Sztuka i rzemiosło(z łac. decoro – dekoruję) – dział sztuki zdobniczej, obejmujący tworzenie wyrobów artystycznych o przeznaczeniu użytkowym.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka wymagań: mają walor estetyczny; przeznaczony do efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi pracami są: odzież, tkaniny odzieżowe i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. Od drugiej połowy XIX wieku w literaturze naukowej ustanowiono klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tkaniny, drewno), techniki wykonania (rzeźba, malarstwo, haft, druk, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.) oraz zgodnie z funkcjonalnymi cechami użytkowania przedmiotu (meble, naczynia, zabawki). Ta klasyfikacja jest wymagana ważna rola konstrukcyjno-technologiczny początek w sztuce i rzemiośle oraz jego bezpośredni związek z produkcją.

Batik, ręcznie malowany na tkaninie przy użyciu rezerwowych kompozycji. Na tkaninę - jedwab, bawełnę, wełnę, tkaninę syntetyczną - nakładana jest farba odpowiadająca tkaninie. Aby uzyskać wyraźne granice na styku farb, stosuje się specjalny utrwalacz, zwany rezerwą. Istnieje kilka rodzajów, takich jak głodny i gorący.

Gobelin, niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ornamentalną, tkany ręcznie krzyżowym splotem nitek.

„Oferta Serca” Arras. OK. 1410. Muzeum Cluny

_____________________________________________________________________________________________________

Grafika wątku(opcje nazw: isothread, obraz nici, projekt nici), technika uzyskiwania obrazu za pomocą nici na tekturze lub innej stałej podstawie.

_____________________________________________________________________________________________________

Rzeźba artystyczna:

według kamienia:

Akrolit to technika mieszana stosowana w rzeźbie antycznej, w której nagie części posągu wykonano z marmuru, a szaty z malowanego lub złoconego drewna. Korpus (główna ukryta rama posągu) również mógł być wykonany z drewna.

Glyptic to sztuka rzeźbienia na kolorowych i szlachetnych kamieniach, klejnotach. Jedna z najstarszych sztuk. Zastosuj również do biżuterii.

_____________________________________________________________________________________________________

Rzeźba artystyczna:
na drewnie:

Jeden z najstarszych i najczęstszych rodzajów artystycznej obróbki drewna, w którym wzór jest nakładany na produkt za pomocą siekiery, noża, dłut, dłut, dłut i innych podobnych narzędzi. Wraz z udoskonaleniem technologii pojawiło się toczenie i frezowanie drewna, co znacznie uprościło pracę rzeźbiarza. Rzeźba wykorzystywana jest w wystroju domu, przy dekorowaniu przyborów domowych i mebli, do robienia małych drewnianych plastików i zabawek.

Nić przelotowa jest podzielona na samą nitkę przelotową i list przewozowy, ma dwa podgatunki:

gwint szczelinowy- (przekroje są cięte dłutami i dłutami) Nić piły (właściwie taka sama, ale takie sekcje są cięte piłą lub wyrzynarką) Nić szczelinowa lub piłowana z ornamentem reliefowym nazywana jest ażurową.

Płaski ząbkowany gwint rzeźbienie charakteryzuje się tym, że jego podstawą jest płaskie tło, a elementy rzeźbiarskie wchodzą w nią głęboko, to znaczy dolny poziom rzeźbionych elementów leży poniżej poziomu tła. Istnieje kilka podgatunków takiego wątku:

gwint konturowy- najprostszy, jego jedynym elementem jest rowek. Takie rowki-rowki tworzą wzór na płaskim tle. W zależności od wybranego dłuta rowek może być półokrągły lub trójkątny.

Z rzeźba w kolbach (paznokcie)- głównym elementem jest klamra (na zewnątrz wygląda jak ślad pozostawiony przez paznokieć po przyciśnięciu na dowolnym miękkim materiale, stąd nazwa gwoździowaty) - półkoliste wcięcie na płaskim tle. Zestaw takich wsporników o różnych rozmiarach i kierunkach tworzy obraz lub jego poszczególne elementy.

G wątek geometryczny (trójścienny, trójścienny)- składa się z dwóch głównych elementów: kołka i piramidy (trójboczna piramida zakopana w środku). Rzeźba odbywa się w dwóch etapach: tatuowanie i przycinanie. Najpierw nakłuwają (zaznaczają) sektory, które mają zostać wycięte nożem, a następnie je przecinają. Wielokrotne stosowanie piramid i kołków w różnych odległościach i pod różnymi kątami daje ogromną różnorodność kształtów geometrycznych, wśród których znajdują się: romb, viteiki, plastry miodu, łańcuchy, światła itp.

Rzeźba w czarnym lakierze- tło to płaska powierzchnia pokryta czarnym lakierem lub farbą. Jak wycinane są rowki w rzeźbieniu konturowym na tle, z którego zbudowany jest rysunek. Różne głębokości rowków i ich różne profile dają ciekawą grę światłocienia i kontrast między czarnym tłem a lekko wyciętymi rowkami.

rzeźba reliefowa charakteryzuje się tym, że elementy wątku znajdują się nad tłem lub na tym samym poziomie z nim. Z reguły wszystkie rzeźbione panele są wykonane w tej technice. Istnieje kilka podgatunków takiego wątku:

rzeźba reliefowa z tłem poduszkowym - można porównać do rzeźbienia konturowego, ale wszystkie krawędzie rowków owalne, a czasem o różnym stopniu nachylenia (ostrzej od strony rysunku, stopniowo, delikatnie opadające od strony tła). Dzięki takim owalnym konturom tło wydaje się być zrobione z poduszek, stąd nazwa. Tło jest na tym samym poziomie co rysunek.

rzeźba reliefowa z wybranym tłem - ta sama rzeźba, ale tylko tło jest zaznaczone dłutami o jeden poziom niżej. Kontury obrazu są również owalne.

Abramtsevo-Kudrinskaya (Kudrinskaya)- pochodzi z majątku Abramtsevo pod Moskwą, we wsi Kudrino. Za autora uważa się Wasilija Wornoskowa. Rzeźba wyróżnia się charakterystycznym „kręconym” ornamentem – kręconymi girlandami płatków i kwiatów. Często używane są te same charakterystyczne wizerunki ptaków i zwierząt. Podobnie jak płaskorzeźba, dzieje się to z poduszką i wybranym tłem.

Rzeźba „Tatyanka”- ten rodzaj rzeźbienia pojawił się w latach 90. XX wieku. Autor (Szamil Sasykow) nazwał ten wyłaniający się styl imieniem swojej żony i opatentował go. Z reguły taka rzeźba zawiera kwiatowy ornament. Cechą charakterystyczną jest brak tła jako takiego – jeden wyrzeźbiony element stopniowo przechodzi w drugi lub nakłada się na niego, wypełniając w ten sposób całą przestrzeń.

Rzeźba artystyczna:
według kości:

Netsuke to miniaturowa rzeźba, dzieło japońskiego DPI, czyli mały rzeźbiony brelok.

Ceramika, wyroby gliniane wytwarzane pod wpływem wysokiej temperatury z późniejszym chłodzeniem.

Haft, znana i powszechna sztuka haftu zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnymi wzorami, może być ściegiem satynowym, krzyżykiem, starym rosyjskim szyciem twarzy.

Dzianie, proces wytwarzania wyrobów z ciągłych nici poprzez zginanie ich w pętelki i łączenie ze sobą pętelek za pomocą prostych narzędzi ręcznie (haczyk, druty, igła) lub na specjalnej maszynie (dzianie mechaniczne).

Makrama, technika tkania węzłów.

Sztuka biżuterii.

(z niemieckiego Juwel lub holenderski juweel - kamień szlachetny), wytwarzanie wyrobów artystycznych (biżuteria osobista, przedmioty gospodarstwa domowego, kult, broń itp.) głównie ze szlachetnych (złoto, srebro, platyna), a także niektórych szlachetnych nie- metale żelazne, często w połączeniu z kamieniami szlachetnymi i ozdobnymi, perłami, szkłem, bursztynem, masą perłową, kością itp. W sztuce jubilerskiej wykorzystuje się kucie, odlewanie, gonie artystyczne i śrutowanie (nadając powierzchni metalu ziarnistość i zamglenie za pomocą cyzelowania w postaci tępego szydła lub rurki), tłoczenie, rzeźbienie lub grawerowanie, zbroja (technika wycinania tła wokół wzoru), filigran, granulacja, niello, emalia (finift) , intarsje, trawienie, polerowanie itp. metody obróbki mechanicznej - tłoczenie, walcowanie itp. .

Artystyczna obróbka skóry.

Techniki kaletnictwa.

Tłoczenie. Istnieje kilka rodzajów tłoczenia. W produkcja przemysłowa stosuje się różne metody stemplowania, gdy wzór na skórze jest wyciskany za pomocą foremek. W produkcji wyrobów artystycznych stosuje się również tłoczenie, ale stosuje się stemple składowe i stemple. Innym sposobem jest tłoczenie z wypełnieniem - wycięcie elementów przyszłego reliefu z tektury (ligniny) lub kawałków żaluzji i umieszczenie pod warstwą warstwy zwilżonego juftu, który następnie zagniata się wzdłuż konturu reliefu. Drobne detale są wyciskane bez podszewki ze względu na grubość samej skóry. Po wyschnięciu twardnieje i „zapamiętuje” reliefowy wystrój. Tłoczenie termiczne to wytłaczanie dekoru na powierzchni skóry za pomocą rozgrzanych metalowych stempli.

Perforacja lub sztancowanie to jedna z najstarszych technik. Właściwie sprowadza się to do tego, że za pomocą stempli o różnych kształtach wycina się w skórze otwory ułożone w formę ornamentu.

Tkanie to jedna z metod obróbki, która polega na łączeniu kilku pasków skóry specjalną techniką. W biżuterii często stosuje się elementy makramy, wykonane z „cylindrycznego” sznurka. W połączeniu z perforacją tkanie służy do zaplatania brzegów produktów (wykorzystywane do wykańczania ubrań, butów, torebek).

Pirografia (wypalanie) to nowa technika, ale o starożytnym rodowodzie. Podobno początkowo wypalanie skóry było efektem ubocznym tłoczenia termicznego, ale potem było szeroko stosowane jako samodzielna technika. Za pomocą pirografii na skórę można nakładać bardzo cienkie i złożone wzory. Często stosuje się go w połączeniu z grawerowaniem, malowaniem, tłoczeniem przy tworzeniu paneli, biżuterii, robieniu pamiątek.

Grawerowanie (rzeźbienie) stosuje się podczas pracy z ciężką, gęstą skórą. Wzór jest nakładany na przednią powierzchnię namoczonej skóry za pomocą noża. Następnie dowolnym metalowym przedmiotem o podłużnym kształcie szczeliny są rozszerzane i wypełniane farbą akrylową. Po wysuszeniu rysunek konturowy zachowuje swoją klarowność, a linie pozostają grube.

Zastosowanie w branży skórzanej - klejenie lub szycie kawałków skóry na produkcie. W zależności od dekorowanego produktu metody aplikacji są nieco inne.

Intarsja jest zasadniczo tym samym, co intarsja i mozaika: fragmenty obrazu są montowane „do tyłu”. Intarsję wykonuje się na podłożu tekstylnym lub drewnianym. W zależności od tego wybierane są odmiany skór. Aby uzyskać odpowiednią jakość, według wstępnego szkicu wykonywane są dokładne wzory wszystkich fragmentów kompozycji. Następnie, zgodnie z tymi wzorami, elementy wycinane są z barwionych skór i przyklejane do podłoża klejem kostnym lub emulsją PVA. Technika intarsji jest wykorzystywana głównie do tworzenia paneli ściennych, ale w połączeniu z innymi technikami może być wykorzystywana do produkcji butelek, pamiątek i dekoracji mebli.

Dodatkowo skórę można malować, można ją formować, nadając dowolny kształt i ukojenie (poprzez moczenie, sklejanie, wypełnianie).

Artystyczna obróbka metali:

Praca w technice Filigran

Odlew. Złoto, srebro, brąz mają wysoką topliwość i łatwo je wlewać do form. Odlewy dobrze podążają za modelem. Przed odlewaniem mistrz wykonuje model woskowy. Te części przedmiotu, które muszą być szczególnie trwałe, takie jak uchwyty naczyń, uchwyty czy zatrzaski, a także ozdoby i figurki, są odlewane w formach piaskowych. Złożone elementy wymagają wykonania kilku modeli, ponieważ różne części są odlewane oddzielnie, a następnie łączone przez lutowanie lub przykręcanie.

Kucie artystyczne- jedna z najstarszych metod obróbki metali. Odbywa się to uderzeniami młotka w obrabiany przedmiot. Pod jego uderzeniami przedmiot odkształca się i przybiera pożądany kształt, ale takie odkształcenie bez pęknięć i pęknięć jest charakterystyczne głównie dla metali szlachetnych, które mają wystarczającą ciągliwość, wiązkość i ciągliwość.

Pogoń jest bardzo oryginalną, najbardziej artystyczną i jednocześnie pracochłonną techniką produkcyjną. Metale szlachetne można zwinąć w cienką blachę, następnie kształt przedmiotu nabiera kształtu w stanie zimnym za pomocą młotów przyspieszających. Często wyrób artystyczny przetwarzany jest na podkład (podkład ołowiany lub z żywicy), który dobiera się w zależności od stopnia plastyczności metalu. Przy krótkich i częstych uderzeniach młotkiem ze stałym naciskiem i obrotem metal jest ubijany, aż do uzyskania pożądanego kształtu. Następnie przechodzą do pościgu (wybijania wystroju). Dekor jest wybijany za pomocą bruzd (pręty stalowe o określonym profilu). Wyroby wykute z jednego detalu to najwyższe dzieła sztuki. Łatwiej jest pracować z dwoma lub więcej kawałkami przedmiotu, które następnie są ze sobą lutowane.

1. Gonienie z prześcieradła.
2. Pogoń przez rzut lub obronę.
W pierwszym przypadku nowe dzieło powstaje z wykroju blachy za pomocą tłoczenia, w drugim ujawniają one i uzupełniają formę sztuki, która była wcześniej odlana w metalu (lub wykuta z metalu techniką obronną) .

Metalowo-plastikowy. Dzieła sztuki wykonane w tej technice wyglądem przypominają gonienie z arkusza, ale w istocie różnią się znacznie, przede wszystkim grubością. metalowa blacha.
Do wytłaczania stosuje się arkusze o grubości 0,5 mm lub większej, a do metalu-plastiku folię do 0,5 mm. Jednak główna różnica między metal-tworzywami sztucznymi tkwi w samym procesie technologicznym i zestawie narzędzi. W tłoczeniu forma formowana jest poprzez uderzanie tłoczenia młotkiem, a w metalowo-plastikowym forma formowana jest przez gładkie deformacje wykonane specjalnymi narzędziami, przypominającymi stosy rzeźbiarskie.

Grawerowanie to jeden z najstarszych rodzajów artystycznej obróbki metalu. Jego istotą jest naniesienie na materiał za pomocą frezu wzoru liniowego lub reliefu. W technologii grawerowania artystycznego można wyróżnić:
– grawerowanie płaskie(dwuwymiarowy), który przetwarza
tylko powierzchnia; Jego celem jest zdobienie powierzchni produktu poprzez naniesienie konturowego rysunku lub wzoru, skomplikowane kompozycje portretowe, wielopostaciowe lub pejzażowe, a także wykonanie różnego rodzaju napisów i prac typograficznych. Grawer służy do zdobienia zarówno produktów płaskich, jak i trójwymiarowych.
Grawerowanie płaskie, zwane również grawerowaniem w połysku lub grawerowaniem dla wyglądu, obejmuje również grawerowanie niello, które technologicznie różni się od zwykłego grawerowania tylko tym, że wykonuje się go nieco głębiej, a następnie wybrany wzór wypełnia się niello.
—grawerowanie zbroi(trójwymiarowy).
Grawerowanie grawerowane to metoda, w której powstaje płaskorzeźba lub nawet trójwymiarowa rzeźba z metalu. W grawerowaniu czołowym rozróżnia się dwie opcje: grawerowanie wypukłe (pozytywowe), gdy wzór reliefu znajduje się wyżej niż tło (tło jest pogłębione, usunięte), grawerowanie głębokie (negatywowe), gdy wzór lub relief jest wycinany wewnątrz.

Akwaforta. To kolejna technika związana z grafiką. Podobnie jak w akwafortach, przedmiot pokryto żywicą lub woskiem, a następnie wydrapano na nim dekor. Gdy produkt został zanurzony w kwasie lub zasadzie, porysowane miejsca zostały wytrawione, a powierzchnia wokół nich, często uszkodzona przez ingerencję narzędzia, stała się matowa. Pojawiła się więc bardzo płytka i delikatnie wyłaniająca się ulga.

Filigran to rodzaj artystycznej obróbki metalu, który od czasów starożytnych zajmuje ważne miejsce w biżuterii.
Termin „filigran” jest bardziej starożytny, pochodzi od dwóch łacińskich słów: „phylum” – nić i „granum” – ziarno. Termin „scani” ma pochodzenie rosyjskie. Pochodzi od starosłowiańskiego czasownika „skati” - skręcać, skręcać. Oba terminy odzwierciedlają technologiczną istotę tej sztuki. Termin „filigran” łączy w sobie nazwy dwóch głównych podstawowych elementów, z których wytwarzana jest typowa produkcja filigranowa, a mianowicie, że drut używany w tej formie sztuki jest skręcony, skręcony w sznurki.
Im cieńszy drut i im ciaśniejszy, bardziej stromy jest on skręcony, tym piękniejszy jest produkt, zwłaszcza jeśli ten wzór uzupełnia granulacja (drobne kuleczki).

Emaliowanie. Emalia jest szklistą, zestaloną masą nieorganiczną, głównie tlenkową, utworzoną przez częściowe lub całkowite stopienie, czasami z dodatkami metali, nałożoną na metalową bazę.

Obróbka dekoracyjna
Opis dekoracyjnego wykończenia produktu powinien zawierać informację o lokalizacji, indywidualnych wymiarach, ilości i charakterystyce elementów obróbki artystycznej. Poniżej podano typowe elementy zawarte w opisie ogólnym.
1. Matowanie.
2. Czernienie.
3. Utlenianie.
Mata słomiana
Matowa lub teksturowana powierzchnia produktów jest uważana za powierzchnię różniącą się od polerowanej, przenoszącą obciążenie dekoracyjne.
Tekstura powierzchni może być drobna, drobno kreskowana, matowa. Najczęściej stosuje się efekt połączonej obróbki tekstur z połyskiem. Teksturowane powierzchnie uzyskuje się za pomocą skorupy odlewniczej wyrobów, powierzchni polerowanej (po piaskowaniu powierzchni roboczej stempla), za pomocą trawienia w różnych kompozycjach kwasowych, zmatowienia mechanicznego (z zadziorem, zmielonym pumeksem, szczotkowaniem).
czernienie
Niello (topliwy stop o składzie: srebro, miedź, ołów, siarka) nakłada się na produkt przygotowany na niello, czyli z wgłębieniami z wygrawerowanym wzorem. Głębokość wzoru w granicach 0,2-0,3 mm zależy od wielkości produktu. Powierzchnia produktu niepokryta czernią musi być wypolerowana, bez rys, rys i innych wad.
Utlenianie
Produkty wykonane ze srebra i posrebrzane są utleniane (poddawane obróbce) zarówno chemicznie, jak i elektrochemicznie. Procesy chemicznego i elektrochemicznego bezbarwnego utleniania prowadzone są w roztworach i elektrolitach, których głównym składnikiem jest dwuchromian potasu. W procesie utleniania kolorów produkty są barwione na różne odcienie: niebieski, czarny, szary, ciemnobrązowy itp. Produkty utlenione są szczotkowane miękkimi szczotkami mosiężnymi, aby nadać filmom piękny połysk. Oksydowana powierzchnia musi być równomiernie matowa, bez różnicy w odcieniach.
Galwanotechnika
W przemyśle jubilerskim jako powłoki galwaniczne stosuje się złoto, srebro i rod. Na powłokach galwanicznych mogą występować niewielkie ślady punktów styku z urządzeniami przewodzącymi, które nie naruszają warstwy powłoki i nie pogarszają wyglądu produktu.

Pirografia, spalanie drewna, skóra, tkanina itp.

Witraż to dzieło sztuki dekoracyjnej wykonane z kolorowego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnej strukturze architektonicznej.

Górna połowa okna Biblii Biednego Człowieka, Katedra w Canterbury, Wielka Brytania

Obecnie istnieje kilka różnych rodzajów witraży, w zależności od techniki wykonania:

Witraż klasyczny (skład lub mozaika)- utworzone z przezroczystych kawałków szkła przytrzymywanych przegrodami wykonanymi z ołowiu, miedzi, mosiądzu. Klasyczne witraże dzielą się na ołowiane lutowane (montowane na ołowianym profilu) oraz witrażowe w technologii Tiffany (montowane na taśmie miedzianej).

Witraż lutowany ołowiem (lutowany)- klasyczna technika witrażowa, która pojawiła się w średniowieczu i była podstawą wszystkich innych technik. Jest to witraż, złożony z kawałków szkła w ołowianej ramie, lutowanych na złączach. Szkło można barwić i malować topliwą farbą do szkła i tlenków metali, która jest następnie wypalana w specjalnie zaprojektowanych piecach. Farba jest mocno wtopiona w szklaną bazę, tworząc z nią jedną całość.

Witraż fasetowy - witraż wykonany ze szkła z fazą usuniętą po obwodzie szkła (fasetę, fasetę) lub szkła wolumetrycznego, szlifowanego i polerowanego z nacięciem. Aby uzyskać szeroką fazę (polepsza to efekt załamania światła), wymagane jest grubsze szkło, co zwiększa wagę witrażu. Dlatego gotowe ukosowane części są montowane w mocniejszą (z mosiądzu lub miedzi) ramę. Lepiej jest umieścić taki witraż w drzwiach wewnętrznych, drzwiach meblowych, ponieważ taka rama jest w stanie wytrzymać obciążenia związane z otwieraniem / zamykaniem i zwisanie ołowiu w tym przypadku. Złoty odcień miedzianej lub mosiężnej ramy nadaje przedmiotom szlachetny wygląd, widoczny nie tylko w świetle, ale także w świetle odbitym, co jest szczególnie ważne w przypadku witraży meblowych.

Malowane witraże- wzór nakładany jest na powierzchnię szkła farbami transparentnymi.

Połączone witraże- powstaje w wyniku połączenia różnych technologii tworzenia witrażu.

Witraż piaskowany stworzony przy użyciu specjalnego sprzętu

Witraż spiekany (utrwalanie)- technika witrażowa, w której wzór tworzy się poprzez wspólne wypalanie wielobarwnych kawałków szkła lub wtapianie w szkło obcych elementów (np. drutu).

Witraż trawiony- technika oparta na zdolności kwasu fluorowodorowego do interakcji z dwutlenkiem krzemu (głównym składnikiem szkła). W tej interakcji z kwasem szkło ulega zniszczeniu. Szablony ochronne umożliwiają uzyskanie wzoru o dowolnej złożoności i wymaganej głębokości.

Witraże lane - Każdy moduł szkła jest ręcznie odlewany lub dmuchany. Szkło, którego grubość waha się od 5 do 30 mm, otrzymuje również fakturę powierzchni, która poprzez załamywanie światła wzmacnia wyrazistość. Do mocowania szkieł stosuje się zaprawę cementową i metalowe okucia.

Witraż do składu to najprostszy rodzaj witrażu, zwykle bez malowania, który powstaje na stole składu z kawałków bezpośrednio przyciętego lub wstępnie przyciętego szkła.

Imitacja witrażu.

Witraż foliowy- na szklaną powierzchnię nakleja się taśmę ołowianą i wielokolorową folię samoprzylepną (technologia angielska).

Konturowe okno witrażowe- wzór nakładany jest na powierzchnię szkła z polimerów akrylowych w dwóch etapach: kontur imituje żyłkę klasycznego witrażu, w zamkniętych obszarach utworzonych przez nałożenie konturu, kolorowe elementy wypełniane są ręcznie (technologia angielska) .

Witraże nad głową- uzyskany poprzez przyklejenie elementów do podłoża.

Mozaika, praca polegająca na tworzeniu obrazu poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni (najczęściej na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

Symbol duszy - ptak - na bizantyjskiej mozaice cerkwi z VI w. Chersonez.

Technika. Metody stylizacji.

Z bezpośrednim wybieraniem elementy mozaiki są wciskane w podłoże. Podczas oddzwaniania mozaikę montuje się na tekturze lub tkaninie, a następnie przenosi na zagruntowaną powierzchnię.

Układanie mozaiki: Technika jest podobna do układania płytek, klej i fuga do spoin mozaikowych są dostępne w każdym sklepie z narzędziami.

Podłoże jest badane pod kątem wytrzymałości, identyfikowane są wszystkie wady – pęknięcia, ubytki, gniazda żwiru, zbrojenie lub inne ciała obce nie objęte projektem, a także obszary problematyczne, takie jak zacieki olejowe, luźne lub niewystarczająco mocne podłoże, ubytki. Podłoże musi być nośne, nośne, suche, równe i wolne od środków zmniejszających przyczepność (np. dodatków zmniejszających przyczepność i ułatwiających demontaż szalunków), bez śladów mleczka cementowego, kurzu, brudu, resztek farb, zużytej gumy itp. • W razie potrzeby podłoże oczyścić mechanicznie, np. poprzez piaskowanie. Przed ułożeniem mozaiki powierzchnia musi być wizualnie równa, bez zacieków, wgłębień i pęknięć, a także sucha i zagruntowana.

Mozaika na papierze. Układanie rozpoczyna się od nałożenia kleju na przygotowaną powierzchnię, po czym jest on równomiernie rozprowadzany na całej powierzchni. W większości przypadków zaleca się stosowanie klejów na bazie lateksu. Mozaika jest przyklejona tylną stroną do papieru. Układanie musi być staranne, więc odległość między arkuszami musi odpowiadać odległości między płytkami, niedopuszczalny jest nadmierny nacisk. Pod koniec układania arkusze należy przymocować lekkimi uderzeniami platformy za pomocą gumowej podstawy. Po dniu papier można usunąć - zwilżony wilgotną gąbką, pozostaje w tyle. Przed fugowaniem powierzchnię mozaiki należy oczyścić z resztek papieru i kleju, po czym fugowanie można wykonać gumową pacą. Do fugowania wskazane jest użycie kompozycji zalecanej przez producenta mozaiki. Po zakończeniu fugowania można wyczyścić mozaikę i wypolerować powierzchnię mozaiki.

Układanie mozaiki na siatce. W przeciwieństwie do mozaiki na arkuszach papieru, mozaiki przyklejane do siatki są przyklejane stroną zadrukowaną do góry. Ze względu na technologię jego układania charakterystyczne jest to, że po wyschnięciu kleju można natychmiast rozpocząć fugowanie spoin.

W sztuce i rzemiośle istnieje wiele innych rodzajów. Z każdym rokiem odkrywania nowych technologii jest ich coraz więcej.

Bardziej szczegółowe informacje wraz z materiałem wizualnym można znaleźć na stronach znanych wyszukiwarek.

Rozwój przetwórstwa drewna jest bezpośrednio związany z rozwojem rosyjskiej sztuki i architektury. Starożytne zabytki artystycznej obróbki drewna są nieliczne, są więc badane według źródeł literackich, obrazów w malarstwie, a także zabytków sztuki ludowej późniejszych czasów. Rosyjska sztuka artystycznej obróbki drewna to wyjątkowe zjawisko, które dało światu wspaniałe zabytki architektury, unikalne bogate rzeźby i sprzęty gospodarstwa domowego.

Podobnie jak architektura drewniana, sztuka rzeźbienia sięga życia starożytnych Słowian, którzy osiedlili się w starożytności nad brzegami Wołgi, Donu, Dniepru, jeziora Ilmen. Na ścianach słowiańskich sanktuariów przedstawiano ludzi, ptaki, zwierzęta, które według mitów i baśni „żyły” w tych odległych czasach. Przedchrześcijańskie idee religijne starożytnych Słowian doprowadziły do ​​powszechnego stosowania mitologicznych motywów malarskich. Najpopularniejszymi obrazami tamtych czasów, które zdobiły chaty, były różne fantastyczne zwierzęta, syreny i kobiece postacie obok koni i wiele innych. Te same motywy zachowane są w sztuce zdobniczej i użytkowej.

Nasi przodkowie od zawsze wiedzieli, że drewno jest jak materiał konstrukcyjny ma cenne cechy: izolację termiczną, dobrą wodoodporność, niską gęstość, różnorodność wzorów tekstur, piękny kolor i oczywiście wygodę zbierania i przetwarzania. Prawie wszystkie budynki mieszkalne i gospodarcze, mury miejskie, mosty i świątynie, fortyfikacje strategiczne zostały zbudowane z drewna. Ponadto drewno było szeroko stosowane w życiu codziennym: rzemieślnicy wytwarzali statki, łodzie, sanie, wozy, naczynia (miski i kielichy, łyżki, chochle, solniczki, wiadra, wanny), narzędzia do rolnictwa i prac domowych (koła obrotowe, wrzeciona ).

Ludzie umiejętnie wykorzystywali wszystkie jego części w gospodarce, nic się nie marnowało. Na przykład dach pokryto korą brzozową, ponieważ nie wchłania wilgoci, a z jego pasków uszyto również pochewki do przechowywania narzędzi stolarskich i stolarskich, aby chronić go przed rdzą. Z tamtych czasów wywodzi się również tradycja wytwarzania tuesca do przechowywania żywności, która przetrwała do dziś. Cóż możemy powiedzieć o powstającym piśmie - słynne listy nowogrodzkie zostały napisane na korze brzozy. Ale rzemieślnicy nie używali samej kory brzozowej - robili różne cienkościenne naczynia z pętelki (nory na drzewach liściastych), ponieważ pęczek ma twardość, elastyczność i rzadkie piękno tekstury. Z dobrze wygiętego wierzbowego pręta wyplatano duże i małe kosze i kołyski. Pnie drzew poszły oczywiście na budowę domów i palisad. W tamtych czasach nie można było znaleźć wygodniejszego materiału. Drzewo zostało dość łatwo ścięte i przetworzone. Masywne bale ścian służyły jako niezawodna ochrona przed wrogami i złą pogodą.

