion des Lebens. 5. Übertragung des Bühnengeschehens in den Zuschauerraum. 6. Verwendung eines "lebenden Vorhangs". Diese Technik hat sich bei der Inszenierung von Theaterkonzerten bewährt, da Sie das Tempo des Programms nicht verlangsamen und eine einzige, sich kontinuierlich entwickelnde Aktion in einem Atemzug wahrnehmen können.

„Living Curtain“ ist eine vom Regisseur eigens inszenierte Verbeugung der Darsteller der fertigen Nummer, während der die nächste Nummer vorbereitet und aufgeladen wird.

27. Charakteristika von Montagetechniken im Szenario des Kultur- und Freizeitprogramms. Die folgenden grundlegenden Techniken: 1) sequentielle Installation. Dies ist die am häufigsten verwendete Bearbeitungstechnik, bei der alle Nummern in der Folge in einer bestimmten logischen Reihenfolge angeordnet sind und einander fortsetzen. Meistens basiert es auf einer zeitlichen oder chronologischen Abfolge. Diese Bearbeitungsmethode ist in der Regel solchen Programmen eigen, in denen es notwendig ist, die Chronologie historischer Ereignisse nachzuvollziehen und dem Zuschauer zu vermitteln; 2) Parallelmontage. Sie basiert auf der Gleichzeitigkeit oder Parallelität von Bühnenhandlungen (meistens in entgegengesetzten Teilen der Bühne), die sich gegenseitig ergänzen und bereichern. So ist beispielsweise im rechten Teil des Proszeniums ein Partisanenlager rekonstruiert, in dem ein Soldat einen Brief an seine Geliebte schreibt, und in der linken Ecke liest ein Mädchen von vorne einen Brief vor. Gleichzeitig kann auf der Leinwand ein Film seiner Erinnerungen abgespielt werden. Parallelität sorgt für die Schaffung eines künstlerischen Bildes der Aufführung, aktiviert das assoziative Denken des Betrachters. Diese Montagetechnik wurde mit dem Aufkommen eines Bildschirms oder mehrerer Bildschirme aktiv eingesetzt, die zu einem der Ausdrucksmittel sowie zum "Protagonisten" des Kultur- und Freizeitprogramms wurden. Dadurch konnte die Gleichzeitigkeit der Handlung auf der Bühne und auf zwei, drei oder mehr Leinwänden erreicht werden; 3) Kontrastbearbeitung – eine der führenden und effektivsten Bearbeitungstechniken, die auf der Konvergenz von entgegengesetzten, in ihrer Bedeutung kontrastierenden (Text, Tonlösung, Plastiklösung, Videosequenz usw.) Nummern oder Episoden des Drehbuchs basiert. Der Kontrast ist einer der allumfassenden Heiligen, Objekte und Phänomene der Realität um uns herum. Durch den Kontrastschnitt können Sie den Konflikt klarer als integralen Bestandteil jeder dramatischen Arbeit identifizieren. Es ist der Kontrast, der, so trifft es M. I. Romm treffend zu sagen, „die Schärfe der Fuge“, viele Assoziationen beim Zuschauer hervorruft, was dazu beiträgt, ein künstlerisches Bild des Freizeitprogramms zu schaffen. Eine kontrastierende Bearbeitung trägt zur Aktivierung des Publikums bei, lässt es den Gedanken des Autors folgen.

4) Grundsatzrede. In der Musikkunst ist das Leitmotiv Melodien, die sich nach einer bestimmten Zeit immer wieder wiederholen; nicht minder weit verbreitete Montagetechnik, die auf der Wiederholung eines musikalischen, poetischen, klanglichen oder sonstigen Fragments zwischen den Folgen einer Freizeitsendung beruht. Diese „Bündel“ dienen als Erinnerung an das Thema des Freizeitprogramms. Das Leitmotiv erreicht eine polyphone Entwicklung des Themas.

28. Merkmale der Organisation des Probenprozesses. Die Probe (Wiederholung) ist die Hauptform der Vorbereitung (unter der Leitung des Regisseurs) von Theater-, Varieté-, Zirkus-, Kultur- und Freizeitprogrammen sowie einer separaten Nummer und Episode durch mehrfache Wiederholungen (ganz oder in Teilen). Wie der berühmte Theaterregisseur Peter Brook es ausdrückte: „Proben heißt laut denken.“ In der ersten, trinkigen Probenzeit versammelt der Regisseur seine Künstler- und Produktionsgruppe, um sich mit dem Konzept des Programms, seiner wichtigsten Aufgabe, vertraut zu machen und einen Produktionsplan zu erstellen. Im Zuge von Tischproben können Lesungen des literarischen Drehbuchs, Ermittlung des Durchhaltevermögens des Gesamtprogramms und einzelner Interpreten erfolgen. Die nächste Probephase ist die Sichtung der Nummern, die im Szenario des Kultur- und Freizeitprogramms enthalten sind. Die Aufgabe der Probensichtung ist die Auswahl von Nummern aus dem bereits vorhandenen Repertoire einer Gruppe oder eines Interpreten oder eine Einschätzung des künstlerischen Niveaus. Anschließend finden Einzelproben von Nummern oder einzelnen Episoden statt, bei denen gemeinsam mit dem Kreativteam technische Dienstleistungen, beteiligt laut Regiepartitur (Schnittblatt). Montage (Montage) von Proben – das ist die Montage und Erprobung des Zusammenspiels von Bühnenbild, künstlerischen und technischen Mitteln des Kultur- und Freizeitprogramms. Alle Gestaltungselemente werden gemäß den vom Regisseur genehmigten Kulissenskizzen auf der Bühne installiert. Diese Proben werden auch mit dem Ziel durchgeführt, eine allgemeine Mise-en-Scene-Komposition aufzubauen und die Schnittfugen zwischen Nummern und Episoden auszuarbeiten. Schnittproben sollen auch alle damit zusammenhängenden Fragen regeln technischer Support Nummern und Episoden vor den (Zusammenfassungs-)Durchlaufproben. Die durchgehende (konsolidierte) Probe ist eine weitere Arbeitsphase bei der Produktion eines Kultur- und Freizeitprogramms, die darin besteht, einzelne Episoden des Programms zu einer einstufigen Aktion zusammenzufassen und das gesamte Mise-en-Scene-Muster anzupassen. Die Generalprobe ist der letzte Arbeitsschritt zur Umsetzung des Kultur- und Freizeitprogramms. Es geht ununterbrochen weiter, so wie das Programm weitergeht. Nach den Generalproben gibt der Regisseur jedem der Darsteller oder dem technischen Personal Kommentare.

Das Ergebnis der organisatorischen und gestalterischen Arbeit des Leiters der Kultur- und Freizeitprogramme ist seine direkte Präsentation, Bühneninszenierung.

29. Die Hauptelemente des Systems K.S. Stanislawski. System K.S. Stanislawski entstand als Verallgemeinerung seiner kreativen und pädagogischen Erfahrung und der Erfahrung seiner theatralischen Vorgänger und Zeitgenossen, herausragende Persönlichkeiten der Weltbühnenkunst. Als praktische Anleitung für den Regisseur und Schauspieler ist sie zum theoretischen Ausdruck jener realistischen Richtung in der Bühnenkunst geworden, die Stanislavsky die Kunst der Erfahrung nannte, die keine Nachahmung, sondern echte Erfahrung im Moment der Kreativität auf der Bühne, des Schaffens erfordert bei jeder aufführung neu ein lebendiger prozess nach vorgedachter logik. Dank der Entdeckungen von K.S. Stanislavsky offenbarten sich die kreativen und kreativen Prinzipien der Bühnenkunst viel vollständiger in der aktiven Vollendung des Stücks - der Umwandlung seines Textes in eine Regiepartitur. „Wir stellen die Werke von Dramatikern wieder her“, schrieb K.S. Stanislavsky, - wir enthüllen in ihnen, was sich unter den Worten verbirgt, wir fügen unseren eigenen Subtext in den Text eines anderen ein ... wir schaffen im Endergebnis unserer Arbeit eine wirklich produktive Handlung, die eng mit der geheimen Absicht des Stücks verbunden ist. KS Stanislavsky enthüllt in seinen Werken "Die Arbeit des Schauspielers an sich selbst" und "Die Arbeit des Schauspielers an der Rolle" die Essenz der verschiedenen Elemente der Bühnenkreativität, deren Studium für das klarste Verständnis der Methode von notwendig ist effektive Analyse des Spiels und der Rolle. Am häufigsten werden jedoch die Begriffe „Through Action“ und „Super Task“ verwendet. K. S. selbst Stanislawski schrieb Folgendes über die Super-Aufgabe und die Durch-Aktion: „Die Super-Aufgabe und die Durch-Aktion sind die Hauptessenz des Lebens, die Arterie, der Nerv, der Puls des Stücks. Die Superaufgabe (Wunsch) schafft durch Handlung (Aspiration) und ihre Erfüllung (Aktion) einen kreativen Prozess des Erlebens ... Lassen Sie uns für die Zukunft vereinbaren, dieses Haupt-, Haupt-, Allumfassendes Ziel zu nennen, das alle an sich zieht ausnahmslos Aufgaben, die das kreative Verlangen der Motoren des Seelenlebens und Elemente des Wohlbefindens der Schauspielerrolle hervorrufen, "die Superaufgabe der Arbeit des Schriftstellers"; ohne die subjektiven Erfahrungen des Schöpfers ist es trocken, tot. Es ist notwendig, Antworten in der Seele des Künstlers zu suchen, damit sowohl die wichtigste Aufgabe als auch die Rolle lebendig werden, zittern, in allen Farben eines Echten leuchten Menschenleben". „Wir werden in diesen Stücken geliebt“, argumentierte Stanislavsky, „wo wir eine klare, interessante Superaufgabe haben und eine durchgehende Handlung, die gut damit verbunden ist. Super-Aufgabe und Durch-Aktion – das ist die Hauptsache in der Kunst. Die Superaufgabe hat eine bemerkenswerte Eigenschaft. Ein und dieselbe wirklich definierte Superaufgabe, die für alle obligatorisch ist, wird in jedem Ausführenden seine eigenen individuellen Antworten in der Seele erwecken. Die Aufgabe des Regisseurs ist es, diese klar, klar und verständlich zu formulieren, da die Definition der wichtigsten Aufgabe der Arbeit des gesamten Kreativteams Sinn und Richtung gibt. Sehr bildhaft über die Notwendigkeit einer klaren Formulierung der Superaufgabe durch den Regisseur (unabhängig von der Art der Kunst) äußerte sich der russische Filmregisseur Alexander Mitta: „Vergiss kapriziöse Seufzer: oh, ich fühle es, aber ich kann' nicht in Worte fassen! Mitarbeiter sollten von der Idee begeistert sein, aber wie sollen sie ihren Anteil an der Gesamtaufgabe verstehen, wenn der Regisseur wie ein Käfer auf der Tapete durch das Drehbuch kriecht, seine Perspektive nicht sieht, nicht weiß, auf welchem ​​Kurs er sein Schiff steuert. Der Weg zur Umsetzung der Superaufgabe führt über Aktion – das ist jener reale, konkrete Kampf, der vor den Augen des Publikums stattfindet, wodurch die Superaufgabe bestätigt wird. Für einen Künstler ist eine durchgehende Handlung laut K.S. Stanislavsky, ist eine direkte Fortsetzung der Strebenslinien der Motoren des mentalen Lebens, die aus dem Verstand, dem Willen und den Gefühlen des kreativen Künstlers stammen. Wenn es keine durchgehende Handlung gäbe, würden alle Stücke und Aufgaben des Stücks, alle vorgeschlagenen Umstände, Kommunikationen, Anpassungen, Momente der Wahrheit und des Glaubens und so weiter auseinandervegetieren, ohne Hoffnung auf Lebendigkeit.

30. Merkmale der Dramaturgie und Regie von Theaterformen von Kultur- und Freizeitprogrammen. Die Regie im Kultur- und Freizeitbereich ist jedoch ein eigenständiger Bereich der Regiekunst mit eigenen Zielen, Zielsetzungen, Grundsätzen und Techniken. Diese Merkmale sind auf den allgemeinen Inhalt, Inhalt und Inhalt von Kultur- und Freizeitaktivitäten zurückzuführen. Es ist kein Zufall, dass wir bei I. M. Tumanov Folgendes finden: „Solche Komponenten wie Gesang, Tanz, Live-Bild- (Plastik-) Komposition ersetzen die psychologische Rechtfertigung für das Verhalten von Helden in der Massendarstellung. Die diesem Genre innewohnende Emotionalität impliziert ein sofortiges Umschalten des Betrachters von einem Objekt zum anderen ohne Detaillierung und psychologische Motivation. Mit anderen Worten, die Dramaturgie und Regie einer Massenaktion sollte so aufgebaut sein, dass man in der äußeren Form der Präsentation des Materials ein inneres Bild finden kann, das seiner Idee, seinem Rhythmus und seinem Atem entspricht.

