Dziś przeanalizujemy zdjęcia wykonane przez uznanych mistrzów fotografii. 10 wspaniałych fotografów. 10 słynnych fotografii.

Philipp Halsman i jego Dali Atomicus, 1948

Genialny artysta musi mieć genialny portret. Być może Halsman kierował się tym. Być może zainspirowało go niedokończone dzieło Dalego Leda Atomica z tego czasu, które widać na zdjęciu, może chciał przenieść surrealizm do fotografii... W każdym razie potrzebował studia, dodatkowych źródeł sztucznego światła, kilku asystentów który chlapał wodę z wiader, uspokajał koty między ujęciami i trzymał krzesła w powietrzu, 6 godzin pracy, 28 brań i oczywiście sam Salvador Dali.

„Dali Atomicus”, Philipp Halsman, 1948

Rada: Nie bój się wykonywać dużej liczby ujęć - jedno z nich na pewno okaże się sukcesem.

Irving Penn i jego Dziewczyna w łóżku, 1949

Mimo pozornej prostoty tego obrazu na pierwszy rzut oka fascynuje. Czyż nie? Tak, być może całą twórczość tego genialnego fotografa można opisać jego własnymi słowami: „Jeśli patrzę na jakiś przedmiot przez jakiś czas, to widok mnie fascynuje. To przekleństwo fotografa”. I tę fascynację tematem potrafił przekazać jak nikt inny. Naturalne światło z okna, model, kontemplacyjna pozycja autora - iw tym przypadku arcydzieło jest gotowe.

Dziewczyna w łóżku, Irving Penn, 1949

Rada:: Aby zrobić komuś lub coś piękne zdjęcie, musisz zakochać się w temacie.

Richard Avedon i jego Judy, 1948

Prawie wszystkie zdjęcia Richarda Avedona pokazują jasne, ale ulotne chwile, na które zwykle nie zwracamy uwagi. Ale czasami to właśnie takie chwile mogą otworzyć duszę człowieka.

Judy, Richard Avedon, 1963

Rada: Jeśli chcesz zostać dobry fotograf, wypróbuj się w różnych gatunkach - to pomoże Ci znaleźć swoją niszę w fotografii.

Ansel Adams i jego Tetons i rzeka wężowa, 1942

Mówiąc o wielkich fotografach i ich pracy, nie można pominąć twórcy systemu naświetlania strefowego i słynnego autora książek o fotografii, Ansela Adamsa. Przyjrzyjmy się jednej z jego prac: The Tetons and the Serpent River.

Oprócz ciekawej kompozycji widać, jak umiejętnie Adams wykorzystuje swój system doboru idealnej ekspozycji ujęcia. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz każdą z 10 stref od absolutnej czerni do bieli.

Tetony i rzeka wężowa, Ansel Easton Adams, 1942

Rada: nawet podczas pracy z aparatem cyfrowym nie ignoruj ​​tradycyjnych zaleceń. Nie zawsze możesz polegać na automatycznej ekspozycji.

Henry Cartier Bresson

Oczywiście ten post po prostu nie mógłby być kompletny bez Henry'ego Cartier-Bressona. Legendarny fotoreporter, twórca agencji Magnum Photos, powiedział: „Nie lubię organizować i zarządzać wydarzeniami. To jest okropne. Nie możemy naśladować prawdziwego życia. Uwielbiam prawdę i strzelam tylko do prawdy”. O fotografii Bressona możemy myśleć bez końca, ale jeszcze bardziej przydatne są jego książki The Decisive Moment i Imaginary Reality w angielskim wydaniu.

Rada: Czekam na dobry moment, nie przegap tego!

Alfred Eisenstadt i jego Dzień Zwycięstwa na Times Square

Alfred Eisenstadt zasłynął dzięki zdjęciu marynarza całującego swoją dziewczynę. Jedno zdjęcie zrobione w punkcie zwrotnym sprawiło, że… prawdziwa gwiazda. I nie ma znaczenia, czy zdjęcie jest rozmazane. Fotograf wykonał świetną robotę, utrwalając atmosferę.

„Dzień V-J na Times Square”, Alfred Eisenstaedt, 1945

Rada: Zawsze noś przy sobie aparat.

Ernst Haas

Ernst Haas jest pionierem fotografii cyfrowej. Jego słynne cytaty:

• Fotografia jest wyrazem Twoich pomysłów i uczuć. Jeśli haj nie ma miejsca w twojej duszy, nigdy nie zauważysz go w świecie zewnętrznym.
• Piękno mówi samo za siebie. Kiedy proces osiąga szczyt, robię zdjęcie.
• Nie robię zdjęć nowych ciekawych obiektów. Staram się znaleźć coś nowego w znanych rzeczach.
• Kiedy pojawiła się fotografia, narodził się nowy język. Teraz możemy mówić o rzeczywistości językiem rzeczywistości.
• Twój typ aparatu nic nie znaczy. Każda kamera może uchwycić to, co widzisz. Ale musisz Widzieć.
• Jesteś tylko ty i twój aparat. Wszystkie zasady i ograniczenia są w twojej głowie.
• Powiedz mi, co widzisz, a powiem Ci, kim jesteś.

Ernsta Haasa. Wyspa Kiusiu, Japonia, 1981

Rada: piękno jest wszędzie. Znajdź i poczuj to.