Wybór narzędzi do obróbki drewna, w szczególności narzędzi snycerskich w tamtych czasach był nie mniejszy niż dzisiaj. Oczywiście liczby dłut i dłut wyprodukowanych w tym czasie nie można porównać z nowoczesnymi wskaźnikami produkcji, ale asortyment narzędzi był dość obszerny - od wielu rodzajów samych siekier do różnych cięć po niezliczone opcje i rodzaje dłut, noży i dłut ... Mówiąc jednak o narzędziu - to osobna kwestia.

W Rosji zawsze istniały różne sposoby artystycznej obróbki drewna, ale najczęstszą była oczywiście rzeźba, którą zdobiono każdy budynek: od pałaców po proste chaty, meble, różne artykuły gospodarstwa domowego i drobne rzemiosło. Istnieje wiele rodzajów i kierunków rzeźbienia w drewnie. Nawet rzeźbienie domu jest wyróżnione jako osobny kierunek, w którym istnieją prawa i kanony dokładnie tego, jak, jakim ornamentem i gdzie ozdobić tę lub inną część domu! Rosyjscy rzemieślnicy doskonale znali i odczuwali drewno jako materiał, mieli tak żywą, niesamowitą wyobraźnię, że pozwalała im tworzyć prawdziwe dzieła sztuki w każdym dziele, niezależnie od tego, czy był to pałac książęcy, czy zwykła drewniana łyżka.

Fabuła drewniana łyżka w Rosji

Przedmiot przyborów domowych używanych w kalendarzu i uroczystościach rodzinnych, w Medycyna tradycyjna i wróżbiarstwo. Łyżka zwykle symbolizuje członka rodziny, do którego należy, a także osobę w ogóle. W prowincji Vyatka. na weselu związali razem łyżki młodej pary, mówiąc:
„Ponieważ te łyżki są ściśle połączone, młode będą ze sobą połączone”.

Łyżka była jedną z nielicznych osobistych rzeczy chłopa; łyżki zaznaczone, unikając używania obcych. Łyżka była zwykle kojarzona z kobiecością: według znaku znanego wśród Słowian Wschodnich, jeśli łyżka lub widelec spadnie, przyjdzie kobieta, jeśli nóż jest mężczyzną. Niemniej jednak łyżce mężczyzny przypisano szczególne znaczenie:
czasami był w przeciwieństwie do reszty pod względem wielkości i kształtu;
Łyżka mężczyzny nie mogła ingerować w jedzenie, aby mąż nie angażował się w sprawy kobiet i nie kłócił się z żoną.

Na Ukrainie wierzono, że przy pomocy łyżki zmarłego właściciela można pozbyć się znamię, brodawki, ropnia, obrzęku gardła. W prowincji Połtawa. taka łyżka została nazwana „czarownicą”; była bardzo ceniona i wierzyła, że ​​dotykając jej bólu gardła, można natychmiast wyleczyć ból gardła. Łyżka faceta lub dziewczyny była używana w magii miłosnej: spalili ją, aby oczarować osobę, którą lubili.

Przed jedzeniem łyżki były zwykle umieszczane do góry nogami, co oznaczało zaproszenie do jedzenia; po posiłku odwrócono łyżki. Jednak w prowincji Oryol. nie wolno było wkładać łyżki „twarzą do góry” przed posiłkiem, w przeciwnym razie umrzesz z otwartymi ustami i oczami. Zgodnie z przekonaniem Białorusinów podczas posiłku pogrzebowego po każdym posiłku należy położyć łyżkę na stole, aby „dziadkowie” ją zjedli, a łyżkę należy kłaść karbem do góry, w przeciwnym razie zmarli się odwrócą twarzą w dół w grobach.

Podczas upamiętnienia umieszczono dla zmarłego dodatkowe urządzenie (w tym łyżkę). W Polsce i na Białorusi podczas świątecznej kolacji i Nowy Rok nie wolno było podnieść łyżki, ponieważ spadła na skutek interwencji zmarłych, niewidocznych przy stole.

Białorusini po upamiętnieniu złożyli łyżki na stos i zostawili je na stole do rana, aby wszyscy mogli być razem w „innym świecie”. W tym samym miejscu, na „dziadkach”, łyżki układano w nocy wokół miski z pamiątkowym naczyniem, a rano, zgodnie z ułożeniem łyżek, oceniano, czy przodkowie przybyli w nocy; jeśli rano łyżka odwróciła się do góry nogami, oznacza to, że zmarły jej używał.

Na Ukrainie i Białorusi w noc przedświąteczną uczestnicy kolacji również zostawiali na stole łyżki, kładąc trzepaczkę na boku miski z resztkami kutii lub wbijali je do kutii; wierzono, że jeśli łyżka spadnie lub przewróci się w ciągu nocy, jej właściciel umrze tego roku. Huculi wróżyli w sylwestra: po obiedzie ustawiają na ławce łyżki, opierając je o ścianę; jeśli jedna z łyżek spadła, obiecało to śmierć właścicielowi. Moravanowie po wieczerzy wigilijnej narzucili sobie na głowy łyżkę; jeśli upadnie z klamką do drzwi, zapowiada to szybką śmierć. Na północy Rosji łyżki wypełnione wodą wynoszono nocą na ulicę: jeśli zamarzło z dołkiem, obiecało to śmierć właścicielowi, a jeśli z guzkiem, to życie.

Łyżka, stale kojarzona z jedzeniem i ustami, kojarzyła się z pyskiem dzikiego zwierzęcia, gryzonia, psucia ptasich plonów itp. Dlatego w celu ochrony pól przed ptakami i szkodnikami polowymi oraz zwierząt gospodarskich przed drapieżnikami w niektóre święta korzystanie z urządzeń, zwłaszcza łyżek, było ograniczone. W Serbii gospodyni przed Dniem św. Jerzego skrzyżowała łyżki i związała je słowami: „Łączymy paszczę wilka”. Serbowie często nie używali łyżek i widelców podczas posiłku w Wigilię iw pierwszych tygodniach Wielkiego Postu; łyżki przywiązywano, ukrywano, zawieszano w pobliżu kurnika, aby ptaki drapieżne nie atakowały drobiu; wiązane sznurkiem, żeby „kruki nie dziobały kukurydzy”. W Polsce, jedząc owsiankę w Wigilię, uderzają łyżką o pokrywę lub uderzają sąsiada w czoło słowami:
„Precz, gołębie, od prosa, grzech, precz!”

W różnych sytuacjach rytualnych rzucano, kradziono, a nawet łamano łyżki. W prowincji Kaługa. W dniu Wniebowstąpienia kobiety chodziły na żyto, gotowały tam jajecznicę, a po zjedzeniu rzucały łyżkami, mówiąc:
„Jak wysoko leci łyżka, tak wysoko byłoby żyto”.

W prowincji Kostroma. w Semiku dziewczęta gotowały owsiankę, a następnie rzucały łyżkami przez zwiniętą brzozę: w którym kierunku łyżka spada z rączką, stamtąd będzie narzeczony. W Polsce w Wigilię nie stawiano łyżek na stole, ale trzymano je w zębach, aby sacrum nie bolało; właściciel rzucił łyżką groszek, „żeby kopały byki i jałówki”.

W medycynie ludowej powszechnie używano wody do płukania łyżek. W prowincji Vyatka. przed kąpielą oblano dziecko wodą uzyskaną z trzech łyżek, widelców i noży i skazano:
„Jak łyżki, widelce i noże leżą cicho, więc sługo Boży (imię), bądź cicho i spokojnie”.

Obchodzenie się z łyżką regulowało szereg domowych zasad i zakazów:
Ukraińcy pilnowali, żeby na stole nie było dodatkowej łyżki, bo inaczej „groźni” ją zjedzą;
nie wolno było „zawiesić” łyżki na misce, aby „złowrogie nie wchodziły do ​​miski”.
Nie można zostawić łyżki w garnku na noc, ponieważ nieczysty dotknie ich i zahuczać, dlatego dzieci nie będą mogły spać.
Nie możesz użyć cudzej łyżki, z tego powodu w kącikach ust pojawią się „dżemy” lub obżarstwo zaatakuje osobę.

Historia kołowrotka w Rosji

Kądziele to wyjątkowy fenomen kultury sztuki ludowej. Najpełniej oddają artystyczny talent rosyjskiego chłopa, który potrafił zamienić domowy przedmiot w dzieło sztuki. Kołowrotek był jednym z ulubionych prezentów mężczyzny dla kobiety, zwłaszcza pana młodego. Za mały kołowrotek podarowany przez ojca lub brata dziewczyna usiadła w wieku od pięciu do siedmiu lat, a potem nie rozstała się z nią przez całe życie. Obfity i różnorodny wystrój kołowrotków jest swego rodzaju skarbnicą ludzkiej pamięci. W Rosji znanych jest ponad 30 rodzajów artystycznych kołowrotków.

Kolumnowe kołowrotki kompozytowe z rzeźbionymi nogami w formie wielopiętrowej wieży są niezwykle eleganckie. Liczba pięter z łukowymi oknami sięga niekiedy pięćdziesięciu. Ta forma kołowrotka jest imitacją architektonicznych wizerunków kościołów namiotowych i dzwonnic z XVII wieku.

Kołowrotek Wołogdy czasami zamieniał się w cały rzeźbiony panel. Uważano, że im szersze ostrze, tym jest piękniejsza. Na rzeźbionych kołowrotkach z języka rosyjskiego. Na północy widać dużą rozetę, która od czasów starożytnych symbolizowała słońce i nieprzypadkowo w tym miejscu za wiosłem zawiązano hol. W poezji ludowej promienie słońca nazywano złotymi lokami i złotymi nićmi, a wirująca kobieta niejako skręcała nić z promieni samego słońca. Kądziele świadczą również o tym, że jeszcze do niedawna rosyjski chłop wyobrażał sobie słońce w ludzkiej postaci: na jednym wyjątkowym dnie Jarosławskiej kolumnowej kądzieli widnieje wyrzeźbiona twarz słońca otoczona aureolą promieni.

Jak powstały kołowrotki

Na skraju lasu stoi szerokonogi kikut. Potykamy się. Stoi, wygrzewa się na słońcu i jakby całym swoim wyglądem mówi: „Nikt mnie teraz nie potrzebuje, czas odpocząć”. Ale go tam nie było. Bystre oko przechodzącego wieśniaka. Zatrzymuje konia, bierze siekierę: „Jeszcze będziesz mi służył, dziadku”. Odciął wszystkie korzenie, zostawił tylko dwa długie po przeciwnych stronach, wyrwał starego człowieka z korzeniami, a potem, gdy rąbał z całych sił w samym środku, kikut rozłupał się na dwie równe połówki i każdy miał wygięty noga. Mężczyzna czule dotknął prawie gładkiej powierzchni: „Brzężące koła będą dobre dla mojej żony Awdotiuszki i córki Maryuszki, w przeciwnym razie jej stara córka stała się dla niej dość mała, dziewczyna rośnie”. Załadowałem obie połówki na wózek i pojechałem do domu.

W ten sposób rozpoczęła się kiedyś produkcja kołowrotka, który był szeroko rozpowszechniony na całej rosyjskiej północy. Jego ostrze wycięto z pnia, a spód do osadzenia błystki wycięto z korzenia tego samego drzewa. Jest tylko jeden sposób, a kołowrotki w każdej miejscowości są inne, wyjątkowe, nie da się ich pomylić, bo mistrzowie dekorowali je tak, jak nauczali ich ojcowie i dziadkowie. Każdy mistrz wykonał swój własny, ale ogólny wygląd produktu, charakter jego dekoracji nie uległy zmianie. A jednak nie znajdziesz dwóch identycznych kręcących się kółek.

Obraz rosyjskiego kołowrotka w sztuce

Nie wszyscy naukowcy widzą tylko obraz słońca w kręgu rozety. Akademik B. A. Rybakov zasugerował, że jest to wyraz szerszej idei „białego światła”, która w popularnym światopoglądzie została oddzielona od koncepcji słońca: „Światło dla całego Wszechświata jest światłem nienamacalnym, nieodgadnionym i nikt nie może go nigdzie umieścić ...». Mała rozeta wewnątrz tego koła, według Rybakowa, przedstawiała samo słońce, a dwa kolczyki z małymi rozetami na dole boków ostrza przekazywały ideę porannego i wieczornego słońca, jego ruch od wschodu do zachodu słońca. Na miasteczkach wieńczących pomorskie kołowrotki znajduje się niejako pięć rozet w ruchu wstępującym i opadającym, a środkowa jest największa.

Pomorskie kołowrotki, które istniały nad brzegami Morza Białego, były bogato zdobione rzeźbieniami geometrycznymi, a w XIX wieku rzeźby malowano również przy użyciu radosnej wielobarwnej palety barw. Na nich już widzimy nie jedną, ale trzy złożone rozety, umieszczone jedna pod drugą, a romb lub kwadrat jest koniecznie wpisany w centralną, często z cieniowaniem. (Teraz udowodniono już, że wizerunek rombu z czasów starożytnych symbolizował ideę płodności, płodnej ziemi. A gniazdo wirowe pod nim to nocne „podziemne” słońce, torujące sobie drogę z zachodu na wschód, aby rano ponownie oświetlić i ogrzać ziemię.) Okazuje się, że na kołowrotkach odtwarzany jest schematyczny obraz Wszechświata, który według światopoglądu naszych przodków składa się z trzech głównych światów - niebiańskiego, ziemskiego i pod ziemią.

Symbolika rosyjskiego kołowrotka

Na kołowrotkach każdego typu elementy tego obrazu świata są przekazywane na swój własny sposób. Linia ziemi jest często przedstawiana przez pasek geometrycznej rzeźby na dole ostrza, a podziemne słońce to mała rozeta na trzonie kołowrotka. Na kołowrotkach Tarnog i Nyuksen z regionu Wołogdy rzeźbiony wąż rozciąga się do takiego wylotu wzdłuż zgięcia nogi od tyłu. Wąż prawie wszystkich narodów świata, w tym Rosjan, personifikowane siły podziemne, a na kołowrotku Tarnoga opowiadany jest starożytny mit walki słonecznego bóstwa dobra z wężem, bóstwa zła, ciemności w języku ornamentu.

W obrazach kołowrotków można odnaleźć echa pospolitego słowiańskiego mitu o stworzeniu wszechświata, według którego świat stworzyły dwa ptaki, które zabrały pierwszy kawałek ziemi z dna pierwotnego morza-oceanu. , a potem słońce, miesiąc, gwiazdy. A na ostrzu rzeźbionego totemu kołowrotka, z regionu Wołogdy, widzimy dwa ptaki stojące na rombach - jak na nowo powstałej ziemi - wyspie, a nad nimi wznosi się ogromna półrozeta słońca, jak jeśli wyłania się z pierwotnego oceanu. Podobna fabuła znajduje się na Twerskim kołowrotku: przed skrzyżowanym kołem stoją dwa rzeźbione ptaki, a poniżej wyrzeźbiono schematyczny obraz drzewa.

Jak dekorowano rosyjskie kołowrotki

Drewno jest generalnie jednym z głównych motywów zdobienia kołowrotków, zwłaszcza w malarstwie. I nie przez przypadek. Są to ślady archaicznych pomysłów na temat legendarnego i tajemniczego Drzewa Życia, które ewoluowały i rozwijały się przez wiele tysiącleci. U zarania powstania ludzkości drzewo było jednym z pierwszych schronień człowieka, stało w centrum pierwszego prymitywnego mieszkania - chaty (lapończycy mieli takie mieszkania na początku XX wieku). Jej koroną był pierwszy dach, pod którym paliło się palenisko, rodzili się nowi członkowie rodziny, drzewo w umyśle człowieka pierwotnego stało się integralną częścią wszystkiego. koło życia plemienny zespół. Wiele narodów świata miało kiedyś wyobrażenia o drzewie genealogicznym z ptakami - duszami ludzi na gałęziach. Najwyraźniej takie idee istniały kiedyś wśród przodków Słowian Wschodnich. Świadczą o tym wierzenia ludowe, zabytki sztuki użytkowej. Drzewo z ptakami to jeden z ulubionych motywów rosyjskiej sztuki ludowej. Często znajduje się na kołowrotkach. Tak więc rzeźbiony kokosznik kołowrotka Jarosławia „teremkovy” jest schematycznym przedstawieniem drzewa z ptakami na gałęziach i dwoma końmi u jego podstawy.

Meble chłopskie są nierozerwalnie związane z miejskimi próbkami rosyjskich mebli, których prototypem były europejskie stoły, szafki, ławki, skrzynie itp. Na przykład XVII wiek był naznaczony ogromnym wpływem niemieckich producentów mebli na styl i formę rosyjskich mebli miejskich. Oczywiście rosyjskie chłopstwo, idąc do pracy w mieście, przywoziło z miasta do rodzinnej wsi nie tylko przedmioty materialne, ale także świeże pomysły podglądane od swoich mieszczan, w tym meble. Oczywiście nie było możliwości chłopa, aby przekazać idee profesjonalnego producenta mebli miejskich we własnym produkcie, były uproszczenia w projektowaniu, decyzje mające na celu obniżenie kosztów mebli ... W ten sposób powstały oryginalne meble chłopskie , który nigdy nie przestaje nas zadziwiać swoją niezawodnością i pięknem.

Z biegiem czasu ukształtowała się tak oryginalna i statyczna kultura meblarstwa, że ​​czasami pojawiają się problemy z datowaniem produkcji mebli z wyglądu – tajniki sztuki meblarskiej były przekazywane z ojca na syna i przez pewien czas pozostawały niezmienione. Dotyczy to zwłaszcza osad staroobrzędowców – ich kultura jest statyczna, a meble praktycznie nie zmieniły się od kilku pokoleń.

materiał na język rosyjski wieś serwowane niedrogie gatunki drewna, takie jak sosna, świerk, brzoza, dąb, osika, lipa, modrzew… Materiał mebla oczywiście różni się w zależności od regionu, w którym mebel został wykonany – oczywiście nikt nie podróżował do odległych krain za lasem. Na przykład na północy Rosji dominowały meble wykonane z drewna iglastego, w innych regionach również nie było szczególnego wyboru dla producentów mebli - używali drewna, którego źródło było bliżej wsi, w ich praca.

Jednak wpływ na rosyjskie tradycje meblarskie nie ogranicza się tylko do Europy - na przykład tak powszechny mebel w Rosji, jak skrzynia, zaczyna się znajdować wśród mebli starożytnego Egiptu i stamtąd śledzi jego historię. Według kanonów egipskich ten mebel był produkowany prawie do XIII wieku, kiedy pra-skrzynię, która jest solidnym kawałkiem drewna, została zastąpiona skrzynią wykonaną ze zbitych desek. W ten sposób skrzynia stała się znacznie bardziej dostępna dla mas i wkrótce pojawiło się wiele modyfikacji tego przedmiotu - fantazja ludowa łączyła skrzynię z łóżkiem, pojawiły się skrzynie na pieniądze - rodzaj starych sejfów, a także różne modyfikacje skrzyni do przechowywania naczynia, ubrania i inne przybory.

Skrzynia w Rosji traktowana była jako główny mebel w chacie, bez którego nie sposób sobie wyobrazić istnienia zwykłej chłopskiej rodziny.

Oprócz skrzyni w starej rosyjskiej chacie był też oczywiście taki mebel jak stół - oczywiście bez niego nie jest możliwe ani jedzenie, ani wieczorne spotkania przy świetle pochodni... Stół śledzi również jego historię od starożytnego Egiptu, który stał się kolebką wielu koncepcji mebli. Stół egipski był znacznie niższy, ale w starożytności nabrał mniej lub bardziej nowoczesnych proporcji.

W tradycji rosyjskiej stół przybierał różne formy, czasem tak dziwaczne, że trudno to sobie wyobrazić. Przykładem takiej koncepcji jest stół weselny karelski, w którego projekcie uwzględniono narty. Stół ten był używany raz - podczas ceremonii zaślubin, a potem panna młoda zaciągnęła stół do stodoły (dlatego potrzebne były narty), gdzie był cały czas trzymany, dopóki istniała więź małżeńska. Oczywiście w czasach starożytnych istniały dwa główne typy stołów - jadalnia i kuchnia.

Inna ciekawa forma mebli w Rosji - schowek - służyła jako rodzaj kredensu, jednak przechowywano tam głównie rzeczy o wartości kulturowej, a także różnego rodzaju pamiątki rodzinne ...

Logiczną kontynuacją tej formy mebli był bufet, do którego jesteśmy przyzwyczajeni - w nim chłopska rodzina trzymała zwykłe przedmioty, które były dość często używane i nie miały wartości kulturowej ani rytualnej. Wydawałoby się, że bufet - to bufet, ale ludzie przystosowali meble do jednej chaty, która różniła się nie tylko geometrią, ale także liczbą mieszkających w nim osób, a zamożność rodziny była bardzo różna , więc kształty i rozmiary bufetów okazały się najróżniejsze, od wydłużonych po niskie i długie kredensy.

Pod koniec XIX wieku w chłopskiej codzienności zaczęły pojawiać się szafy, które służą do przechowywania różnego rodzaju bielizny - bielizny, stołu i spania... Ta forma mebli nie zakorzeniła się w wyższych sferach, ale została chętnie przyjęta przez ludność miejska, skąd wkrótce przeniosła się do rosyjskich wiosek. Mebel był dość ujednolicony, główną różnicą w designie jest opcjonalny cokół z szufladami.

Rosyjska rzeźba ludowa i malarstwo na drewnie

Wśród największych kolekcji rosyjskiej sztuki ludowej, kolekcja stolarki artystycznej w Muzeum Zagorskim jest jedną z najbogatszych i najbardziej kompletnych. Został zebrany w czasach sowieckich. Pod koniec lat 30. Muzeum Ludowego Rzemiosła Artystycznego w Moskwie z inicjatywy 3. J. Schwagera zebrało pierwsze, dosłownie pojedyncze, drewniane przedmioty życia rosyjskiego chłopa. W tych samych latach do muzeum trafiła również rzadka kolekcja rzeźb domów w Wołdze, w której nabyciu brał udział znany już w tamtych latach poseł Zvantsev, ekspert i badacz sztuki ludowej regionu Wołgi. W 1941 roku zbiory tego muzeum zostały przekazane do Państwowego Muzeum Historyczno-Artystycznego w Zagorsku, gdzie kontynuowano prace nad kompletowaniem zbiorów. W ciągu ostatnich dwóch dekad muzeum przeprowadziło ponad 50 ekspedycji naukowych w celu zbierania i studiowania rosyjskiej sztuki ludowej. Większość prac prezentowanych w albumie została zebrana podczas tych podróży.

Dzieła tej kolekcji pochodzą głównie z XIX i pierwszych dekad XX wieku. Niektóre przykłady pochodzą z XVIII i XVII wieku. Terytorium, które zostało zbadane w latach 50. i 60. przez Muzeum Zagorskie, jest rozległe. Obejmuje całą północ Rosji (obwody Archangielsk i Wołogdy), ziemie leżące wzdłuż górnego i środkowego biegu Wołgi (obwody Gorkowski, Kostromski, Jarosławski i Kalinin) i dalej na zachód (obwody smoleńskie, pskowskie, nowogrodzkie i leningradzkie) . Zgromadzona na tym terenie kolekcja wyrobów z drewna cieszy się dużym zainteresowaniem, przede wszystkim ze względu na duże znaczenie artystyczne. Ponadto kilkuletnie studiowanie sztuki jednego obszaru często umożliwiało otwieranie zupełnie nowych ośrodków sztuki ludowej. Zbiory Muzeum Zagórskiego nie tylko pozwalają uzupełnić klasyfikację wielu działów rosyjskiej sztuki ludowej rozpoczętą przez badaczy jeszcze przed rewolucją, ale w wielu przypadkach są jedynym źródłem, które umożliwia po raz pierwszy opisanie poszczególnych jednostek. dzieła wielu przedrewolucyjnych kolekcji, w których kolekcji nie przywiązywano wagi do certyfikacji naukowej. Rosyjska północ oraz ziemie górnej i środkowej Wołgi to najbardziej zalesione regiony europejskiej części Rosji. Modrzew, sosna, świerk, brzoza, klon i wiele innych gatunków drzew od dawna są wykorzystywane przez człowieka do robienia wszystkiego, co było niezbędne w jego życiu. Z drewna wycięli mieszkanie i wszystkie budynki gospodarcze wokół domu, stworzyli rzeźbiarskie wizerunki bogów, wznosili świątynie, budowali duże i małe statki, wytwarzali meble, prawie wszystkie narzędzia, robili naczynia i zabawki dla dzieci. Był to najbardziej przystępny cenowo, trwały i łatwy w obróbce materiał. Nie ostatnie miejsce wśród wymienionych zalet zajęło piękno materiału - jego urozmaicona barwa i naturalny rysunek drewna, które rzemieślnicy tak znakomicie wykorzystywali w swoich rzemiośle. Od niepamiętnych czasów człowiek starał się nie tylko otaczać się przedmiotami niezbędnymi w jego życiu, ale także je ozdabiać. Poczucie piękna w nim rozwijało się nierozerwalnie z procesem pracy, zrodziło się z potrzeby twórczości, odzwierciedlającej ideały estetyczne i kulturę duchową człowieka. Tak więc, z wieku na stulecie, wchłaniając wszystko, co najlepsze, co zostało stworzone wcześniej, ukształtowała się kultura narodowa, sztuka narodu rosyjskiego. Sztuka ludowa jest piękna, ponieważ jest dziełem całego ludu. Jej potężny nurt pochłonął wszystkie źródła piękna i przez wieki niósł życiodajne świeże wody niezliczonych źródeł sztuki ludowej. To właśnie w sztuce ludowej najwyraźniej przejawiał się smak narodowy. W nim ludzie odzwierciedlili swoje marzenia o pięknie, nadzieje na szczęście. W kreatywności, w nieodpartym locie fantazji, ludowi rzemieślnicy zostali przeniesieni do wspaniałego świata piękna. Każdy chłopski dom wypełniony był dziełami prawdziwej wielkiej sztuki, która sama w sobie bardzo często była wspaniałym zabytkiem architektury drewnianej. Sanie i łuki, skrzynie i kołyski, kołowrotki i maszyny do szycia, bułki i falbany, chochle i solniczki zostały umiejętnie ozdobione rzeźbami i malowidłami. W leśnych regionach Rosji szczególnie rozwinięto stolarstwo. Duże znaczenie w rosyjskiej architekturze drewnianej przywiązywano do rzeźbionej dekoracji budynków. Najbardziej uderzającą stroną tej sztuki w XIX wieku była rzeźba domów z regionu Wołgi. Szałasy, elegancko „ubrane” w rzeźbienia, przypominają baśniowe wieże (I.i.I). Wzorzyste deski z bogatymi, płaskorzeźbionymi płaskorzeźbami z głębokim tłem podkreślają i odsłaniają cechy konstrukcyjne budynku. Kontrastujące z budowlą z bali wzorzyste deski już z daleka odsłaniają główne bryły - głębię frontonu wpadającego w cień podkreślają jasno oświetlone skrzydła, otwór świetlny obramowany reliefową ramą obudowy, pod deską czołową szerokie ozdobne pasy wykończeniowe okien, deski skrajne wyraźnie ograniczają krawędzie domu z bali, rzeźbione ościeżnice i furtki wiszące nad liśćmi dopełniają elewację tego wyrazistego zespołu architektonicznego.

Bujny wegetatywny wzór biegnie okrągłymi lokami wzdłuż rzeźbionych desek, wplatając w pędy albo duże kwiatostany przypominające stokrotki, potem kiście winogron, a potem ozdobne owoce, które wyglądają jak ogromne szyszki bajecznych drzew. A w zagęszczeniu bujnego i rytmicznego wzoru kwiatowego pozują lwy z humanizowanymi głowami, linie brzegowe w postaci syren, syreny w królewskich koronach. I wreszcie, po bliższym przyjrzeniu się, zachwycają nas innym, nowym pięknem - perfekcją rzeźbienia, do której rzemieślnicy z regionu Wołgi przywiązywali wielką wagę. Podziwiamy nie tylko artystyczne wyobrażenia i kunszt rzeźbienia, ale także sam materiał – rzeźbione drewno. Zwietrzałe przez wiele dziesięcioleci na świeżym powietrzu drzewo bawi się teraz nie tylko kolorem, ale także wzorem włókien. Jedną z tradycyjnych dekoracji domu chłopskiego przez prawie cały XIX wiek była wzorzysta deska czołowa, która niejako wieńczyła dom z bali, oddzielając go od frontonu. Bardzo rzadko wzór wegetatywny układał się w ciągłą, ciągłą wstęgę, równomiernie wypełniając całą płytę czołową od krawędzi do krawędzi. Zwykle wyraźnie zaznaczono centrum kompozycyjne, czemu służyła czasem data zamknięta w reliefowej ramie. Po obu jej stronach były lwy, syreny i syreny. Czasami była to doniczka, z której wychodziły łodygi girlandy. I bardzo rzadko - nazwisko i inicjały mistrza, jak na frontowej desce domu słynnego mistrza nadwołżańskiego Michaiła Małyszewa, którego wyobraźnia nie znała granic, jakby jego dłuto było obdarzone magią (il. II) . Wzory nałożone na zwykłe deski sosnowe zamieniły ten prosty i najtańszy materiał w klejnot. MP Zvantsev, największy badacz rzeźby domów w Wołdze, nazwał Małyszewa „klasykiem rzeźby w Niżnym Nowogrodzie”. Jego prace wyróżniają wyrazistość ornamentu, soczystość umiarkowanie wysokiej płaskorzeźby oraz staranne modelowanie bardzo plastycznej rzeźby.