31. Merkmale der künstlerischen Ausdrucksmittel. Das allgemeine künstlerisch-ästhetische Gesetz aller spektakulären Künste lautet: Die Arbeit der Sinne wird umso intensiver, je vielfältiger organisierte Informationen gleichzeitig zum Betrachter gelangen. Dieses Gesetz zwingt den Regisseur, alle verfügbaren Mittel des künstlerischen Ausdrucks zu verwenden, nämlich: - ein Bildwort; - Musik; – Geräusch- und Hintergrundmaterialien; – Foto-, Film- und Videomaterial; – theatralische, choreografische und plastische Aktion; – Beleuchtungslösung. Mit anderen Worten sprechen wir über das Prinzip der Integrität durch Vielfalt. Die Einheit von Wort, Musik, Licht und Farbe, Inszenierungen sollen eine audiovisuelle Harmonie schaffen, die das künstlerische Bild des Programms offenbart. Anaphora - Wiederholung von Anfangswörtern, Phrasen. Epiphora - Wiederholung am Ende, nach Wörtern oder Sätzen. Empfang der Abstufung - Wörter, die sich auf ein Thema beziehen, werden nacheinander angeordnet. Inversion ist umgekehrte Wortreihenfolge. Vergleich - trägt zum besseren Verständnis bei. Metapher ist eine bildliche Konvergenz von Wörtern basierend auf ihrer bildlichen Bedeutung. Ein Epitheton ist ein Wort, das betont Charakterzüge. Phraseologismen - ein Ausdruck mit bildlicher Bedeutung. Oxymoron - eine Kombination aus inkompatiblen Konzepten, heißem Eis. Metonymie ist die Bezeichnung eines Objekts nach einem seiner Attribute. Antonymie ist das Gegenteil. Tautologie - Wiederholung. Synonyme sind Wörter mit ähnlicher Bedeutung. Rhetorische Frage

Die Intention des Regisseurs bei der Umsetzung des dramatischen Stoffes des Kultur- und Freizeitprogramms ist gegenüber der dramaturgischen Intention zweitrangig. Die dramaturgische Idee ist die Basis, auf der das gesamte Kultur- und Freizeitprogramm aufbaut, oder sie wird im Laufe der Umsetzung in die des Regisseurs überführt. Die Besonderheit der Inszenierung von Kultur- und Freizeitprogrammen liegt darin, dass das effektivste Kultur- und Freizeitprogramm erreicht wird, wenn Drehbuchautor und Regisseur in einer Person vereint sind. In jedem Fall aber, erst nachdem die Entscheidung des Regisseurs gefunden und durchdacht ist, wird an der Gestaltung des Drehbuchs in eine bestimmte Richtung gearbeitet: die Suche nach einer künstlerischen und ideenreichen Lösung und visuellen Gestaltung der Inszenierung, die Organisation Musik- und Lichtpartituren, die Auswahl der notwendigen Darsteller und Teams und alles andere, was die Arbeit des Regisseurs an der Inszenierung ausmacht.

Hier darf es, wie in jedem kreativen Prozess, keine Rezepte geben und „nach Diktat“ arbeiten. Wir können nur über die Methode sprechen, eine dramatische Idee in die des Regisseurs zu verwandeln, die in jedem einzelnen Fall entsprechend dem kreativen Stil des Regisseurs, seinen Ansichten, seiner Fantasie, seiner Gelehrsamkeit, seiner Kultur - mit einem Wort je nach Persönlichkeit des Regisseurs - entwickelt wird .

Der Schlüssel zur Lösung der Inszenierung liegt nicht in der Dramaturgie des Stückes und nicht in der Partitur der Oper, Operette, des Balletts, sondern im Leben selbst, je nach Thema, örtlichen Gegebenheiten, Räumlichkeiten, Besetzung und sonstigen Bedingungen.

Künstlerische Kreativität (nämlich nur so kann man die Gestaltung eines Kultur- und Freizeitprogramms behandeln) hat als Ausgangspunkt immer eine bestimmte Idee für die zukünftige Arbeit. Im Kultur- und Freizeitprogramm gibt es zwei Ideen: Dramaturgie und Regie (Produktionsplan). Beide Ideen sollten zu einer künstlerischen Einheit gebracht werden.

Die Zusammensetzung der Absicht des Regisseurs umfasst: a) ideologische Interpretation oder kreative Interpretation eines dramatischen Werks (Skript, Inszenierung); b) Eigenschaften einzelner Charaktere; c) Bestimmung der Stil- und Gattungsmerkmale der Darbietung des Schauspielers in diesem Programm; d) Auflösen der Produktion in der Zeit (in Rhythmen und Tempi); e) die Lösung der Inszenierung im Raum, in der Art der Mise-en-Scenes und Layouts, f) die Definition der Art und Prinzipien der Szenografie und des Musik- und Geräuschdesigns. Die Idee wird maßgeblich von kreativen Methoden beeinflusst: Spiele, Illustrationen, Theatralisierung.

Es ist sehr wichtig, dass der Regisseur bereits im Entstehungsprozess einer Idee den Sinn für das Ganze hat, damit alle Elemente der Idee aus einer einzigen gemeinsamen Wurzel wachsen, oder, wie V.I. Nemirovich-Danchenko, aus dem "Korn" der zukünftigen Produktion. Es ist nicht so einfach, mit Worten zu definieren, was ein „Getreide“ ist, obwohl es für jede Produktion wichtig ist, eine genaue Formel zu finden, die dieses Getreide ausdrückt. "Grain" setzt die Fantasie des Regisseurs in Gang. Und dann beginnen auf der Leinwand seiner Imagination die Momente der zukünftigen Handlung (Inszenierung), die aus diesem Samen geboren werden, von selbst zu erscheinen. Andere sind vage und unbestimmt, andere hell und deutlich: eine Art Mise-en-Scene, der Ton und Rhythmus dieses oder jenes Dialogstücks, ein Detail der Kulisse und manchmal die allgemeine Atmosphäre der gesamten Inszenierung oder eines einzelne Episode ist plötzlich stark zu spüren. Und je weiter, desto intensiver arbeitet der Regisseur an seiner Fantasie und füllt mit seinen Erfindungen nach und nach die weißen Flecken auf der Landkarte der Intention des Regisseurs.

Die Qualität der Intention des Regisseurs wird durch die gefundene bildliche Lösung bestimmt. Diese Entscheidung ist eng verbunden mit der Superaufgabe des Regisseurs, mit der Beantwortung der Frage: Warum inszeniert er dieses dramatische Werk, was will er beim Zuschauer hervorrufen, in welche Richtung will er ihn beeinflussen?

Bei der Erstellung einer Idee muss der Regisseur das Material studieren, dh Zeit, Epoche, Bräuche, Rituale, Sitten, Stil, Musik, bildende Kunst, Interieur, Architektur, Kostüme herausfinden. All dies ist notwendig, um ein vollständiges Bild des Lebens vor Augen zu haben, das auf der Bühne besprochen wird. Der Regisseur saugt wie ein Schwamm die ganze literarische Grundlage, alle Komponenten der dramatischen Idee auf, um das alles später den Schauspielern zu vermitteln, ihnen klare, konkrete Aufgaben zu stellen, die der allgemeinen Superaufgabe der Inszenierung entsprechen .

Das emotionale Lebensgefühl (der Winkel, aus dem der Regisseur es wahrnimmt) ist die Superaufgabe der Bühneninszenierung des Regisseurs. Gleichzeitig wird diese Arbeit sozusagen ein „Prisma“ sein, durch das diese emotionale Perspektive betrachtet wird.

Deshalb ist es so wichtig, das dramaturgische Konzept des Kultur- und Freizeitprogramms zu verstehen, also das, was der Drehbuchautor mit seiner Arbeit sagen wollte. Das ist wichtig, weil die Absichten des Drehbuchautors und des Regisseurs nicht immer übereinstimmen. Es hängt von vielen Gründen ab, insbesondere von jenen Lebens- und Zeitereignissen, in die seine Regisseursgeneration einbezogen ist, von gesellschaftlichen Entwicklungstendenzen, Zeitvorstellungen, kulturellem Niveau usw. Die Intention des Regisseurs steht in direktem Zusammenhang damit, wie relevant diese Arbeit heute ist. Daher ist, wie wir sehen, die Intention des Regisseurs eng mit der Idee und Superaufgabe des künftigen Kultur- und Freizeitprogramms verbunden.

Die edelste Idee, die tiefste Voraussicht, der aktuellste Gedanke wird erst Kunst, wenn sie ausgedrückt wird, nicht in einer figurativen Form eingeschlossen. Was einen Dichter zu einem Dichter macht, ist nicht ein poetisches Gefühl der Realität, sondern die Fähigkeit, dieses „Gefühl in“ den Rhythmus eines scharfen Höhepunkts einzukapseln, Rhythmus, Metrum und strophische Organisation zu finden, um ein Thema auszudrücken, das ihn begeistert.

Ein Lied wird kein Lied, bis die Musik, die im Herzen des Komponisten widerhallt, ihren eigenen Modus, ihre eigene Harmonie und melodische Vollständigkeit erlangt. Ein Bild entsteht nicht, wenn dem Künstler diese oder jene Landschaft auffällt, sondern wenn es ihm gelingt, die Landschaft mit den stofflichsten Farben auf der stofflichsten Leinwand festzuhalten.

Der Regisseur muss lernen, ein dramatisches Werk verkörpert zu realisieren, und zwar in der einzigen Form, die den Inhalt des Autors am besten vermittelt. Dies ist die Hauptaufgabe des Regisseurs, seine Funktion als ideologischer und kreativer Leiter der Produktion.

Bei der Erstellung eines Kultur- und Freizeitprogramms „zeichnet“ der Regisseur in seiner Vorstellung sofort ein sichtbares Bild der zukünftigen Produktion. Diese Anfangsidee nennt man Visionen. In der Regel sind diese ersten intuitiven Empfindungen richtig. Darin stellt sich der Regisseur die allgemeine Atmosphäre der zukünftigen Produktion vor: die Art der Musik / Farbgebung, Mise-en-Scene-Lösungen, vielleicht szenografische Momente usw.

Diese Visionen sind normalerweise verbunden. Doch die ersten Visionen müssen genau geprüft werden, was den Regisseur heute im Leben beschäftigt. Wenn es notwendig ist, darüber zu sprechen, was heute begeistert, dann muss diese Arbeit umgesetzt werden. Der Regisseur muss dann ein Konzept entwickeln, um seine Visionen in die Tat umzusetzen.

Hier die detaillierte Entwicklung aller Bestandteile Inszenierung bis ins kleinste Detail. Lösungen: Mise-en-Scene, Szenografie, Licht und Ton und natürlich die Schauspielerei selbst. Das heißt, diese Visionen werden im Material erprobt. Durch diese Überprüfungen stellt sich heraus, was übrig bleiben kann, was eine Daseinsberechtigung hat, was nicht. Und wie, mit welchen Mitteln erreicht der Regisseur, dass ein ganzheitliches künstlerisches Bild der Inszenierung entsteht. Hier ist es sehr wichtig, sich nicht von der Hauptidee zu lösen, nicht ins Detail zu gehen, denn manchmal lenkt eine starke Leidenschaft für Details die Aufmerksamkeit vom Ganzen ab, zerstört die Wahrnehmung des Bildes. Ein echter Künstler versteht es immer, ein solches figuratives Detail zu finden, in dem sich wie in einem Fokus die Essenz eines bestimmten Phänomens konzentriert. Aufgrund seiner Aussagekraft taucht ein solches Detail oft früher in Erinnerung auf als das vom Regisseur geschaffene Bild selbst.

Im Sinne des Leiters des Kultur- und Freizeitprogramms verschmelzen Bühnen-, Philosophie-, Lebens- und ästhetische Konzepte miteinander. Das Kultur- und Freizeitprogramm wird dem Zuschauer erst dann nah sein, wenn er mit seiner Seele, mit seinem Herzen die Wahrheit des Lebens spürt, die ihn heute begeistert und zum Nachdenken anregt. Programm erstellt soll den Betrachter begeistern, zum Nachdenken anregen, ihm ästhetisches Vergnügen bereiten und ihm ein Gefühl für Schönheit einflößen.

All diese Komponenten stehen in enger Beziehung zueinander und sind in ihrer Einheit, Interaktion und Durchdringung aufgerufen, ein einziges, großes und tiefes Konzept der Produktion zu schaffen. Es ist unmöglich, den philosophischen Aspekt der abgebildeten Realität zu enthüllen, wenn man ihren vitalen Aspekt ignoriert, wird das philosophische Denken in diesem Fall wie eine bloße Abstraktion, wie ein Schema klingen und sich als nicht überzeugend herausstellen. Der vitale Begriff, außerhalb des philosophischen, wird eine kleinliche, oberflächliche, primitive naturalistische Kunst hervorbringen. Aber beide – sowohl vitale als auch philosophische – werden sich nicht offenbaren können, wenn sie nicht in ihrer Einheit eine lebendige Bühnenform für sich finden und damit zu einem ästhetischen Konzept werden.

Welche der zahlreichen Elemente der Intention des Regisseurs legt der Regisseur seiner Suche nach einem ästhetischen Konzept eines Kultur- und Freizeitprogramms zugrunde? Der Regisseur hat natürlich das Recht, die Arbeit mit jeder Komponente zu beginnen: vom dekorativen Design, von den Mise-en-Scenes, vom Rhythmus oder der allgemeinen Atmosphäre. Aber es ist sehr wichtig, dass er gleichzeitig das Grundgesetz der darstellenden Künste nicht vergisst, wonach der Schauspieler ihr Hauptelement, der Träger ihrer Besonderheit oder, mit Stanislawskis Worten, „der einzige König und Meister“ ist der Bühne."

Alle anderen Komponenten von K.S. Stanislavsky als Hilfskraft betrachtet. Deshalb ist es unmöglich, die Lösung der Produktion als gefunden zu erkennen, bis die Hauptfrage geklärt ist – wer wird in diesem Programm spielen? Andere Fragen - in welcher Kulisse, unter welcher Beleuchtung, in welchen Kostümen usw. - werden abhängig von der Antwort auf diese grundlegende Frage entschieden. In erweiterter Form kann es wie folgt formuliert werden: Welche besonderen Anforderungen im Bereich interner und externer Technologie sollten an die Akteure - Teilnehmer dieses Programms gestellt werden?

Natürlich müssen bei der schauspielerischen Leistung jeder Produktion und jeder Rolle alle Elemente der Schauspieltechnik vorhanden sein, das Fehlen mindestens eines von ihnen streicht alle anderen durch. Aber für jede Inszenierung einzeln stellt sich dem Regisseur die Frage, welche dieser Elemente in dieser Inszenierung in den Vordergrund gerückt werden sollen, um sie, als wären sie Glieder einer unentwirrbaren Kette, am Ende festzuhalten und zu ziehen die ganze Kette raus?