Wraz z bogatą ornamentyką desek frontowych, z wielkim przepychem ozdobiono pod nimi czerwone okna domu, czyli okna dużych rozmiarów, w przeciwieństwie do tych małych - przenoski, które wycięto w Wołdze region w pierwszej połowie ubiegłego wieku po obu stronach jednego dużego czerwonego okna. Reprodukowany w albumie kształt opaski czerwonego okna o nieco wydłużonych proporcjach i poluzowanej trumnie został zapożyczony przez rzemieślników ludowych z wystroju architektury kamiennej. Świadczą o tym wyraźnie czytelne kapitele, które wspierają sandrika i smukły rząd grzanek, które go otaczają. Ale rzeźbiarz ludowy dostosował wszystkie te elementy do nowego materiału, twórczo je przemyślał, dlatego tak organicznie wtopił się w wystrój chłopskiej chaty. Autor wykazał się dużą wprawą w interpretacji wzoru z wizerunkiem ptaków, podlegają one powszechnemu rozwiązaniu zdobniczemu. Gęstość i blask wzoru doskonale podkreśla gładkie drewno okiennic oraz pionowe szprosy obudowy. Listwy z jasnymi oknami zostały szczególnie elegancko ozdobione przez rzemieślników z regionu Wołgi. Zajmujący mocno cofniętą przestrzeń frontonu, architraw światła stanowił jego dekoracyjny środek. Postanowił bardzo rzeźbiarski, obszerny i zawsze jasno oświetlony. W rzeźbieniu jasnych okien uderza twórcza wyobraźnia rzemieślników: oto elementy klasycznej architektury, doskonale wpisane w ogólną kompozycję obudowy, baśniowe stworzenia i poskręcane drewniane kolumny oraz ptaki w aureoli promieni słonecznych rozet. Piękna i żywa faktura drewna zwraca uwagę przy rozważaniu detali snycerskich – fragmentów kwiatowego wzoru i wizerunków różnych baśniowych stworzeń. Rytmiczny żywy wzór włókien drzewnych czasami doskonale odsłania plastyczność reliefowych obrazów, podkreśla wyrazistość tajemniczych syren i wybrzeży patrzących na widza, pomaga przekazać żywą mimikę lwa pyska kota. Naturalny wzór włókien albo przecina czoło zmarszczkami, potem rozprasza się cienkimi promieniami z oczu wzdłuż okrągłości policzków, potem podkreśla linię śmiechu nosa, a następnie układa się wokół ust, pochylonych w grymasie. Mistrz subtelnie wyczuwał materiał i prawie zawsze zmuszał go do wzmocnienia wyrazistości swoich obrazów. Dlatego postacie z bajek w drewnianych rzeźbach regionu Wołgi, które mogły powstać pod wpływem białych kamiennych płaskorzeźb starożytnych struktur architektonicznych Władimira-Suzdala, są postrzegane w zupełnie nowy sposób i nabierają własnych cech nieodłącznych tylko w drewnie ludowym plastiku.

Jednym z najciekawszych i najczęstszych obrazów rzeźby domu Wołgi jest obraz wybrzeża, którego nie ma w żadnej innej formie rosyjskiej sztuki ludowej. Nazwa „beregina” nie pozostawia wątpliwości, że kiedyś ta istota miała chronić. Najwyraźniej „amulet” w postaci syreny został po raz pierwszy wycięty na statkach, a ten obraz powstał w tych odległych czasach, kiedy wierzyli w dobrą moc bóstwa, które chroniło ludzi podczas podróży przed złymi duchami żywiołów. Uważa się, że „głucha” rzeźba w Niżnym Nowogrodzie na domach chłopskich z głębokim tłem pojawiła się na początku XIX wieku i rozkwitła w połowie. Tak krótka ścieżka rozwoju świadczy o bardzo dawnych tradycjach. Najprawdopodobniej „ślepa” rzeźba została zapożyczona z dekoracji statków Wołgi. Jeśli w drewnianej architekturze regionu Wołgi jest jakaś przytulna intymność, to wioski Północy wywołują zupełnie inne wrażenie. Na pierwszy rzut oka zachwycają wielkością budowli, surowością form i powściągliwością wystroju. Pod dachem jednego północnego dwupiętrowego domu mieściło się niekiedy do 10 chat mieszkalnych (klatki lub chaty z bali). Cztery z nich, usytuowane na dwóch kondygnacjach, a nad nimi światło, wychodziły na fasadę głównej ulicy biegnącej równolegle do drogi lub rzeki. Dwie chaty, ustawione na dwóch kondygnacjach, wychodziły na jedną fasadę boczną, dwie - na drugą. Drewniana chata tylnego baraku uderzyła swoją objętością bezpośrednio w obory dla bydła. Służyła do podgrzewania wody dla inwentarza żywego i sprowadzania cieląt na zimę. Pod tym samym dachem z tymi chatami znajdowały się zagrody dla bydła, przylegające bezpośrednio do tylnej części kompleksu mieszkalnego. Nad nimi, na całej ich długości, na drugim piętrze znajdowała się kondygnacja - ogromne, nieogrodzone pomieszczenie na siano i narzędzia chłopskie. Bajka miała czasem cztery lub pięć chat z bali, z niezależnymi bramami na piętrze, gdzie po drewnianej podłodze jeździł koń z wozem z sianem. Rzeźbiony wystrój domów północnych otrzymał bardzo małe miejsce. Podobno w rzeźbienia trudno było „ubrać” cały budynek. Tutaj lubili dekorować ganek zewnętrznej klatki schodowej na drugie piętro, która biegła wzdłuż ściany chaty. Dużo uwagi poświęcono zaprojektowaniu masywnego filaru, na którym znajdował się ganek, przypominający bajeczny dom. Ganek miał poskręcane kolumny, niewielki grzbiet na dachu i falbany, które niczym wąska koronka spływały po baldachimie schodów. Na deskach kaplic ogromnego frontonu wycięto również wąski wzór koronki. Niekiedy wykańczano je „ręcznikami” – wiszącymi deskami – także z przetłoczeniami. Okno naczółkowe często miało mały balkon ozdobiony tą samą wąską drewnianą koronką i skręconymi kolumnami. Całą tę smukłą, majestatyczną północną budowlę zwieńczył oklupenem - ogromną kłodą modrzewia, której kłącze nadano wygląd konia, kaczki, a czasem jelenia. Kiedyś uważano je tutaj za święte zwierzęta, dobre bóstwa. Długie stulecia sprawiły, że forma tych starożytnych bożków była tak doskonała i piękna, że ​​nie pamiętając już ochronnego znaczenia tych starożytnych rzeźb, ludzie umieszczali je nie tylko jako niezbędny szczegół złożonej drewnianej konstrukcji, ale także jako obowiązkową ozdobę całości. dom (il. III).

Nawet teraz daleko na północy, w odległych miejscach nad rzeką Mezen, zachowały się wioski z takimi chatami. Na wysokim brzegu, ponad rozległą rzeką północną, wznoszą się surowe gigantyczne domy, a w niebo wznoszą się wyraźne, dumne sylwetki koni i kaczek, które obnoszą się ze swoją wyrafinowaną ekspresyjną formą. W mieście Tar-noga w regionie Wołogdy konie wciąż są przenoszone ze starych budynków do nowych chat. Reprodukowane w albumie ohlupni zostały usunięte i przewiezione do muzeum podczas wyprawy w 1959 roku do Północnej Dźwiny.

Najpopularniejszy był wizerunek konia w rosyjskiej ludowej rzeźbie drewnianej. A obok wielkich, monumentalnych dzieł, w których powinien znaleźć się chłód Północy, dużym zainteresowaniem cieszą się dziecięce zabawki – łyżwy. W XIX wieku były szeroko rozpowszechnione zarówno na północy, jak iw regionie Wołgi. Każdy region wypracował własne formy i charakter wystroju tej małej drewnianej rzeźby. Ale niezależnie od tego, czy jest to łyżwa z północnej rzeki Mezen, czy z Wołgi, niezmiennie łączą je cechy charakterystyczne dla całej rosyjskiej rzeźby drewnianej: konwencjonalność w rozwiązaniu obrazu, uogólnienie formy, ekstremalna ekspresja. Mając wielkie plany, wytwórca zabawek z Mezen przeciął swoją drewnianą łyżwę, a kilkoma uderzeniami siekiery posiekali zabawkę nad Wołgą. Jasne, lapidarnie pomalowane drewniane łyżwy w Gorochowcu. Ale wbrew konwencjom technik rzeźbiarskich, form i malarstwa, obraz konia, czasem potężnego i nieruchomego w swym majestacie, czasem gwałtownie pogodny i szybki, ukazuje się nam w całej swojej wyrazistości. Techniki rzeźbienia, osobliwości formy dzieł z tych ośrodków mają wielowiekową tradycję. W rosyjskiej sztuce ludowej XIX wieku znajdują się pojedyncze unikalne dzieła wykonane przez mistrzów, którzy nie mają kontaktu z ustalonymi tradycjami. Do takich dzieł o dużej wartości artystycznej należy reprodukowana w albumie ul w postaci niedźwiedzia oraz dwie budki dla ptaków – „staruszek” i „staruszka”. Na szczególne uznanie zasługuje rzeźbiarski wizerunek niedźwiedzia. Duży rozmiar, niedźwiedź decyduje się bardzo warunkowo. Rzeźbiarz prawie zachował kształt masywnej kłody. Przedmioty te, rzadko spotykane w życiu ludzi XIX wieku, są wyraźnym dowodem na to, jak szerokie i nieograniczone są możliwości twórcze ludzi, jak wielkie jest ich pragnienie piękna.

Duże miejsce w projektowaniu elewacji i wnętrz domów zajmowało malarstwo. Jej techniki, podobnie jak w rzeźbieniu, są różnorodne. Ciekawostką artystyczną są ozdobne malowidła na fasadach chat rosyjskiej północy. Części domu zwykle chronione przed deszczem i śniegiem pokryte były malowidłami: dolna strona szerokich szop dachowych, balkon izby i fronton (il. IV). Obraz był bardzo duży, dekoracyjny, w jasnych kolorach. Często stosowano wzór w kolorową szachownicę, bardzo lubili pisać kwiaty, a czasami powierzchnia frontonu zamieniała się w obraz bujnego ogrodu. Po obu stronach jasnego okna zmieściły się ozdobne postacie lwów, a czasem właścicielka i gospodyni domu były przedstawiane, jakby stały na balkonie. Ale wiele z tych dekoracyjnych obrazów zostało zniszczonych przez czas, a tylko kilka fragmentów do nas dotarło. Lepiej zachowane jest malowanie wnętrz chłopskich. Był szczególnie rozpowszechniony w regionach północnej Rosji. W XIX wieku, a często także w pierwszych dekadach XX wieku malowidło objęło niemal całe wnętrze północnej chaty. Została wykonana bez wstępnego rysunku, swobodnymi malarskimi pociągnięciami pędzla, które następnie zostały podkreślone spacjami (animacjami). Motywami tego obrazu są różne kwiaty. Malowali kielichy (zadaszone ogrodzenie obok pieca, z drzwiami na schody do dolnej skrzyni), kapsułę z drzwiami (w której ukryto szczypce), chochlę do naczyń, naczynie z kilkoma drzwiami (które wychodziły z piec wzdłuż ściany bocznej), voronety (belka na półki), półka na ikony w czerwonym rogu, drzwi wejściowe. A pośrodku jasnej, wesołej, malowanej chaty, również ozdobionej malowidłami, wisiała kołyska. Całość tego kompleksu malarstwa ściennego i meblowego uzupełniały malowane skrzynie; zimą przy wejściu zawieszono obrożę na specjalnej półce ławki, której drewniane części były również pokryte malowidłami; na ławce oświetlonej światłem z okna stało kołowrotek; na półkach nad oknami stały drewniane naczynia z obrazem:

Dziś można tylko w myślach wyobrazić sobie to eleganckie wnętrze z zachowanych jego części w nielicznych domach Północy i przedmiotów gospodarstwa domowego ze zbiorów muzealnych. Album zawiera fragmenty próbek mebli malowanych w stylu chłopskim. Ich malowanie jest bardzo dekoracyjne, lakoniczne, paleta kolorów jest ograniczona, ale harmonijna kolorystycznie. Do malowania całego wnętrza tło wykonano w jednym kolorze, wzór jest zazwyczaj roślinny, niektóre zachowane fragmenty takiego malarstwa mają sygnatury mistrzów i datę wykonania. Zwykle na wsiach rzadko pamiętają imiona tych mistrzów, ponieważ najczęściej byli to kosmici. Podobny charakter ma malarstwo pędzlem, które można znaleźć na wszystkich obszarach rosyjskiej północy i Górnej Wołgi.

Z drewnianych przedmiotów gospodarstwa domowego i narzędzi najlepiej zachowanym kołowrotkiem jest przedmiot, na którym człowiek od dawna robi nici. Kołowrotek był stałym dodatkiem życia Rosjanki - od młodości do starości. W jej artystyczny projekt zainwestowano wiele serdecznego ciepła. Bardzo często młody mistrz robił kołowrotek dla swojej narzeczonej. A potem nie tylko umiejętności i talent, ale także wszystkie te wzniosłe myśli i aspiracje, marzenia o pięknie, do których zdolna jest młodość, zostały zainwestowane w ozdobienie tego przedmiotu, który facet przyniósł swojej narzeczonej na znak miłości i szacunku. Czasem robiono kołowrotek dla młodej żony, czasem sławny i bardzo doświadczony rzemieślnik dekorował kołowrotek jako posag na szczęście córki. A w każdym z nich najczęściej nieznany nam mistrz umieścił cząstkę swojej duszy jako artysty.

Kołowrotki były przechowywane przez całe życie i przekazywane jako wspomnienie następnemu pokoleniu. Dlatego ten przedmiot jest nadal przechowywany w domach chłopskich na północy Rosji, jako pamiątka po matce. Umożliwiło to dziś zebranie najbogatszej kolekcji, która obejmuje prawie wszystkie odmiany kołowrotków rosyjskiej północy i Górnej Wołgi. Mówiąc ogólnie o rosyjskim kołowrotku, należy zauważyć, że nie tylko dla każdego regionu, ale także dla każdego powiatu, a czasem nawet dla kilku odizolowanych wiosek, istniał specjalny, tradycyjny, inny typ kołowrotka, który zwykle istniał tylko tutaj, na miejscu. Jasne cechy różnych ośrodków produkcji i istnienia rosyjskich kołowrotków zostały zauważone przez badaczy jeszcze przed rewolucją. Założycielem klasyfikacji rosyjskich kołowrotków był A. A. Bobrinsky, którego album podsumowujący jest pierwszą poważną publikacją na temat rosyjskich wyrobów z drewna sztuki ludowej. Bobrinsky podzielił wszystkie rosyjskie kołowrotki na osiem typów. Sowieccy badacze kontynuowali tę pracę. Obecnie znanych jest ponad 30 odmian rosyjskich kołowrotków. Wiele nieznanych wcześniej centrów sztuki zostało odkrytych podczas ekspedycji Muzeum Zagórskiego.Album przedstawia różnorodne rosyjskie kołowrotki z ich uderzającymi cechami konstrukcyjnymi i kształtowymi, technikami rzeźbienia i pisania, rozwiązaniami kolorystycznymi i kompozycyjnymi.Z założenia kołowrotki można podzielić na lite (lub korzeniowe), zbudowane w całości z kłącza i „proste" (pień drzewa) oraz rozłączne, składające się z grzebienia i dna. Badania z ostatnich dziesięcioleci pozwalają określić teren istnienia te dwie struktury. Solidny lub korzeniowy kołowrotek istniał na północy europejskiej części Rosji aż do Wołgi. Klasycznym centrum kompozytowych kołowrotków - grzebienia z dnem - był region Gorkiego. W regionie Górnej Wołgi był grzebień z dnem, ale obok niego, powtarzając swoją prefabrykowaną konstrukcję, już w starożytności pojawił się elegancki kołowrotek kolumnowy, który zamiast grzebienia do lnu ma małe ostrze na wysokiej nodze, które wsuwano w dół.I w całej Górnej Wołdze i jej dopływach ten kruchy, kolumnowy kołowrotek się trzęsie. Tak więc na mapie spadają dwa duże masywy: północ Rosji, gdzie istniał solidny kołowrotek korzeniowy, oraz regiony Wołgi, gdzie wirowały na grzebieniu lub na kołowrotku kolumnowym, powtarzając projekt grzebienia.

Kołowrotek północny, zawsze wykonany z monolitycznego kawałka drewna, jest inaczej nazywany w różnych regionach i regionach Północy. Na przykład w regionach Wołogdy i Archangielska najczęściej kołowrotek nazywa się „presnitsa” lub „preslitsa”. Na północy regionu Kostroma - „spin”, w regionie Kalinin - „kopanets”, w regionie Jarosławia starożytna nazwa kołowrotka to „krzywe kopyto”, ale częściej te kołowrotki nazywane są „teremkovy”, „terem”, „terematye”, „teremanya” i „teremovye”. Poszczególne części tworzące kołowrotek są również nazywane inaczej. Na przykład dolna część kołowrotka, na której siedzi błystka, nazywana jest nie tylko „dnem”, ale także „jelitem”, „pieluchą”, „kopytem”. Noga kołowrotka - „pion” i „kolumna”. Górna część kołowrotka korzeniowego nazywana jest „ostrzem” lub „ostrzem”, „łopatą”, „maską”, „głową”, „piórem”, a nawet czasami „grzebieńem”, jak w regionie Wołgi nazywają część pionową kołowrotka, który został włożony w spód. Jedną z najstarszych i archaicznych form kądzieli korzenia północnego prawdopodobnie należy uznać za kołowrotek, którego łodyga wznosi się jak szeroka deska od samej podstawy i kończy się po wąskim przejściu z małym ostrzem, do którego przyczepiono len ( chory V). Taki kształt nóg mają kądziele Jarosław Terem (na ich trzonie była przedstawiona wieża) oraz sąsiednie Gryazovets i Bui. Różnią się przede wszystkim kształtem ostrza. Yaroslavskaya kończy się wysokim spiczastym kokoshnikiem, w Gryazovets górna część kokoshnika wydaje się odcięta, a kołowrotek Bui jest zwieńczony trzema występami - trzema rogami.

Szerokie nogi tych podobnie ukształtowanych kołowrotków też były inaczej dekorowane. Jarosławskie kądziele teremoka były zawsze wycinane z brzozy i zdobione na przedniej stronie, skierowanej w stronę widza, tzw. rzeźbą konturową, która opierała się na cienkiej, lekko wciętej linii. Ta technika umożliwiła wykonanie złożonych kompozycji. O pradawnym pochodzeniu kołowrotka świadczą zdobiące go motywy zdobnicze: symboliczne wizerunki koni, ptaków, wikliny – symbol wody, rozeta – personifikacja boga słońca. Później na kołowrotkach Jarosławia najwyraźniej już w XVIII wieku, a zwłaszcza w XIX wieku, pojawiają się obrazy, w których duże miejsce zajmują tematy z życia ludowego. Są to przede wszystkim sceny związane z ceremonią zaślubin: wyjazdy pana młodego do panny młodej, panny młodej, spacery młodzieży, herbatki, biesiady, tańce ludowe. Wydaje się, że technika precyzyjnego rzeźbienia konturu została stworzona specjalnie dla szerokiej, lekko wygiętej, plastikowej nogi, lekko wygiętej do przodu. Rzeźba jest bardzo dekoracyjna. Rzeźbiarz nigdy nie narusza płaszczyzny drzewa. Aby zrozumieć dyskretne piękno tej rzeźby, należy ją obejrzeć z bliska.

Kołowrotki Gryazowiec ozdobiły swoje kołowrotki w zupełnie inny sposób. mistrzowie. Bardzo masywne, wycięte z grubej deski, jakby przez wieki, kołowrotki Gryazowca mają wystrój podkreślający monumentalność ich kształtu. Głownia jest zwykle ozdobiona geometrycznym wzorem, wypełnionym trójścienną rzeźbą. Ta rzeźba jest uważana za jedną z najstarszych. W odległych wiekach pogaństwa każda figura geometryczna i ich różne kombinacje miały swoje własne znaczenie symboliczne. Mijały wieki, rozwijały się koncepcje piękna, elementy geometryczne układały się w harmonijne wzory. A do XIX wieku znaczenie semantyczne tych figur geometrycznych zostało już zapomniane i doceniono jedynie ich efekt dekoracyjny. Niezliczona różnorodność rozwiązań kompozycyjnych, techniczna doskonałość rzeźbienia geometrycznego na przedmiotach gospodarstwa domowego wykonanych z drewna wciąż zachwycają naszych współczesnych swoim oryginalnym pięknem. Podobno już w XIX wieku szerokie piony archaicznych kołowrotków Gryazowca zaczęły ozdabiać, oprócz starożytnej rzeźby trójściennej wgłębieniami, wzorami szczelinowymi, co nie zaburzało wrażenia jego monumentalności. Kołowrotki Bui z połowy XIX wieku zaczęto dekorować wyłącznie malowaniem pędzlem, wcześniej pokrywano je jedynie rzeźbieniami.

Klasyczne centrum dużych ozdobnych trójkątnych rzeźb bagiennych w obwodzie wołogdzkim można uznać za odległy obszar Tarnogi, położony na północ od rzeki Sukhona wzdłuż Kok-Shenga. Kształt kołowrotka Tarnog jest archaiczny. Najwyraźniej ogromne prostokątne ostrze kiedyś dotarło do dna, ale później zostało złamane w dolnej części przez niską nogę. Forma ta stanowiła podstawę wielu odmian kądzieli korzeniowych Wołogdy w kształcie łopaty, a przede wszystkim kądzieli o dużym ostrzu, takich jak na przykład kądziele rejonu Niuksenskiego i Nikolskiego (I.-I. VI). Prawdopodobnie przede wszystkim wielkość kołowrotka Tarnoga przesądziła o dekoracyjności dużej i bogatej rzeźby na nim. Ogromne płótno ostrza daje pole do popisu wyobraźni mistrza. Czasem rzeźbiarz nakłada tylko kilka dużych elementów wzoru na gładką powierzchnię ostrza, podkreślając piękno faktury drewna poprzez rzeźbienie, czasem gęsto, nie pozostawiając nawet centymetra gładkiego drewna, pokrywa całą przednią stronę przędzenia koło o gęstym wzorze. Do takich rzadkich okazów należy reprodukowany w albumie kołowrotek wykonany przez chłopa Stepana Ogloblina. Artysta zamienił kawałek drewna w prawdziwą perełkę. Po mistrzowsku wycina ozdobny panel ostrza z dużych i bogatych w wykonanie elementów ornamentu geometrycznego, odsłania kształt nogi o gęstym wzorze. Rzeźbiony tłoczony grzebień po wewnętrznej stronie kołowrotka podkreśla solidność i plastyczne przejście dna w łodygę. Z wyczuciem proporcji, lekko dotykając dłutem, ozdabia wnętrze ostrza, w którym zawiązano len. Na południe od Sukhony, w gęstych lasach wzdłuż brzegów jej dopływu, Pieczengi, spotykamy się z zupełnie innym charakterem rzeźbienia trójściennego. Duża klinga jest dosłownie usiana najmniejszym, mistrzowsko wykonanym wzorem, który mieni się wieloma fasetami złożonych kompozycji (zdj. VII). Te kołowrotki zostały wycięte z brzozy i nigdy nie pomalowane - zadbały o piękno drzewa. Techniczna doskonałość rzeźbiarstwa i rzemiosło zdobnicze świadczą o głębokich tradycjach tego ośrodka sztuki ludowej. Istnieje kilka innych odmian kołowrotków Pechenga. Na ich kształt najwyraźniej wpływ miały sąsiednie ośrodki – Sovega, Tolshma, a zwłaszcza Totma. Kołowrotek totemu ma zwykle cienką i wysoką nóżkę, która zamiast miasteczek u góry nosi dość duże kwadratowe ostrze z dużymi kolczykami na dole i szeroką kratą. Rzeźba trójścienna, której podstawą wzoru była rozeta, zdobiła nie tylko ostrze i przednią stronę nogi, ale także jej krawędzie. Na wierzchu rzeźby, totemowe kołowrotki były zwykle pokryte malarstwem. Kształt kołowrotka Totmy stanowił podstawę dla kołowrotków wielu ośrodków zlokalizowanych wokół Totmy. Podobny kształt, różnią się charakterem rzeźbionego wystroju. W niektórych miejscach przy produkcji kołowrotków dużą wagę przywiązuje się do kształtu i wykonania ostrza. Kołowrotki powiatu mieżdurieczeńskiego wieńczą liczne miasta z kopułą. Na rzece Tolshma kołowrotki mają tylko trzy duże okrągłe miasta na ostrzach, a we wsiach Sovegi to proste ukończenie zamieniło się w ozdobne loki w kształcie podkowy. Fantazyjny kształt tych kołowrotków dopełnia jasny obraz na rzeźbie (zdj. VIII). Kolejną grupę kołowrotków, których kształt również oparto na kołowrotku Totmy, wyróżniają bardzo proste i surowe linie głowni oraz doskonała technika rzeźbienia trójściennego. To są kołowrotki Pogorelova, Biryakova i Chuchkova. Na szczególną uwagę zasługuje wystrój nóg kołowrotków Chuchkova. Subtelny rytm ornamentu, piękno naturalnego koloru drewna stawia te przedmioty wśród niepowtarzalnego piękna dzieł sztuki. Oprócz rzeźbienia rosyjskie kołowrotki były często zdobione malowidłami. Często, zwłaszcza w drugiej połowie XIX wieku, na rzeźbę nakładano malowidło, jakby tonując, podkreślając ją. Na przykład obracających się kół Totmy nie można już sobie wyobrazić bez koloru - więc te dwie różne techniki dekoracyjne połączyły się tutaj organicznie. Ich kolorystyka jest bardzo powściągliwa, wyciszona. Ale w niektórych ośrodkach lubili malować kołowrotki w barwny, „głośny” sposób. Od Totmy w dół rzeki od Sukhony, na malowniczych brzegach, znajduje się Nyuksenitsa. Jej kołowrotki, oprócz dzwoniących „naszyjników” (fryzy z osadzonych koralików), miały jasny obraz. Pokryto je jasnym tłem na rzeźbie i namalowano duże i małe rozety solarne, nałożono gwiazdy i małe kwiaty. A obraz sprawiał wrażenie kolorowego perkalu. Na rzece Vychegda i wzdłuż jej dopływów namalowano kwiaty techniką malowania pędzlem na jednobarwnym tle, którym pokryto rzeźbiony kołowrotek. Wszystko to sprawiało wrażenie nasycenia i bogactwa wystroju (il. IX). Jeszcze dalej na północ, już w regionie Archangielska, wzdłuż całego biegu rzeki Vaga, dopływu Północnej Dźwiny, znajdował się kołowrotek, z którym pod względem brzmienia obrazu być może żaden inny gatunek nie może się równać . To jest kołowrotek Shenkur (zdj. X). Na pomarańczowo-czerwonym tle nałożono kompozycję trzech kwiatów, prawie zawsze ochrowożółtych, ułożonych jeden nad drugim. Kolor kręcącego się koła Shenkura w jasności można porównać z ogniem płonącego ognia.

Wybitnym zjawiskiem było malowanie drewnianych obiektów północnej Dźwiny. Wcześniej koncepcja tego obrazu obejmowała wszystkie jego rodzaje. Ale w 1959 roku ekspedycja Muzeum Zagórskiego odnalazła i wyraźnie wyznaczyła jego centra. Są to Permogorie, Rakułka i Borok, a bliskie stylowo późne ośrodki Puchuga i Toima (il. XI). W Permogorye, w przeciwieństwie do bardzo wielu miejsc, gdzie malowano tylko kołowrotki, malowano chochle, miski, naczynia, kołyski, sanki, serwetki, chlebaki, buraki, dzbanki. Ale nawet tutaj główną uwagę zwrócono na dekorację kołowrotka. Podstawą malarstwa na białym tle kołowrotków Permogorye jest wyraźny czarny kontur obrazu nałożony na płaskie tło. Ten rysunek został następnie zamalowany w środku, a raczej wypełniony kolorem. Ta technika nazywa się grafiką. Oprócz wzoru wegetatywnego, który pokrywa powierzchnię obiektu grubym dywanem, w permogorskich obrazach szczególnie interesujące są sceny z życia ludowego J4. To jest scena! zebrania wiejskie, stagnacje, jazda konna, chłopska praca. W tradycyjnych schematach malowania permogorskich kołowrotków poszczególne wątki zostały podane jako sekwencyjna opowieść, składająca się z oddzielnych scen. Najczęstszym z nich był schemat, w którym na przedniej stronie kołowrotka przedstawiono scenę spotkań dziewczyn w eleganckiej komnacie z wzorzystymi oknami. Często wśród młodych błystek siedzi chłopiec z talyanką. Poniżej znajduje się scena z pociągu ślubnego. A na wewnętrznej stronie kołowrotka napisali scenę biesiady, która wychwalała gościnnych młodych gospodarzy. Wszystkie te kompozycje są otoczone drobnymi kwiatowymi ornamentami, a one same, nie naruszając jasnych wzorów, są postrzegane jako jej elementy.

Produkty z malarstwem permogorskim zachowały się dopiero w XIX wieku. Ale jego tradycje są niewątpliwie starsze. Najwyraźniej źródeł tego obrazu należy szukać w starożytnej sztuce rosyjskiej. Porównując miniaturowe rękopisy z XVII wieku ze scenami żniw, siewu, orki, sianokosów i wypasu z obrazami rodzajowymi w Permogorye, można wprost mówić nie tylko o bliskości wątków, ale także o bliskości ich interpretacji. Wynika to zapewne ze ścisłej komunikacji między mistrzami, którzy malowali na przedmiotach gospodarstwa domowego, a artystami, którzy pracowali nad tworzeniem rękopiśmiennych ksiąg. Jednym z najbardziej wyraźnych dowodów jest kołowrotek Permogorska z Muzeum Etnograficznego (nr 693-3), gdzie w miejscu scenki zbiórki przedstawiony jest warsztat rękopisu. Sam autor prawdopodobnie pracował w takim warsztacie. Mistrzowie Permogorye w swoich malowidłach ściennych opanowali wiele technik pisania starożytnych miniatur: interpretację wizerunków ludzi, podstawowe zasady budowania kompozycji - narrację i łączenie odcinków z różnych czasów na jednej kartce, rozwiązanie kolorystyczne. Technika i kolorystyka obrazów permogorskich mają wiele wspólnego z dawnymi miniaturami rosyjskimi. Najpierw drzewo kołowrotka zostało zagruntowane kredą i klejem oraz pokryte białą farbą. Na wyschniętym białym tle, jak na papierze, wykonano czarny rysunek, a następnie kontur wypełniono kolorem. Dopiero w ostatnich dziesięcioleciach istnienia rzemiosła artyści z Permogorye zaczęli stosować farby klejowe, które zastąpiły farby jajeczne, stosowane od czasów starożytnych w malarstwie ikon i miniaturach książkowych. Nie mniej interesujące analogie można było narysować między obrazami kołowrotków Boreckiego a ikonografią „północnych liter”. Bork od dawna ma własny schemat budowy i własny charakter malowania kołowrotka. Przednia część kołowrotka podzielona jest na trzy równe, jedna nad drugą, części, które nazwano klepkami. Pod koniec XIX wieku malowano je tak: na dole scena jazdy eleganckim wozem, powyżej bujny kwiat i bajeczne ptaki, a na górze złote okna. Na odwrocie kołowrotka lubili pisać biegnący koń, pasterze ze stadem, sceny polowań. Tło jest zwykle jasnobiałe, a czasem złote, w ozdobie jest dużo czerwieni. Na obrazach Boretsky'ego kołowrotki zwracają uwagę ubrania postaci, damskie nakrycia głowy i kompozycyjne rozwiązanie scen jazdy, w których jeździec przypomina George'a z ikony. W ludowym malarstwie Boretsky'ego kołowrotków jest wiele momentów, które zbliżają go do ikon „północnych liter”.

W przeciwieństwie do białego tła, bardzo małe i ułamkowe obrazy Permogory i Borka, kołowrotki trzeciego ośrodka Siewierodwińsk, położonego nad rzeką Rakułką (dopływ Północnej Dźwiny), mają żółto-ochrowe tło i duże malowidło. Nie ma scen rodzajowych. Górną część kołowrotka zawsze zajmuje zakrzywiona gałąź z dużymi liśćmi w kształcie włóczni otoczonymi wąsami o czarnych konturach. A pod nim w kwadracie wpisany jest ptak. Jest wypełniony jednym czarnym konturem. Jego wyrazista sylwetka, ozdobne rozwiązanie, kunszt pobieżnego rysunku – wszystko świadczy o tradycyjnym charakterze tego motywu. Kolorystykę obrazu wyróżnia wielka szlachetność. Na początku XX wieku zatracił tę harmonię kolorystyczną;

Kołowrotki i skrzynie Mezen były szeroko znane w XIX i XX wieku. Namalowali je we wsi Palashchelye (zdj. XII). Ten rzemiosło wydaje się mieć bardzo starożytne tradycje. Świadczy o tym motyw malowania kołowrotków Mezen. Wśród różnorodnych wzorów geometrycznych centralne miejsce w kompozycji zajmują fryzy z wizerunkami jeleni i koni. Malowidło ścienne uderza rytmem. Jego kolorystyka jest również niezwykła, wydaje się promieniować złotym blaskiem drzewa. Na tym tle brązowo-czerwony obraz z czarnym konturem brzmi szlachetnie i intensywnie, typowy tylko dla Mezen sposób nakładania. Rzemiosło do malowania kołowrotków we wsi Palaschelye w XIX wieku było bardzo duże. Jej produkty dotarły do ​​Peczory i Onegi. Starsi wsi do dziś pamiętają czołowych artystów tego rzemiosła. W 1961 roku ekspedycja Muzeum Zagórskiego zebrała wiele cennych informacji o mistrzach malarstwa Mezen, którzy pracowali we wsi Palaschelye na przełomie XIX i XX wieku. Ich lista składa się z 24 nazwisk. Jednym z najsłynniejszych rzemieślników był Michaił Nowikow. Wśród wielkich kołowrotków w kształcie łopat rosyjskiej Północy wyróżniają się wdzięczne kołowrotki w kształcie vesdo z cienkimi nogami, jak liście na łodygach, które istnieją na wybrzeżach Morza Białego i w Karelii (zdj. XIII). nietypowy kształt. Ich forma związana jest z początkami miejscowej starożytnej kultury ugrofińskiej. Piękno wzoru i subtelność rzeźbienia wyróżniają kołowrotki Półwyspu Onega, które w początkowej klasyfikacji rosyjskich kołowrotków nazwano pomorskimi.

Na zachodzie regionu Archangielska, wzdłuż rzeki Onegi, znajdują się kołowrotki o zwykłym kształcie łopatek, ozdobione rzeźbami i malowidłami. Kształt łopatkowatych kołowrotków jest szczególnie charakterystyczny w górnym biegu Onegi, w pobliżu starożytnego miasta Kargopol oraz na zachód od niego w Kenozero iw Liadinach (il. XIV). Ich noga jest jeszcze niższa niż w kołowrotkach Tarnoga, a płótno szerokiej deski ostrza opadało do podstawy. W związku z tym dużą wartość ma rzadki okaz zabrany z Lyadin (grupa wiosek w pobliżu Kargopola). Stopka tego kołowrotka jest bardzo mała, a długie ostrze klingi jest bardzo dyskretnie ozdobione geometrycznym wzorem. Tu rzemieślnik z wielką starannością posługuje się rzeźbą, która doskonale kontrastując i podkreślając nienaruszoną powierzchnię drewna, odsłania jego naturalne piękno i podkreśla niezwykły kształt przedmiotu. Zbliżone do nich kształtem kądziele Kenozera ozdobiono nie tylko geometrycznymi rzeźbami, ale na wierzchu rzeźb gęsto pokrywano malowaniem pędzlem. Mały malowany kwiatowy wzór dobrze współgra z rzeźbionym wzorem. Te obracające się koła wyglądają bardzo elegancko.

W górnym biegu Onegi, w okolicach Kargopola i wzdłuż brzegów jeziora Lacha kołowrotek z dużymi płóciennymi ostrzami na niskiej małej nodze był najczęściej zdobiony tylko malowaniem pędzlem, duży, dekoracyjny, z śmiałymi pociągnięciami białej animacji . Jej ostrze z pionową kompozycją kwiatów przypomina malowniczą płycinę. Ostatnie badania pokazują, że taki kształt kołowrotka wcale nie jest zjawiskiem przypadkowym. A na południu, w regionie Nowogrodu, w sąsiadującym z nim regionie Kalinin, a nawet w Pskowie, znajduje się ta oryginalna forma kołowrotka, którego ciągłe płótno schodzi prawie do podstawy, a tylko jego wystrój zmienia się w każdy region lub powiat (il. XV). Najwięcej wariantów tej formy występowało w południowej części obwodu kalinińskiego. Jej kołowrotki o bardzo monumentalnym kształcie ozdobiono jedynie rzeźbieniami, w których ogromne solarne rozety zajmowały tak znaczące miejsce, że aż trudno uwierzyć, że ludzie nie pamiętali ich pierwotnego znaczenia - symbolu słońca. Całe kołowrotki zostały zastąpione w regionach Górnej Wołgi eleganckimi, kruchymi kołowrotkami kolumnowymi. Formy tych kołowrotków w różnych regionach są bardzo zróżnicowane. Na przykład w północnej części obwodu kalinińskiego istniało kilka rodzajów kolumnowych kołowrotków. Widać tu wyraźnie nie tylko ewolucję od najbardziej archaicznej formy kołowrotka z litą deską zamiast pionu do kołowrotka w kształcie łopaty, ale także stopniowe zmniejszanie się łopatki. Najpopularniejszym typem na tych terenach był kołowrotek, który w pierwotnej klasyfikacji rosyjskich kołowrotków nazywany był „Twerem” - z okrągłą, toczoną nogą i małym ostrzem, zwykle ozdobionym jasnym malowaniem pędzlem. Interesujące jest to, że w niektórych rejonach nawet kołowrotki z korzeniami mają kształt pionu w postaci wieżyczki z otworami. Często w rejonie Kalinińskiej Wołgi nogi kołowrotków były wykonane w formie płaskich kolumn i wraz z ostrzem pokryte były małym, jasnym malunkiem (il. XVI).

Odmiany kolumnowego kołowrotka są również charakterystyczne dla wschodniej części regionu nowogrodzkiego, gdzie zaczynają się dopływy Wołgi, z których starożytne przenoski szły do ​​rzek wpadających do jeziora Ilmen. Dlatego nie jest przypadkiem, że podczas wykopalisk starożytnego Nowogrodu oprócz kołowrotków z małymi ostrzami znaleziono grzebienie i dna, których kształt jest typowy dla obszarów związanych z Wołgą. Noga w postaci wysokiej płaskiej kolumny i małego ostrza to także charakterystyczne kołowrotki w rejonie szeksna, położonym na północ od zbiornika rybińskiego. Są to „złocone” kołowrotki, których malowanie przypomina hełmy z odręcznych ksiąg; kołowrotki z malowidłem perkalowym ze wsi Gajutina i wreszcie kołowrotki Sogożanka, zajmujące prawie cały powiat Poshekhonsky w obwodzie jarosławskim wzdłuż rzeki Sogozha (il. XVII). Wystrój Sogozhanka jest rzadkim zjawiskiem w rosyjskiej sztuce ludowej. Bardzo drobny wzór został nałożony ostrym dłutem na gładką powierzchnię, a następnie w głębokie pociągnięcie wtarto czarną farbę. W ornamentyce graficznej kołowrotków, a także w rzeźbiarstwie wielu innych ośrodków zachowały się bardzo stare motywy: rombów, rozet, kaczek z grudkami ziemi w dziobach. Wśród odmian kołowrotków kolumnowych Wołgi chyba jedną z najczęstszych był kołowrotek z toczoną kolumną (il. XVIII). Niektórzy badacze uważają to za późne zjawisko, które pojawiło się dopiero pod koniec XIX wieku. Zabytki antycznego malarstwa ikonowego świadczą o starożytności tej formy. W zbiorach Muzeum Jarosławskiego znajdują się ikony przedstawiające błystkę kręcącą się na kolumnowym kołowrotku z okrągłymi tralkami. Pochodzą z XVI wieku. W Muzeum Zagorskim można zobaczyć wizerunek kolumnowego kołowrotka na pomniku z jeszcze wcześniejszą datą - królewskimi bramami szkoły Andrieja Rublowa. Odrębne elementy wzorów kolumnowych kołowrotków, które istnieją w rejonach Seredskiego i Niekrasowskiego w obwodzie jarosławskim, mówią o jeszcze głębszych tradycjach tych ośrodków. Jeden z wczesnych kolumnowych kołowrotków Jarosławia ma trzon, którego rzeźbiona dekoracja obejmuje końskie głowy, a wystrój ostrza obejmuje ptaki. Sylwetka kołowrotka przypomina smukłą wielopoziomową strukturę architektoniczną. Jedną z artystycznie doskonałych odmian „kolumny” Wołgi jest kolumnowy wielopoziomowy kołowrotek z oknami. Liczba „pięter” tych miniaturowych konstrukcji namiotowych czasami sięgała 46 i składała się z do 500 okien. I nie tylko piękno zgrabnej smukłej sylwetki podziwiają kolumnowe kołowrotki Jarosławia. Zaskakują perfekcją i wirtuozerią techniki rzeźbienia. Każde maleńkie okienko ma eleganckiego sandrika, a ściany między oknami zdobią obszerne skręcone kolumny.

Spód kołowrotków ozdobiony jest trójścienną rzeźbą, zaokrąglony kształt daje podstawy do uznania ich za pochodzenie Wołgi, a raczej Jarosławia. Tam, gdzie wirowali na grzebieniach, zwyczajowo po pracy wieszano spód na ścianie jako ozdobę. Dlatego też w XIX wieku był nadal dekorowany ze szczególną uwagą. Jako ozdoba, jako rodzaj „obrazu”, Doniec był również postrzegany w regionie Gorkiego. Słynne gorodety od dawna zdobione są rzeźbieniami przypominającymi gwoździe i inkrustowane dębem bagiennym (zdj. XIX). Ludowi rzemieślnicy wprowadzili motywy z Nowoczesne życie, a w połowie XIX wieku Gorodets Doniec zaczęto ozdabiać wyłącznie malarstwem dekoracyjnym.

Żadne inne przedmioty chłopskiego życia, poza kołowrotkami, nie pozwalają z taką kompletnością prześledzić lokalne szkoły artystyczne i zakłady produkcyjne. Jak wspomniano powyżej, nie wszystkie elementy życia chłopskiego były przechowywane z taką uwagą jak kołowrotki. Nie wszędzie i nie wszystkie drewniane rzeczy były pokryte wzorem. Dlatego nawet największe kolekcje wyrobów z drewna sprawiają wrażenie niekompletnych. Wszystko to nie zmniejsza zainteresowania różnorodnymi przedmiotami gospodarstwa domowego i czyni je jeszcze bardziej wartościowymi. Są jak rzadko zachowane kamienie milowe, dzięki którym możemy teraz ocenić charakter artystycznej obróbki drewna w sztuce chłopskiej. Wiele przedmiotów było związanych z obróbką lnu: od czyszczenia włókna na przędzę, z tkania i wreszcie z szycia odzieży z tkaniny lnianej. Ornamentacyjne i rzeźbiarskie obrazy na tych obiektach, wraz z utratą znaczenia znaczeniowego symboli, osiągnęły w XIX wieku granicę dekoracyjności. Niemal we wszystkich dzielnicach obwodu wołogdzkiego dużą wagę przywiązywano do projektowania lnianych falban. Jest to bardzo elegancki, cienki i delikatny przedmiot, przypominający kształtem pióro, co było spowodowane wymaganiami dotyczącymi używania falban. Odmierzonymi lekkimi uderzeniami len został oczyszczony i zamieniony w jedwabiście cienkie włókno. Koniec pętelkowej marszczonej rączki bardzo często miał kształt łyżwy, a jej cienka płaszczyzna, stopniowo rozszerzająca się ku końcowi, pokryta była bardzo płytką rzeźbą trójścienną, której wzór prawie zawsze zajmowała rozeta. główne miejsce. Ona, jak mała gwiazda, ozdobiła jej wąską część, a następnie, jak kwitnący słoneczny kwiat, rozłożyła się na szerokim końcu falbany. Czasami oprócz rzeźbienia trójściennego, podkreślającego elegancję formy i kruchość przedmiotu, rzeźbiarz wykorzystywał rzeźbienie, wtedy były to ażurowe pasy o rytmicznym, bardzo prostym wzorze, potem rozety, do których poprzez rzeźbienie nadało lekkości płatków śniegu. W jednym przypadku falbana była bogato zdobiona rzeźbieniami, w drugim rzemieślnik bardzo oszczędnie wyrzeźbił na gładkiej płaszczyźnie drzewa, podkreślając jego naturalne piękno, tylko jeden mały element wzoru. Trepale, ozdobione trójściennymi rzeźbami, znajdują się również w regionie Archangielska. Ale nie można na nich prześledzić charakterystycznych lokalnych cech wystroju, ponieważ są to rzadkie, prawie pojedyncze przedmioty. Formy grzechotek są zróżnicowane, a istnienie każdej z nich ma wyraźne granice terytorialne. Po przetworzeniu włókna jesienią i w miesiącach zimowych, bliżej wiosny, przędzarki zaczęły tkać płótna. W każdej chacie zainstalowano tkalnię. Sądząc po wykopaliskach starożytnego Nowogrodu, projekt i wygląd tkalni nie zmieniły się w ogóle od XIII wieku. Delikatna, bardzo drobna rzeźba pokryta błyszczącymi, wypolerowanymi czółenkami, klockom czasem nadano kształt gęsiej głowy, bardzo często rzeźba stylizowanej łyżwy, opierającej się na piersi o zębatkę, pełniła funkcję popychacza. Ale farsz był ozdobiony bardzo elegancko - duży szczegół, z którego tkacz prawie nigdy nie puszczał, przybijając każdą nitkę przechodzącą przez czółenkę. Czasem farsz był ozdobiony jedną lub kilkoma rozetami, wykonanymi trójścienną rzeźbą, czasem geometrycznym wzorem gęsto pokrywającym całą jego przednią część, a czasem jego końce miały kształt końskich głów, czasem górną część farszu, gdzie ręce tkacza leżała, została wycięta w postaci postaci dwóch koni. Ich interpretacja i wreszcie tradycyjny charakter kompozycji świadczą o wielowiekowych tradycjach projektowania artystycznego tej części tkalni. Znaleziska archeologów potwierdzają, że wizerunek konia był specyficzną ozdobą kobiecą, gdyż wisiorki kalenicowe (dekoracje z VII-XIII w. wykonane z metalu z parami końskich głów) znaleziono tylko w pochówkach kobiecych. A w tkalni końskie głowy były kiedyś wycinane jako „amulety”, ochronne znaki tkaczki. Oprócz krosna, kołowrotek z kołem, w którym nić była skręcana mechanicznie, w XIX wieku stał się niemal uniwersalny, w przeciwieństwie do zwykłego kołowrotka korzeniowego lub grzebienia z dnem, na którym kręcono wrzeciono. Dlatego nazywano ją „samowirującą”. Ale nie wyparła starożytnej metody przędzenia aż do XX wieku. Zrobili „samowirowanie” z części toczonych na tokarce i nigdzie nie było ozdobione rzeźbionym wzorem. Rzadkim wyjątkiem jest rejon Seredskiego w regionie Jarosławia, gdzie ostrze do lnu i wahadło do obracania kołem zostały umiejętnie pokryte trójściennymi marynowanymi rzeźbami. Tradycje te zostały podobno przeniesione tutaj z krajów bałtyckich, gdzie zwyczajowo ozdabiało się ostrze błystki rzeźbieniem i kręciło.

Płócienne ubrania były szyte ręcznie. Dla wygody i szybkości w pracy wykorzystano maszynę do szycia - przedmiot przypominający nieco w kształcie kolumnowe kołowrotki Wołgi. Na dole usiadła krawcowa, a do niskiej kolumny przypięto tkaninę, która umożliwiała rozciąganie jej podczas szycia. Dlatego maszyna do szycia, niczym kołowrotek, istniała kiedyś w każdej chłopskiej rodzinie. Niemal wszędzie starali się udekorować i uczynić je eleganckimi. Jednak o wiele mniej uwagi poświęcano dekorowi maszyny do szycia niż projektowi kołowrotka. Poszczególne unikatowe okazy, jak np. reprodukowana w albumie krawcowa, zachwycają bogactwem rzeźbionej dekoracji. Kształtem krawcowej przypomina bajeczną dzwonnicę umieszczoną na sześcianie (w którym zwykle znajdowało się pudełko na nici). Różnorodne kolumny na każdym poziomie, ozdobione rzeźbieniami u dołu, sprawiają, że jest to przedmiot sztuki. Jego kształt, techniki rzeźbiarskie, wykończenie polerowanego drewna, charakter ornamentu i wyrafinowanie każdego rzeźbionego detalu sprawiają, że niemal bezbłędnie można przypisać tę pracę pracy rzemieślników kolumnowych kołowrotków Jarosławia z regionów Seredskiego i Niekrasowskiego. W regionach Archangielska i Wołogdy szwaczka była bardziej miniaturowa i zwykle składana na krętliku. Tutaj lubili nadawać krawcowej kształt gęsiej szyi.

Zapoznając się z przedmiotami życia chłopskiego XIX wieku, uderza niezwykle szeroka gama elegancko zdobionych przedmiotów wykonanych z drewna. Niemal wszystkim procesom pracy kobiet towarzyszyły przedmioty sztuki. I tak na przykład w niektórych rejonach wyjątkowo elegancko zdobiono bułki, z którymi szło się nad rzekę prać ubrania. Znaleziska archeologiczne w starożytnym Nowogrodzie pokazują, że główna forma zwoju X wieku została całkowicie zachowana do XIX wieku, tylko jej szczegóły zostały ulepszone na przestrzeni wieków. Linia gięcia walca była wyraźnie określona, ​​podyktowana ruchem podczas uderzenia. Rzeźbiarska jakość obiektu i jego wielkość zostały pięknie podkreślone przez rzemieślników ludowych rzeźbami. Został nałożony na niepracującą część rolki - na końcówkę 20. rączki oraz na górną, lekko wklęsłą powierzchnię. Rzeźba trójścienna jest szczególnie tradycyjna do dekoracji rolek. Czasami składa się z jednej, dwóch lub trzech osobnych rozet, a czasami rzeźbiona kompozycja gęsto wypełnia całą powierzchnię, jak na rolce ze wsi Savino, powiat Gorodecki, obwód Gorki. Mały, bardzo elegancki, płytki wzór nie narusza płaszczyzny przedmiotu. Z rączki, gdzie zaczyna się wachlarz małej rozety, wzór wydaje się rozwijać i swobodnie leżeć na szerokim końcu rolki. Drewno osiki o srebrzystym kolorze podkreśla elegancję finezyjnego rzeźbienia oraz piękną, harmonijną bryłę szlachetnością koloru. I na koniec warto zwrócić uwagę na jeszcze jeden przedmiot, który niejako dopełnia cały żmudny i długi cykl pracy związany z tworzeniem i pielęgnacją chłopskich ubrań - to rubel za zwijanie i prasowanie płótna. Kształtem przypomina nieco rolkę, ale jest prawie dwa razy dłuższa, a jej dolna płaszczyzna ma żebrowaną powierzchnię. Możemy mówić o niektórych ośrodkach, które charakteryzują się albo pewną formą rubla, albo rodzajem wystroju. Na przykład w regionie Włodzimierza ruble ozdobione geometrycznym wzorem wyróżniają się niezwykłą długością. W regionie Gorkiego wąskie i proste płótno deski bez rozszerzania się na końcu było bardzo często zdobione płaskorzeźbą. Rubele powiatu rybińskiego w regionie Jarosławia są bardzo małe, bardzo wąskie na uchwycie, zauważalnie rozszerzające się pod koniec. Na rzece Mezen ruble rozcięto bardzo szeroko, lekko rozszerzając się pod koniec, pokryto je dużymi i bogatymi rzeźbieniami. W regionie Jarosławia nad Wołgą, oprócz rzeźbienia geometrycznego, rubel był czasami ozdobiony trójwymiarową rzeźbą konia, która górując nad rzeźbioną powierzchnią, służyła jednocześnie jako bardzo wygodny drugi uchwyt. Wszystkie powyższe ruble mają tę samą technikę rzeźbienia, te same elementy wzoru i prawie taki sam kształt płaszczyzny przeznaczonej na rzeźbiony ornament. Ale każdy z nich uderza swoją oryginalnością. techniki artystyczne, nowość i oryginalność kompozycji zdobniczych.

W chłopskim życiu do końca XIX wieku nawet produkcja wzorzystego materiału na ubrania zależała od rzeźbiarza, który najpierw musiał wyrobić sobie „manierę” – deskę, którą na płótnie wypchano kolorowy wzór. W XIX wieku tablica drukowana była niewielka, a wszystkie drobne detale do rysowania na płótnie zostały wykonane z metalu. Obyczaje w XVII i na początku XVIII wieku były wyłącznie z drewna. Ich wielowarstwowe deski, czasami do 50 cm kwadratowych, były wykonane z najtwardszego drewna i były rzeźbione dwustronnie, w przeciwieństwie do drukowanych desek z XIX wieku. Maniery z XVII wieku są rzadkością w zbiorach stolarki artystycznej. To prawdziwe arcydzieła zdobniczej sztuki rzeźbiarskiej. Wiele z nich wyróżnia niezwykła prostota wzornictwa, typowa dla farszu z XVII wieku. Inne zachwycają królewskim przepychem wzoru, kapryśnie rozłożonego na szerokiej płaszczyźnie deski. Przykładem takiego schematu jest reprodukowana w albumie maniera z końca XVII wieku, sprowadzona z Kalinina. Dekoracyjne duże tulipany, otoczone drobnymi ornamentami, gęsto wypełniają całą przestrzeń, a cofnięte tło podkreśla gładkość nienaruszonego drewna z wąskimi i ułamkowymi szczelinami. Najbogatsza fantazja, doskonałe wyczucie rytmu wyróżniają autora tego rzadkiego w pięknie dzieła sztuki.

Dużo inwencji, kunsztu, artystycznego smaku i duchowego ciepła zainwestowali rosyjscy rzeźbiarze w rzeźbienie piernikowych desek (il. XX). Od czasów starożytnych drukowane pierniki w Rosji wypiekano na świąteczne święta, na spotkania z gośćmi, na zabawne zabawy ludowe, a także dla dzieci. Ogromne i bardzo małe, z bujnymi wzorami i rytmicznymi napisami, zaskakują różnorodnością kształtów i dekoracji. Kwiaty, liście, ryby, ptaki, łyżwy i koguciki – wszystkie te prawdziwe obrazy wzięte z życia, ludowy rzeźbiarz opowiedział językiem ornamentu w drewnie, ozdobił je wzorami, przeniósł w świat fantazji i baśni.

Kora brzozy zajmowała bardzo duże miejsce w życiu chłopa, zwłaszcza w rejonach rosyjskiej północy. Z niego wyplatały się stopy (lekkie łykowe buty), kosze, pesteri - naramienniki na grzyby i jagody, różnokształtne soloniki drogowe, w których brali sól do koszenia i do lasu, łopaty do osełek, pudełka na bezpretensjonalną biżuterię kobiecą, buraki różne rozmiary, a nawet zabawki dla dzieci. Powierzchnię kory brzozowej, już bardzo pięknej w kolorze i fakturze, ozdobiono rzeźbieniem, tłoczeniem i malowaniem. Doskonała znajomość właściwości materiału, bardzo tradycyjne formy, które przez wieki były ulepszane, pozwoliły z tych prostych i dyskretnych na pierwszy rzut oka rzeczy zamienić się w prawdziwe dzieła sztuki.

Wśród artykułów gospodarstwa domowego przedmioty wygięte z łyka były bardzo rozpowszechnione w czasach starożytnych - pudełka, kosze, pojemniki na chleb, pisuary, serwetki. Gładka, błyszcząca powierzchnia cienkich ścianek wyrobów łykowych wydaje się być specjalnie przygotowana przez naturę do malowania. Szczególną uwagę zwrócono na wystrój chlebaków. Oszczędny stosunek do chleba na rosyjskiej wsi, szacunek dla każdej kromki zdobytej ciężką pracą, był powodem pewnego rodzaju rytuału za każdym razem, gdy rodzina siadała do stołu. Chleb przynoszono w specjalnym pudełku na chleb - okrągłym lub lekko podłużnym pudełku z łyka. Na Mezen, niczym kołowrotki, pojemniki na chleb ozdobiono tradycyjnym malarstwem. Wzór składał się z najprostszych elementów: kresek, kółek, krzyżyków i pasków. Najpierw nałożono czarny kontur, a środek wypełniono czerwonym ołowiem. Prosty wzór lekko nachylonych naprzemiennie czarnych i brązowo-czerwonych pasków daje wspaniały efekt dekoracyjny dla pudełek Mezen. Obraz został pokryty olejem lnianym, którego złoty odcień nadawał całemu kolorowi chlebaka opanowanie i szlachetność. Niezwykła prostota technik pisania, dziecięca naiwność wzorów oraz niezwykle ograniczona paleta sprawiają, że ten charakterystyczny tylko dla Mezen przedmiot jest niepowtarzalnie urzekający. Na Północnej Dźwinie, w Permogorye, starym centrum malarstwa na białym tle, pojemniki na chleb były wesoło udekorowane. Mały kwiatowy wzór biegnie jak falująca gałązka wzdłuż owalu wieczka i wzdłuż ścianek pudełka.

Ciepła czerwień, która jest barwą przewodnią obrazu, miękko stapia się z białym tłem. Bardzo ciekawe są kompozycje fabularne, które idealnie wpasowują się w kwiatowy wzór i nie zaburzają jego rytmu kolorystycznego. Ogólnym znaczeniem wszystkich tych scen rodzajowych jest życzenie szczęścia i pomyślności dla właściciela spichlerza. Pojemniki na chleb malowano zwykle jako posag dla panny młodej-córki. Rzemieślnicy z Permogorska umieszczali obrazy rodzajowe na wielu przedmiotach gospodarstwa domowego, których znaczenie było związane z przeznaczeniem rzeczy. Na przykład zwyczajowo przedstawiano różne sceny z życia człowieka od momentu jego narodzin na kołysce jako chęć dorastania silnego, miłego, pracowitego i odnoszącego sukcesy. Na świątecznych wzorzystych talerzach gospodyni była często przedstawiana z kieliszkiem w dłoni na znak gościnności i gościnności. Na nabiruh w kształcie łyka na jagody, obok wizerunku ptaka syrinowego, który został namalowany „na szczęście”, często przedstawiano kolorowe koguty wiejskie. Otaczają je giętkie pędy bajecznych roślin, jakby wywodzące się tu ze starożytnych miniatur, a potem naiwnie i naiwnie rumienią się żurawiny.

Niewiele z przedmiotów gospodarstwa domowego, poza kołowrotkami, zachowało się w innym ośrodku malarstwa Siewierodwińska - Rakułce. Pozwalają wysoko docenić to ludowe rzemiosło. Bast nabiruha, reprodukowana w albumie, który powstał w połowie XIX wieku przez czołowego mistrza malarstwa rakulowego Dmitrija Vityazeva, jest dziełem sztuki ludowej o niezwykłej urodzie. Obraz oparty na czarnym konturze z silnym naciskiem i drobnymi pociągnięciami wykonany jest na tle ochry z cynobrem i szmaragdowej zieleni z białymi akcentami. Szlachetnością koloru, blaskiem kolorów obraz przypomina szlachetne emalie. To jakieś bajeczne kwiaty, rozpościerające czarne płatki czułków i pędów oraz ptaki, zdecydowane bardzo ozdobnie. Plastycznie łatwo wzór biegnie wzdłuż zakrzywionego kształtu nabiruha, mieniącego się niczym klejnoty głębokimi, bogatymi kolorami. W życiu chłopskim XIX wieku dużą wagę przywiązywano do dekoracji stołu, dekoracji świątecznych potraw. Solniczka zawsze zajmowała na niej centralne miejsce. Na wielu terenach tkano je z kory brzozowej lub z korzeni, ale częściej wycinano je z drewna. W wystroju solniczki główną uwagę zwracano zwykle na jej kształt, rzeźbiarski wygląd (il. XXI). W regionach związanych z Wołgą - Gorkiego, Kostromy i Jarosławia - istniała forma solniczki w formie fotela. Jego plecy służyły jako wygodny uchwyt, a siedzisko służyło jako pokrywka. W regionie Gorkiego krzesło z solniczką było związane elastycznym prętem. Uprząż została wykonana w formie spirali, a wszystko inne pokryto obrazem Gorodets, w którym głównym motywem była wspaniała róża. Jasne barwy, śmiałe w kontrastach kolorystycznych, pewne siebie i mistrzowskie w technice, obraz był bardzo dekoracyjny. O szerokim zakresie produkcji solniczek Gorodets świadczy ich istnienie na odległych obszarach, gdzie ludzie z Niżnego Nowogrodu udali się na sprzedaż swoich towarów. Solniczka z różami Gorodeckimi nadal można znaleźć w regionach Kostroma i Jarosławia, mimo że posiadały własną produkcję solniczek i były ozdobione doskonałymi marynowanymi trójściennymi rzeźbami. Geometryczny delikatny wzór gęsto pokrył wszystkie ściany solnisk Kostroma i Jarosławia. Szczególnie elegancko skrojono oparcie krzesła, gdzie obok trójbocznie ząbkowanego często wprowadzano rzeźbę przelotową. Każdy szczegół złożonych i różnorodnych kompozycji jest po mistrzowsku wykonany. Wszystko to sprawia, że ​​zwykły przedmiot chłopskiego życia staje się małym „drewnianym klejnotem”.