Die Idee ist das Ergebnis der Enthüllung des inneren Inhalts des dramatischen Stoffes. Mit anderen Worten, wenn der innere Inhalt des Drehbuchs zum Zuschauer gebracht wird, dann ist die Idee verwirklicht, das vom Autor des Drehbuchs des Kultur- und Freizeitprogramms gesetzte Ziel erreicht. Und der Enthüllung der inneren Inhalte dienen alle Techniken und Ausdrucksmittel, die dem Regisseur zur Verfügung stehen. Der Regisseur komponiert das Programm und baut all seine zahlreichen Verbindungen kompositorisch auf. Der Prozess der Erstellung eines Szenarios ist die Hauptphase bei der Erstellung eines Kultur- und Freizeitprogramms. Es ist lang, schwierig, aber notwendig.

Welche organisatorischen Fähigkeiten sind für einen Leiter eines Kultur- und Freizeitprogramms wichtig, wenn er noch nicht über Folgendes verfügt: 1) ein Drehbuch; 2) Truppen; 3) Räumlichkeiten für Proben; 4) Requisiten; 5) Fälschung; 6) Werkstätten zum Kulissenbau und vieles mehr?

Der Leiter des Kultur- und Freizeitprogramms beginnt zunächst mit der Problemfindung. Nachdem das Skript des Programms geschrieben wurde, beseitigt es während der Überarbeitung und des Inszenierungsprozesses Ungenauigkeiten im Text, verbale Bildlichkeit, Länge und Ausdruckslosigkeit des Textes, Inkonsistenz des Textes mit den tatsächlichen Möglichkeiten der Entscheidung des Regisseurs , beginnt die Zeit der Überarbeitung, Kürzung und Hinzufügung von neuem Text, für eine vollständige Beziehung zwischen den Teilen und dem Ganzen .

Zweite. Der Regisseur trifft sich mit zukünftigen Darstellern, verteilt Rollen, schafft aus ihnen Gleichgesinnte, um ein kreatives Ziel zu erreichen. Es ist notwendig, sie nicht nur zusammenzubringen, sie nicht nur zu zwingen, bestimmte Anweisungen blind zu befolgen, sondern mit ihrem eigenen Plan zu fesseln, damit jeder Teilnehmer seine Aufgabe kennt und versteht und bereit ist, sie zu verwirklichen.

Dritte. Die Probenzeit nimmt aufgrund der intensiven Arbeit der Kulturinstitutionen in der Regel etwas Zeit in Anspruch. In dieser Hinsicht finden die Proben am häufigsten in Episoden statt.

Eine Episode ist eine Bühnenform, die thematische und kompositorische Vollständigkeit des Inhalts hat.

Wichtiges Dokument an dem der Produktionsleiter arbeiten muss, ist der Probenplan. Ohne einen durchdachten Probenplan ist die Arbeit eines kreativen Teams nicht mehr vorstellbar. Der Probenplan wird erstellt, nachdem alle Vorbereitungsbedingungen für die Probenzeit festgelegt wurden: Interpreten, Bedingungen für die Produktion des musikalischen Materials, Gestaltung usw. Der Probenplan sieht zwei Zeiträume vor: zuerst in den Proberäumen und dann in dem Raum, in dem die Aufführung stattfinden wird. Und bei General- und Generalproben können Sie fertige Episoden zu einem einzigen stimmigen Programm kombinieren. Störungen oder undeutlich organisierte Proben lassen immer wieder Zweifel am Erfolg des Kultur- und Freizeitprogramms aufkommen. Der Regisseur plant die Proben, wechselt gekonnt die Hektik großer Gruppen, legt genau fest, wo alle Mitwirkenden gebraucht werden und wo nicht. Und hier sind administrative Fähigkeiten vom Direktor gefragt. Er muss alle Vorbereitungsarbeiten klar organisieren, denn das Endergebnis hängt davon ab, wie die Vorbereitungszeit verlaufen ist.

Der Regisseur schreibt außerdem eine Tonpartitur, einschließlich Musik und Geräuschen, die für die systematische Arbeit des Toningenieurs erforderlich ist. Er erstellt auch eine Lichtpartitur, in der alle Lichtpunkte und Übergänge nach Episoden detailliert beschrieben werden.

Wenn der Regisseur seine Fähigkeiten nicht spürt, ist es besser, die Produktion eines Kultur- und Freizeitprogramms gar nicht zu übernehmen. Ein Organisator zu sein bedeutet, in der Lage zu sein, Menschen zu führen, ihre Anstrengungen zu bündeln, um eine bestimmte Aufgabe zu erfüllen.

Der Regisseur-Organisator muss ständig lernen, mit den unterschiedlichsten Menschen zusammenzuarbeiten: Kreative und technische Mitarbeiter, für die die Arbeit an der Gestaltung eines Kultur- und Freizeitprogramms keineswegs Kunst, sondern reine Produktion ist, und sehr lästig und erfordert von ihnen nicht nur Fähigkeiten und Erfahrung, sondern auch große persönliche Energie. Um seine kreativen Ziele zu erreichen, muss der Regisseur daher die Menschen beeinflussen können, die mit ihm arbeiten.

Menschen überzeugen zu können, ist der erste Schritt in der Arbeit eines Veranstalter-Leiters. Als nächstes müssen sie mobilisiert werden, um die Aufgabe zu erfüllen. Sie müssen das zu organisierende Geschäft gründlich kennen. Dann wird die ganze Arbeit des Direktors auf Hochtouren basieren professionelles Niveau, seine Autorität im Team wird wachsen, seine Positionen werden stärker. Eine Sache noch geforderte Qualität- die Fähigkeit, Menschen zu begeistern, sie mit Ihrem Plan zu infizieren, Ihrem Glauben an den Erfolg des Unternehmens, egal wie hart es kostet.

Nicht jeder Mensch mit Kultur und Vorstellungskraft kann Regisseur werden. Die Fähigkeit, mit Menschen zu arbeiten, sie zu fesseln und zu führen, ist eine wesentliche Eigenschaft eines Leiters eines Kultur- und Freizeitprogramms. Eine ebenso wichtige Fähigkeit ist die Arbeit mit Dokumenten. Die Dokumentation des Regisseurs umfasst: den Produktionsplan des Regisseurs; Schnittplan des Regisseurs; Partitur; leichte Partitur; Nutzung von Filmmaterial und Diaprojektionen planen; Arbeitsschema; Probenplan. Die Dokumentation des Regisseurs wird direkt vom Regisseur entwickelt. Nur er behält alle Komponenten der Produktion, alle Details, alle kleinen Dinge (Requisiten, Requisiten usw.) im Auge. Es ist notwendig, mit der Erstellung nach der Genehmigung des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms zu beginnen.

Im Regieplan werden die Hauptbestandteile der künftigen Produktion kurz skizziert, die Nummernfolge in den Folgen und die Reihenfolge der Folgen selbst im Programm, die Merkmale des Prologs festgelegt, „Brücken“ zwischen den Folgen gedacht aus, und die Episodennummer 62 ist angegeben. Auch hier sollte der Mise-en-Scene-Charakter gut entwickelt sein. Beachten Sie die Notwendigkeit von Requisiten, Requisiten, Musikinstrumenten, Kostümen, Soundtracks, bestimmen Sie den zeitlichen Ablauf der Hauptarbeitsschritte an einem kompletten Bühnenwerk. Im Regieplan sollten die Hauptakteure skizziert werden. Dann erstellt Bearbeitungsblatt - eine grafische Darstellung der Absicht des Regisseurs. Es beschreibt klar und deutlich alle Bestandteile jeder Ausgabe, alle Mittel zu ihrer Bereitstellung, Aufgaben für alle Dienste der Kultureinrichtung.

DV Tikhomirov 63 bietet eine Montageliste von zwölf Spalten. Die erste ist die Nummer in der Reihenfolge. Die Nummerierung ist bei Schnittproben notwendig, wenn alle Produktionsabteilungen in der Kommunikation untereinander digitale Bezeichnungen verwenden. Die zweite ist eine Episode, deren Titel genau mit dem Drehbuch und dem Plan des Regisseurs übereinstimmt. Der dritte ist der Name des Raumes und sein Charakter. Hier sind Autor und Titel des Werkes angegeben. Viertens - Darsteller werden entlassen: Solisten, Kollektive. Fünftens - wer mit der Begleitung dieser Nummer betraut ist. Hier ist es wünschenswert, den Bedarf anzugeben

Eine Episodennummer ist eine eigenständige, künstlerische Hauptform eines szenischen, kompositorisch abgeschlossenen Werkes.

Orchestrierungen, und wenn die Nummer unter dem Tonträger steht, müssen Sie die Seriennummer des Tonträgers angeben. Sechstens - alle Texte, die auf der Bühne aufgeführt werden und im Radio erklingen, werden eingegeben. Hier werden auch die Texte geschrieben. Siebtens – der Bedarf an Filmmaterial wird aufgezeichnet, wobei die Beschaffenheit des Bandes und das Format angegeben werden. Achtens - es wird angegeben, in welchem ​​Bühnenbild die Nummer stattfindet. Neunte - Licht. Die Beleuchtungslösung für jeden Raum wird gefüllt. Inszenierungseffekte werden in derselben Spalte aufgezeichnet. Zehntens - Kostüme für Darsteller. Alle Kostümzubehörteile (Holster, Fächer etc.) werden in der gleichen Spalte eingetragen. Elftens - Requisiten und Requisiten. Zwölfter - Notizen. Einige Regisseure bezeichnen das Schnittblatt als die Partitur des Regisseurs.

Die Schnittpartitur umfasst fünf Spalten des Schnittblatts: Folge, Nummer, Darsteller, Begleitung, Filmausschnitte. Die musikalische Partitur trägt zur Gesamtentwicklung des Themas des Programms bei, bereichert es, verstärkt die emotionale Wirkung auf das Publikum. Daher ist es sehr wichtig, solche Werke und solche Interpreten auszuwählen, die die Dynamik des Programms und das Temperament der Handlung gewährleisten. Bei der Auswahl des musikalischen Materials muss der Regisseur in der Lage sein, alles abzulehnen, was die Entwicklung des Programms behindert.

Für Leiter von Kultur- und Freizeitprogrammen ist es wichtig, die Kunst des Lichtdesigns zu beherrschen. Der Regisseur muss gemeinsam mit dem Künstler das Licht einstellen. Licht ist keine routinemäßige Ergänzung der Inszenierung, sondern eines der stärksten Ausdrucksmittel. Die Lichtlösung, die sich durch die gesamte Dramaturgie des Programms zieht und der Musik, dem Text und der Kulisse entspricht, schafft ein künstlerisches Bild. Jeder Raum im Kultur- und Freizeitprogramm erfordert eine eigene, oft komplexe Lichtlösung. Manchmal ist es notwendig, eine leichte Partitur für eine bestimmte Nummer zu komponieren. Gleichzeitig finden auf der Bühne Schnitttechnikproben statt. Am zweckmäßigsten wäre es, Schnittproben von Licht und Ton zu kombinieren. Nachdem alle die technische, Licht- und Tonpartitur geklärt haben, ist es Zeit für die ersten Bühnenproben.

Daher ist eine interessante Regieidee von Kultur- und Freizeitprogrammen eine wichtige Voraussetzung für den Erfolg sowohl eines eigenen Kultur- und Freizeitprogramms als auch für den Erfolg der Arbeit der gesamten Kultureinrichtung.

Fragen zur Selbstprüfung

1. Aus welchen Komponenten besteht die Vorstellung des Regisseurs von einem Kultur- und Freizeitprogramm?

2. Welche organisatorischen Fähigkeiten sollte ein Leiter eines Kultur- und Freizeitprogramms haben?

3. Wie sollte der Leiter eines Kultur- und Freizeitprogramms mit Vertretern kreativer „Werkstätten“ zusammenarbeiten?

4. Welche Unterlagen sollte der Leiter eines Kultur- und Freizeitprogramms haben?

1. Genkin D. M., Konovich A. A. Drehbuchkompetenz eines Kulturaufklärers. - M.: Sowjetrussland, 1984.

2. Klitin S. Regisseur auf der Konzertbühne. *M.: Kunst, 1977.

3. Kuleschow L.V. Grundlagen der Filmregie, -M., 1974.

4. Konovich A.A. Theatertechnik. - M.: Sowjetrussland, 1976.

5. Markin O. I. Szenario und Grundlagen der künstlerischen und pädagogischen Tätigkeit des Clubs.- M.: Enlightenment, 1988.

6. Rozovsky M. Der Regisseur des Spektakels. - M.: Sowjetrussland, 1973.

7. Tumanov I.M. Regie bei einem Massenurlaub, einem Theaterkonzert, - M .: Education, 1976.

8. Chechetin A.I. Die Kunst der Theateraufführungen. - M.: Sowjetrussland, 1986.

9. Sharoev I. Bühnenregisseur und Massenaufführungen.-M., 1975.

Kapitel sechs. Musikalische Gestaltung von Kultur- und Freizeitprogrammen

Musikalische Begleitung, wie Sie wissen, ist ein wesentlicher Bestandteil von technologischer Prozess Erstellung eines Kultur- und Freizeitprogramms. Der Regisseur-Produzent muss die Grundlagen des musikalischen Wissens, die allgemeinen Bestimmungen und Prinzipien der musikalischen Gestaltung von Kultur- und Freizeitprogrammen perfekt beherrschen und die Theorie, Geschichte, Praxis und Methodik des Entstehungsprozesses kennen. Dieses Kapitel gibt die Einordnung von Musik in das Kultur- und Freizeitprogramm, die Merkmale, Besonderheiten und Funktionen von musikalischem Prolog, musikalischer Episode, musikalischer Nummer, musikalischer Pause, musikalischem Finale und Musik im Handlungsablauf im Kultur- und Freizeitprogramm wieder. Die Merkmale der Musikgenres werden im Detail angegeben: Vokal, Instrumental, Vokal-Instrumental und Musical-Drama, ein besonderer Abschnitt widmet sich im Kultur- und Freizeitprogramm populärem Schlager und Schlagermusik. Es werden Definitionen gegeben, die Essenz vieler spezieller Konzepte enthüllt, die Besonderheiten und Stadien der Entstehung der heimischen Jazz- und Rockmusik charakterisiert, Formen der Synthese von Musik mit anderen Kunstarten (Malerei, Theater, Kino, Fernsehen) beschrieben gezeigt an zahlreichen Beispielen ausländischer, einheimischer, russischer klassischer Musik. Hervorgehoben werden die Prinzipien der Arbeit mit Musik von so bekannten Bühnenmeistern wie Stanislavsky, Meyerhold, Tairov und anderen.