Na północ od Wołgi rozpowszechniła się solniczka w postaci kaczki. Solne kaczki to prawdziwe rzeźby wykonane z drewna, każda z własnymi osobliwościami formy, indywidualnymi metodami rzeźbienia objętości, każda z własnym charakterem. Solone kaczki wciąż można spotkać na północy Rosji. Kiedyś kaczka była postrzegana przez ludzi jako patronka domu, rodziny. Na obrusie weselnego stołu położono najpierw solniczkę-kaczkę. Świąteczny chłopski stół zastawiony był różnorodnymi drewnianymi naczyniami, wśród których główne miejsce zajmowały chochle na miód i piwo. Ile wyobraźni, umiejętności i talentu zainwestowali rzemieślnicy w tworzenie tych pięknych drewnianych naczyń-rzeźb. Ich formy pochodzą z czasów starożytnych. Dowodem mogą być kadzie o różnych kształtach znalezione podczas wykopalisk starożytnego Nowogrodu, wydrążone z korzenia drzewa. Niektóre z nich miały uchwyty zakończone smoczymi głowami. Odnaleziono również wiadra z dwoma uchwytami - skopkari. Podobne wiadra nadal istnieją na północy Rosji. Album przedstawia skopkar z północnej Dźwiny, ozdobiony malarstwem permogorskim. Naczynie to przeznaczone było do przewożenia na stół napojów odurzających. Wycięli go w formie ogromnego ptaka, którego ciało stanowiła szeroka przysadzista miska, a głowa i ogon kaczki służyły jako wygodne uchwyty. Jego dumną formę podkreśla malowidło, które rozpościera się giętkimi pędami na zaokrąglonej objętości naczynia. Spośród dużych statków zewnętrznych dolina miała szerokie rozmieszczenie w regionach rosyjskiej północy. To ogromne naczynie, przypominające kształtem brata na palecie, ale ma mały dziobek do nalewania napoju. Jasny, ale bardzo prosty we wzorze obraz opływa naczynie szerokim pasem, podkreślając jego objętość. Wewnątrz dno doliny jest również ozdobione malowidłami. Na wielu terenach istniała okrągła bratina i zbliżona do niej dolina z dziobkiem różnej wielkości (il. XXII). Małe endówki z odpływem zostały bardzo elegancko pomalowane przez mistrzów z góry Permo. Okrągły brat często wciąż można znaleźć w górnym biegu Wołgi. Ogólnie rzecz biorąc, wszędzie były szeroko rozpowszechnione naczynia średniej wielkości, w których gościowi podawano piwo lub kwas chlebowy. Ich kształt jest nie tylko piękny, ale przede wszystkim bardzo wygodny w użytkowaniu. W regionie Kostroma wiadra te były głęboko cięte. Główną ozdobą takich kadzi były uchwyty. Kształt znanych kadzi Twerskich „drużników” wydaje się dosłownie wtopiony w dłonie, tak wygodnie w nich leżą. Lekko spłaszczona po bokach drewniana miseczka o wadze dwóch uchwytów leży we wgłębieniach między kciukiem a palcem wskazującym na krawędzi dłoni. Ale nie tylko wygodny, ale także bardzo piękny wiadro-pan młody. W kształcie czaszy wyraźnie widoczne są cztery płaszczyzny jakby ścięte siekierą, które dopiero wtedy są lekko zaokrąglone na rogach. Ta klarowność formy nadaje jego wizerunkowi szczególnego znaczenia. Wrażenie monumentalnej formy potęguje kontrast między wielkością misy a małymi łbami koni, których potężną i szeroką klatkę piersiową zdobi słoneczna rozeta. Z dużych naczyń zewnętrznych miód i piwo przelewano do mniejszych naczyń w małych drewnianych kadziach, których kształt w niektórych miejscach jest zaskakująco piękny i oryginalny. Imiona, które zachowały do ​​dziś, mówią wymownie o ich celu. Są to chochle do likierów z obwodu wołogdzkiego z okrągłą, bardzo plastikową miską, która płynnie zamienia się we wspaniały ozdobny rzeźbiony uchwyt oraz czerpaki z Wołgi o wyrazistej i surowej sylwetce. W przeciwieństwie do kadzi Vologda, czerpak ma wyraźnie wycięte dno zapewniające stabilność i wysoki uchwyt, który unosi się z korpusu prawie pod kątem prostym. W wystroju obu chochli – miarki i likieru – zachowały się bardzo stare elementy snycerskie: rozeta, wizerunek kaczki, konia. Oba rodzaje wiader mają haczyk na uchwycie, za pomocą którego zawieszano je na krawędzi dużego wiadra lub wanny.

Nierzadko zdarzały się gigantyczne wiadra, które błędnie nazwano by zdalnymi. Najwyraźniej zostały najpierw zainstalowane na stole, a następnie wypełnione. W przeciwnym razie podczas przenoszenia jego cienkie ścianki, wydrążone z korzenia, nie wytrzymałyby ciężaru zawartości. Wiadro na świąteczny stół z kolekcji muzeum ma pojemność około półtora wiadra. Jest to ogromna okrągła miska o szeroko rozłożonych krawędziach, z jednym uchwytem w formie pętli, który podobno może tylko obrócić chochlę na stole, ale jej nie podnieść. Korpus kadzi był kiedyś pokryty jasnym cynobrem, a wzdłuż krawędzi, jak złoty ornament, znajduje się napis w ligaturze: „Ta chochla z rejonu Czeboksary we wsi Minin, Michaił Leksandrow Masłow, została podarowana za córka Anny Michajłownej”. Taka przystojna gigantyczna chochla była oczywiście ozdobą świątecznego stołu. Był uzasadnioną dumą gościnnego gospodarza, był drogim i rzadkim prezentem. Wykonany przez artystę ludowego dla radości ludzi, do dziś zachwyca szlachetnym pięknem, prostą i przejrzystą formą.

Wielkie było pragnienie narodu rosyjskiego do piękna. To nie przypadek, że od urodzenia do późnej starości towarzyszyła mu przez całe życie sztuka. Dla noworodka, radując się z pierworodnego, malowali lub dekorowali kołyskę rzeźbami, a następnie ojciec wycinał zabawkę dla chłopca - łyżwę, dla dziewczynki lalkę - "punk". Tak zaczęło się życie pełne pracy i bogato zdobione sztuką. Wiele przedmiotów wykonanych z najprostszych i najtańszych materiałów zostało ozdobionych przez artystów ludowych jasnymi obrazami i wirtuozowskimi rzeźbami. Zawsze były wysoko cenione przez ludzi. Wnosili do życia radość i piękno. Przez długi czas ludzie będą podziwiać przedmioty sztuki ludowej i czerpać z jej niewyczerpanego źródła bogactwa duchowego stworzonego przez geniusz ludu.

Fronton chaty chłopskiej z doświetlonym oknem 1882

Obwód Gorki, rejon Kstowski, wieś Małe Wiszenki. Mistrz Michaił Małyszew

Cały wystrój chaty pochodził w 1941 roku z MNHR

Rzeźbiony wystrój domu wykonał wybitny mistrz regionu Wołgi Michaił Małyszew. Ponad 140 metrów bieżących desek do dekoracji tego domu pokryto rzeźbionym wzorem. Pod jasnym oknem wyrzeźbiono inicjały autora rzeźby: „M M M”. Jasne okienko po obu stronach graniczy z zakrzywioną łodygą z kiścią winogron na górze i spiralnym zawijaniem na dole. Na deskach frontonu biegnących równolegle do skrzydeł dachu w duże ozdobne loki liści wpisane są kwiaty i pąki rumianku. Nad jasnym oknem wzór kończy się ogromnymi gronami winogron. Na płycie czołowej te same pędzle dopełniają płynny i jednocześnie rytmiczny ruch kwiatowego wzoru po obu stronach. Rzeźba naczółka wyróżnia się nie tylko plastycznością, pięknem kompozycji, rytmem, ale także starannym wymodelowaniem każdego detalu. Wartość pracy wzrasta, ponieważ jest podpisana.

Deski frontowe chat chłopskich 1882, 1867.

Deska frontowa była jedną z głównych dekoracji domu Wołgi. Przystawiono go nad oknami do górnych bali domu z bali. Nad frontową deską wznosił się fronton. Główne miejsce w kompozycji desek frontowych zajął wzór kwiatowy, na który składały się daty powstania rzeźby, wizerunki fantastycznych zwierząt i ptaków, doniczki (często przypominające kształtem samowar), a czasem nazwisko lub inicjały autora rzeźby. Kwiatowy ornament tamtych czasów był bardzo charakterystyczny dla szerokiego, soczystego, plastycznego loka, który powtarzając się spokojnym, niespiesznym rytmem, wypełniał całą deskę czołową. W loki pasują albo duże kwiaty rumianku, albo owoce, albo kiście winogron. Wykonane w tych latach deski frontowe prezentują się bardzo dekoracyjnie, ich wzór jest doskonale czytelny z dużej odległości. Ta ozdoba, jak zauważa MP Zvantsev, była szeroko rozpowszechniona we wszystkich regionach prowincji Niżny Nowogród, ale otrzymała swoje klasyczne rozwiązanie w prawobrzeżnych wioskach Wołgi.

Druga połowa XIX wieku

Region Gorki

Rzeźba na ślepo. 173 x 113.
Szeroki ozdobny pas kilku architrawów z okiennicami był częścią dekoracji chaty na Wołdze. W oparciu o regionalne różnice w projektowaniu ram okiennych w regionie Wołgi, które zostało założone przez MP Zvantseva, tę ramę okienną o wydłużonych proporcjach należy przypisać północno-zachodnim regionom środkowej Wołgi. Co więcej, rozprucie zwieńczenia gzymsu wiszącego nad deską nakrycia głowy oraz obecność kapiteli kończących belki boczne podtrzymujące rozprute części boczne gzymsu pozwalają na jego datowanie nie wcześniej niż na lata 60. XIX wieku. Deska ocheli jest gęsto wypełniona rzeźbieniami. Dwugłowy orzeł, korona, ptaki - wszystko to, splecione z lokami, tworzy bogaty wzór. Na dolnej płycie obudowy znajduje się wizerunek ptaka - jego upierzenie, skrzydła, ogon również są ozdobione i są postrzegane jako jedna całość otoczona wzorem.

połowa XIX wieku

Region Gorki

Rzeźba na ślepo. 136x129
Nadproże jasnego okna powtarza kształt portyku, na który wpływ miała architektura miejska lub dworska klasycyzmu. Osiem skręconych kolumn jest wyposażonych w kapitele korynckie, fronton jest obramowany grzankami. „Belkowanie” i „podium” tego klasycznego portyku ozdobione są wizerunkami fantastycznych zwierząt, które niegdyś były uważane przez ludzi za amulety. Brzegi i lwy z lokami wokół głów żarliwie patrzą na widza, rzucając się z oszałamiającym ogonem, którego pędzel mistrz zamienił się w liść. Już wtedy zapomniano o starożytnym znaczeniu pogańskich bożków.

połowa XIX wieku

Region Gorki

Rzeźba na ślepo. 180 x 125.
Wszystkie główne elementy klasycznego portyku są wyraźnie widoczne w opaskach oprawy. Centralną część frontonu zajmowało jasne okno pokoju. Dolną deskę zdobi trzyczęściowa kompozycja z dwoma lwami i linią brzegową pośrodku. Cztery skręcone kolumny podtrzymują rozprute belkowanie z okrągłym łukiem. Jej zachodnią część i dwa boczne występy zdobią wizerunki ptaków. Opierając się na klasyfikacji zaproponowanej przez MP Zvantseva, ta obudowa pochodzi z północnych lub północno-zachodnich regionów regionu Wołgi i pochodzi z lat 80. XIX wieku, kiedy to baśniowe stworzenia zaczęły zajmować główne miejsce w wystroju.

Fragment

W łuku, pośrodku frontonu lekkich architrawów, znajduje się wizerunek ptaka. Ptak graniczy z fantastycznie zakrzywionymi liśćmi. Ruch liści odzwierciedla wdzięczne pochylenie głowy z kępką, kształt skrzydeł i ornament, którym rzeźbiarz zdobił upierzenie ptaka.

Druga połowa 19

Rzeźba na ślepo. Obraz. 70 x 45.
Otrzymany w 1955 r. z Państwowego Muzeum Historycznego
Lwy były często przedstawiane na krawędziach frontowej deski kwiatowym wzorem, zamykającym kompozycję. Tutaj odwzorowywana jest rzadka w swej dynamice postać. Głowa z otwartym pyskiem i wystającym językiem jest ostro zwrócona w kierunku ogona, który jest skręcony w elastyczną pętlę. Ruch podkreślają pasma grzywy. Na fragmencie zachował się obraz, który został nałożony na rzeźbę, co było bardzo rzadkim zjawiskiem w projektowaniu domów w rejonie środkowej Wołgi. Artysta zastosował tutaj kolory czerwony, żółty i zielony.

Druga połowa XIX wieku

Region Gorki

Rzeźba na ślepo. 215x40.
Otrzymany w 1942 r. z Muzeum Abramtsevo
Brama i brama krytego dziedzińca przylegającego od strony domu wychodziły na ulicę, dlatego dużą wagę przywiązywano do ich dekoracji. Tablica ta służyła do dekoracji werandy przy bramie. Rzeźbiarz z wielką wprawą buduje kompozycję pionową. Jej góra i dół ozdobione są rozetami o niezwykle złożonym wzorze. Na środku planszy znajduje się doniczka, z której wyrastają szypułki winogron. Ozdobność ornamentu, skomplikowane sploty gałązek, liści i owoców winogron, kunszt wykonania detali dodają wzorowi splendoru.

Początek 20 wieku

Łyżwa. Zabawka. Początek 20 wieku. Obwód Archangielski, Leshukonsky

Wątek. 16x6x19,5.

Rzeźbiarz bardzo oszczędnymi środkami tworzy wizerunek silnego, potężnego konia, mimo niewielkich rozmiarów zabawki. Mała głowa, stroma szyja, szeroka klatka piersiowa i szeroko rozstawione proste nogi podkreślają wrażenie monumentalności rzeźby. Uprząż jest rzeźbiona.

Łyżwa. Zabawka. Początek 20 wieku. Obwód Archangielski, Leshukonsky
Dzielnica, wieś Palaschelye nad rzeką Mezen
Rzeźba, kolorowanie. 22x5,5x23,5.
Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1961, O. V. Kruglova)
Koń jest wyrzeźbiony wraz z jeźdźcem z jednego kawałka drewna. Podobno stał na stojaku z kółkami. Uprząż wykonana jest z kołpaków wbitych w drewno. Rozwiązanie obrazu ma wiele wspólnego ze stylizowanymi łyżwami w malarstwie kołowrotków Mezen.

Łyżwa. Zabawka. Początek 20 wieku. Region Włodzimierza, miasto Gorokhovets
Rzeźba, malowanie. 24x19x6,5.
Kolekcja Muzeum Zabawek
Malowany koń jest cięty siekierą. Formularz jest rozwiązany w sposób uogólniony. Zamiast nóg zastosowano kółka bez stojaka, na których mocowany jest korpus łyżwy pomalowany na czarno. Na grzbiecie oczy, nozdrza, uprząż, pomalowane na czerwono i żółto, są postrzegane jako jasny wzór.

Łyżwa. Zabawka. Początek 20 wieku. Obwód Gorki, wieś Łyskowo
Niezdarna praca, malowanie. 14x11x3.
Grzbiet został wycięty siekierą z płaskiego klina. Taka zabawka w regionie Gorkiego nazywa się siekierą. Tył zabawki ma ostrą półkę, przypominającą bajecznego garbatego konia. To nadaje mu dynamizmu. Malowane zaokrąglonymi czarnymi liniami i białymi kropkami.

gąbczasta kaczka
połowa XIX wieku

Obwód Archangielski, rejon Krasnoborski, wieś Parfenowskaja nad rzeką Dźwina Północna. Posiekany siekierą. 73x39x51.

Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Ta kaczka zdobiła dom, którego fasada wychodziła na brzegi Północnej Dźwiny i była widoczna z rzeki. Bardzo wyraźna i wyrazista sylwetka rzeźby była doskonałym dopełnieniem budynku. Podczas przetwarzania kłącza mistrz doskonale wykorzystał naturalny kształt kikuta: jeden z procesów korzenia przeznaczył na szyję kaczki, a uzupełniając go głową z długim dziobem, również bardzo uogólnionym, osiągnął ostateczną specyfikę sylwetki. Podobna forma okhlupni jest niezwykle rzadka na północy.

Puszysty Koń
połowa XIX wieku

Obwód Archangielski, rejon Verkhnetoemsky, wieś Navolotskaya nad rzeką Niżnaja Toyma

Posiekany siekierą. 73x92x50.

Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Rzeźbiarski wizerunek konia dopełnia masywna kłoda z pnia modrzewia, która została dociśnięta do deski dachu. Został wyrzeźbiony z ogromnego kłącza drzewa. Północny, duży dom miał zwykle dwie ochłupnie. Ich końce wisiały nad frontową i tylną fasadą domu. Do dnia dzisiejszego zachowała się tradycja nadawania ohlupnym wyglądu konia, kaczki czy jelenia. W starożytności rzeźba ta miała na celu ochronę domu. Okhlupen został zabrany z ogromnego starego domu północnego, wyciętego w połowie XIX wieku. Wysoka wysokość domu uzasadniała bardzo uogólnione formy kalenicy. Wygląda na to, że został ścięty kilkoma bardzo precyzyjnymi machnięciami topora. Koń ohlupen uderzył wyrazistością dumnej sylwetki

1870

Obwód moskiewski, rejon Jegoryevsky, wieś Timirevo. Mistrz Savinov Wasilij Timofiejewicz Rzeźba, malarstwo. 112 x 47 x 77. Faktura nr 381d; 99 x 47 x 52. Otrzymany z Państwowej Galerii Trietiakowskiej w 1939 r.

Jedna budka dla ptaków wykonana jest w formie rzeźby przedstawiającej starca. Usta służyły szpakom za kran. To wyjątkowe dzieło sztuki, nietypowe dla życia chłopskiego XIX wieku. Jak udało się ustalić pracownikom Państwowego Muzeum Historycznego, ich autor, chłop Wasilij Timofiejewicz Sawinow, wykonał wiele podobnych drewnianych rzeźb i wiele przedmiotów gospodarstwa domowego z reliefem i trójwymiarowymi obrazami osoby w swoim życiu. Wiele z nich jest przechowywanych w funduszach Państwowego Muzeum Historycznego i przybyło tam w 1895 roku. Drugi domek dla ptaków wykonany jest w formie starej kobiety z wiadrem i kijem w dłoniach, prawdopodobnie pomyślanej jako para z pierwszą. Nacięcie na szpaki znajduje się pod brodą. A w obu domkach dla ptaków zachowały się gniazda ich dawnych mieszkańców.

Ul
19 wiek

Rzeźba, malowanie. 123x64x55. Otrzymany z Państwowej Galerii Trietiakowskiej w 1939 r.
Ul w postaci niedźwiedzia jest wyrzeźbiony z ogromnej grubej kłody. Mistrz zachował swój kształt, dzięki czemu postać wygląda ociężale, statycznie, monumentalnie. Na piersi znajdują się dwa nacięcia dla pszczół. Opuszczona łapa zdaje się zakrywać otwór, z którego wyjęto miód. Wizerunek misia smakosza jest oddany z humorem.

Początek 20 wieku

Obwód Wołogdy, rejon totemski, wieś Fedotowo. Malowanie pędzlem. 120 x 61.
Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1970, O. V. Krug lova)
Pokryty dużym pędzlem malarskim na białym tle. Dzięki skąpej kolorowej palecie mistrz osiągnął ostateczny efekt dekoracyjny. Drzwi, jako cenny przedmiot, właściciele wyjęli ze starego domu, w którym całe wnętrze chaty pokryte było jasnym malowidłem na białym tle. W nowym domu drzwi zamykały również wejście na schody do dolnej skrzyni chaty (golbety).

Koniec XIX wieku

Obwód Jarosławski, rejon Breytovsky, wieś Tretyachikha. Malowanie pędzlem. 183 x 80 x 39,5. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1967, O. V. Kruglova)

Panele szafki oraz szuflada ozdobione są malowaniem. Wypełniony odważnymi pociągnięciami pędzla, ma harmonijny kolor. Szafa blokowała część pokoju przed piecem. Wyprowadzony ze wsi, która znajdowała się na pograniczu regionów Jarosławia i Kalinina, gdzie rozpowszechnione były malunki pędzlem. Wykonywany najwyraźniej nie przez miejscowego, ale przez obcego artystę.

Kądziel. Fragment
Koniec XIX wieku

Obwód Wołogdy, rejon Tarnogski, wieś Pietruszino
Malowanie pędzlem. 100x20x55,5. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1970, O. V. Kruglova)
To bardzo rzadki przypadek, gdy koło Tarnogi ozdobiono kołowrotek nie rzeźbami, ale malunkami. Został wykonany przez zagranicznego artystę. Styl pisania jest szeroki, odważny.

Druga połowa XIX wieku

Obwód Archangielski, powiat Krasnoborski, wieś Bolszoj Dvor na Civozero
Malowanie pędzlem. 76x41x28.
Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)
Wszystkie zewnętrzne ściany kołyski są pomalowane. Kołyska znajdowała się w starym domu, którego wnętrze ozdobiono tym samym obrazem. Najwyraźniej została namalowana jednocześnie z wnętrzem i zajęła centralne miejsce w chacie.

Początek 20 wieku

Obwód Wołogdy, rejon Mezhdurechensky, wieś Igumentsevo
Obraz. 58x41x29. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)
Kształt skrzyni z płaską, lekko zwisającą pokrywą jest typowy dla Wołogdy i północnych części regionu Jarosławia. Obraz, podzielony zgodnie z rysunkiem, jest bardzo harmonijny kolorystycznie: na czerwono-pomarańczowym tle znajdują się pasy czarnej farby imitujące żelazne podszewki. Skrzynia służyła do przechowywania ubrań i została przyniesiona do domu męża jako posag. Takie jaskrawo pomalowane skrzynie swata zostały ułożone na wózku i przewiezione wraz z innym posagiem do domu pana młodego. Były dumą panny młodej i świadczyły o jej pomyślności.

Koniec XIX wieku

Obwód Archangielski, rejon Leshukonsky, wieś Zasulye nad rzeką Mezen
Malowanie pędzlem. 53 x 38 x 30. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1961, O. V. Kruglova)
Z zakrzywioną pokrywką. Oprawione żelaznymi pasami i pokryte dużymi malowidłami, których głównym elementem jest rozeta wirowa. Obraz jest niezwykle prosty i bardzo dekoracyjny. W takich skrzyniach przechowywano ubrania, które zwykle stały wzdłuż ścian z bali w chłodni, a jeśli nie mieściły się w jednym rzędzie, umieszczano je w piramidach jedna na drugiej. Pstrokate i eleganckie malowanie skrzyń, skrzyń i pudeł sprawiło, że pokój był jasny i piękny.

Sanki na karnawał
Początek 20 wieku

Obwód Archangielski, wieś Cherevkovo na północnym Dźwinie
Rzeźba, malowanie. 57x26x28. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)
Wykonany z drewna, oprawiony żelaznymi paskami. Ozdobiony trzema kwadratami z wytłoczonymi rzeźbami i malowaniem dekoracyjnym, gdzie głównymi kolorami są czerwień i zieleń. Takie jasne, eleganckie sanie z wesołym malowaniem zostały wykonane i pomalowane we wsiach na środkowych krańcach Północnej Dźwiny, specjalnie dla dziewcząt i chłopców, aby jeździć z gór podczas zapusty - święta spotkania wiosny i słońca.

Kądziel. Fragment „Jeźdźca”
Pierwsza ćwierć XIX wieku

obwód Jarosławski, rejon Daniłowski, wieś Sanino
Kontur i zszyta nić. 78 x 15 x 51. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1964, O. V. Kruglova)
Dwie kompozycje gatunkowe, znajdujące się w dolnej części szerokiej łodygi, łączy najwyraźniej wspólna fabuła. W jednym - facet na saniach jedzie do ukochanej, w drugim (już w pokoju na wieży) - jest gościem przy stole. Kołowrotki z wieży Jarosławia stanowią jeden z nielicznych działów sztuki ludowej XIX wieku, w których gatunek ten zajął główne miejsce. Technika rzeźbienia konturowego i wspornikowego umożliwiła rzeźbiarzowi wykonanie „grawerunku” na drewnie. Działka jest wykonana dekoracyjnie. Rozłożyste drzewo, wyrzeźbiony łuk i sanie, ubrania haftowane wzorem, uprząż pokryta ozdobami - wszystko jest zdecydowane ornamentalnie i odbierane jako piękny wzór.

Początek 20 wieku

Region Wołogdy, wieś Oberikha. Mistrz Konowałow Fiodor Aleksiejew
Ściągacz i nić trójścienna. 78,5 x 18 x 48. Przywieziony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1966, O. V. Kruglova)
Kołowrotki Gryazowca z szeroką łodygą zostały wycięte z jednego kawałka drewna. Lokalna nazwa takiego kołowrotka brzmi „świeży”.

Początek 20 wieku

Kołowrotek na wieży Fragment „Picie herbaty”, „Quadrille”
1835

Yaroslavskaya o rejonie Lubimskim, wsi Makarowo Kontur i rzeźba wspornika. 84,5 x 16 x 51,5 Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1966, O. V. Kruglova)
W dolnej części nogi teremowego kołowrotka wyrzeźbiono dwie kompozycje rodzajowe, umieszczone jedna nad drugą. Poniżej najwyraźniej przedstawiony jest taniec - cztery dziewczyny, trzymające się za ręce, stoją parami, między nimi jest drzewo. Powyżej znajduje się scena picia herbaty. Nad samowarem wyryte są daty powstania kołowrotka „1835” i „1836”. A na tarczy zegara wieżowego litery „M. F. Ch.”, - podobno pierwsze litery imienia i nazwiska rzeźbiarza. Kęby tej grupy różnią się od kądzieli teremok z innych regionów regionu Jarosławia niezwykłym przedstawieniem kobiecych głów ze szczotką do włosów, ozdobionych grzebieniem.

Druga połowa XIX wieku

Obwód Wołogdy, zachodnia część powiatu gryazowieckiego, wieś Mokeevo

Rzeźba przelotowa i trójścienna, kolorowanie i malowanie pędzlem w oleju.

76x13x53. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1968, O. V. Kruglova)

Kądziel. Koniec XIX wieku. Obwód Wołogdy, centralna część powiatu gryazowieckiego, wieś Gridino

Trójkątny rowkowany, przelotowy. Obraz. 74 x 16,5 x 59. nr 5274 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1968, O. V. Kruglova)

Kądziel. Koniec XIX wieku. Obwód Wołogdy, wschodnia część powiatu gryazowieckiego, wieś Orłowo

Trójścienna i przelotowa. Obraz. 72x16,5x58. Faktura nr 5338 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Kołowrotki Gryazowca były czasami pokrywane farbami olejnymi. Była to albo wielobarwna kolorystyka, albo bardzo często malowanie pędzlem z rysunkiem kwiatowym. Sądząc po datach na kołowrotkach, prace te pochodzą z drugiej połowy XIX wieku. Wirujące koła zachodniej części są bardzo wielokolorowe, pomalowane na jasne, otwarte kolory. Malowanie kołowrotków w centralnej części regionu jest bardzo intensywne i zebrane kolorystycznie. Kołowrotki części wschodniej malowano najczęściej w dwóch lub trzech kolorach: na kolorowym, najczęściej czerwonym tle, rzeźbiony wzór pokryty był żółto-ochrową tonacją, przez co wyglądał jak cenna wkładka. Kąble ozdobione malowanymi rzeźbieniami są znacznie częstsze w regionie Gryazowiec niż kądziele niepomalowane. Ostrze kołowrotka ze wsi Mokeevo ozdobione jest nie tylko rzeźbą trójścienną, ale także malarstwem. Na środku ostrza napisany jest czerwony tulipan. Wyrzeźbiona noga obracającego się koła wygląda jak elegancka łodyga, jakby podtrzymywała kwiat. To wyjątkowo udane połączenie dwóch technik.

Kręcące się koła. malowanie pędzlem
Druga połowa XIX wieku

Obwód Wołogdy, rejon Gryazowiec, wieś Żernakowo
Poprzez rzeźbienie i malowanie pędzlem. 74x15x51.
Obwód Wołogdy, rejon Gryazowiec, wieś Slobodische. Malowanie pędzlem. 75 x 17 x 62. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1968, O. V. Kruglova)
Malarstwo pędzlem, w którym kwiat tulipana lub róży podawano w najróżniejszych kompozycjach, było typowe w drugiej połowie XIX wieku dla wystroju kołowrotków Gryazowca. Styl pisania jest dowolny, malowanie odbywa się dużymi ozdobnymi pociągnięciami pędzla.

1890

Obwód Wołogdy, rejon Tarnogski, wieś Denisowskaja. Rzeźba trójścienna Mistrza Stepana Ogloblina. 103 x 30 x 56. Faktura nr 5444 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1970, O. V. Krutlova)

Charakterystyczny przykład kołowrotka Tarnoga: na smukłej, niskiej nodze znajduje się ogromna klinga z dwoma okrągłymi „kolczykami” i rzędem rombowych goździków – „miasteczek”. Pod miasteczkami wyryto napis: "TO JEST PROSTO (LKA) CHŁOPÓW (KI) NASTA (SII) ALEXA (EVNA) SHIBA (NOWOŚĆ)". Mistrz zamienił ostrze kołowrotka (przód) w luksusowy panel dekoracyjny o wyraźnej, smukłej kompozycji. Jego podstawą jest wzór małych kwadratów. Powyżej znajduje się złożona kompozycja rozet, w centrum których znajduje się rozeta wirowa, która w starożytności uważana była za symbol grzmotu. Po wewnętrznej stronie ostrza tego kołowrotka ornament zdobi tylko dolną część, pozostawiając gładki środek, do którego przyczepiono płótno. Na czubku głowni napis: "SIYU PRYASN (ITSU) SLAB (OTAL) KRE (STYANIN) DER (EVNI) OAK () STEP (AN) OGLOB (LIN) 1890 DZIEŃ 29 GRUDNIA". Ten kołowrotek to wyjątkowe dzieło sztuki. Wszystko w nim jest harmonijne, wszystko świadczy o wielkim talencie artysty, który wyrzeźbił jego imię. Przedmioty sygnowane są rzadkością w rosyjskiej sztuce ludowej.