§ eines. Allgemeine Bestimmungen musikalische Gestaltung von Kultur- und Freizeitprogrammen

Im komplexen Prozess der Vorbereitung und Durchführung von Kultur- und Freizeitprogrammen setzen sich Fachkräfte aus Kulturinstitutionen mit vielen Komponenten auseinander, nutzen viele Ausdrucksmittel und bringen sie in Wechselwirkung. Das künstlerische Niveau und der Grad der Wirkung auf das Publikum hängen letztlich davon ab, wie organisch sie verbunden sind, inwieweit sie als bildliche Verkörperung des Themas eines bestimmten Programms dienen.

Ein wichtiger Bestandteil des Kultur- und Freizeitprogramms ist die Musik. Seine Rolle bei der künstlerischen und figurativen Lösung dieses oder jenes Ereignisses ist wirklich groß. Musik ist wie keine andere Kunstform in der Lage, Gefühle und Gedanken zu vermitteln, ganz unterschiedliche emotionale Zustände Person. Die Bandbreite dieser durch Musik ausgedrückten Zustände und Erfahrungen ist unbegrenzt. Von intimen und zärtlichen Bildern bis hin zu Bildern voller universeller Bedeutung und Kraft, von traurigen und klagenden Klängen bis hin zu jubelnden und feierlichen. Deshalb ist das Wissen um die Eigenschaften von Musik als Ausdrucksmittel, ihre Funktionen im Kultur- und Freizeitprogramm, die organische Verbindung von Tonträgern und Live-Sound für Leiter von Kultur- und Freizeitprogrammen notwendig, um eine effektivere künstlerische und emotionale Wirkung zu organisieren das Publikum mittels musikalischer Kunst.

Zu beachten ist, dass die musikalische Umrahmung des Kultur- und Freizeitprogramms eine gewisse Schwierigkeit darstellt. Dies liegt vor allem daran, dass die Fragen der Theorie und Praxis der musikalischen Gestaltung von Freizeitprogrammen in der kulturwissenschaftlichen Literatur kaum bearbeitet werden, abgesehen von einigen, die sich in methodischen Arbeiten wiederfinden. Bisher wurde kein einziges Lehrbuch oder Praxishandbuch erstellt, das elementare Informationen über die Nutzungsmuster von Musik in verschiedenen Formen von Kultur- und Freizeitaktivitäten enthält.

Zunächst einmal ist Musik in das Kultur- und Freizeitprogramm einzuordnen. Musikalische Gestaltung ist die Einbeziehung von Musik aller Genres und Formen in das Freizeitprogramm: Gesang, Instrumental, Chor, Fragmente symphonischer Werke, Folk, Bläser, Pop - in Live-Sound und in Form von musikalischen Tonträgern.

Jedes Kultur- und Freizeitprogramm hat seine Besonderheiten, die je nach Veranstaltungsort eine bestimmte musikalische Lösung erfordern: im Kulturpalast, auf der Straße, im Stadion, im Park etc. Musik im Kultur- und Freizeitprogramm lässt sich jedoch trotz ihrer Genrevielfalt und -gegebenheiten wie folgt einordnen: musikalischer Prolog, musikalische Episode, musikalische Nummer, musikalisches Zwischenspiel, musikalisches Finale, Musik im Handlungsablauf.

Musikalischer Prolog - Dies ist ein musikalischer Anfangsabschnitt, ein Fragment eines Liedes oder Theaterstücks, ein Werk, eine musikalische Fantasie, die darauf abzielt, die Entwicklung der Hauptepisoden eines Freizeitereignisses vorzubereiten, die in der Natur der gesamten Aufführung geschrieben sind oder sie kontrastieren.

Je nach funktionaler Bedeutung kann der musikalische Prolog als Einleitung oder Exposition dienen. Die Hauptaufgabe des Prolog-Eintrags besteht darin, die Aufmerksamkeit des Publikums zu gewinnen und die allgemeine Atmosphäre der Veranstaltung in einer bestimmten Epoche und Umgebung vorzustellen, um die emotionale Wahrnehmung des Inhalts des Hauptabschnitts vorzubereiten.

Ein Merkmal der musikalischen Prolog-Exposition ist, dass es sich um eine prägnante und umfangreiche Geschichte über die Ereignisse handelt, die im Hauptteil der Veranstaltung mit Hilfe eines musikalischen Kunstwerks oder einer Kombination von Musik mit anderen künstlerischen Mitteln enthüllt werden und Ausdruckseinfluss (Wort, Choreografie, Kino, Pantomime etc.). Der Prolog hat eine klare Aufbau- und Handlungsstruktur: eine Einleitung, eine Vorstellung der Hauptthemen oder Themen, ein Schlussteil, der oft als Übergang zur ersten Episode der Veranstaltung dient.

Der musikalische Prolog kann dargestellt werden durch: eine Ouvertüre, ein musikalisches Plastikplakat, eine musikalische Bühnenkomposition, ein Musikvideo, einen Filmprolog. Die häufigste Form des musikalischen Prologs ist die Ouvertüre. Es verwendet Musikwerke, Lieder, Tanz- und Popmelodien sowie einzelne musikalische Phrasen, Akkorde und Rufzeichen. Zum Beispiel diente beim thematischen Programm "Roads of War, Roads of Victory" A. Novikovs Lied "Roads" als Ouvertüre, am Abend "Word about Bread" - eine Instrumentalkomposition zum Thema von B. Mokrousovs Lied " Die Steppe blüht mit Gärten".

Ein interessanter und ausdrucksstarker musikalischer Prolog kann ein musikalisches Plastikplakat sein, das eine Synthese aus Musik, Pantomime und Choreografie darstellt. Die Besonderheit eines solchen Prologs besteht darin, dass sein Inhalt in Tänzen und plastischen Bewegungen verkörpert ist, von Musik begleitet wird und einen klaren thematischen Fokus und Handlungsaufbau hat. Ihre Idee kommt in der Regel im Titel zum Ausdruck. Zum Beispiel war die Hauptidee des musikalisch-plastischen Plakats "Workers' Hands" im Amateurkonzertprogramm, das von Regisseur M. Zlotnikov und Choreograf P. Gorodnitsky für die Aufführung bei einem Arbeiterfest in Deutschland inszeniert wurde, die Arbeitsleistung des Volkes von Russland.

Eine Art musikalischer Prolog ist eine musikalische und poetische Komposition, die eine organische Einheit von Wort und Musik ist, die Prägnanz, Inhaltskapazität und dramatische Vollständigkeit besitzt. So wurden beim Festival „Rock for Peace“ poetische Werke von B. Brecht, G. Lorca, P. Neruda und Liedfragmente von G. Eisler und S. Ortega als musikalischer Prolog verwendet.

Die Art des musikalischen Prologs wird durch die Besonderheiten und die Art des Programms bestimmt. In KVN - dies ist ein musikalischer Abgang und Gruß der Teams, in Konzertauftritten von Rockgruppen - ein Einführungslied - eine Aufführung des Teams.

An Feiertagen, Karnevalen, Ritualen, Volksfesten, theatralisch kostümierten Prozessionen von Teilnehmern, Marschparaden von Blaskapellen, Kavalkaden von Autos und anderen Geräten, traditionellen Ritualen und Paraden von Amateurgruppen und Sportlern bei der Eröffnung von Festivals dienen Sportferien als Musical Prolog.

Musikalische Themen, die im Prolog erstmals erklangen, können im Laufe des Programms weitergeführt und weiterentwickelt werden. So klang in der Sendung "The Word about Bread" das Thema des Liedes "The Steppe Blooms with Gardens" im Prolog feierlich, in der Folge "Field-Fate" - ängstlich "Soldier's Field" - traurig "Gagarins Field " - majestätisch usw.

Jedes Kultur- und Freizeitprogramm besteht aus mehreren miteinander verbundenen Episoden. BEI praktische Arbeit Kulturinstitutionen, Drehbuchautoren und Regisseure verwenden oft musikalische Episoden.

Musikfolge - ein relativ eigenständiger Fragment oder Abschnitt des Programms, dessen Inhalt sich mit den Ausdrucksmitteln der Musiksprache erschließt. Die Besonderheit der musikalischen Episode liegt darin, dass sie eine innere Konstruktionslogik hat und vollendet werden muss. Darin besteht die Ähnlichkeit mit der musikalischen Prolog-Exposition: dieselben Grundelemente, vollständiger kompositorischer Aufbau. Nur im Gegensatz zur Exposition, in der die Präsentation der Hauptthemen oder eines Themas stattfindet, wird in der Episode eines davon oder ein eigener Aspekt des Hauptthemas sorgfältig entwickelt.

Eine musikalische Episode ist eine Synthese fertiger musikalischer Werke eines oder mehrerer Komponisten, die die Essenz, den Inhalt eines Lebensereignisses in dramatischer Vollständigkeit konzentriert, das heißt, es gibt einen Anfang, einen Höhepunkt und einen Ausgang. Das Erstellen einer musikalischen Episode ist eine schwierige Aufgabe, deren Lösung die Fähigkeit erfordert, musikalische Fragmente gekonnt zusammenzusetzen, eine gewisse musikalische Gelehrsamkeit. Schlecht gewählte Musik kann den Temporhythmus der Veranstaltung in die Länge ziehen. Und umgekehrt, ein gut gebautes Stück, ein Lied kann der innere Kern einer Folge sein.

Plug-in-Musiknummern werden häufig in Kultur- und Freizeitprogrammen verwendet. Plug-in Musiknummer - ein Musikstück, das zur unabhängigen Aufführung bestimmt ist. Es kann ein Lied, eine Romanze, ein Instrumentalstück, eine choreografische Komposition, ein Fragment aus einem Musikfilm, eine Operette usw. sein. Die Insertnummer ist in der Regel nicht mit dem Plot verbunden. In einigen Formen von Kultur- und Freizeitprogrammen sind sie die Grundlage: ein Konzert, ein Club "Light" usw.

Bei Kultur- und Freizeitprogrammen hat die Aufnahme von Musiknummern in das Skript ihre eigenen Besonderheiten. Sie sollten nicht nur eng mit dem Thema, der Idee verbunden sein, sondern auch organisch in die Handlung des Programms eingebaut sein. Von der Programmleitung wird eine Art musikalischer Dramaturgie verlangt, die dem musikalischen Werk selbst innewohnt. Es hat eine Einleitung, eine Durchführung, einen Höhepunkt und eine Coda. Und die Aufgabe des Regisseurs besteht darin, aus einem Lied über das Leben eines Menschen, sein Schicksal, seine Gefühle und Gedanken eine Art musikalische Geschichte zu machen.

Musikalische Pause - ist eine Mini-Ouvertüre zu der Handlung, die sich im folgenden Fragment des Programms entfalten wird. Der funktionale Zweck der musikalischen Pause ist jedoch etwas anders als der der Ouvertüre. Seine szenische Besonderheit besteht nicht nur darin, dass es sich um eine Art Einleitung handelt, sondern auch um den Abschluss der vorangegangenen Folge, also als Bindeglied zwischen zwei Folgen. Und in dieser Hinsicht ist Musik ein sehr flexibles Material. Sie ist wie keine andere Kunstform leicht veränderbar. Der Regisseur derselben Melodie kann den Charakter von Feierlichkeit, Zärtlichkeit, Trauer und Freude, Angst und erhabener Hochstimmung verleihen. Die Pausenmusik soll den Tempo-Rhythmus des Programms halten, das Denken und die Vorstellungskraft des Publikums organisieren, es zum Komplizen der Handlung machen, die sich in musikalischen Bildern bei Umordnungen, Pausen, Umordnungen und Szenenwechseln entwickelt.

Musikalische Abschlüsse - ein wesentlicher Teil des Kultur- und Freizeitprogramms, strukturell von den vorangegangenen Episoden getrennt, aber organisch mit ihnen verbunden, meist bestimmt für die Massenaufführung eines Musikstücks, den Abschluss der Handlung. Dies ist einer der wichtigsten Teile der Präsentation. Das Fehlen eines Endes hinterlässt ein Gefühl der Unvollständigkeit des gesamten Programms. Es trägt eine besondere semantische Last und fasst die Gedanken und Gefühle zusammen, die beim Betrachter entstanden sind. Es enthält die Hauptidee des Urlaubs und fasst die Idee des Programms zusammen.

Eine übliche Form des musikalischen Finales ist die Aufführung von konsolidierten Orchestern, Chören, choreografischen Gruppen usw. mit Methoden zur Aktivierung des Zuschauerraums: kollektives Singen, Sprechgesang, Prozession. Nicht selten entwickeln sich musikalische Finale zu einer riesigen Massenaktion, die Zehntausende von Menschen in das festliche Geschehen hineinzieht.

Und jetzt müssen wir überlegen Musikfunktionen im Kultur- und Freizeitprogramm. Musik abhängig von den Nutzungsbedingungen in Freizeitprogramm kann eine Vielzahl von Funktionen tragen. Eine der wichtigsten Funktionen von Musik ist ein emotionales und semantisches Merkmal das ganze Programm, einzelne Fragmente. Es manifestiert sich in mehrere Richtungen: Charakterisierung von Charakteren, Ort und Zeit der Handlung.

Die musikalische Charakterisierung der Bilder ist mehrdeutig. Musik kann den Zustand der Figuren, ihre Stimmung, Charaktereigenschaften, Neigungen, Temperament, nationale und soziale Zugehörigkeit der Figuren vermitteln. Die Kenntnis des musikalischen Materials, der Möglichkeiten der Musik wird den Organisatoren helfen, diese Funktion der Musikkunst besser zu verwirklichen, ein soziales Porträt der Figur genau zu erstellen, da sie im Freizeitprogramm in der Regel allgemeiner Natur sind : ein Soldat, Matrose, Bauer, Arbeiter, Geschäftsmann oder satirische Bilder: ein Einwohner, ein Säufer, ein Bürokrat usw. Werke werden nach ihren Merkmalen ausgewählt.

Ein Lied, ein Instrumentalstück, eine kurze Musikphrase kann ein musikalisches Bild einer Figur oder einzelner Personengruppen ganz vollständig erzeugen. Dies ist besonders wichtig für Auftritte in Stadien, Straßen, Plätzen, Parks etc., bei denen die Handlung eher plastisch als verbal entschieden wird. Es ist schwierig, den Text ohne Mikrofon den Menschen zu vermitteln, da die Darsteller und das Publikum oft durch eine ziemlich große Entfernung getrennt sind. Hier kommt die Musik zur Rettung.

Musik spielt eine bedeutende Rolle bei der Charakterisierung von Ort und Zeit der Handlung. Es ermöglicht Ihnen, einen bestimmten Geschmack einer bestimmten Ära zu erstellen, die dem Programm gewidmet ist. Musik, insbesondere Gesang, besitzen Zeitgefühl, nimmt die Psychologie und Stimmung der Entstehungsjahre auf. Nicht umsonst gelten Lieder als musikalische Zeitdokumente. Das Wissen um diese Möglichkeiten der Musik – den Zeitgeist treffend zu vermitteln – „kann Leitern von Kultur- und Freizeitprogrammen helfen, sie effektiver einzusetzen, um Authentizität zu erreichen, Stimmungen, Gedanken und Gefühle der an historischen Ereignissen Beteiligten zu vermitteln.

Fragen zur Selbstprüfung

1. Der Ursprung des Berufs des Direktors. 306

Abschnitt II. Technologie von Kultur- und Freizeitaktivitäten

2. Beruf des Direktors in Neuzeit.

3. Welche Bedeutung hat die Ethiklehre für den Beruf des Regisseurs – was bedeutet sie für einen Regisseur?

4. Der wichtigste konzeptionelle Apparat in der Arbeit des Regisseurs.

1. Zakhava V.E. Das Können des Schauspielers und Regisseurs. - 4. Aufl.-M.: Enlightenment, 1978.

2. Knebel M.O. Poesie der Pädagogik. -M.: VTO, 1970.

3. Popov A.D. Aufführung und Regie. -M.: VTO, 1972.

4. Rozovsky M. Regie beim Spektakel. - M.: Sowjetrussland, 1973.

5. Silin A. Quadrate sind unsere Paletten. - M.: Sowjetrussland, 1982.

6. Tovstonogov G.A. Gedankenkreis (Artikel). -L.: Kunst, 1972.

7. Tumanov I.M. Leitung eines Massenurlaubs und eines Theaterkonzerts. - M.: Aufklärung, 1976.

Die Intention des Regisseurs bei der Umsetzung des dramatischen Stoffes des Kultur- und Freizeitprogramms ist gegenüber der dramaturgischen Intention zweitrangig. Die dramaturgische Idee ist die Basis, auf der das gesamte Kultur- und Freizeitprogramm aufbaut, wird aber im Laufe der Umsetzung in eine Regieidee überführt. Die Besonderheit der Inszenierung von Kultur- und Freizeitprogrammen liegt darin, dass das effektivste Kultur- und Freizeitprogramm erreicht wird, wenn Drehbuchautor und Regisseur in einer Person vereint sind. In jedem Fall aber, erst nachdem die Entscheidung des Regisseurs gefunden und durchdacht ist, wird an der Gestaltung des Drehbuchs in eine bestimmte Richtung gearbeitet: die Suche nach einer künstlerischen und ideenreichen Lösung und visuellen Gestaltung der Inszenierung, die Organisation Musik- und Lichtpartituren, die Auswahl der notwendigen Darsteller und Teams und alles andere, was die Arbeit des Regisseurs an der Inszenierung ausmacht.

Hier darf es, wie in jedem kreativen Prozess, keine Rezepte geben und „nach Diktat“ arbeiten. Wir können nur über die Methode sprechen, eine dramatische Idee in die des Regisseurs zu verwandeln, die in jedem einzelnen Fall entsprechend dem kreativen Stil des Regisseurs, seinen Ansichten, seiner Fantasie, seiner Gelehrsamkeit, seiner Kultur - mit einem Wort je nach Persönlichkeit des Regisseurs - entwickelt wird .

Der Schlüssel zur Lösung der Inszenierung liegt nicht in der Dramaturgie des Stückes und nicht in der Partitur der Oper, Operette, des Balletts, sondern im Leben selbst, je nach Thema, örtlichen Gegebenheiten, Räumlichkeiten, Besetzung und sonstigen Bedingungen.

Künstlerische Kreativität (nämlich nur so kann man die Gestaltung eines Kultur- und Freizeitprogramms behandeln) hat als Ausgangspunkt immer eine bestimmte Idee für die zukünftige Arbeit. Im Kultur- und Freizeitprogramm gibt es zwei Ideen: Dramaturgie und Regie (Produktionsplan). Beide Ideen sollten zu einer künstlerischen Einheit gebracht werden.

Die Zusammensetzung der Absicht des Regisseurs umfasst: a) ideologische Interpretation oder kreative Interpretation eines dramatischen Werks (Skript, Inszenierung); b) Eigenschaften einzelner Charaktere; c) Bestimmung der Stil- und Gattungsmerkmale der Darbietung des Schauspielers in diesem Programm; d) Auflösen der Produktion in der Zeit (in Rhythmen und Tempi); e) die Lösung der Inszenierung im Raum, in der Art der Mise-en-Scenes und Layouts, f) die Definition der Art und Prinzipien der Szenografie und des Musik- und Geräuschdesigns. Die Idee wird maßgeblich von kreativen Methoden beeinflusst: Spiele, Illustrationen, Theatralisierung.

Es ist sehr wichtig, dass der Regisseur bereits im Entstehungsprozess einer Idee den Sinn für das Ganze hat, damit alle Elemente der Idee aus einer einzigen gemeinsamen Wurzel wachsen, oder, wie V.I. Nemirovich-Danchenko, aus dem "Korn" der zukünftigen Produktion. Es ist nicht so einfach, mit Worten zu definieren, was ein „Getreide“ ist, obwohl es für jede Produktion wichtig ist, eine genaue Formel zu finden, die dieses Getreide ausdrückt. "Grain" setzt die Fantasie des Regisseurs in Gang. Und dann beginnen auf der Leinwand seiner Imagination die Momente der zukünftigen Handlung (Inszenierung), die aus diesem Samen geboren werden, von selbst zu erscheinen. Andere sind vage und unbestimmt, andere hell und deutlich: eine Art Mise-en-Scene, der Ton und Rhythmus dieses oder jenes Dialogstücks, ein Detail der Kulisse und manchmal die allgemeine Atmosphäre der gesamten Inszenierung oder eines einzelne Episode ist plötzlich stark zu spüren. Und je weiter, desto intensiver arbeitet der Regisseur an seiner Fantasie und füllt mit seinen Erfindungen nach und nach die weißen Flecken auf der Landkarte der Intention des Regisseurs.

Die Qualität der Intention des Regisseurs wird durch die gefundene bildliche Lösung bestimmt. Diese Entscheidung ist eng verbunden mit der Superaufgabe des Regisseurs, mit der Beantwortung der Frage: Warum inszeniert er dieses dramatische Werk, was will er beim Zuschauer hervorrufen, in welche Richtung will er ihn beeinflussen?

Bei der Erstellung einer Idee muss der Regisseur das Material studieren, dh Zeit, Epoche, Bräuche, Rituale, Sitten, Stil, Musik, bildende Kunst, Interieur, Architektur, Kostüme herausfinden. All dies ist notwendig, um ein vollständiges Bild des Lebens vor Augen zu haben, das auf der Bühne besprochen wird. Der Regisseur saugt wie ein Schwamm die ganze literarische Grundlage, alle Komponenten der dramatischen Idee auf, um das alles später den Schauspielern zu vermitteln, ihnen klare, konkrete Aufgaben zu stellen, die der allgemeinen Superaufgabe der Inszenierung entsprechen .

Das emotionale Lebensgefühl (der Winkel, aus dem der Regisseur es wahrnimmt) ist die Superaufgabe der Bühneninszenierung des Regisseurs. Gleichzeitig wird diese Arbeit sozusagen ein „Prisma“ sein, durch das diese emotionale Perspektive betrachtet wird.

Deshalb ist es so wichtig, das dramaturgische Konzept des Kultur- und Freizeitprogramms zu verstehen, also das, was der Drehbuchautor mit seiner Arbeit sagen wollte. Das ist wichtig, weil die Absichten des Drehbuchautors und des Regisseurs nicht immer übereinstimmen. Es hängt von vielen Gründen ab, insbesondere von jenen Lebens- und Zeitereignissen, in die seine Regisseursgeneration einbezogen ist, von gesellschaftlichen Entwicklungstendenzen, Zeitvorstellungen, kulturellem Niveau usw. Die Intention des Regisseurs steht in direktem Zusammenhang damit, wie relevant diese Arbeit heute ist. Daher ist, wie wir sehen, die Intention des Regisseurs eng mit der Idee und Superaufgabe des künftigen Kultur- und Freizeitprogramms verbunden.

Die edelste Idee, die tiefste Voraussicht, der aktuellste Gedanke wird erst Kunst, wenn sie ausgedrückt wird, nicht in einer figurativen Form eingeschlossen. Was einen Dichter zum Dichter macht, ist nicht ein poetisches Realitätsgefühl, sondern die Fähigkeit, dieses Gefühl in den "Rhythmus einer scharfen Spitze" einzukapseln, Rhythmus, Metrum, strophische Organisation zu finden, um ein Thema auszudrücken, das ihn begeistert.

Ein Lied wird kein Lied, bis die Musik, die im Herzen des Komponisten widerhallt, ihren eigenen Modus, ihre eigene Harmonie und melodische Vollständigkeit erlangt. Ein Bild entsteht nicht, wenn dem Künstler diese oder jene Landschaft auffällt, sondern wenn es ihm gelingt, die Landschaft mit den stofflichsten Farben auf der stofflichsten Leinwand festzuhalten.

Der Regisseur muss lernen, ein dramatisches Werk verkörpert zu realisieren, und zwar in der einzigen Form, die den Inhalt des Autors am besten vermittelt. Dies ist die Hauptaufgabe des Regisseurs, seine Funktion als ideologischer und kreativer Leiter der Produktion.

Bei der Erstellung eines Kultur- und Freizeitprogramms „zeichnet“ der Regisseur in seiner Vorstellung sofort ein sichtbares Bild der zukünftigen Produktion. Diese Anfangsidee nennt man Visionen. In der Regel sind diese ersten intuitiven Empfindungen richtig. Darin stellt sich der Regisseur die allgemeine Atmosphäre der zukünftigen Produktion vor: die Art der Musik, die Farbgebung, Mise-en-Scene-Lösungen, vielleicht szenengrafische Momente usw. *;

Diese Visionen sind normalerweise verbunden. Doch die ersten Visionen müssen genau geprüft werden, was den Regisseur heute im Leben beschäftigt. Wenn es notwendig ist, darüber zu sprechen, was heute begeistert, dann muss diese Arbeit umgesetzt werden. Der Regisseur muss dann ein Konzept entwickeln, um seine Visionen in die Tat umzusetzen.

Dabei ist die detaillierte Ausarbeitung aller Komponenten der Produktion bis ins kleinste Detail sehr wichtig. Lösungen: Mise-en-Scene, Szenografie, Licht und Ton und natürlich die Schauspielerei selbst. Das heißt, diese Visionen werden im Material erprobt. Durch diese Überprüfungen stellt sich heraus, was übrig bleiben kann, was eine Daseinsberechtigung hat, was nicht. Und wie, mit welchen Mitteln erreicht der Regisseur, dass ein ganzheitliches künstlerisches Bild der Inszenierung entsteht. Hier ist es sehr wichtig, sich nicht von der Hauptidee zu lösen, nicht ins Detail zu gehen, denn manchmal lenkt eine starke Leidenschaft für Details die Aufmerksamkeit vom Ganzen ab, zerstört die Wahrnehmung des Bildes. Ein echter Künstler versteht es immer, ein solches figuratives Detail zu finden, in dem sich wie in einem Fokus die Essenz eines bestimmten Phänomens konzentriert. Aufgrund seiner Aussagekraft taucht ein solches Detail oft früher in Erinnerung auf als das vom Regisseur geschaffene Bild selbst.

Im Sinne des Leiters des Kultur- und Freizeitprogramms verschmelzen Bühnen-, Philosophie-, Lebens- und ästhetische Konzepte miteinander. Das Kultur- und Freizeitprogramm wird dem Zuschauer erst dann nah sein, wenn er mit seiner Seele, mit seinem Herzen die Wahrheit des Lebens spürt, die ihn heute begeistert und zum Nachdenken anregt. Das erstellte Programm soll den Zuschauer begeistern, zum Nachdenken anregen, ihm ästhetisches Vergnügen bereiten und ihm ein Gefühl für Schönheit einflößen.