Koniec XIX wieku

Obwód Wołogdy, rejon Nyuksensky, wieś Bieriezowaja Słobidka nad rzeką Suchona
Trihedral i poprzez rzeźbienie, malowanie. 98x26x61. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1971, O. V. Kruglova)
Ostrze kołowrotka Nyuksen z charakterystycznym dla tego regionu wzorem rozet i rzędami okrągłych otworów, w które wkładano koraliki i kolorowe kamyczki, wydające dźwięk przy każdym ruchu kołowrotka. Kołowrotek „z naszyjnikami”, jak nazywa się go w regionie Nyuksen, stał się modny w drugiej połowie XIX wieku. Ponadto kołowrotki Nyuksenitsy były jaskrawo i wielokolorowe malowane na rzeźbach farbami olejnymi. Jako jedna z odmian drugiego typu Wołogdy została po raz pierwszy odkryta w 1958 roku przez ekspedycję Państwowego Muzeum Rosyjskiego (M.N. Kamenskaya).

Obracająca się noga koła
1890

Obwód Wołogdy, rejon Tarnogski, wieś Denisowskaja. Rzeźba trójścienna Mistrza Stepana Ogloblina. 103 x 30 x 56. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1970, O. V. Kruglova)

U podstawy północnych kołowrotków niektórych regionów regionu Wołogdy dno bardzo plastycznie przechodzi w łodygę. Płynność połączenia obu tomów podkreśla również wystrój kołowrotka. W kołowrotkach Totem boczne powierzchnie łodygi są zwykle gęsto rzeźbione, a na styku łodygi z dnem półrozeta jest rozłożona jak wachlarz. W kołowrotkach Tarnoga, oprócz wyrzeźbienia powierzchni bocznych, w miejscu zbiegu trzonu z dnem wyrzeźbiono ozdobną płaskorzeźbę „przegrzebek”. Ten element otrzymał jeszcze bardziej dekoracyjny rozwój w kołowrotkach sąsiedniej Nyuksenitsa. Tutaj „przegrzebek” został wycięty bardziej, w każdej półce znajdował się otwór przelotowy.

Kądziel. Koniec XIX wieku. Obwód Wołogdy, rejon Totemski, wieś Iwakino w pobliżu Pogorełowa. Mistrz Kuchin Nikołaj Wasiljewicz Trihedral rzeźba i kolorowanie. 2x18x42. Faktura nr 5457 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1970, O. V. Kruglova)

Kądziel. Koniec XIX wieku. Obwód Wołogdy, rejon Sokolski, wieś Czuczkowo. Rzeźba trihedralna mistrza Szestakowa Nikołaja Iwanowicza. 84 x 19,5 x 49. Faktura nr 5336 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Kądziel. Druga połowa XIX wieku. Obwód Wołogdy, rejon Sokolski, wieś Biryakovo

Rzeźba trójścienna. 82x 18x47,5. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Kołowrotki Pogorełowa, Czuczkowa i Biriakowa to trzy odmiany kołowrotków Totmy: zakorzenione, z wysoką łodygą i z kwadratową łopatką (kołowrotek typu północnego). Wszystkie trzy ośrodki stoją na starożytnej drodze Wołogda-Totma, co tłumaczy bliskość ich form. Nie zostali uwzględnieni w klasyfikacji A. A. Bobrinsky'ego. Zostały odkryte przez ekspedycje Muzeum Zagorskiego (1969 i 1970, O. V. Kruglova). Lokalna nazwa kołowrotków to „świeże”. Odrębne niuanse form i całkowicie oryginalny rzeźbiony wystrój kołowrotków każdego z trzech ośrodków pozwalają uznać je za odrębne odmiany kołowrotka Totem.

Wirujące koła Pogorelova mają gruby wzór ostrza, prawie zawsze pokryty malowaniem. Przechodzi od miast do kolczyków, nie pozostawiając drewna nietkniętego rzeźbami. Na kołowrotkach Chuchkowa rzeźbiona kompozycja ostrza podzielona jest na dwie części: na dole ciągły wzór kwadratów, nad nim wśród gładkiego drewna rozeta, a rogi zajmują jej fragmenty. Noga kołowrotka Chuchkovskaya jest wyrzeźbiona od ostrza do podstawy. Kołowrotki Chuchkova nigdy nie zostały podpisane. Na kołowrotkach Biryakova wyrzeźbiony wzór na ostrzu nie jest gruby. Wchodzi do nogi tylko w jej górnej części. Stare kołowrotki Biryakova również nie zostały podpisane. Później zaczęto je malować, aby wyglądały jak mahoń, a zamiast rzeźbienia zdobiono je wzorzystymi, pokrytymi miedzianymi płytami, kawałkami luster i miedzianymi blaszkami, które były przymocowane do pętli, były ruchome i przy każdym ruchu obracały się koła dźwięk dzwonka. Te kołowrotki zostały wykonane przez rodzinę lokalnych producentów akordeonów.

Kołowrotki z korzeniami Permogorska
19 wiek

1. Obwód archangielski, rejon krasnoborski, molo Permogorye, grupa wiosek Wet Yedoma

Malowanie na białym tle. 87x21x49,5. Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Krug lova)

2. Obwód Archangielski, rejon Czerewkowski, wieś Uljanowsk nad rzeką Rakułką. Mistrz Vityazev Yakov Dmitrievich Malarstwo. 94x19x57. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Kołowrotki Permogorsk - „korzeń” (typ północny). Zgodnie z klasyfikacją A. A. Bobrinsky'ego należą one do trzeciego typu Dvina, który obejmował wszystkie rodzaje malarstwa Siewierodwińskiego. Dopiero w 1959 r. dzięki ekspedycji Muzeum Zagorskiego (O.V. Kruglova) gatunki te zostały wyraźnie wytyczone i znaleziono ośrodki ich produkcji. W przypadku malarstwa Permogorska takim ośrodkiem była grupa wiosek pod wspólną nazwą Mokry Yedoma w pobliżu molo Permogorye. Obraz Permo-Gorsk jest białym tłem. Wzór oparty jest na małym ornamentie kwiatowym z kwiatów i liści w kształcie włóczni, wśród których znajdują się wizerunki Sirin, jednorożców, lwów i różnych scen z chłopskiego życia. Na kołowrotkach Permogorye wizerunek Sirin był tradycyjny. Jeszcze na początku XX wieku umieszczano go na kołowrotku jako życzenie szczęścia dla kobiety. Sirin jest otoczona kwiatowym wzorem typowym dla malarstwa permogorskiego. Kompozycję otaczają liście w kształcie włóczni i fantastyczne kwiaty na giętkich łodygach, zamknięte w okrągłej ramie trójkątów. Artysta wypełnia przestrzeń wokół okrągłego stempla kwiatowym wzorem. Obraz wykonany [bez koloru zielonego, tylko w kolorach czarnym, czerwonym i żółtym. Kołowrotki Rakul - "korzeń" (typ północny). W klasyfikacji A. A. Bobrinsky'ego i w jego albumie o kołowrotkach rakul netch ten krzew został po raz pierwszy odkryty przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova). Centrum produkcji stanowiła wieś Uljanowsk nad rzeką Rakułką, dopływem Północnej Dźwiny. Niska łodyga, rozszerzająca się, przechodzi w bardzo długi płat z czterema miastami. Na żółtym tle - obraz dekoracyjny. W górnej części znajduje się duży łuk zakrzywionej gałęzi. Poniżej znajduje się wizerunek ptaka wpisanego w kwadrat. Rysunek jest bardzo swobodny i pewny siebie. Brązowo-czarna kolorystyka fototapety współgra ze złocistożółtym tłem.

Kołowrotek Permogorsk - „historia”. Z fragmentami
19 wiek

Obwód Archangielski, Okręg Krasnoborski, Molo Permogorye, grupa wiosek Mokra Yedoma Obraz na białym tle. 86 × 19 × 47,5.

Jeden z najczęstszych i starożytnych schematów kompozycyjnej konstrukcji obrazu ostrza na kołowrotkach Permogorye:

Centralne miejsce zajmuje scena zgromadzeń z czterema postaciami w komnacie z wzorzystymi oknami, z czterospadowym szczytem, ​​nad którym przedstawiony jest jednorożec i lew.

Po lewej za kołowrotkami siedzą dwa błystki. Jedna z nich ma na sobie kobiece nakrycie głowy, bardzo popularne na rosyjskiej północy: gładkie czoło, nad którym wznosi się jak kępka, składa się z okrągłej czapki.

Na drugim - zwykły wojownik, nakrycie głowy zamężnej kobiety. Po prawej dziewczyna ze szwaczką. Na głowie ma dziewczęcą opaską z jasnego jedwabnego szala z dwoma wąsami. Były noszone tylko na Północnej Dźwinie i nazywane „kustushką”. Obok niej jest chłopiec z talyanką w rękach.

Każdy szczegół obrazu nie jest przypadkowy. Tutaj możesz „przeczytać” szczegółową historię, w której artysta ozdabia prawdziwą historię swoim marzeniem o pięknie. Ta scena w cyklu malarskim ma pierwsze znaczenie: znajomość młodych ludzi na spotkaniach.

W poniższej scenie artysta kontynuuje „historię”. Pod sceną zgromadzeń znajduje się wąski fryz muralu, na którym artysta rysuje czarnym konturem postacie ludzi, psa, świni, jelenia i krowy.

Ten motyw w malarstwie Permogorska występuje dopiero w pierwszej połowie XIX wieku. Poniżej znajduje się kompozycja najwyraźniej weselnego pociągu. Podobnie jak scena spotkań, mistrz otacza wóz młodymi fantastycznymi kwiatami, starając się nadać wydarzeniu, o którym opowiada, niecodzienny świąteczny charakter. Tył tego kołowrotka przedstawia dom młodej pary, artysta gloryfikuje ich gościnność i gościnność.

Pierwsza połowa XIX wieku

Obwód Archangielski, Okręg Krasnoborski, Molo Permogorye, grupa wiosek Mokra Yedoma Obraz na białym tle. 90 x 23 x 49.

Malowidło na wewnętrznej stronie kołowrotków Permogorsk również zostało wykonane według pewnego wzoru. W pierwszej połowie XIX wieku dolną część ostrza zajmowała zwykle scena biesiadna. Noga, podobnie jak z przodu, została pokryta drobnym kwiatowym wzorem na białym tle, który zazwyczaj uzupełniał wizerunek koguta. Górna, robocza część głowni, w którą wiązano len, została pomalowana bardziej ozdobnie. Duże liście były wypisane na żółtym tle, a kury, koguty, psy, kozy były zawsze w rogach. Czasami dno pokrywał też duży obraz. Podkreśliła solidność kołowrotka korzeniowego, w którym dno wykonane z korzenia płynnie przechodzi w nogę wykrojoną prosto (od pnia). Z natury wzoru i koloru malowanie dna powtarza górną część ostrza.

Malowidło wewnętrznej strony permogorskiego kołowrotka ze sceną uczty jest, zgodnie z fabułą, kontynuacją dwóch poprzednich scen przedniej strony ostrza. Młodzi małżonkowie przyjmują gości w swoim domu. Młoda kochanka, która siedzi z dzieckiem w ramionach, ma już na sobie kobiece nakrycie głowy. Właściciel domu wyjmuje gościom adamaszek, ładnie siedząc przy stole z samowarem. W finałowej scenie cyklu malowania kołowrotka artysta pokazał dobre samopoczucie, dobrobyt i harmonię rodzinną. Brzmi jak dobre życzenia młoda dziewczyna, która otrzymała w prezencie kołowrotek.

Koniec XIX wieku

Region Archangielski, Półwysep Onega, Letnia Plaża

Trójścienne i poprzez rzeźbienie, toczenie, kolorowanie. 108 x 15 x 60.

Pomorskie kołowrotki były „korzeń” i były wykonane z jednego kawałka drewna. Późniejsze ich próbki mają nogę wykonaną na tokarce. Zgodnie z klasyfikacją A. A. Bobrinsky'ego przydzielono je do piątego typu. Pierwsza ich kolekcja została przywieziona w 1911 roku do Muzeum Archangielskiego przez I. M. Pochinowskiego. Poważne badania tego typu kołowrotków przeprowadziły ekspedycje Państwowego Muzeum Rosyjskiego (lata 60., N.V. Maltsev). Ukazuje się na wybrzeżach Lyamet i Summer Półwyspu Onega. Granice tych ośrodków pokrywają się z podziałem półwyspu na dwa brzegi. Kształt i wystrój pomorskiego kołowrotka od Letny Bereg uderza elegancją. Jego kształt wiosła wyróżnia się spośród wszystkich licznych rosyjskich kołowrotków i najwyraźniej był pod wpływem kołowrotków z zachodniego wybrzeża Morza Białego. Są to kołowrotki (il. XIII w artykule) na wysokiej nodze z długim, wąskim ostrzem, zaokrąglonym u góry iu dołu. Część środkowa jest zakrzywiona w kierunku elewacji. Wszystko to sprawia, że ​​wygląda jak wiosło. Istniał od Morza Białego do granicy z Finlandią i od wybrzeża Terskiego prawie do jeziora Onega. Najprawdopodobniej kształt kołowrotka był starożytny, lokalny, związany jest z kulturą ugrofińską i istniał tu jeszcze przed zagospodarowaniem tych ziem przez Rosjan. Ten kołowrotek ma wiele wspólnego z kołowrotkami Finlandii i krajów bałtyckich. Kompozycja rzeźby geometrycznej składa się z trzech okrągłych znaków rozpoznawczych. Najmniejszy wzór pokrywa całe ostrze, którego powierzchnia mieni się wieloma fasetami. Zgrabną formę podkreśla kruche zakończenie pięciu miasteczek. Kołowrotek pokryty jest malowaniem rzeźbiarskim.

Kołowrotki Kenozero - korzeń, wykonany z jednego kawałka drewna
Koniec XIX wieku

Obwód Archangielski, rejon Kargopolski, wsie na Kenozero

Rzeźba trójścienna, malowanie pędzlem. 99 x 23,5 x 56. 99 x 23,5 x 56. Przedstawione przez ekspedycję Państwowego Muzeum Rosyjskiego (1964, N. V. Maltsev)

Kołowrotki Kenozero to korzeń, zostały wykonane z jednego kawałka drewna. Nie zostali uwzględnieni w klasyfikacji A. A. Bobrinsky'ego. Po raz pierwszy zostały odnalezione i wyróżnione jako niezależny typ przez ekspedycje Państwowego Muzeum Rosyjskiego (1963, N.V. Maltsev). Kołowrotki Kenozero istnieją w regionie Kargopol wokół Kenozero. Ich kształt ma wiele wspólnego z kołowrotkami Kargopol. Mają niską nogę i ogromne ostrze, którego wierzchołek tworzy dwa zbocza z pięcioma dużymi okrągłymi miastami. Spód ostrza ozdobiony dwoma dużymi okrągłymi kolczykami. Rzeźba trójścienna, gęsto pokrywająca nogę i ostrze, posiada szereg motywów charakterystycznych tylko dla Kenozera (pasy ornamentu z kwadratów ozdobione wachlarzem promieni). Zazwyczaj rzeźby były elegancko malowane.

Duże ostrze obracających się kółek Kenozera, pokryte rzeźbieniami, również zawsze było ozdobione malowidłami. Powierzchnia nietkniętego drewna została pomalowana na całym ostrzu na jeden kolor. Rzeźba miast w górnej części kołowrotka, kolczyki na dole ostrza, ozdobne pasy i centralna kompozycja zostały pomalowane farbami. Na tło nakładano malowidło pędzlem, zazwyczaj w kwiatowy wzór.

Kolumnowe kołowrotki - „Kolumna Wołgi”
Koniec XIX wieku

Kądziel. 19 wiek. Region Jarosławia, dzielnica Seredsky Trihedral i rzeźba trójwymiarowa. 75x14x64. Faktura nr 3206 e Otrzymana z kolekcji Vl. IV. Sokołowa w 1957 r.

Kądziel. 19 wiek. Region Jarosławia, powiat Niekrasowski, wieś Wiatskoe Trihedral i przez rzeźbienie. 73x11x64. Faktura nr 3673 e Otrzymana z zagorskiej szkoły zawodowej w 1940 r.

Najjaśniejsze odmiany kolumny Wołgi. Swoim kształtem i rzeźbionym wystrojem okien z sandrikami przypominają wysokie, smukłe namioty kamiennych dzwonnic z XVII wieku. Składa się z dna i nogi włożonej w nie małym ostrzem. Ostatnie badania ujawniły całą grupę odmian kołowrotków kolumnowych, których łącznikiem jest ich konstrukcja - dno i pion z włożoną małą główką. Tę formę spotykamy tylko na obszarach przylegających do Wołgi i jej dopływów (w Kostromie, Jarosławiu, w zachodniej części Wołogdy, we wschodniej części obwodów nowogrodzkich i kalinin). Kształt kolumny Jarosławia z oknami był podstawą ósmego typu kołowrotków według klasyfikacji A. A. Bobrinsky'ego, bez dokładnego wskazania miejsca ich istnienia. Wyprawa Muzeum Zagorskiego określiła to terytorium (1966, O. V. Kruglova): zajmuje okręg Seredski i północną część okręgu Niekrasowskiego w regionie Jarosławia. Głównymi ośrodkami produkcji była wieś Wiatskoje i sąsiednie wsie. Rzeźbiarze kołowrotków za wzór przyjęli kamienne dzwonnice z XVII wieku z rozrzuconymi oknami na białej powierzchni namiotu, których górna część była zwykle ozdobiona obszernym sandrikiem. Ten motyw eleganckich okien powtarza się tyle razy, że całkowicie zakrywa wszystkie lica drewnianej wieżyczki. Ściany między oknami wypełniają poskręcane kolumny. W rzeźbieniu uderza staranne wykończenie każdego detalu i genialna technika wykonania.

Fragment

Początek XIX wieku

Obwód Gorki, rejon Gorodecki Inlay. 73 x 32.

Dna gorodetowe są zwykle zaokrąglone w okolicach głowy. Prezentowany tutaj jest intarsjowany dębem bagiennym bez retuszowania tła, co zaczęto robić w Gorodcu w połowie XIX wieku. Środkowa część dna ozdobiona wizerunkiem maszerujących żołnierzy. Ich wysokie nakrycia głowy czako pozwalają datować Doniec na pierwszą ćwierć XIX wieku. Powyżej dwóch jeźdźców w przekrzywionych kapeluszach na przysadzistych koniach o dużych głowach.

Kompozycja z jeźdźcem na koniu, wykonana techniką intarsji, zdobi boczną twarz głowy Gorodeckiego Dońca. Jeździec w wysokim kapeluszu, taki sam jak żołnierze. Koń z dużą głową przypomina zabawkę Gorodets. Nogi łyżwy zamienione są w ozdobne liście.

19 wiek

Obwód Gorki, powiat Gorodecki. Obraz. 79x27x17.

Donety są ozdobione malowidłami, ale nadal zachowują kompozycję typową dla wcześniejszych inkrustowanych donetów - dwóch jeźdźców i drzewo z ptakami pośrodku. Rozwiązanie kolorystyczne obrazu imituje również intarsję: czarne konie na żółtym tle. Żółte tło pojawiło się po raz pierwszy w połowie XIX wieku jako zabarwienie intarsji Gorodets. Później, w ostatnich dziesięcioleciach XIX wieku, w kolejnym etapie malarstwa gorodeckiego, tradycyjną scenę z jeźdźcami zastąpiła słynna uczta gorodecka. Malowanie tego dna wyróżnia wdzięk, wyrafinowanie formy i wirtuozowska technika pisania. Szerokie pociągnięcia malarskie dopełniają animacje, soczyste pociągnięcia pędzla obrysowują środek kwiatu, cienka elastyczna linia biegnie wzdłuż krawędzi płatków.

Boczną lico głowy dna zdobi kompozycja z jeźdźcem na czarnym koniu. W malarstwie dominuje kolor czarny, na który lekkimi pociągnięciami nakładane są białe animacje. Nad głową jeźdźca znajduje się kwiat róży, bardzo charakterystyczny dla malarstwa Gorodets.

Początek 20 wieku

Region Gorki, powiat Gorodetsky Malarstwo. 12,5 x 30,5 x 16.

Pudełko łykowe, małe podłużne pudełeczko bez wieczka, służyło do przechowywania "płatków" - pęczków czesanego lnu przygotowanego na przędzę. Ozdobiony charakterystycznym obrazem dla dzielnicy Gorodetsky. Na styku łykowych ścian pisuaru znajdują się pąki brązowo-czerwonych róż, na końcach kwitną już róże z liśćmi. W sposobie pisania panuje pewien pośpiech, spowodowany masową produkcją tych przedmiotów na sprzedaż. Ale mimo to w wykonaniu obrazu widoczna jest ręka mistrza, który był dobrze zorientowany w kompozycji, rysunku i kolorze.

Sołonica
Koniec XIX - początek XX wieku

Obwód Gorki, powiat Gorodecki. Malowanie pędzlem. 16x19,5x15.

Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1963, L. E. Kałmykova)

Solniczka w formie fotela, z pokrywką na krętliku, przewiązana jest w kilku rzędach wierzbowym prętem, pełniącym funkcję obręczy. Jego kształt jest typowy dla środkowej Wołgi. Wieko i tył solniczki pokryte są z obu stron typowym malunkiem Gorodets, bardzo prostym, ale dekoracyjnym. Płynność wzoru, śmiałość kreski, pewność zastosowania animacji, wypracowanej przez pośpiech listu związanego z produkcją na sprzedaż, charakteryzują malarstwo tego obiektu. Wykonano setki solniczek, więc nawet teraz można je znaleźć daleko poza regionem Gorkiego - w regionach Kostroma, Jarosławia, Kalinina i Wołogdy.

Shveyka i solniczka
Koniec XIX - początek XX wieku

Szwejka. 1893 Trihedralna rzeźba regionu Wołgi. 45 x 11,5 x 56.

Solonica. Koniec XIX wieku. Trihedralna rzeźba regionu Wołgi. 15,5x11x11.

Konstrukcja przypomina kołowrotek. Na dole, gdzie grzebień został włożony przy kołowrotku, do szwaczki przymocowana była kolumna w postaci trzypoziomowej wieżyczki. W górnej części jej poduszki, na której nakłuwano i mocowano tkaninę, co umożliwiało jej rozciąganie podczas szycia. Podstawą wieżyczki jest pudełko w kształcie sześcianu na nici i igły z przesuwaną pokrywką. Środkowa kondygnacja wieży ma skręcone kolumny, zakończone na rogach stylizowanymi końskimi głowami. Nad górnym rzędem wyryta jest data „1893”. Dno i pudełko na nici pokryte są rzeźbieniem, którego wzór składa się z rozet, kwadratów, trójkątów.

Solniczka w formie fotela jest również ozdobiona trójścienną rzeźbą z geometrycznym wzorem.

Szwejka
Koniec XIX - początek XX wieku

Obwód Archangielski, rejon Krasnoborski, wieś Podbereznaja na Civozero

Rzeźba wolumetryczna, kolorowanie. 49 x 9 x 53. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Ubranie jest składane. Jego pion ma postać dwupoziomowej wieży. Główną ozdobą wieżyczki są poskręcane kolumny, a kończy się figurą łyżwy. Głowa kalenicy jest również wycięta na styku pionu z dnem. Ta forma szycia jest typowa dla regionów Północnej Dźwiny. Rzeźba została pomalowana farbami olejnymi. Maszyna do szycia była równie ważna jak kołowrotek, dlatego też przywiązano dużą wagę do jej dekoracji.

Trepalo
połowa XIX wieku

Obwód Archangielski, rejon Czerewkowski, wieś Srednee Kharino

Rzeźba trójścienna. 17x13.

Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Grzechotka do lnu. Kształt jest typowy dla regionów Północnej Dźwiny: z prostego uchwytu stopniowo rozszerza się i kończy zaokrąglonym końcem. Jest mniejszy niż grzechotka regionu Wołogdy, ale znacznie grubszy, masywniejszy, cięższy. Jedna strona grzechotki pokryta jest trójścienną rzeźbą. Mała rozeta wirowa rozpoczyna kompozycję w pobliżu rękojeści. Następnie dwa romby, jeden większy od drugiego, podkreślają płynną ekspansję pofałdowanej płaszczyzny. Kompozycję koronkowej rzeźby zamyka duża rozeta.

Farsze z krosna
Koniec XIX wieku

Obwód archangielski, powiat krasnoborski, wieś Bolshoy Dvor na Tsivozero. 99 x 16. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Obwód Wołogdy, rejon totemski, wieś Iwakino. Rzeźba trójścienna i tłoczona. 83 x 14. Faktura nr 5491 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1970, O. V. Kruglova)

Krosno było często zdobione rzeźbieniami. Szczególnie elegancko udekorowano krosna tkackie w środkowej Wołdze. Ich masywne piony z zewnątrz pokryte były dużymi rzeźbieniami, bardzo zbliżonymi do rzeźb domów z regionu Wołgi. Na północy Rosji zdobiono tylko pojedyncze detale krosna - czółenka, tutuzhelnik, paski do rozciągania płótna, a największą uwagę zwrócono na wystrój farszu. Szczególnie elegancko udekorowano górny farsz obozu w dorzeczu Północnej Dźwiny. Jej środkowa część jest gęsto pokryta dużym trójściennym wzorem, a końce mają kształt końskich głów. Dolna wyściółka w połączeniu z nią jest tracona. Na drugiej parze farszów głównym dekorem są końskie głowy. Ozdabiają nie tylko końcówki. Sparowane głowy koni są również wyrzeźbione w środkowej części farszu, na dwóch występach na dłonie.

Tkaczka krosna tkackiego
Koniec XIX wieku

Tkalnia tkacka. Koniec XIX wieku. Obwód Kostroma, rejon Susaninsky, wieś Pleshivtsevo Rzeźba. 30x5,5. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1968, O. V. Kruglova)

Tkalnia tkacka. Koniec XIX wieku. Obwód Jarosławski, rejon Seredski, wieś Okunevo

Wątek. 31 x 7. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1966, O. V. Kruglova)

Detal krosna w postaci łyżwy z zębatką. Służy do rozciągania nici osnowy. Jego drewniane koło zębate, połączone ze „szwem” (grubym patykiem, na który nawinięto utkane już płótno), mogło się obracać tylko w jednym kierunku, a jego ruch w przeciwną opóźniał postać stylizowanej łyżwy, w której skrzynia biegów odpoczęła. W regionach rosyjskiej północy ta forma szelek była najczęstsza.

Ostrze i wahadło kołowrotka „samobracające się”
Koniec XIX wieku

Ostrze kołowrotka "samobracającego się". Początek 20 wieku. Jarosławskaja

Obwód, rejon Seredski, wieś Tyulyaftino. Mistrz Fiodorow Michaił

Sergeevich Trihedral rowkowana rzeźba. 24,5x7,5.

Przywieziony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1966, O. V. Kruglova)

Ostrze jest częścią „samowirującej się” (kręcące się koło z kołem). Ornament składa się z elementów geometrycznych i oparty jest na promiennej rozecie. Wzór jest bardzo podobny do starożytnych kołowrotków kolumnowych w okolicy. Na grzbiecie głowni wyryte są litery: „A. ALE." (Anastasia Aleksandrowna to imię dziewczyny, dla której mistrz Michaił Siergiejewicz Fiodorow przeciął wiosło). W dzielnicy Seredsky w regionie Jarosławia zwyczajowo dekorowano wiosła do „samowirowania” rzeźbami. Inne ośrodki na północy Rosji, gdzie „samowirujące się” ostrza byłyby ozdobione rzeźbieniami, są nadal nieznane.

Wahadło kołowrotka "samobracającego się". Początek 20 wieku. Obwód Jarosławski, rejon Seredski, wieś Sementsevo. Mistrz Chernov Valeryan Grigorievich Trihedral carving. 52x5,5. Faktura nr 5172 e Sprowadzony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1966, O. V. Kruglova)

Wahadło jest detalem „samobracającego się koła” (kręcące się koło z kołem), które było przymocowane do podnóżka wąskim końcem i obracało koło. Pokryty najmniejszą rzeźbą trójścienną. Wzór małych promiennych rozetek przypominających płatki śniegu. Na odwrocie napis brzmi: „A. K. C. M. V. G. C. DARYU. NA. PAMIĘĆ ”(Daję mistrzowi Anny Kuzminishna Chernova Valeryan Grigorievich Chernov na pamiątkę). Został wręczony przez mistrza swojej żonie zaraz po ślubie. Jako obiekt bliski pamięci, wahadło to nie było noszone na „samowirującej maszynie”. Wahadła wzorzyste były bardzo powszechne w rejonie Seredskim w obwodzie jarosławskim. Inne ośrodki na północy, gdzie „samoobrotowe” wahadła były ozdobione rzeźbami, są nieznane.

19 wiek

Region Oryol, dystrykt Yelets Rzeźba trójdzielna. Średnia wielkość to 14-15 cm Przywieziona przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1958, L. E. Kalmykova)

Patyczki do tkania koronki. Wykonany z litego drewna. Dolna część szpulek, wolna od nitek, została pokryta najmniejszą rzeźbą. Jej wzory są niezwykle różnorodne, a jednocześnie proste. Tworzą je trójkąty, romby, kwadraty w różnych kombinacjach, zygzakowate paski, gwiazdy.

Rubel
Początek XIX wieku

Obwód Archangielski, powiat Leshukonsky, wieś Yedoma Rzeźba trójścienna. 72,5x13x2. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1961, O. V. Kruglova)

Rubel do zwijania (wygładzania) wyrobów lnianych samodziałowych charakteryzuje się wyjątkową plastycznością kształtu. Jest to typowe dla terenów nad rzeką Mezen. Cienka tablica rubelowa ma lekko zauważalne zagięcie pośrodku, dzięki czemu jej kształt jest bardzo elegancki. Szeroki koniec rubla jest bardzo dekoracyjny. Całość dopełniają dwa małe koła ozdobione wirowymi rozetami. Cała powierzchnia rubla pokryta jest bardzo dekoracyjną, soczystą rzeźbą z tworzywa sztucznego.