All diese Komponenten stehen in enger Beziehung zueinander und sind in ihrer Einheit, Interaktion und Durchdringung aufgerufen, ein einziges, großes und tiefes Konzept der Produktion zu schaffen. Es ist unmöglich, den philosophischen Aspekt der abgebildeten Realität zu enthüllen, wenn man ihren vitalen Aspekt ignoriert, wird das philosophische Denken in diesem Fall wie eine bloße Abstraktion, wie ein Schema klingen und sich als nicht überzeugend herausstellen. Der vitale Begriff, außerhalb des philosophischen, wird eine kleinliche, oberflächliche, primitive naturalistische Kunst hervorbringen. Aber beide – sowohl vitale als auch philosophische – werden sich nicht offenbaren können, wenn sie nicht in ihrer Einheit eine lebendige Bühnenform für sich finden und damit zu einem ästhetischen Konzept werden.

Welche der zahlreichen Elemente der Intention des Regisseurs legt der Regisseur seiner Suche nach einem ästhetischen Konzept eines Kultur- und Freizeitprogramms zugrunde? Der Regisseur hat natürlich das Recht, die Arbeit mit jeder Komponente zu beginnen: vom dekorativen Design, von den Mise-en-Scenes, vom Rhythmus oder der allgemeinen Atmosphäre. Aber es ist sehr wichtig, dass er gleichzeitig das Grundgesetz der darstellenden Künste nicht vergisst, wonach der Schauspieler ihr Hauptelement, der Träger ihrer Besonderheit oder, mit Stanislawskis Worten, „der einzige König und Meister“ ist der Bühne."

Alle anderen Komponenten von K.S. Stanislavsky als Hilfskraft betrachtet. Deshalb ist es unmöglich, die Lösung der Produktion als gefunden zu erkennen, bis die Hauptfrage geklärt ist – wer wird in diesem Programm spielen? Andere Fragen - in welcher Kulisse, unter welcher Beleuchtung, in welchen Kostümen usw. - werden abhängig von der Antwort auf diese grundlegende Frage entschieden. In erweiterter Form kann es wie folgt formuliert werden: Welche besonderen Anforderungen im Bereich interner und externer Technologie sollten an die Akteure - Teilnehmer dieses Programms gestellt werden?

Na sicher in Bei der Aufführung jeder Inszenierung und jeder Rolle müssen alle Elemente der Schauspieltechnik vorhanden sein, das Fehlen mindestens eines von ihnen streicht alle anderen durch. Aber für jede Inszenierung einzeln stellt sich dem Regisseur die Frage, welche dieser Elemente in dieser Inszenierung in den Vordergrund gerückt werden sollen, um sie, als wären sie Glieder einer unentwirrbaren Kette, am Ende festzuhalten und zu ziehen die ganze Kette raus?

Die Idee ist das Ergebnis der Enthüllung des inneren Inhalts des dramatischen Stoffes. Mit anderen Worten, wenn der innere Inhalt des Drehbuchs zum Zuschauer gebracht wird, dann ist die Idee verwirklicht, das vom Autor des Drehbuchs des Kultur- und Freizeitprogramms gesetzte Ziel erreicht. Und der Enthüllung der inneren Inhalte dienen alle Techniken und Ausdrucksmittel, die dem Regisseur zur Verfügung stehen. Der Regisseur komponiert das Programm und baut all seine zahlreichen Verbindungen kompositorisch auf. Der Prozess der Erstellung eines Szenarios ist die Hauptphase bei der Erstellung eines Kultur- und Freizeitprogramms. Es ist lang, schwierig, aber notwendig.

Welche organisatorischen Fähigkeiten sind für einen Leiter eines Kultur- und Freizeitprogramms wichtig, wenn er noch nicht über Folgendes verfügt: 1) ein Drehbuch; 2) Truppen; 3) Räumlichkeiten für Proben; 4) Requisiten; 5) Fälschung; 6) Werkstätten zum Kulissenbau und vieles mehr?

Der Leiter des Kultur- und Freizeitprogramms beginnt zunächst mit der Problemfindung. Nachdem das Skript des Programms geschrieben wurde, beseitigt es während der Überarbeitung und des Inszenierungsprozesses Ungenauigkeiten im Text, verbale Bildlichkeit, Länge und Ausdruckslosigkeit des Textes, Inkonsistenz des Textes mit den tatsächlichen Möglichkeiten der Entscheidung des Regisseurs , beginnt die Zeit der Überarbeitung, Kürzung und Hinzufügung von neuem Text, für eine vollständige Beziehung zwischen den Teilen und dem Ganzen .

Zweite. Der Regisseur trifft sich mit zukünftigen Darstellern, verteilt Rollen, schafft aus ihnen Gleichgesinnte, um ein kreatives Ziel zu erreichen. Es ist notwendig, sie nicht nur zusammenzubringen, sie nicht nur zu zwingen, bestimmte Anweisungen blind zu befolgen, sondern mit ihrem eigenen Plan zu fesseln, damit jeder Teilnehmer seine Aufgabe kennt und versteht und bereit ist, sie zu verwirklichen.

Dritte. Die Probenzeit nimmt aufgrund der intensiven Arbeit der Kulturinstitutionen in der Regel etwas Zeit in Anspruch. In diesem Zusammenhang wird am häufigsten für Episoden geprobt 6 .

Eine Episode ist eine Bühnenform, die thematische und kompositorische Vollständigkeit des Inhalts hat.

Ein wichtiges Dokument, an dem der Produktionsleiter arbeiten muss, ist der Probenplan. Ohne einen durchdachten Probenplan ist die Arbeit eines kreativen Teams nicht mehr vorstellbar. Der Probenplan wird erstellt, nachdem alle Vorbereitungsbedingungen für die Probenzeit festgelegt wurden: Interpreten, Bedingungen für die Produktion des musikalischen Materials, Gestaltung usw. Der Probenplan sieht zwei Zeiträume vor: zuerst in den Proberäumen und dann in dem Raum, in dem die Aufführung stattfinden wird. Und bei General- und Generalproben können Sie fertige Episoden zu einem einzigen stimmigen Programm kombinieren. Störungen oder undeutlich organisierte Proben lassen immer wieder Zweifel am Erfolg des Kultur- und Freizeitprogramms aufkommen. Der Regisseur plant die Proben, wechselt gekonnt die Hektik großer Gruppen, legt genau fest, wo alle Mitwirkenden gebraucht werden und wo nicht. Und hier sind administrative Fähigkeiten vom Direktor gefragt. Er muss alle Vorbereitungsarbeiten klar organisieren, denn das Endergebnis hängt davon ab, wie die Vorbereitungszeit verlaufen ist.

Der Regisseur schreibt außerdem eine Tonpartitur, einschließlich Musik und Geräuschen, die für die systematische Arbeit des Toningenieurs erforderlich ist. Er erstellt auch eine Lichtpartitur, in der alle Lichtpunkte und Übergänge nach Episoden detailliert beschrieben werden.

Wenn der Regisseur seine Fähigkeiten nicht spürt, ist es besser, die Produktion eines Kultur- und Freizeitprogramms gar nicht zu übernehmen. Ein Organisator zu sein bedeutet, in der Lage zu sein, Menschen zu führen, ihre Anstrengungen zu bündeln, um eine bestimmte Aufgabe zu erfüllen.

Der Regisseur-Organisator muss ständig lernen, mit den unterschiedlichsten Menschen zusammenzuarbeiten: Kreative und technische Mitarbeiter, für die die Arbeit an der Gestaltung eines Kultur- und Freizeitprogramms keineswegs Kunst, sondern reine Produktion ist, und sehr lästig und erfordert von ihnen nicht nur Fähigkeiten und Erfahrung, sondern auch große persönliche Energie. Um seine kreativen Ziele zu erreichen, muss der Regisseur daher die Menschen beeinflussen können, die mit ihm arbeiten.

Menschen überzeugen zu können, ist der erste Schritt in der Arbeit eines Veranstalter-Leiters. Als nächstes müssen sie mobilisiert werden, um die Aufgabe zu erfüllen. Sie müssen das zu organisierende Geschäft gründlich kennen. Dann alle Arbeit Direktor wird auf einem hohen professionellen Niveau aufgebaut, seine Autorität im Team wird wachsen, seine Position wird stärker werden. Und eine weitere notwendige Eigenschaft ist die Fähigkeit, Menschen zu begeistern, sie mit Ihrem Plan zu infizieren, Ihrem Glauben an den Erfolg des Unternehmens, egal wie schwierig es ist.

Nicht jeder Mensch mit Kultur und Vorstellungskraft kann Regisseur werden. Die Fähigkeit, mit Menschen zu arbeiten, sie zu fesseln und zu führen, ist eine wesentliche Eigenschaft eines Leiters eines Kultur- und Freizeitprogramms. Eine ebenso wichtige Fähigkeit ist die Arbeit mit Dokumenten. Die Dokumentation des Regisseurs umfasst: den Produktionsplan des Regisseurs; Schnittplan des Regisseurs; Partitur; leichte Partitur; Nutzung von Filmmaterial und Diaprojektionen planen; Arbeitsschema; Probenplan. Die Dokumentation des Regisseurs wird direkt vom Regisseur entwickelt. Nur er behält alle Komponenten der Produktion, alle Details, alle kleinen Dinge (Requisiten, Requisiten usw.) im Auge. Es ist notwendig, mit der Erstellung nach der Genehmigung des Szenarios des Kultur- und Freizeitprogramms zu beginnen.

Im Regieplan werden die Hauptbestandteile der künftigen Produktion kurz skizziert, die Nummernfolge in den Folgen und die Reihenfolge der Folgen selbst im Programm, die Merkmale des Prologs festgelegt, „Brücken“ zwischen den Folgen gedacht aus, und die Episodennummer 62 ist angegeben. Auch hier sollte der Mise-en-Scene-Charakter gut entwickelt sein. Beachten Sie die Notwendigkeit von Requisiten, Requisiten, Musikinstrumenten, Kostümen, Soundtracks, bestimmen Sie den zeitlichen Ablauf der Hauptarbeitsschritte an einem kompletten Bühnenwerk. Im Regieplan sollten die Hauptakteure skizziert werden. Dann erstellt Bearbeitungsblatt - eine grafische Darstellung der Absicht des Regisseurs. Es beschreibt klar und deutlich alle Bestandteile jeder Ausgabe, alle Mittel zu ihrer Bereitstellung, Aufgaben für alle Dienste der Kultureinrichtung.

DV Tikhomirov bietet eine wachsende Liste von zwölf Spalten an. Die erste ist die Nummer in der Reihenfolge. Die Nummerierung ist bei Schnittproben notwendig, wenn alle Produktionsabteilungen in der Kommunikation untereinander digitale Bezeichnungen verwenden. Die zweite ist eine Episode, deren Titel genau mit dem Drehbuch und dem Plan des Regisseurs übereinstimmt. Der dritte ist der Name des Raumes und sein Charakter. Hier sind Autor und Titel des Werkes angegeben. Viertens - Darsteller werden entlassen: Solisten, Kollektive. Fünftens - wer mit der Begleitung dieser Nummer betraut ist. Hier ist es wünschenswert, die Notwendigkeit von Orchestrierungen anzugeben, und wenn die Nummer unter dem Tonträger steht, müssen Sie die Seriennummer der Tonträger angeben. Sechstens - alle Texte, die auf der Bühne aufgeführt werden und im Radio erklingen, werden eingegeben. Hier werden auch die Texte geschrieben. Siebtens – der Bedarf an Filmmaterial wird aufgezeichnet, wobei die Beschaffenheit des Bandes und das Format angegeben werden. Achtens - es wird angegeben, in welchem ​​Bühnenbild die Nummer stattfindet. Neunte - Licht. Die Beleuchtungslösung für jeden Raum wird gefüllt. Inszenierungseffekte werden in derselben Spalte aufgezeichnet. Zehntens - Kostüme für Darsteller. Alle Kostümzubehörteile (Holster, Fächer etc.) werden in der gleichen Spalte eingetragen. Elftens - Requisiten und Requisiten. Zwölfter - Notizen. Einige Regisseure bezeichnen das Schnittblatt als die Partitur des Regisseurs.

Die Schnittpartitur umfasst fünf Spalten des Schnittblatts: Folge, Nummer, Darsteller, Begleitung, Filmausschnitte. Die musikalische Partitur trägt zur Gesamtentwicklung des Themas des Programms bei, bereichert es, verstärkt die emotionale Wirkung auf das Publikum. Daher ist es sehr wichtig, solche Werke und solche Interpreten auszuwählen, die die Dynamik des Programms und das Temperament der Handlung gewährleisten. Bei der Auswahl des musikalischen Materials muss der Regisseur in der Lage sein, alles abzulehnen, was die Entwicklung des Programms behindert.

Für Leiter von Kultur- und Freizeitprogrammen ist es wichtig, die Kunst des Lichtdesigns zu beherrschen. Der Regisseur muss gemeinsam mit dem Künstler das Licht einstellen. Licht ist keine routinemäßige Ergänzung der Inszenierung, sondern eines der stärksten Ausdrucksmittel. Die Lichtlösung, die sich durch die gesamte Dramaturgie des Programms zieht und der Musik, dem Text und der Kulisse entspricht, schafft ein künstlerisches Bild. Jeder Raum im Kultur- und Freizeitprogramm erfordert eine eigene, oft komplexe Lichtlösung. Manchmal ist es notwendig, eine leichte Partitur für eine bestimmte Nummer zu komponieren. Gleichzeitig finden auf der Bühne Schnitttechnikproben statt. Am zweckmäßigsten wäre es, Schnittproben von Licht und Ton zu kombinieren. Nachdem alles geklärt ist in Technik, Licht- und Tonpartitur, die Zeit für die ersten Bühnenproben ist gekommen.

Daher ist eine interessante Regieidee von Kultur- und Freizeitprogrammen eine wichtige Voraussetzung für den Erfolg sowohl eines eigenen Kultur- und Freizeitprogramms als auch für den Erfolg der Arbeit der gesamten Kultureinrichtung.