Valki
19 wiek. Region Wołgi

Saling. 19 wiek. Rzeźba Wołgi. 45 x 15 x 3.

Wygodna rączka, szeroka, gładka, lekko zakrzywiona powierzchnia wałka odpowiada ruchowi wyrabianemu przez wieki podczas nadmuchu na mokre pranie. Niedziałające części rolki - jej powierzchnia i końcówka rękojeści - od dawna są ozdobione rzeźbieniami.

Wystrój rolki jest nietypowy. Technika rzeźbienia w reliefie, nawet w rejonach środkowej Wołgi, jest na tych obiektach niezwykle rzadka. Projekt rolki powstał niewątpliwie pod wpływem rzeźbienia regionu Wołgi. Świadczy o tym nie tylko technika ślepego rzeźbienia, ale także wizerunek Sirin, który zajmuje całą środkową część zwoju. Rzeźba nie wyróżnia się nienaganną kompozycją i błyskotliwością techniki. Jednak jego prostota i naiwne pragnienie autora, by wyjść poza ugruntowane tradycje, zadośćuczyniły technicznej niedoskonałości.

Saling. 19 wiek. Obwód Gorki, rejon gorodecki, wieś Savino Rzeźba trójścienna. 45x13x3.

Valek jest wykonany z osiki i ma srebrny kolor. Ozdobiona geometrycznym małym, płytkim wzorem. Poprzeczna, lekko wystająca poprzeczka, leżąca na styku rączki z rolką, stanowi kompozycyjny krawat wzoru. Z niego złożony wachlarz promieni zaczyna przesuwać się w kierunku centralnej, szeroko rozstawionej rozety. Wzdłuż krawędzi pasek bardzo statycznego ornamentu kwadratów. Wzór doskonale podkreśla kształt przedmiotu.

Saling. 1848 Rzeźba trójścienna. 42,5x18,5x4.

Valek jest masywny i dekoracyjny. Poprzeczka na styku rękojeści z rolką, ozdobiona pośrodku rozetą wirową, jest jakby wycięta po bokach i przypomina misterną kokardkę. Rzeźba dobrze wyróżnia się na tle gładkiego drewna. Mocno rozciągnięty koniec rolki zajmuje duża rozeta, której złożony wzór tworzą małe rozety. Wzdłuż krawędzi rolki biegnie wąski wzór „liny”. Na okrągłej końcówce długopisu wyryta jest data: „1848” (litery obok daty są nieczytelne).

Formy do pierników. "Przyśpieszenie"
19 wiek

Forma do piernika „przyspieszenie”. 19 wiek. Obwód moskiewski, dystrykt Dmitrovsky, z posiadłości Olgovsky z rzeźby Apraksins. 47 x 30 x 4. Nabyty z Muzeum Dymitrowskiego w 1965 r.

Duża forma na pierniki składa się z 63 małych kwadratów o bokach trzech centymetrów. Niewielkie rozmiary kwadratów ograniczały możliwość detalowania, a mistrz nadał obrazom charakter i wyrazistość zaledwie kilkoma pociągnięciami. Wyrzeźbiono na nich różne wizerunki: liście, kwiaty, gwiazdy, pszczoły, raki o wyłupiastych oczach i wreszcie całą serię fantastycznych ptaków, czy to z figlarnymi kępkami na głowach, czy z podniesionymi skrzydłami, czy też z ogonami w kształcie wachlarza. Deska zachwyca wyobraźnią mistrza i doskonałą techniką rzeźbienia. Taki piernik nazwano „akceleracją”. 220 Wypiekali go na wesele i nosili wokół gości na znak, że święto się skończyło.

Forma do piernika. Rzeźba karbowana z XIX wieku. 40x10,3x3.

Na desce piernikowej wyrzeźbiono trzy podłużne wgłębienia na pierniki. Na jednej jest pleciona, na drugiej kompozycja z kwadratu liści i gwiazdek, na trzeciej stylizowany kwiatek w doniczce. Rzeźba jest płytka. Wyróżnia się najwyższą przejrzystością kompozycji, prostotą wzorów i mistrzostwem wykonania. Piernik w Rosji od dawna jest przygotowywany na wiele wydarzeń: na wesele, na ofiarowanie rodzicom, na stypa, na cześć drogiego gościa, na imieniny. A ich rozmiary były bardzo zróżnicowane: od tych, które trzeba było przewozić na wózku, po maleńkie 2-3 centymetry. Małe pierniki nosili wokół gości przy świątecznym stole, młodzi ludzie przynosili pierniki starszym ludziom na znak szacunku i uwagi, a na festiwalach ludowych chłopcy traktowali dziewczęta. Do wielu tradycyjnych ceremonii w życiu ludowym ofiarowanie piernika nadało jeszcze więcej odświętności, znaczenia i powagi, służyło jako znak uwagi i miłości.

Ciało. Szpachelka
Koniec XIX wieku

Ciało. Koniec XIX wieku. Obwód Wołogdy, rejon szeksninski, wieś Pavlikovo Beresta. Tkanie, tłoczenie, kolorowanie. 16 x 35 x 35. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Pudełko okrągłe, płytkie, z uchwytem, ​​utkane z kory brzozowej. Splot jest bardzo delikatny i gęsty. Na zewnątrz każdy blok kory brzozowej ozdobiony jest gwiazdką naniesioną techniką tłoczenia. Korpus pomalowany jest na czerwono i czarno. Obraz dobrze komponuje się z naturalnym kolorem kory brzozy. Niektóre gwiazdy zachowały ślady turkusowej farby.

Szpachelka. Początek 20 wieku. Obwód Kostroma, rejon soligalski,

Wieś Balynovo Beresta. Tkanie, tłoczenie. 20x7x2,5. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1969, O. V. Kruglova)

Łopatka - etui na kamień szlifierski, którym ostrzy się kosy. Na każdej komórce tkania gwiazdka jest wyciskana metalowym stemplem. Przy minimalnych środkach artystycznych mistrz osiągnął wrażenie bogactwa ornamentów.

Tuesok. Dupelyshko
Koniec XIX wieku

Tuesok. Koniec XIX wieku. Obwód Archangielski, Rejon Leshukonsky, wieś Zasulye nad rzeką Mezen Beresta, drewno, tłoczenie. 10 X 10. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1961, O. V. Kruglova)

Tuesok z rączką na drewnianym wieczku. Był używany jako naczynie na płyn. Długo utrzymywał temperaturę zawartości. Elastyczny pręt wierzby, wszyty przez krawędź dla wzmocnienia, jest również elementem dekoracyjnym. Wzór składający się z kółek, małych trójkątów i innych figur jest nakładany na powierzchnię kory brzozy za pomocą metalowego stempla. Ta prosta technika zdobienia pozwoliła uzyskać wrażenie bogactwa ozdobnego powierzchni tuesca.

Dupelyszko. Koniec XIX wieku. Obwód Archangielski, rejon Cherevkovsky, wieś Podnegla Drewno, kora brzozy, rzeźba. 10,5x8x8,5. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Wykonany z drewna i owinięty wielowarstwowymi paskami z kory brzozowej. Wystające krawędzie pasków kory brzozowej są wycięte małymi zębami i stanowią główną ozdobę przedmiotu. Bardzo prosta technika rzeźbienia nie przeszkodziła mistrzowi w stworzeniu pięknego przedmiotu, w którym wyczuwalne są doskonale odnalezione proporcje, plastyczna forma i umiejętność posługiwania się materiałem.

pojemniki na chleb
Koniec XIX wieku

Chlebak. 19 wiek. Obwód archangielski, rejon krasnoborski, molo Permogorye, grupa wsi Wet Yedoma Lub, drzewo. Malowanie na białym tle. 18x30x45.

Pojemniki na chleb, bochenki, pudełka lub stosy, jak je nazywano na Północnej Dźwinie, służyły do ​​przechowywania chleba i jako skrzynie na tkaniny, wstążki, nakrycia głowy i inne akcesoria kobiecego stroju chłopskiego. Bochenek jest wygięty od łyka. Ozdobiona malarstwem Permogorsk. Na środku pokrywki rysowana jest ryba. W otaczający go kwiatowy wzór wpisane są wizerunki mężczyzny z nożem i kobiety z widelcem. Bohaterowie ubrani są w miejskie stroje. W kwiatowy wzór na wieczku i ścianach wpisane są wizerunki zwierząt domowych. Przedmiot ten był zwykle zabierany przez pannę młodą z domu rodzinnego jako posag. Podobno był swego rodzaju życzeniem jej bogactwa i dobrobytu.

Chlebak. Koniec XIX wieku. Obwód Archangielski, rejon Kotłas, molo Ryabowo, wieś Ustye nad rzeką Vychegda. Łyka, drzewo. Malowanie pędzlem. 44x18,5. Przywieziony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1964, O. V. Kruglova)

Wygięta z łyka w formie okrągłego bochenka. Chleb długo utrzymywany w stanie świeżym. Podczas biesiady paczka chleba została przyniesiona przez gospodynię na stół i postawiona na ławce obok stołu. Chleb kroił właściciel domu. Był to rodzaj rytuału uhonorowania chleba przed posiłkiem. Wieko i boczne ścianki pudełka na chleb pokryte są czarnym, malowanym pędzlem kwiatowym wzorem na ciemnopomarańczowym tle, przez które tło prześwituje wszędzie. Obręcze pudełka na chleb są pomalowane grubo, również na czarno. Wzór wykonany jest płynnie, swobodnie.

Łukaszko ( „pudełko”)
Początek 20 wieku

Łukoszko („pudełko”). Początek 20 wieku. Obwód Archangielski, rejon Leshukonsky, wieś Konoshchelye nad rzeką Mezen. Mistrz Novikov Evlampy Iosifovich Lub, drewno. Obraz. 51x30x22. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1961, O. V. Kruglova)

Służy do przechowywania chleba. Zakrzywiony z łyka. Ozdobiona wzorem dużych gwiazd składających się z kółek i owali. Na środku pokrywy znajduje się rozeta wirowa. Obręcze pudełka pokryte są ornamentem o lekko nachylonych paskach. Malowidła z koszy Mezen wykonane są niezwykle oszczędnymi środkami, a styl dekoracji tych przedmiotów jest charakterystyczny tylko dla Mezen. Znakomicie wykorzystuje się kolor naturalnego drewna odlany na złoto pod warstwą schnącego oleju. Brązowo-czerwony rytmiczny wzór z czarnym konturem brzmi na nim napięty i surowy.

Opakowania na jagody
19 wiek

Opakowania na jagody. 19 wiek. Obwód Archangielski, rejon Krasnoborski, molo Permogorye, grupa wsi Mokrego Edomu. Łyka, kora brzozy, malowanie na białym tle. 12,5x31.

Nabiruhi są wygięte z łyka, spód i rączka wykonane są z kory brzozowej. Były używane jako pudełka do zbioru jagód. Malowane malarstwem Permogorsk. Giętkie łodygi z fantazyjnymi wzorami liści i rozrzuconymi czerwonymi żurawinami biegną plastycznie, na cienkich, jak włos, odnóżach. Konie, koguty i syreny wpisane w kwiatowy wzór są postrzegane jako elementy ozdoby. Cienki pas trójkątów graniczy z centralnymi kompozycjami. Czerwony kolor, złagodzony sąsiedztwem żółci i zieleni, brzmi miękko na białym tle.

dzbanek
19 wiek

Jban. 19 wiek. Obwód Archangielski, Okręg Krasnoborski, Molo Permogorye, grupa wiosek Mokra Yedoma Obraz na białym tle. 19x17x20.

Świąteczne naczynie na piwo. Wykonany z wąskich desek. Wieko zapinane jest na krętlik z uchwytem, ​​którego wierzchołek przypomina stylizowaną głowę konia. Dzbanek przewiązany trzema paskami drewnianych obręczy, pomalowanych na czerwono; odgrywają ważną rolę w wystroju przedmiotu. Szczeliny między obręczami wypełnia permogorski obraz: kędzierzawa łodyga, gałązki, koguty i kury. Na wieczku w kwiatowy wzór wpisane są postacie mężczyzny, kobiety i koguta.

Danie
19 wiek

Danie. 19 wiek. Obwód Archangielski, rejon Krasnoborski, molo Permogorye, grupa wsi Mokrego Edomu. Malowanie na białym tle. Śr. 23.

Naczynie pokryte jest permogorskim malowidłem i przetartą rzeźbą wzdłuż krawędzi, przypominającą falbany chaty północnej. Kompozycja wzoru składa się ze stylizowanego krzewu, wijącego się dwoma pędami w okrąg. W centrum kobieta w jasnych ubraniach, z wojownikiem na głowie, z adamaszkiem i szklanką w dłoniach. Wydaje się, że zaprasza gościa do spróbowania drinka. Wprost i dziecinnie naiwny artysta wyraża ideę szacunku dla gościa, gościnności i gościnności.

endowa
19 wiek

Obwód Archangielski, rejon Krasnoborski, molo Permogorye, grupa wsi Mokrego Edomu. Malowanie na białym tle. 24x18x11.

Drewniane naczynie w kształcie brata, ale z dziobkiem do opróżniania. W regionie Wołogdy miedziane naczynie o takim kształcie nadal nazywane jest bratyną. Na białym tle dolina jest pomalowana obrazem Permogorsk. W kwiatowy wzór wokół całej doliny w wyraźnym rytmie wpisane są kobiece postacie. Tradycyjna Sirin została tu zastąpiona zwykłym kogutem. Wszystkie wstawki fabularne organicznie wpisują się w ogólny rytm jasnej ornamentyki obiektu.

Dystrybutor wody
19 wiek

Obwód Archangielski, powiat Krasnoborski, molo Permogorye, grupa wiosek Mokra rzeźba Yedoma, malarstwo. 25x34x15.

Okrągły kształt, z pokrywką, z wysoką rączką, składający się z ozdobnych loków oraz dwóch wylewek do odprowadzania wody w postaci ptasich główek. Pokryta malowidłem na żółto-ochrowym tle. Na szerokiej dolnej części umywalki, w kolorze czarnym, niczym wzór, znajduje się napis: "LOVE WASHING WHERE WATER DO NOT BE SORRY YOU BIE WHITE AS SNOW". Bardzo rzadkie, unikatowe dzieło sztuki. Wykonane z subtelnym zrozumieniem zadań dekoracyjnych. Ta forma umywalki jest tradycyjna. Świadczą o tym również północne miedziane umywalki z okrągłym korpusem i dziobkiem do odpływu, przypominające nieco ptasi dziób, oraz umywalki wykonane przez garncarzy w wielu regionach Rosji. Do XIX wieku tę piękną dekoracyjną formę ludzie przywieźli z kultury pogańskiej, kiedy te rzeźby-naczynia miały znaczenie semantyczne.

Burak z kory brzozy
19 wiek

Obwód Archangielski, górna rzeka Uftyuga Beresta, drzewo. Obraz. 14 x 12. Faktura nr 5180 e Przywieziony z Rybińska (1964, O. V. Krugłowa)

Naczynie ze szczelną pokrywką i wygodnym uchwytem długo utrzymywało temperaturę zawartości. Dlatego chłopi tak lubili nosić na polu obiad, mleko, zimny kwas chlebowy. Rzemiosło malowania buraków na górnej Uftyudze (dopływie północnej Dźwiny) miało bardzo starożytne tradycje i rozwinęło swój własny styl, własne techniki malarskie i zdobnictwo, charakterystyczne tylko dla Uftyugi. Na pomarańczowawym tle, ulubionym przez Uftyugi, elegancka sylwetka ptaka została wykonana z jasnym czarnym konturem. Skrzydła i ogon trzech płatków mają kolor zielono-brązowy, dlatego ptak jest postrzegany jako jeden z elementów wzoru roślinnego. Obraz na buraku został nałożony w Uftyug nie ciągłym dywanem, jak w Per-Mogory, ale oszczędnie, tło pozostało czyste. Po raz pierwszy centrum tego obrazu otworzył V. M. Vishnevskaya w 1957 roku.

Nabiruha na jagody z łyka i kory brzozowej
19 wiek

Obwód Archangielski, rejon Czerewkowski, wieś Uljanowsk nad rzeką Rakułką. Mistrz Vityazev Dmitrij Fiodorowicz. Łyka, brzoza. Obraz. 33 x 13. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Jest wygięty z łyka, spód i rączka wykonane z kory brzozowej. Służyła jako skrzynka do zbioru jagód. Malowany obrazem rakul. Na złocistożółtym tle wzór dużych fantastycznych kwiatów i ptaków, czarny kontur, czerwony cynober, szmaragdowa zieleń i biel. Dzieło o niezwykłej urodzie. Kunszt czarnego konturu biegnącego w ciągłym ruchu po zaokrąglonej płaszczyźnie przedmiotu, piękno koloru, gdzie kolory brzmią jak szlachetne wstawki emalii na złotym tle, rytm wzoru, kompozycja - wszystko mówi o tradycji i rzadki talent mistrza Dmitrija Fiodorowicza Vityazeva. Centrum malarstwa Rakula po raz pierwszy otworzyła ekspedycja Muzeum Zagorskiego w 1959 roku.

Solonitsy
Koniec XIX wieku

Solonica. Koniec XIX wieku. Obwód Archangielski, rejon Czerewkowski, wieś Parfenowskaja Rezba. 25 x 15 x 10. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1959, O. V. Kruglova)

Solniczka w formie pływającej kaczki. Dziób dużej kaczki jest połączony z klatką piersiową kaczki, a powstała pętla służy jako wygodny uchwyt. Zdejmowany tył (pokrywa skrzynki na sól) jest montowany na krętliku i chowany na bok. Kształt solniczki jest bardzo stabilny i monumentalny. Rzeźbiarz uchwycił najbardziej charakterystyczne cechy pływającego ptaka. Kaczka dla wielu obszarów regionu Archangielska, w szczególności dla całej Północnej Dźwiny, była najczęstszą formą solonika. Wizerunek kaczki był kiedyś ściśle związany z ceremonią zaślubin. Była uważana przez ludzi za patronkę szczęścia rodzinnego. Można to było jeszcze zaobserwować w ostatnich dziesięcioleciach XIX wieku, a nawet na samym początku XX wieku. Ale teraz pamiętają o tym tylko starsi ludzie z tych miejsc. Tradycja stałego trzymania kaczki po solnisku nawet na wyczyszczonym stole pozostała w wielu odległych regionach Północy.

Solonica. Koniec XIX wieku. Obwód Archangielski, rejon Leshukonsky, wieś Yedoma. Mistrz Malyshev Ivan Vasilyevich Carving. 23,5 x 8,5 x 14,5. Sprowadzony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1961, O. V. Kruglova)

Solniczka w formie pływającej kaczki. Subtelnie uchwycony główny bohater sylwetki. Rzeźba jest bardzo pewna. Mistrz rzeźbi formę w dużych masach, osiągając wielką plastyczną ekspresję. W grzbiecie kaczki zrobiono wgłębienie na sól, nie ma pokrywki, natomiast w większości solniczek Północy grzbiet kaczki był zdejmowany lub odstawiany. Sprowadzony z regionu Archangielska z rzeki Vashka, dopływu Mezen. Był używany przed przeniesieniem do muzeum. Prawie cała wieś Edom korzystała ze starych solniczek-kaczek.

Skopkar. kadzi kaczki
Początek XIX wieku

Skopkar. Pierwsza połowa XIX wieku. Obwód Archangielski, powiat krasnoborski, molo Permogorye, grupa wiosek Mokra rzeźba Yedoma, białe tło. 64x33x30.

Kaczka Wozu. Pierwsza połowa XIX wieku. Obwód Archangielska Rzeźba, malarstwo. 8,5 x 8,5 x 16,5. Otrzymany z Muzeum Smoleńskiego w 1941 r.

Skopkar, duże naczynie na odurzające napoje, przeznaczone było na świąteczne stoły. Zwykle był wydrążony od korzenia. Za uchwyty służył ogon i głowa kaczki z długim dziobem. Korpus ptaka został wykonany niemal w formie okrągłej miski z niskimi bokami lekko pochylonymi do wewnątrz, co nadaje mu stabilności. Malowanie skopkar jest charakterystyczne dla Permogorye. Za podstawę przyjmuje się wzór kwiatowy, który rozciąga się na zaokrąglonych ścianach naczynia elastycznym pędem. Tło jest białe. Fantastyczne ptaszki wpisane we wzór podkreślają rytm wzoru. Na okrągłym korpusie naczynia znajdują się cztery duże ozdobne rozety. Wąski pas ornamentu geometrycznego z trójkątów opływa naczynie wzdłuż samej krawędzi i wznosi się wzdłuż szyi i głowy ptaka. Przez analogię ze skopkarem ze zbiorów Państwowego Muzeum Historycznego z datą „1823”, skopkar Muzeum Zagórskiego również pochodzi z pierwszej ćwierci XIX wieku.

Bucket-duck - małe naczynie do napojów odurzających. Ozdobiony malowaniem.

endowa
19 wiek

Endowa. 19 wiek. Rosyjska rzeźba północna, malarstwo. 50 x 40.

Ogromne drewniane naczynie z korzenia, w kształcie brata z tacą, ale ma też dziobek do ociekania. Był przeznaczony na świąteczne stoły i dlatego ozdobiony został ze szczególną uwagą. Na spodzie ślady żółtej farby. Prawdopodobnie cała dolina aż do szczytu została pomalowana w tym kolorze. Wzdłuż krawędzi biegnie malowany pas: na ciemnozielonym tle wzór drobnych loków w białej, czerwonej i czarnej farbie. W pobliżu nosa znajduje się wizerunek drzewa z dwoma ptakami. Dolina jest również pomalowana w środku: dno ozdobione jest gwiazdą sześciu ryb.

Chochla do piwa „Konyukh”
Początek XIX wieku

Wiaderko na piwo „Pan Młody”. Początek XIX wieku. Obwód Kalinin, rejon Goricki, wieś Czerniewo. Mistrz Nikitin Nikitin. Wątek. 22 x 32 x 22. Przywieziony przez ekspedycję Muzeum Zagorskiego (1960, L. E. Kalmykova)

Drewniane naczynie o niezwykłej urodzie. Wysoki korpus kadzi spłaszczony jest od strony uchwytów - jeden w kształcie ptasiego ogona, drugi - trzy końskie głowy, jakby nad szeroką klatką piersiową. Jest postrzegany jako dziób łodzi. Na nim promienna rozeta, starożytny symbol słońca. Wiadro, łączące w swojej formie obraz słońca, łodzi, ptactwa wodnego i koni, odbierane jest jako echo starożytnej pogańskiej legendy o drodze słońca. I to poetyckie rozwiązanie obrazu zachowało się nie tylko w folklorze, przedmiotach gospodarstwa domowego.

chochla do piwa
19 wiek

Chochla do piwa. 19 wiek. Obwód Kostroma, rejon Buysky, stacja Kazarinovo, wieś Wachruszewo. Mistrz Konovalov Arsenty Anastasevich Rzeźba, malarstwo. 37x20x21. Przywieziony przez wyprawę Muzeum Zagorskiego (1966, O. V. Kruglova)

Okrągły korpus kadzi na palecie, o krawędziach lekko nachylonych do wewnątrz i mocno uniesionych, gdzie łączą się w dwa symetryczne uchwyty z zamkniętymi zawiasami. Istniał zwyczaj, aby w upalny dzień przynosić gościowi kwas chlebowy w takich kadziach, a w święta piwo. Płynnie obniżone krawędzie między uchwytami sprawiają, że naczynie jest bardzo wygodne w użytkowaniu. Górna część rękojeści przypomina sylwetką stylizowane końskie głowy. Osobliwy wygląd wiadra jest typowy dla całej dzielnicy Buysky regionu Kostroma. Uderza ostrość formy, rzeźbiarska objętość i plastyczność, z jaką uchwyty wiadra wnikają w ciało.

Łyżka wysięgnika
XVIII wiek

Przenośne wiadro. XVIII wiek. Region Jarosławia Rzeźba, malarstwo. 58 X 28.

Korpus kadzi przypomina okrągłą drewnianą miskę, uchwyty to głowa gęsi długa szyja i ogon. Mimo inny kształt uchwyty, mistrz doskonale odnalazł wizualną równowagę tych dwóch tomów. Kształt wiadra jest bardzo tradycyjny. S.K. Prosvirkina przypisał tę grupę wiader Jarosławowi. Kadź pomalowana jest cynobrem. Wzdłuż krawędzi szeroki zielony pasek z białą obwódką. Główka i czubek ogona są zielone. Lakoniczny, oszczędny w kolorystyce i ornamentyce obraz jest bardzo dekoracyjny i dobrze podkreśla objętość kadzi.

Nalewanie z kadzi
XVIII wiek

Nalewanie do kadzi. XVIII wiek. Rzeźba regionu Wołogdy. 25 x 11,5.

Przy pomocy chochli nabierali z dużego naczynia odurzające napoje, kwas chlebowy i wodę. S. K. Prosvirkina uważa tę formę wiader Wołogdy. Zaokrąglony kształt ciała plastycznie przeobraża się w dużą, kręconą rączkę przedstawiającą kaczkę i fantastyczne zwierzę. Rękojeść posiada haczyk, za który „likier” zawieszono na krawędzi dużej kadzi lub wanny. Na korpusie kadzi do likieru pozostały ślady złocisto-ochry z ciemnym zielonkawym paskiem wzdłuż krawędzi.

Łyżka szufelkowa
Pierwsza połowa XIX wieku

Łyżka czerpakowa. Pierwsza połowa XIX wieku. Region Wołgi. Obraz. 17,5 x 9,5.

Chochla - czerpali z dużego wspólnego naczynia. S. K. Prosvirkina uważa tę formę wiader Kozmodemyanskaya. Są okrągłe, z płaskim dnem, co daje stabilność (w przeciwieństwie do małej kadzi Wołogdy) i wysoką rączką z haczykiem unoszącym się do góry. Na rączce wyrzeźbiono promienną rozetę, a nad nią stylizowaną figurkę łyżwy. Tutaj, podobnie jak w kadzi Twerskiej z końskimi głowami, obrazy konia, słońca i łodzi są połączone w jedną formę. Wszystko to mówi o bardzo starożytnym pochodzeniu kształtu kadzi. Łopaty Kozmodemyansk nigdy nie były ozdobione malarstwem, były wycinane z twardego drewna.

Chochla na duży świąteczny stół
XVIII wiek

Chochla na duży świąteczny stół. XVIII wiek. Region Wołgi. Rzeźba, kolorowanie. 72x28.

Chochla zawierająca około półtora wiadra miodu lub piwa zachwyca nie tylko imponującymi rozmiarami, ale także pięknem i proporcjonalnością form. Okrągły, z lekko uniesioną wylewką i płaską rączką z pętelką szczelinową. Wykonany z kłącza modrzewia. Korpus kadzi nosi ślady malowania cynobrem, który niegdyś gęsto go pokrył, harmonijnie połączonym z żółtym kolorem napisu biegnącego jak złoty wzór wzdłuż szczytu kadzi: „TO JEZIORO POWIATU CZEBOKSAR MININ MICHAIL LEKSANDROV MASLOVA DANY ZA CÓRKĘ ANNY MICHAIŁOWNEJ”. Napis świadczy o tym, że chochla była ozdobą właściciela i ozdobą weselnego stołu.

Źródła

Alexander Morgan „Kultura słowiańska” Rosyjska rzeźba ludowa

„Rosyjska rzeźba ludowa i malarstwo na drewnie”
Wydawnictwo „Fine Art” Moskwa 1974

Toporkov A. L. Sprzęt gospodarstwa domowego w wierzeniach i rytuałach Polesia // Tradycje etnokulturowe rosyjskiej ludności wiejskiej XIX - początku XX wieku. M., 1990. Wydanie. 2. S. 67-135

S.K. Zhegalova „Rosyjskie malarstwo ludowe” Moskwa „Oświecenie” 1984

Zdjęcia ze zbiorów Muzeum Rosyjskiego

Obróbka drewna wśród ludów Dagestanu jest jednym z najstarszych rodzajów produkcji rękodzielniczej. Szerokie rozmieszczenie lasów, bogata różnorodność gatunków drewna (dąb, grab, buk, orzech, brzoza, sosna, topola itp.), podatność samego materiału do obróbki od dawna przyczyniły się do stosowania wyrobów z drewna w życie Dagestańczyków i drewniane konstrukcje w architekturze ich domów. Sztuka artystycznej obróbki drewna od kilku tysiącleci jest organicznie związana z codziennym życiem Dagestańczyków. Różne właściwości drewna wykorzystywane były przez rzemieślników ludowych zarówno do celów technologicznych, jak i dekoracyjnych.

Przepiękne dzieła snycerzy dagestańskich zachowane w meczetach, domach i muzeach (filary, rzeźbione drzwi, okna, skrzynie, naczynia) ucieleśniające najlepsze tradycje sztuki ludowej i rzemiosła, świadczą o wielkim smaku i talencie ludzi. Forma i ornamentyka niektórych zabytków wykazuje wyraźny związek z najstarszymi, przedmuzułmańskimi tradycjami, inne zaś z chrześcijańskim i muzułmańskim okresem średniowiecza. Rozwój sztuki rzeźbienia w drewnie jest ściśle związany z rozwojem sztuki monumentalnej i zdobniczej Dagestanu jako całości, w szczególności rzeźbienia w kamieniu i kawałku. Te trzy rodzaje sztuki użytkowej miały zauważalny wzajemny wpływ, wzbogacając się wzajemnie technikami technicznymi i motywami zdobniczymi.

Najwcześniejszym zabytkiem sztuki snycerskiej jest fragment trumny lub kołyski dziecięcej z Muzeum Dagestanu sztuki piękne, znaleziony na cmentarzysku Kafirkumukh (rejon Buinaksky) i datowany na 2 tys. p.n.e. mi. Pomnik znajdujący się w stanie naturalnego zwęglenia ozdobiony jest wspaniałym geometrycznym ornamentem ryflowanym, co świadczy o dobrze rozwiniętych tradycjach rzeźbienia w drewnie w Dagestanie już w epoce brązu.

Niestety drzewo nie może być przechowywane tak długo jak kamień, więc większość zabytków, które do nas dotarły, pochodzi z czasów średniowiecza. To właśnie w tym okresie rzeźbione drewno stało się szczególnie rozpowszechnione ze względu na rozkwit architektury oraz sztuki monumentalnej i dekoracyjnej. Sztuka rzeźbienia w drewnie jest bardzo wysoki poziom. Doskonali się narzędzia pracy, podnosi się jakość obróbki drewna, poszerza się asortyment. W rejonach leśnych (w górnych partiach Awaru i Andi Koisu, w Tabasaran, Kaitag i innych miejscach) powstawały centra obróbki drewna o wysoko rozwiniętych tradycjach.

Rzeźba w drewnie Dagestanu charakteryzuje się cechami nieodłącznymi od każdej sztuki ludowej: natychmiastowością i artystyczną integralnością, praktycznym celem i zbiorową kreatywnością, bezimiennością (z reguły) mistrzów i wyjątkową stabilnością starożytnych tradycji, pewnym zakresem obrazów, użyciem prostych narzędzi . Jednocześnie dagestańska sztuka rzeźbienia w drewnie ma swoje własne cechy, co wiąże się ze specyfiką lokalnych warunków i oryginalnością artystycznego myślenia górali.

Wyroby drewniane z dekoracją dekoracyjną można podzielić na trzy grupy: elementy architektoniczne, meble, naczynia i artykuły gospodarstwa domowego. Największym zainteresowaniem cieszą się detale dekoracji architektonicznej (słupy, skrzydła bram, drzwi i okien, stolarka okienna i drzwiowa, filary, balustrady, gzymsy na loggiach, werandach, balkonach itp.). Rzeźbione drewno było szeroko stosowane przy projektowaniu budowli sakralnych – meczetów, minaretów, medres. Drzwi meczetów były bogato zdobione (najsłynniejszym zabytkiem są drzwi meczetu Kalakoreish z XII wieku), minbary (ambony dla kaznodziei), stojaki (stojaki) na Koran i inne księgi sakralne.

Druga grupa to kosze i skrzynie (typy stałe i ruchome), a także sofy, ławki, taborety, skrzynie, kołyski itp. Trzecią grupę reprezentują drobne artykuły gospodarstwa domowego, które należą do każdego górskiego domku - miary, wiadra, zapasy, solniczki, moździerze, koryta na ciasto, tace z trzema nogami itp. Wszystkie te przedmioty są zwykle zawieszone w domu w określonych miejscach - na filarach i fasadach skrzyń.

Na szczególną uwagę zasługują monumentalne stodoły Avar lari do przechowywania zboża i produktów sypkich, tzw. „Cagury” przylegające do skalistej ściany domu i będące najważniejszym elementem wnętrza górskiego domu. Wysokość tsagury zwykle sięgała 2,5 metra, głębokość - do półtora metra. Jego podstawą była rama z masywnych drewnianych desek.

Drzwi Tsagura są dwuskrzydłowe, obracające się wokół osi. Przednia część skrzyń z głębokich rejonów Awarów jest całkowicie pokryta rzeźbionym ornamentem, którego elementy sięgają czasów starożytnych i mają wartość ochronną. Zasadniczo są to spirale swastyki, koncentryczne koła, labirynty, krzyże, romby itp.

Ważną rolę w domu góralskim odgrywał filar podporowy, zwany przez Awarów „koronem filarowym”. Miała ona ważne znaczenie funkcjonalne, służąc jako podparcie dla materaca, podtrzymującego płaski dach ziemny chaty. Nie mniej ważne było duchowe znaczenie filaru, który pełnił w domu rolę opiekuńczą, ochronną. Nie bez powodu podczas budowy domu stary filar, będący świadkiem życia kilku pokoleń, został starannie przeniesiony ze starego domu do nowego. Filary nośne, zwłaszcza ich górna część (tzw. podbelka) były bogato zdobione głębokimi rzeźbieniami. Na różne narody ta rzeźba miała inny charakter. Ogólnie w rzeźbieniu w drewnie wyraźnie wyróżnia się trzy rodzaje ozdób. U Awarów dominował duży ornament geometryczny o charakterze monumentalnym (Gidatl), u Kubachinów – bardziej wyrafinowany, wegetatywny, podobny do tradycyjnego „markharai”, u Tabasaranów – wstążka, tzw. "sieć".

Wśród Laków skrzynia na zboże „su” miała kształt dużej skrzyni i była również bogato zdobiona rzeźbami i malowidłami z naturalnymi barwnikami. W każdym domu była też kanapa dla osób honorowych, która posiadała charakterystyczne podłokietniki w postaci wklęsłych rogów. Nić pokrywa przednie boki oparcia i listwy siedziska, słupki są zakończone.

W Dagestanie istnieje wyjątkowy rodzaj sztuki i rzemiosła, który łączy rzeźbienie w drewnie i sztukę biżuterii - metalowe nacięcie Untsukul na drewnie. Sztuka ta jest stosunkowo młoda - pojawiła się w pierwszej połowie XIX wieku podczas wojny kaukaskiej. Z trzciny rosnącej wzdłuż brzegów Avar Koisu lud Untsukul zaczął robić bicze na nogi, a dereń - rury i laski. Ale ponieważ imam Szamil zabronił palenia tytoniu w imamacie, lud Untsukul sprzedawał większość swoich produktów oficerom armii rosyjskiej, a także eksportował je poza Dagestan do Władykaukazu, Tyflisu i południowych prowincji Rosji.

Tak więc rzemiosło Untsukul od samego początku koncentrowało się nie na rynku krajowym, ale na rynku zewnętrznym, a zatem na produktach XIX wieku. praktycznie nie zachowane. Najwcześniejsze eksponaty prezentowane w zbiorach dagestańskich muzeów pochodzą z lat trzydziestych i czterdziestych XX wieku. Przedmioty z tego okresu charakteryzują się użyciem pasty w kolorze kości, rogu i turkusu oraz metalowego drutu.

Ja proces technologiczny nacięcia z najdelikatniejszego srebra, a później drutu miedzioniklowego na twardym drewnie dereniowym lub morelowym są dość skomplikowane i pracochłonne. Każdy malutki element wymaga czterech operacji: ścinania drzewa, wkładania drutu, kucia specjalnym młotkiem i odcinania nadmiaru. Elementy ornamentu Untsukul mają swoje własne nazwy - „ścieżka ptaków”, „ulica” itp. Ornament jest w przeważającej mierze geometryczny, rozmieszczony na obwodzie.

Podobnie jak lud Kubachi, rzemieślnicy Untsukul wytwarzali tradycyjne przedmioty gospodarstwa domowego: miarki do mąki, moździerze do czosnku, solniczki, chochle, zapasy, trumny. Odkryciem artystycznym rzemiosła Untsukul było wytwarzanie niewielkich paneli dekoracyjnych, zwykle o kształcie prostokątnym, przedstawiających sceny przypominające kamienne płaskorzeźby Kubachi - zwierzęta, ptaki, często o fantastycznym charakterze, rzadziej postacie ludzkie. Od lat pięćdziesiątych rzemieślnicy Untsukul zaczęli używać tokarki, która zapewniała dokładniejszą obróbkę powierzchni produktów, poszerzając asortyment, ale stopniowo doprowadziło to do produkcji bardzo dużych, niefunkcjonalnych produktów, które miały czysto dekoracyjną wartość.

Specjalny budżet państwa (korekcyjny) instytucja edukacyjna dla studentów, uczniów niepełnosprawnych „Bugulma specjalna (poprawcza) szkoła ogólnokształcąca nr 10VIIIuprzejmy"

Sztuka dekoracyjna i użytkowa (projekt)

"Rzeźbienie w drewnie". Produkt „Trumna”.

Kierownik: Machałow Jurij Michajłowicz,

nauczyciel technologii

specjalna szkoła poprawczaVIIIuprzejmy

2014

Spis treści

1. Wybór i uzasadnienie tematu projektu p.3

2. Cel i cele projektu s.3

3. Schemat myślenia s.4

4. Historia i nowoczesność dekoracyjnej obróbki drewna s.4

5. Podstawowe parametry i ograniczenia str.7

6. Rozwój pomysłu s.7

7. Praca nad kształtem pudełka (opcje) s.8

8. Ozdoba pudełka z biżuterią s. 9

9. Wymagania dotyczące produktu s.9

10. Narzędzia i sprzęt s.10

11. Materiały str.10

12. Kolejność technologiczna wykonania pudełka p.10

13. Kontrola jakości s.12

14. Środki ostrożności podczas wykonywania pracy str.12

15. Uzasadnienie ekologiczne i ekonomiczne s.12

16. Bibliografia s.13

Wybór i uzasadnienie tematu projektu.

Zajmowanie się rzeźbieniem w drewnie na lekcjach techniki,studenci będą mogli własnoręcznie wykonać różne produkty isprawiają, że jest estetyczny,nawet jeśli jest mały. W szkolnym warsztacie szkoleniowym istnieje możliwość produkcji wyrobów na sprzedaż. uczenie siępróbki różnych produktów, zostawił jegowybór w produkcji pudełka.

Ten produkt przyciągnął fakt, że ludzie tak kochająwymagane są drobiazgi i materiały na pudełko. Drewniane przedmioty tworzą w domu przytulność, przechowują ciepło ludzkich rąk, a pudełko z rzeźbionym wzorem stanie się ozdobą każdego pomieszczenia.

Ponadto zrobienie trumny to kolejnaprzyspiesz etap rozwoju, ponieważ ten produkt jest bardziej złożony;W produkcji. Wymaga wielkiego wysiłku, umiejętności, dokładności, dokładności, wiedzy. To również sprawia, że ​​jest to możliwetrzymać się, aby pokazać swoje umiejętności.

Cel i cele projektu

Celem projektu jest wykonanie ozdobnej drewnianej skrzynki.

Zadania:

Poznaj historię dekoracyjnej obróbki drewna.

Zdefiniuj główną ideę projektu.

Wybierz przedmiot i technologię pracy.

Zrób pudełko zgodnie z technologią.

Przeprowadź kontrolę jakości produktu.

3. Schemat myślenia.

Zanim zaczniesz pracę nad projektem, musiszjasno przedstawiają wszystkie główne aspekty swojej pracy.

4. Historia i nowoczesność dekoracyjnej obróbki drewna.

Trumny są przedmiotem gospodarstwa domowego i pojawiły się od niepamiętnych czasów. Służą ludziom do przechowywania różnych drobnych przedmiotów. Cel może być inny. W pudłach znajdowały się pieniądze, papiery wartościowe, listy, zdjęcia, amulety. Były kiedyś pojedynkowe pistolety w pięknych trumnach.

Ale pudełka były najbardziej poszukiwane wśród kobiet, trzymały w nich biżuterię i biżuterię, akcesoria do szycia i haftu.

Przez wiele stuleci ludzie robili pudełka z różnych materiałów: gliny, drewna, kamienia, metalu, szkła, w naszych czasach - z tworzyw sztucznych. Różniły się wielkością, wzornictwem, kształtem (kwadratowy, okrągły, wieloaspektowy, owalny). Umiejętni rzemieślnicy robili pudełka z tajemnicami, zamkami, inkrustowali je drogocennymi kamieniami, metalami, kością słoniową. Ale trumny wykonane z drewna były najbardziej różnorodne, ponieważ materiał ten jest lepiej przetwarzany. Doceniono skrzynki wykonane z cennych gatunków - orzech, buk, akacja, dąb, palisander, bukszpan. Gdyby nie było cennego drewna, mistrz mógł ozdobić skromne pudełko bogatymi rzeźbami.

W Rosji bardzo ceniono robotników, którzy potrafili robić rzeczy z drewna i ozdobić je rzeźbami. Większość ludzi próbowała kupić takie produkty do dekoracji domu.

Jednym z tych typów była rzeźba geometryczna lub trójścienna. W literaturze istnieją inne nazwy: w kształcie klina, w kształcie klina itp.

Jest to najbardziej dostępny rodzaj rzeźbienia w drewnie pod względem prostoty i wykonalności (po szczelinowaniu). W swej istocie rzeźba geometryczna to wycięte kliny wgłębienia powtórzone w określonej kompozycji, które mogą różnić się wielkością, głębokością i geometrią kątów, pod którymi wykonane jest wgłębienie. Różnice mogą również dotyczyć liczby ścian każdego wnęki. Najczęściej spotykane są wnęki dwu- i trójstronne. To właśnie trójścienne wcięcie otrzymało specjalny rozwój, który w wielu źródłach nazywa się tak - trójścienną rzeźbą wrębową. Jego atrakcyjność polega na tym, że pozwala uzyskać nieograniczoną liczbę opcji wzorniczych. Rzadziej stosuje się czworościenne wnęki, kwadratowe i prostokątne, ale ich wykonanie będzie wymagało większych umiejętności, choć technika nie różni się od poprzednich.

Jako podgatunek rzeźby geometrycznej należy wziąć pod uwagę irzeźba wspornika. Jego główną cechą jest to, że wykończenia (wgłębienia) wykonuje się nie prostym, ale półokrągłym dłutem. Każde przycinanie odbywa się w dwóch krokach: najpierw przycinanie pod kątem prostym, a następnie pod kątem ostrym, którego wartość określa charakter wzoru. Główne rodzaje drewna są takie same jak w rzeźbieniu szczelinowym. I ogólnie we wszystkich rodzajach rzeźbienia - iglastej, lipowej, olchowej, osikowej. Można również użyć twardego drewna, ale konieczne jest przejście na twardsze drewno, gdy technika rzeźbienia na miękkim drewnie jest dobrze opanowana, czyli od prostego do bardziej złożonego.

Składa się z szeregu alfabetycznych wzorów, których połączenie daje piękne, wyraziste kompozycje (rzeźba konturowa bywa nazywana także odmianą rzeźbienia geometrycznego, jeśli ma kontury prostoliniowe lub kołowe).

Cała różnorodność geometrycznych wzorów rzeźbiarskich praktycznie składa się z kombinacji elementarnych elementów: od kołka i trójkąta, które można rozważyć w dowolnej kompozycji. Dowolny, najbardziej złożony wzór geometryczny można podzielić na jego elementy składowe, które okażą się albo kołkami, albo trójkątami.

W poszukiwaniu kompozycji dekoracyjnej zaleca sięzwrócić się do dzieł sztuki ludowej. U mistrzóww różnych regionach kraju w sztuce rzeźbienia geometrycznegoich preferencje są obserwowane, mimo że początkowe elementy tego wątku są wszędzie takie same.

Z kombinacji trójkątów i z połączenia kołkówna wzory pochodne (rombów, łańcuszków, viteiki itp.), możeszstworzyć nieskończoną różnorodność soczystych, wyrazistychkompozycje dekoracyjne na różnych produktach.

Do wykonania gwintów geometrycznych potrzebujesz niezawodnegonóż. Jest to tak zwany nóż ukośny lub but. On musibyć mocna, mocno osadzona w dłoni i bardzo ostro zaostrzonanym. Dobre noże z fragmentów szerokich pił do metalu (odprzygotowany ze stali R-18). Indywidualni rzemieślnicy kuźninoże dla siebie z szerokich pilników, ze starych sprężyn samochodowych, z zewnętrznej klatki dużych łożysk, mieląna szlifierce elektrycznej z fragmentów tarcz tnących do metalu. horonoże do szycia pozyskiwane są z wstęgi kosy. Każdy z nich korzystamożliwości, jakie ma. Najprostszy, ale najbardziej niezawodnynóż może być wykonany ze zwykłego dłuta o szerokości 20-30 mm.Jest obrabiany na szmerglowym kole.

Na ukośny nóż robią drewniany lub plastikowydługopis (lub mocując paski skóry lub pianki po obu stronach)szczelnie owinięta taśmą izolacyjną z chlorku winylu).

Podczas wykonywania rzeźbienia geometrycznego nóż jest mocno trzymanyw pięść, opierając kciuk na rękojeści noża. Palcami drugiej ręki poprowadź czubek noża, ustawrysując go na linii rysunku.

Każdy z elementów rzeźbiarskich jest łatwy do wykonania po opanowaniu kołka i trójkąta.

Można dodać powierzchnię z gwintem geometrycznymnena z różnymi wykończeniami, które wzmacniają dekoracyjny wyrazwartość rzeczy. Wykończenie powierzchni drewnianej geometrycznymrzeźbienie na skajach może być bardzo różne.

Produkt z geometryczną rzeźbą można zabarwić na szaro za pomocą akwareli lub rozcieńczonego w płynie czarnego tuszu. Po wyschnięciu powierzchni (naturalne schnięcie przez około dzień) poleruje się ją do jasnego drewna. Ciemnoszare geometryczne wzory na jasnym drewnianym tle są bardzo wyraziste. Kolor szary może mieć szeroką gradację od szaro-ochry do zimnego szaro-niebieskiego. Po przeszlifowaniu zabarwionej powierzchni można ją lekko (jednowarstwowo) pokryć płynnym rozcieńczonym lakierem.

Możesz wykonać nić w wersji negatywowej: wstępnie zabarwić produkt przygotowany do rzeźbienia w ciemnym kolorze, na przykład szarym lub brązowym. Pozwól mu wyschnąć i wytnij wzory na tym tle. Jasne, soczyste wzory na ciemnym tle tworzą wyrazisty efekt dekoracyjny. Na wystawach sztuki użytkowej pojawiają się wyroby z drewna zabarwione na jasnofioletowo (jak rozcieńczony atrament) z późniejszymi lekkimi rzeźbieniami na tym tle.

Można to również wykonać na wstępnie lakierowanej lub wypolerowanej powierzchni. Jeżeli produkt jest lakierowany naturalnym kolorem drewna, to głębokie wzory są matowe i jaśniejsze niż błyszcząca powierzchnia przedmiotu. Jeśli powierzchnia jest najpierw przyciemniana, a następnie lakierowana (lub polerowana), a wzór jest już na niej wycięty, wówczas znacznie wzrasta dekoracyjna wyrazistość produktu.

Świat rzeźbienia jest kuszący i różnorodny, ze wszystkimi jego trendami, stylami i technikami. Przede wszystkim jest to wstęp do natury. Inicjacja w tym sensie, że rzeźbiarz ma do czynienia z drzewem, materiałem unikalnym w swojej różnorodności, stworzonym przez naturę. Rzeźbiarz czerpie także motywy i wątki do ucieleśnienia w drewnie z obserwacji natury, której fantazje są niewyczerpane.

Na ten świat może wejść każdy, komu nie jest obojętne piękno i doskonałość, który chciałby pomnożyć osiągnięcia w tym kierunku, upiększyć swoje życie, życie swoich bliskich i mile zaskoczyć innych.

5. Podstawowe parametry i ograniczenia.

Produkt musi spełniać następujące wymagania:

przyjazny dla środowiska

piękny

Bezpieczny

Wytrzymały

Zgodność z wybranym stylem.

6. Rozwój pomysłu.

Po dokonaniu wyboru przedmiotu pracy należy wziąć pod uwagę kształt skalitulki. Aby to zrobić, zrobili objazd do sklepów, rynków, oglądali próbki, studiowali ilustracje w książkach o rzeźbieniu. Po zebraniuniezbędne informacje, opracował następujący schemat:

kasetka

materiały

Narzędzie

ty

Technologia wykończenia

Funkcjonować

Forma

Projekt

Złóg

Plastikowy

Metal

Drewno :

Lipa

Osika

Topola

Brzozowy

Buk

Dąb

Popiół

Samolot,

piła do metalu, dłuto, nóż, narzędzia do znakowania,

papier ścierny

Wypalić się

malowanie drewna

rzeźbienie w drewnie

pracujący

Dekoracyjny

Łączny

Okrągły

Prostokątny

wieloaspektowy

Obrócony

przyklejony

Ze zdejmowaną pokrywą

W rezultacie określiliśmy dla siebie nie tylko przedmiot pracy, ale także technologię i styl produkcji (rzeźba), wybraliśmy materiał i konstrukcję pudełka. Tworząc szkice kształtu pudełka brano pod uwagę, aby było ono piękne, wygodne w użyciu i możliwe do wykonania.

7. Pracuj nad kształtem pudełka (opcje).

opcja 1

Opcja 2

Opcja 3

Ostateczny kształt pudełka

Kształt boków pudełka Kształt górnej i dolnej strony pudełka

8. Ozdoba pudełka z biżuterią

9. Wymagania dotyczące produktu.

Nazwa produktu

kasetka

Cel funkcjonalny

Do przechowywania drobnych przedmiotów

Użytkownik

Nieograniczony

Produkcja pojedyncza lub masowa

pojedynczy

Wymiary

mały

Wymagania materiałowe

naturalny

Metoda produkcji

rzeźbienie w drewnie

Wygląd zewnętrzny, styl

Styl folklorystyczny (rosyjski)

Wymagania w zakresie bezpieczeństwa użytkowania

Gładka powierzchnia bez zadziorów

Wymagania środowiskowe

Materiały przyjazne środowisku - drewno

10. Narzędzia i sprzęt.

Do produkcji produktu potrzebne będą: strugarka, piła do metalu, dłuto, nóż, narzędzia do znakowania, papier ścierny.

Jeśli w ozdobie wymyślono detale z małymi kółkami, wycina się je półokrągłym dłutem. Jeśli nie ma półokrągłych dłut, koła wycina się ukośnym nożem. Należy pamiętać: im mniejsza średnica koła, tym ostrzejszy powinien być kąt ostrzenia ostrza (do 30 stopni). Nóż skośny można ciąć we wszystkich kierunkach: do siebie, od siebie, przechylając go w prawo, w lewo, wewnątrz koła, na zewnątrz.

Materiały.

Drewno liściaste nadaje się do rzeźbienia konturowego: lipa, osika, brzoza, olcha. Gatunki iglaste praktycznie nie są tutaj używane ze względu na różną twardość części składowych warstwy rocznej. Drewno odpowiedniej wielkości bez wad należy przygotować do rzeźbienia. Do rzeźbienia na jasnym drewnie wystarczy przeciąć je strugarką. Jeśli kompozycja jest pomyślana na ciemnym tle, deska musi być stonowana. Jeśli spodziewana jest błyszcząca powierzchnia, należy ją pokryć czarnym lakierem, a po wyschnięciu wypolerować. Ciemną, równomiernie stonowaną powierzchnię do rzeźbienia można przygotować w inny sposób: przetrzyj strugany przedmiot płynnym roztworem kleju do drewna lub kleju PVA. Po wyschnięciu kleju powierzchnia jest przeszlifowana drobnym papierem ściernym i ponownie pokryta klejem. Po wielokrotnym szlifowaniu powierzchnia drewna jest zagruntowana na tyle, aby czarny atrament równomiernie się na nim rozłożył. Zaschnięty tusz jest utrwalany lakierem, który jest następnie polerowany. Do tonowania stosuje się różne barwniki: tusz, gwasz, temperę, akwarele, farby anilinowe, różne plamy i zaprawy, nadmanganian potasu. Powierzchnię można pozostawić matową, ale można ją również pokryć jasnym lakierem (do utrwalenia farby) i wypolerować.

12. Kolejność technologiczna tworzenia pudełka

nazwa operacji

Naszkicować

Sprzęt, narzędzia

Zaznacz ściany pudełka na wykroju

Stół warsztatowy, ołówek, kwadrat, linijka

przejrzałem przez ściany

Brzeszczot

Wykonaj połączenia narożne

Stół warsztatowy, piła do metalu, dłuto

Przyklej boki pudełka

Klej, imadło

Przetwórz górną i dolną krawędź ramy

Ściernica

Przyklej spód i pokrywkę

Klej, imadło

Usuń dodatki, przetwórz pudełko w kształcie

Ściernica

Przeszlifuj trumnę

Ściernica, papier ścierny

Zaznacz punkt cięcia między pokrywką a ścianami

Ołówek, linijka, piła do metalu

Zaznacz ozdobę

Ołówek, linijka, kompasy

Wytnij ornament na pudełku

nóż do stawów

Pokryj pudełko lakierem

pędzel, lakier

Odetnij okładkę i wyczyść cięcie

Piła do metalu, papier ścierny

Wyprodukuj i zainstaluj zawiasy

2 kawałki

Drut, szczypce, przecinaki do drutu

Ponownie lakierować pudełko

pędzel, lakier

Przeprowadź kontrolę jakości

13. Kontrola jakości.

Gotowy produkt musi spełniać następujące wymagania:

Pudełko jest starannie wykonane, zgodnie z technologika.

Obserwuje się jedność rozwiązania kompozycyjnego ornamentu i kształtu produktu.

Wybrany materiał odpowiada przeznaczeniu produktu.

14. Środki ostrożności podczas wykonywania pracy.

1. Niezawodne mocowanie obrabianego przedmiotu podczas strugania, piłowaniai rzeźbienie.

2. Pracuj z dobrze funkcjonującym, ugruntowanym narzędziem.

Do obróbki części za pomocą ściernicy użyjzainstaluj specjalny stół podporowy.

Przechowuj nóż w tacy warsztatowej w etui ochronnym.

5. Pracując z nożem, trzymaj wolną rękę przeciwniefałszywa strona kierunku cięcia.

Usuń kurz, wióry, trociny za pomocą zamiatającego pędzla.

Pracuj w dobrze oświetlonym miejscu.

Podczas lakierowania pracuj w wentylowanym pomieszczeniu.

Dłutem tnij drewno w kierunku „od siebie”.

10. Utrzymuj ręce w czystości podczas rzeźbienia.

15. Uzasadnienie ekologiczne i ekonomiczne.

Pudełko na biżuterię jest przyjazne dla środowiska, bez wnoszenianiebezpieczne konsekwencje dla zdrowia ludzkiego przez produkt, ponieważwykonane z czystego drewna. Technologia produkcji dlazgodność z przepisami BHP i sanitarno-higienicznyminormy są również bezpieczne.

Ustalając cenę pudełka, podsumowując kosztyna materiały, prąd (jest to koszt),potrącenia z tytułu szacunkowego wynagrodzenia, zysku.

c = c + p

Cena kosztu obejmuje:

Z 1 - koszt drewna;

Z 2 - koszt lakieru;

Cz to koszt energii elektrycznej na maszynę;

Z 4- Cena £ papier ścierny

Z 6 - potrącenia z wynagrodzenia;

Z 7 - koszt sklejki;

Z 8 - koszt tkaniny;

Z 9 - koszt materiału na zawiasy i zamek;

Z 10 - koszt kleju.

Obliczmy koszt:Z 1 = V1200 = 0,0003 m 3 1200 = 0,36 pkt. Z 2 =50gx0,08 rub. = 4 pkt.

Z 3 =1,5kWx1 godzina (60 min)x2,43 pkt. = 3,64 pkt.

Z 4= 25 R

Z 6 =20hx30 r / h \u003d 600 rubli.

Z 7 = 0,02m 2 80 \u003d 1,6 pkt.

Z 8 = 0,06m 2 x320 \u003d 19,2 pkt

Z 9= 35 pX 2 \u003d 70 rubli

Z 10 = 43 r

C = C 1 + C 2 + C 3 + C 4 + C 6 + C 7 + C 8 = 741 rubli

Koszt pudełka wyniósł 741 rubli. Jeśli pudełko zostanie sprzedane za 950 rubli, otrzymamy zysk, który może byćale użyj do zakupu materiałów:

P \u003d C - C \u003d 950 - 741 \u003d 209 pkt.

Po przeprowadzeniu obliczeń ekonomicznych stwierdzono, że okołonawet się usprawiedliwia.

Rzeźba artystyczna na drewnianej powierzchni to jeden z najstarszych rodzajów sztuki w Rosji. Podobne rzeźbienia zdobiły chaty, dwory książęce, statki, sprzęty domowe, instrumenty muzyczne, a także broń wojskowa. Każdy region kraju miał swój niepowtarzalny styl z własnymi cechami. W kościołach ikony, wizerunki świętych i rzeźby, które zostały wyrzeźbione z drewna, uderzały duchowością i pięknem.

Dziś w muzeach znajduje się ogromna liczba produktów z unikalnym wzorem reliefowym. A każda rzecz, która została wykonana techniką rzeźby artystycznej, jest wyjątkowa i niepowtarzalna na swój sposób, ponieważ każdy autor ma własne rozumienie i wizję.

Rzeźba artystyczna różni się kierunkami i stylami, ale nie ma ustalonej klasyfikacji jako takiej. W rzeźbieniu artystycznym można warunkowo wyróżnić 3 główne metody - płaską, przelotową i reliefową. Z kolei wszystkie podzielone są na rodzaje, a także kierunki: ażurowe (wycinane) i trójwymiarowe (rzeźbiarskie). Każdy kierunek jest używany w różnych obszarach tej sztuki użytkowej. Rzeźby ażurowe zdobią domy, a płaskorzeźby - wszelkiego rodzaju wyroby z drewna.

Najstarszą i najprostszą metodą jest rzeźbienie geometryczne - podgatunek rzeźbienia płaskiego. Zaleca się rozpoczęcie nauki artystycznego rzeźbienia w drewnie tą techniką. Główna różnica między rzeźbą planarną polega na tym, że wzory są nakładane na płaską powierzchnię, podczas gdy w rzeźbieniu szczelinowym tło jest usuwane po nałożeniu wzoru, a gotowy produkt wygląda jak koronka. Rzeźba reliefowa zawiera głębszy ornament, służy do ozdabiania mebli i wnętrz. Najtrudniejszym obszarem rzeźbienia w drewnie jest rzeźba rzeźbiarska, ponieważ artysta musi wyczuć przestrzeń, znać niemal każdy sposób rzeźbienia, a także umieć kompleksowo przedstawić obiekt.

Rzeźba artystyczna wyróżnia się techniką wykonania, ponieważ drzewo jest niejednorodne naturalny materiał. Wszystkie rodzaje drewna mają swoje specjalne właściwości, kolor, fakturę, wymagają od rzemieślników specjalnych umiejętności i specjalnego zestawu narzędzi. Wszystkie metody rzeźbienia w drewnie wykonywane są przy użyciu różnych narzędzi. Jeśli geometryczne rzeźbienie w drewnie przez niektórych rzemieślników jest wykonywane tylko za pomocą noża przegubowego, rzeźbienie zszywkowe będzie z konieczności wymagało różnych rodzajów noży rzeźbiarskich.

Artystyczna obróbka metali jest popularna od czasów starożytnych. Po tym, jak ludzkość nauczyła się używać metalowych przedmiotów do celów domowych, pojawiła się biżuteria. Zainteresowanie produktami metalowymi, które można ozdobić ...

Obecnie do dekoracyjnej obróbki powierzchni szkła na zimno stosuje się wiele technologii, z których każda ma swoją własną charakterystykę. Jedną z pomyślnie stosowanych technik jest grawerowanie. Jest produkowany...

Rzeźba w kości jest żywym przejawem kultury artystycznej naszego kraju. Przetwarzanie ma długą tradycję, co potwierdzają liczne przedmioty, które odnaleziono podczas badań archeologicznych. W regionie Niżny Nowogród rzeźbienie kości...