Schlussfolgerungen zum ersten Kapitel

Das Kultur- und Freizeitprogramm zielt auf die kollektive Erholung der Bevölkerung ab, in seinem Namen findet sich oft ein Hinweis auf das Alter des Publikums (Leistungs-Familienprogramm, Kindermatinee, Jugendshowprogramm). Diese Form der Veranstaltung zeichnet sich durch eine Vielfalt und Leichtigkeit der Kommunikationsformen aus - kognitiv, unterhaltsam, amateurhaft und bietet den Teilnehmern die Möglichkeit, von einer Art von Aktivität zu einer anderen zu wechseln.

Solche Programme erfordern von den Organisatoren Kreativität, Vorstellungskraft und Erfindungsgabe sowie eine klare Konstruktion des Szenarios unter Berücksichtigung des Alters des Publikums.

Das Angebot an Freizeitprogrammen ist ziemlich breit: Talkshows, literarische und musikalische Kompositionen, Wettbewerbsspiele, Ferien, Theateraufführungen.

Die obige Klassifizierung von Kultur- und Freizeitprogrammen ist eine der Optionen Systematisierung von Freizeitgestaltungsformen. Der Wert der vorgeschlagenen Klassifizierung liegt in der Tatsache, dass der Grad der Teilnahme am Programm der wichtigste Faktor und die wichtigste Bedingung für den Erfolg der Freizeitgestaltung ist.

2. Merkmale der Leitung von Kultur- und Freizeitprogrammen

Um ein Kultur- und Freizeitprogramm zu gestalten, reicht es nicht aus, die Gesetzmäßigkeiten seiner dramaturgischen Struktur gut zu verstehen. Es ist notwendig zu verstehen, die potenziellen Möglichkeiten jedes Ausdrucksmittels genau zu kennen, um die Möglichkeiten der Methoden Installation, Illustration, Inszenierung und Spiel nutzen zu können. Mit Hilfe dieser Methoden und verschiedener Ausdrucksmittel entsteht ein Programm, in dem ein aktuelles sozialpsychologisches Problem gelöst wird. Die Methoden der Illustration, Theatralisierung und des Spiels sind in der Lage, die künstlerische Lösung des Kultur- und Freizeitprogramms eigenständig umzusetzen, mit ihrer Hilfe wird es vom Projekt zur realen Konstruktion.

Die Verbesserung von Kultur- und Freizeitaktivitäten hängt weitgehend von der Fähigkeit und den Fähigkeiten von Drehbuchautoren ab, Szenarien für verschiedene Kultur- und Freizeitprogramme zu entwickeln und umzusetzen. Die Erstellung eines Drehbuchs ist ein komplexer, mehrstufiger, kreativer Prozess, der Perioden der Anhäufung von Informationsmaterial, die Bildung einer Idee und das Schreiben eines dramatischen Werks umfasst. Der Autor des Drehbuchs muss alle seine Bestandteile so kombinieren, dass das Ergebnis ein zusammenhängendes dramatisches Werk ist. Das je nach Szenario organisierte und durchgeführte Kultur- und Freizeitprogramm vermittelt den Eindruck eines klaren und vollständigen Ganzen. Jedes Kultur- und Freizeitprogramm enthält ein Element der Konstruktion, der Konstruktion und bestimmt damit die kompositorische Organisation des Szenariomaterials.

Wie bereits erwähnt, beginnt die Gestaltung des Kultur- und Freizeitprogramms aus dem dramatischen Konzept Gestalt anzunehmen. Daher wird die erste Methode der Methode der Kultur- und Freizeitgestaltung zu Recht als Montage bezeichnet. Bei jeder Art von Kultur- und Freizeitprogramm verwenden Spezialisten die Bearbeitung bei der Entwicklung eines Szenarios.

Jedes Szenario verwendet dokumentarisches Material, Auszüge aus verschiedenen literarischen Werken, die in einer bestimmten Reihenfolge verbunden werden müssen. Der Wechsel von Tatsachen, Ereignissen, Phänomenen und deren Vergleich erfordern zwangsläufig die montagetechnische Organisation des Materials.

Der Jahrestag der Gründung des Unternehmens (oder ein anderes Datum, das zum traditionellen Geburtstag des Unternehmens geworden ist) ist einer der wichtigsten Feiertage. Kalenderfeiertage werden vom ganzen Land oder sogar der ganzen Welt gefeiert. Und der Tag des Unternehmens ist ein Tag mit besonderer Bedeutung, der genau die Mitarbeiter dieser Organisation vereint und hervorhebt. Dies ist der beste Moment, um den Unternehmensgeist zu kultivieren, der geeignetste Tag, um die „Leader“ zu ehren und junge Leute ins Team aufzunehmen.

Wichtige Bestandteile der Jubiläumsfeier sind:

Auswahl des am besten geeigneten Veranstaltungsortes für die Feier gemäß den Wünschen und dem Budget des Kunden;

· originelle Einladungen;

Vorbereitung eines festlichen Menüs (Bankett, Buffettisch), ggf. Organisation von Catering-Dienstleistungen;

Bestellung des Transports für die Lieferung von Gästen;

· Feiertagsdekoration Orte zum Jubiläum mit Kompositionen aus frischen Blumen, Luftballons, Landschaft.

Das Firmenjubiläum ist ein Firmenevent, das fast alle fünf Jahre stattfindet, oft sogar bis zu zehn. Dies ist die Geschichte des Unternehmens, seine Errungenschaften. Und um noch besser zu arbeiten und den Status des Unternehmens zu verbessern, müssen Sie sich gut ausruhen und ausruhen, mit denen jeden Tag der Grundstein für das Wohlergehen und die gemeinsame Sache des Unternehmens gelegt wird.

2.1 Grundlagen der Regie

Bereits in den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts definierte das Wörterbuch von Efron und Brockhaus den Beruf des Regisseurs wie folgt: „In unserer Zeit ist der Autor zwar bei den Proben anwesend, aber er hat keinen Bedarf mehr, er kümmert sich um die Details der Produktion; darum geht es dem Regisseur, der nicht nur fundierte Bühnen-, Literatur- und Archäologiekenntnisse, sondern auch viel Fingerspitzengefühl und den Umgang mit den Künstlern verlangt.

All dies bereitete das Theater auf den gewaltigen Sprung vor, den es in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts machte, der durch die Aktivitäten von R. Wagner und L. Kroneg im Meininger Theater gekennzeichnet war und in einer Art Revolution der darstellenden Künste am Theater gipfelte Ende des 19. und 20. Jahrhunderts, als Regisseure überall zu kreativen Leitern von Theaterteams wurden. Dieses Phänomen war gekennzeichnet durch das Erscheinen einer ganzen Galaxie von „Großen“, die für viele Jahre das Gesicht des Regisseurberufs bestimmten: in Russland – K. Stanislavsky, Vs. Meyerhold, A. Tairov, E. Vakhtangov; in Frankreich - A. Antoine, J. Capo; in Deutschland - M. Reinhardt; In England - G. Craig. Regie zu führen entstand als eigenständige Form kreativer Tätigkeit.

Es gibt viele Formulierungen, die den Beruf des Direktors definieren. Von „Regie ist eine Lebensweise“ bis „Ein Regisseur ist eine Person, die in Räumen denkt“.

Gleichzeitig entstehen aber auch viele verschiedene Regieberufe:

Schauspielregisseur

Opernregisseur;

Choreograph;

Leiter des Musikdramatheaters;

Pantomime-Regisseur;

Zirkusdirektor

Kinoregisseur (Spielfilm, Dokumentarfilm, Populärwissenschaft, Animation);

Fernsehregisseur

· Regisseur.

Somit besteht die Arbeit des Regisseurs aus zwei Hauptphasen: Konzeption und Umsetzung (Inszenierung).

Die Idee ist die Ausgangsidee des Regisseurs für sein zukünftiges Werk, sein mehr oder weniger bewusster Prototyp, von dem aus der kreative Prozess beginnt. Plan, Antrag, Skizze, Explikation – das sind die gängigsten Formen der Fixierung der Idee. Einige Regisseure malen ihre Idee sehr detailliert auf Papier und versuchen, sie so genau wie möglich zu konkretisieren. Dem französischen Regisseur René Clair gehört der Satz: „Mein Film ist schon fertig – es bleibt nur noch zu drehen.

Andere Regisseure wie Michelangello Antonionni versuchen, die Idee nicht zu spezifizieren, bevor sie mit der Arbeit am Set beginnen.

Bei der Umsetzung der Intention des Regisseurs dominiert die Visualisierung, d.h. Reproduktion durch Lenkung eines äußeren sinnlich-konkreten Wirklichkeitsbildes.

Doch bei aller Bedeutung der Vorarbeit, der Idee, liegt das Hauptmoment der Arbeit des Regisseurs auf der Arbeit am Set (die Probenzeit im Theater, die Drehzeit im Kino und im Fernsehen).

Und egal, wie sich der Regisseur auf die Arbeit vorbereitet, seine Arbeit hat in diesem Stadium immer einen Improvisationscharakter.

Improvisation ist ein kreativer Momentakt der Schaffung eines Kunstwerks, einer Fantasie zu einem bestimmten Thema. Im Prozess der Improvisation kommen die Züge der kreativen Individualität des Regisseurs am deutlichsten zum Ausdruck.

Vom Regisseur wird eine schöpferische Individualität, eine einzigartige Originalität der Persönlichkeit verlangt, die den Ergebnissen seiner Arbeit einen einzigartigen Charakter verleiht. Der Umfang und die Würde dessen, was der Regisseur schafft oder schaffen kann, wird durch seine individuelle Persönlichkeit bestimmt. Regie zu führen ist von Natur aus eine kreative, schriftstellerische, „dramatische“ Tätigkeit.

Nur eine schöpferische Individualität in der Kunst hat die Intuition, die Fähigkeit, den verborgenen ganzheitlichen Sinn in den Phänomenen der Wirklichkeit, dieses „unbewusste, instinktiv-figurative Prinzip und Stimulus der Kreativität“ (Bergson) direkt zu sehen.

Nur die Individualität in der Kunst ist in der Lage, ein eigenes künstlerisches Konzept zu schaffen - eine figurative Interpretation des Lebens und seiner Probleme. Der Begriff umfasst sowohl das Gesamtwerk des Regisseurs, als auch jedes seiner Einzelwerke eine gewisse semantische Dominante davon. Zur Umsetzung seiner Idee bedient sich der Regisseur eines ganzen Komplexes visueller und expressiver Mittel, also eines Systems historisch etablierter materieller Mittel und Methoden zur künstlerischen Bildgestaltung. Bild- und Ausdrucksmittel bilden in ihrer spezifischen Gesamtheit und Vernetzung die künstlerische Form eines Kunstwerks, verkörpern dessen Inhalt. Bild- und Ausdrucksmittel haben als Elemente einer künstlerischen Form eine technisch-konstruktive, kompositorisch-strukturelle Bedeutung und sind zugleich Träger figurativer Bedeutung.

Der Reichtum und die Figuration visueller und expressiver Mittel ist ein Indikator für die Kunstfertigkeit eines Kunstwerks. Je komplexer die Werkkonzeption, desto raffiniertere Bild- und Ausdrucksmittel setzt der Regisseur in der Regel ein. Den Gipfel der Komplexität erreichen sie in der sogenannten intellektuellen, elitären Kunst.

Intellektualismus in der Regiekunst ist eine besondere Art, Weise, Form, konzeptionelles und philosophisches Lager künstlerischen Denkens, in dem die Welt als Drama von Ideen erscheint, deren Charaktere das verkörpern und durch ihre Handlungen vermitteln (Spiel in Gesichtern). Gedanken des Autors, drücken verschiedene Aspekte seiner künstlerischen Konzepte aus. Intellektualismus in der Kunst wird normalerweise mit der Verwendung des sogenannten parabolischen Denkens, der Aufnahme eines Gleichnisses oder anderer eingefügter Elemente in das Werk in Verbindung gebracht, die anscheinend weit von den darin diskutierten Problemen entfernt sind. Die Abkehr von diesen Problemen erfolgt jedoch nicht in einer geraden Linie, sondern entlang einer Parabel, die den seitlich abgewichenen Gedanken gleichsam auf das Problem zurückführt. So wird die Philosophie nicht nur zum Inhalt, sondern auch zur Struktur eines Kunstwerks und verändert seinen eigentlichen Typus: Performance-Konzept, Ballett-Konzept, Film-Konzept. Das Werk wird zum Träger künstlerischer Information.

Künstlerische Information offenbart die Spezifik einer künstlerischen Botschaft, die darin besteht, dass sie emotional wirkt, nicht durch normierte Standardsprachen übermittelt wird, sondern ein System individualisierter künstlerischer Bilder ist.

Der Regisseur kombiniert häufig verschiedene künstlerische Informationen zu einem Ganzen und verwendet die Collage-Methode, dh die Einbeziehung unterschiedlicher Objekte oder Themen in ein Kunstwerk mit Hilfe der Montage, um die ideologische und ästhetische Gesamtwirkung zu verstärken. Diese Methode wurde von Bertolt Brecht und Evgeny Vakhtangov, Yuri Lyubimov und Erwin Piscator, Federico Fellini und Andrei Tarkovsky verwendet.

Collage ist die Organisation von figurativen und expressiven Mitteln nach dem parabolischen Prinzip und ist die strukturelle Grundlage des Regie-Intellektualismus, der zahlreiche semantische Parallelen und Kontraste bietet. Er operiert mit allerlei Annäherungen, Analogien, Variationen, Wiederholungen, spielt manchmal die Rolle von Leitmotiven. Durch die Bearbeitung von Episoden, Einzelbildern, Mise-en-Scènes und Repliken schafft der Regisseur eine sichtbare intellektuelle Collage, die künstlerische und figurative Informationen enthält. Das Bearbeiten, Organisieren des Materials, das ist die Arbeit des Regisseurs, seine Art, in der Kunst zu sein.

Der Regisseur als Gestalter der Rollen übt seinen schöpferischen Willen nicht in seinen eigenen, von ihm geschaffenen materiellen und visuellen Mitteln aus, sondern durch die Kreativität des Schauspielers, indem er seine künstlerische Initiative mit seinem Willen verschmilzt und seine Intention in seinen verbalen und physischen Handlungen verkörpert . Der Regisseur fungiert als Katalysator für die Schauspielkunst, indem er die Rechte des Schauspielers an sich reißt, um sie im Interesse der Integrität der Produktion einzusetzen.

Somit ist das Hauptmaterial der Kreativität des Regisseurs der Schauspieler, der die Absicht des Regisseurs durch seinen psychophysischen Apparat ausdrückt. Der Schauspieler steht im Mittelpunkt des Bühnengeschehens. Er ist ein lebendiges Bindeglied zwischen dem Text des Autors, der Bühnenentscheidung des Regisseurs und der Wahrnehmung des Zuschauers. Aus verschiedenen Materialien, darunter auch heterogenen Elementen der Inszenierung, formt der Regisseur jenes „Labyrinth der Verknüpfungen“, das laut Leo Tolstoi das Wesen der Kunst enthält. Dreidimensionale Bühnenstrukturen, Klang und vor allem die Bewegungen und Körperhaltungen des Schauspielers, ineinander verwoben durch den Willen des Regisseurs, lassen ein grundlegend neues künstlerisches Phänomen entstehen.

Indem die Inszenierung geschaffen und mit Mise-en-scenes operiert wird, erhält die Regie einen ihr eigenen ästhetischen Gegenstand, der über die Kompetenz anderer Kunstformen hinausgeht. Es sind visuell geprägte Raumfragmente mit ihren ständigen zeitlichen Veränderungen.

Der ganze Komplex künstlerischer und expressiver Mittel erlaubt dem Regisseur, seine Fantasien, seine künstlerische Fiktion in der Inszenierung zu verwirklichen. Künstlerische Fiktion ist eine Art von Handlung, bei der Figuren und Ereignisse auftauchen, die zunächst nur in der Vorstellung der Autoren der Produktion und dann in der Vorstellung des Zuschauers existieren. Eine fiktionale Handlung ist eine „frivole“ Handlung, die den Urhebern der Produktion (Regisseur und Dramatiker) keinerlei Verpflichtungen auferlegt.

Die Inszenierung ist eine in Raum und Zeit verwirklichte künstlerische Fiktion, da sie ganz der Fantasie der Autoren entspringt. Darin wird die Fiktion von mindestens zwei „Angebern“ ausgeführt: dem Regisseur und den Schauspielern.

Die Arbeit mit einem Schauspieler ist eines der Kernprobleme der Regie. Es gibt drei Arten von Beziehungen zwischen Schauspieler und Regisseur. Die erste ist die ideale, die ziemlich selten ist: ein völliger kreativer Zufall, gemeinsame Kreativität und die Suche nach der Wahrheit. Die zweite - der Regisseur und der Schauspieler gehen aufeinander zu, wie Bergleute, die einen Tunnel von zwei Seiten graben. Und der dritte, der enttäuschendste, ist die völlige Diskrepanz zwischen Ansichten und Wünschen, wenn der Regisseur dem sich widersetzenden Schauspieler einfach die Zeichnung der Rolle aufzwingt.

Die menschliche Wahrnehmung räumlicher Bilder erfolgt immer zeitlich, sie ist immer diskret (diskontinuierlich). Der Regisseur erleichtert diese Wahrnehmung, indem er in seiner Inszenierung Zeitgrenzen festlegt, nach denen unsere Wahrnehmung in einzelne rhythmische Takte aufgeteilt wird. Zeit ist in der Arbeit des Regisseurs nicht nur ein Darstellungsobjekt, sondern auch ein Ausdrucksmittel.

So sieht die Struktur der Zeit in den Raumzeitkünsten aus:

empirische Zeit - Zeit in der Realität, die als Material für die Arbeit dient;

Handlungszeit - die zeitliche Organisation der Handlung;

Zuschauerzeit - berücksichtigt die Wahrnehmungsdauer.

Ein weiterer wesentlicher Bestandteil der Arbeit des Regisseurs ist die Lösung räumlicher Probleme. Die Raumstruktur in den darstellenden Künsten gliedert sich in drei Komponenten:

1) Der Raum, in dem sich die Objekte befinden;

2) Der Raum, in dem sich das Publikum befindet;

3) Die Ebene der Bühne (Leinwand), die das Erste widerspiegelt und das Zweite andeutet.

Das Prinzip der Raumstruktur ist dasselbe wie das Prinzip der Zeitstruktur, da beide Kategorien - Raum und Zeit - eng miteinander verwandt sind. Es gibt jedoch auch erhebliche strukturelle und funktionale Unterschiede zwischen ihnen. Darüber hinaus gibt es erhebliche Unterschiede in der künstlerischen Ausdruckskraft des Raumes in dreidimensionaler (dramatisches Theater, Ballett, Oper, Bühne, Zirkus) und planare (Kino, Fernsehen, Figurentheater). Die künstlerische Ausdruckskraft des Raumes volumetrischer Kunst liegt in der Verschmelzung von Bühnenraum, Bühnenraum und Zuschauerraum, mit der unabdingbaren Freiheit in der Wahl des Blickwinkels des Betrachters.

Die räumliche (und auch zeitliche) Struktur ist gewissermaßen durch die Art, Gattung oder Stilrichtung des Werkes vorgegeben.

2.2 Regie im Tourismus

Der Tourismus als Form der Freizeitgestaltung der Bürger ist in letzter Zeit sehr populär geworden. Dies wird durch die Intensivierung der Arbeit erleichtert, die die effektive Reproduktion der geistigen und körperlichen Kräfte einer für die Produktion aufgewendeten Person, eine Erhöhung der Freizeit und die Einstellung dazu als Wert erfordert. Gleichzeitig steigen die kulturellen und kognitiven Anforderungen.

Die Tourismusbranche ist eine der führenden und dynamischsten Branchen und gilt aufgrund ihres rasanten Entwicklungstempos als Jahrhundertphänomen.

Die Leitung des Tourismus ist die Tätigkeit der Entwicklung und Präsentation von Kultur- und Freizeitprogrammen.

Tourismuslenkung besteht in der kreativen Gestaltung aller Elemente von Kultur- und Freizeitprogrammen, um ein einheitliches, harmonisch ganzheitliches Freizeitangebot zu schaffen. Dieses Ziel erreicht der Regisseur auf der Grundlage seines gestalterischen Konzepts und durch die Lenkung der schöpferischen Tätigkeit aller daran beteiligten Personen.

Apropos Regie im Tourismus, man muss sich an die tiefen und fruchtbaren Lehren von V.I. Nemirovich-Danchenko über die "drei Wahrheiten": die Wahrheit des Lebens, die Wahrheit des Sozialen und die Wahrheit des Theaters. Diese drei Wahrheiten sind eng miteinander verbunden und werden in ihrer Einheit Wechselwirkung und Durchdringung genannt, so die Lehre.

Unabhängig davon, ob das Genre einfach oder komplex ist, muss der Regisseur alle Genremerkmale in die Aufführung implementieren. Und dazu muss er selbst alle Beziehungen, alle Gefühle des Autors zum Thema des Bildes tief und aufrichtig erfahren: seine Liebe und seinen Hass, seinen Schmerz und seine Verachtung, seine Freude und Zärtlichkeit, seinen Zorn und seine Empörung, seinen Spott und Traurigkeit.

Nur die tief und leidenschaftlich erlebte Haltung des Regisseurs kann der Form Schärfe, Leuchtkraft und Ausdruckskraft verleihen. Eine gleichgültige Lebenseinstellung führt entweder zu einer blassen, erbärmlichen naturalistischen Form der äußerlichen Nachahmung des Lebens.

Die Einbeziehung von Methoden und Formen der Steuerung im Bereich Tourismus kann anhand der Modellierung von Freizeitangeboten erfolgen. Modellieren (nach V. S. Sadovskaya) ist der Prozess der Systematisierung von Methoden, Techniken und Mitteln, um Neues zu schaffen ursprünglichen Bedingungen Einbeziehung des Einzelnen in die kreative Tätigkeit. Die Modellierung von Freizeitprogrammen ermöglicht es somit, die Inhalte der touristischen Freizeit anzureichern und ihre Entwicklungsfunktionen zu verbessern. Der Tourismus als „aktive, zielgerichtete Konsumtätigkeit“ wandelt sich in eine kreative Tätigkeit.

Gegenwärtig ist die Struktur der modernen Kultur von Unterhaltungsprogrammen und verschiedenen Shows besetzt, die eine bedeutende Rolle bei der ideologischen, moralischen und künstlerischen Erziehung der Menschen, der Organisation ihres Lebens und ihrer Freizeit spielen.

Schlussfolgerungen zum zweiten Kapitel

Regie im modernen Sinne - als persönliche Kreativität - begann sich im europäischen Theater erst im 15.-16. Jahrhundert intensiv zu formen. Eine wichtige Rolle spielte dabei die Entstehung der Bühnenloge - die Verlegung von Theateraufführungen von Straßen-, Platz- und Jahrmarktsbühnen in die geschlossenen Räumlichkeiten des Schlosses und dann in eigens errichtete Gebäude. Der sichtbare Hintergrund der Aufführungen begann sorgfältig entwickelt zu werden, was die bedeutende Figur für das europäische Theater des 17. bis 19. Jahrhunderts zum Leben erweckte, die Figur eines Künstler-Dekorateurs, der auf die eine oder andere Weise die Funktion eines Bühnenregisseurs ausübte .

Die Verbesserung von Kultur- und Freizeitprogrammen hängt weitgehend von der Fähigkeit und den Fähigkeiten von Drehbuchautoren ab, Szenarien für verschiedene Kultur- und Freizeitprogramme zu entwickeln und umzusetzen. Die Erstellung eines Drehbuchs ist ein komplexer, mehrstufiger, kreativer Prozess, der Perioden der Anhäufung von Informationsmaterial, die Bildung einer Idee und das Schreiben eines dramatischen Werks umfasst.

Fazit

Ein Kultur- und Freizeitprogramm ist eine Form der Freizeit- und Entwicklungsaktivität, deren Inhalt einen Komplex von speziell ausgewählten und synthetisierten Arten der kulturellen Aktivität eines Individuums im Freizeitbereich umfasst.

Die Entwicklung von Kultur- und Freizeitangeboten ist seit jeher untrennbar mit der Entwicklung der Gesellschaft verbunden. Jede historische Epoche brachte ihre eigenen neuen Anforderungen, Formen, Konstruktionen in Kultur- und Freizeitprogrammen mit sich. Moderne Theorie und Praxis verallgemeinern in sich alle früher gesammelten Erfahrungen und die Analyse des aktuellen Standes. Kultur- und Freizeitprogramme haben eine tausendjährige Entwicklungsgeschichte. Massenfeste des antiken Hellas, mittelalterliche Mysterien, Karnevale, Theaterumzüge, Feierlichkeiten der Französischen Revolution, russische Volksfeste - all dies ist eine großartige Erfahrung, die heute in modernen Massenformen von Kultur- und Freizeitprogrammen genutzt wird.

Der Reichtum der Richtungen von Kultur- und Freizeitprogrammen, die Vielfalt der Inhalte, die Verwendung von Ausdrucksmitteln geben unbegrenzte Möglichkeiten soziokulturelle Spezialisten. Unter modernen Bedingungen ist die Synthese von Wissen, beruflichen Fähigkeiten, Autorenkonzepten und sozialen Gesellschaftsordnungen von großer Bedeutung für ihre Aktivitäten.

Die Arbeit des Regisseurs ist sehr schwierig, jeder Misserfolg kann eine große Anzahl von Menschen betreffen, daher braucht es eine Grundlage für die tägliche kreative Arbeit. Es ist notwendig, über die Professionalität des Direktors, über die Ausbildung von qualifiziertem Personal zu sprechen.

Die geschickte Auswahl von Ausdrucksmitteln, die organische Einbindung verschiedener Kunstgattungen in das Geschehen, einzelne Nummern, die die Handlung verkörpern und das Thema entwickeln können und damit die kulturelle Kontinuität beeinflussen, sind die Essenz der Arbeit des Regisseurs, die im Grunde pädagogische Funktionen hat: Entwicklung, Bildung und Erziehung.

Kunst zu leiten besteht in der kreativen Gestaltung aller Elemente von Kultur- und Freizeitprogrammen, um eine einzige, harmonisch ganzheitliche Freizeitgestaltung zu schaffen. Dieses Ziel erreicht der Regisseur auf der Grundlage seines gestalterischen Konzepts und durch die Lenkung der schöpferischen Tätigkeit aller am Kollektiv Beteiligten. Durch die Regie erhalten Kultur- und Freizeitprogramme insgesamt eine stilistische Einheit und eine gemeinsame ideologische Zielstrebigkeit. Daher erweiterte und vertiefte sich mit dem Wachstum der ideologischen und ästhetischen Anforderungen auch das Konzept der Kunstleitung.

Heutzutage ist die Schaffung einer nachhaltigen Entwicklung der Tourismuslenkung nur möglich, wenn sich die Qualität der erbrachten Dienstleistungen ständig verbessert und in der Lage ist, die Bedürfnisse eines modernen Menschen bei der Organisation seiner Freizeit zu befriedigen. Ein hohes Qualitätsniveau des touristischen Produkts ist eine Voraussetzung für die Geschäftsentwicklung.

Durch die Regie erhalten Kultur- und Freizeitprogramme insgesamt eine stilistische Einheit und eine gemeinsame ideologische Zielstrebigkeit. Daher erweiterte und vertiefte sich mit dem Wachstum der ideologischen und ästhetischen Anforderungen auch das Konzept der Kunstleitung.