Yusuf Karsh i jego portret Winstona Churchilla

Yusuf Karsh jest znanym kanadyjskim fotografem znanym z portretów wybitnych polityków. Historia tego zdjęcia jest niezwykła. Po przemówieniu w niższej izbie parlamentu brytyjski premier wszedł do sali posiedzeń i zobaczył sprzęt fotograficzny. Pozwolił mi zrobić tylko jedno zdjęcie i zapalił cygaro. Nie wiadomo dokładnie, dlaczego fotograf podszedł do Churchilla i wyjął mu cygaro z ust, ale to właśnie zrobił Karsh. Wrócił do aparatu i zrobił zdjęcie.

Zdjęcie przedstawia wszystkie umiejętności Yusufa Karsha. Za pomocą światła, perfekcyjnej pozy i gestu udało mu się stworzyć wrażenie głębi i przestrzeni. Rezultatem jest dramatyczny, czarujący portret, który żywo pokazuje wewnętrzną siłę brytyjskiego premiera.

Portret Winstona Churchilla, Yusuf Karsh, 1941

Rada: nie bój się prowokować swoich modeli do pokazania się. Możesz zobaczyć, co jest ukryte przed wszystkimi.

Guyon Miley

Guyon stał się popularnym fotografem dzięki unikalnej mieszance „algebry i harmonii” na swoich zdjęciach, a efekt chwili zatrzymał się. Być może lekkie rysunki zyskały popularność właśnie dzięki Mili. Guyon ćwiczył w różne obszary ciągle eksperymentuje. Jednak jedna rzecz pozostała niezmieniona. Jego umiejętność uchwycenia wdzięku i dramatu chwili.

Pablo Picasso jest mistrzem malowania światłem. Guyon Mily, 1949

Rada: nie zapominaj, że fotografia to nie tylko atrakcyjny rysunek. Eksperymentuj z ostrością, ekspozycją i czasem otwarcia migawki.

William Smith

Nie bez powodu postanowiliśmy wspomnieć tego fotoreportera na końcu artykułu. Jego słowa powinny stać się hasłem każdego, kto chce zostać dobrym fotografem: „Fotografia nie ma końca. Gdy tylko osiągnę najwyższy punkt mistrzostwa, w oddali ukazuje się jeszcze wyższy szczyt. I znów jestem w drodze”.

William Smith, dr Tseriani z rannym dzieckiem, 1948

Rada: nigdy nie przestawaj osiągać swoich celów. Strzelaj nie aparatem, ale duszą.

Zawsze analizuj prace znanych fotografów z całego świata tak szczegółowo, jak to tylko możliwe. Chłoń ich doświadczenia i zauważ, jakich wyrażeń używają. Pewnego dnia zauważysz, jak ta wiedza zostaje wchłonięta przez Twoje zdjęcia i staje się jakością Twojej pracy.

Przez długi czas miałem zamiar zamieszczać na taśmie życiorysy i historie sukcesu najsłynniejszych fotografów w przeszłości. Właściwie to od tego tematu chciałem rozpocząć prowadzenie moich tematów.
Ostatnio często myślę o tym, że wszystko, co robimy (czyli jak nasze działalność zawodowa, i nasze hobby) to jakiś zilch, który prawdopodobnie nigdy nie zmieni czegoś w życiu obecnych i przyszłych pokoleń. Tych. pytanie brzmi, CO w każdym razie to SAMOREALIZACJA(w tym w fotografii?!)

Elliott Erwitt- legenda fotografii światowej, zasłynął jako najzdolniejszy autor fotografii czarno-białych. Jego prace: żywe, emocjonalne, z poczuciem humoru i głębokim znaczeniem podbiły publiczność wielu krajów. Wyjątkowość techniki fotografa polega na umiejętności dostrzeżenia ironii w otaczającym go świecie. Nie lubił inscenizowanych ujęć, nie stosował retuszu i pracował tylko z kamerami filmowymi. Wszystko, co Ervit kiedykolwiek sfilmował, jest prawdziwą rzeczywistością oczami optymisty.

„Chcę, żeby obrazy były emocjonalne. Niewiele więcej interesuje mnie w fotografii.”Elliott Erwitt

Arnolda Newmana (Arnolda Newmana) poświęcił prawie siedemdziesiąt lat swojego życia fotografii, nie zaprzestając pracy prawie do śmierci: „Augusta (Newman mówi o swojej żonie – A.V.) i ja jesteśmy zajęci i aktywni jak nigdy dotąd”, powiedział fotograf w 2002 roku, „Dzisiaj Znowu pracuję nad nowymi pomysłami, książkami, podróżami - to nigdy się nie kończy i dzięki Bogu. W tym się pomylił - 6 czerwca 2006 zmarł - nagłe zatrzymanie akcji serca. Jakby uprzedzając tę ​​diagnozę, powiedział kiedyś: „Nie robimy zdjęć aparatami. Tworzymy je sercem."

« Myślę, że dzisiejsze pokolenie ma jeden problem. Jest tak zafascynowana obiektywizmem, że zapomina o samej fotografii. Zapomina tworzyć obrazy takie jak Cartier-Bresson lub Salgado, dwaj najwspanialsi fotografowie 35 mm, którzy kiedykolwiek żyli. Aby stworzyć zdjęcie, mogą użyć dowolnego motywu, bez względu na to, jaki jest. Naprawdę tworzą fotografię, z której czerpiesz przyjemność, wielką przyjemność. A teraz za każdym razem jest to samo: dwie osoby w łóżku, ktoś z igłą w dłoni lub coś w tym stylu, Lifestyles lub nocne kluby. Patrzysz na nie i za tydzień zaczynasz zapominać, za dwa tygodnie nie pamiętasz ani jednego. Ale wtedy fotografię można uznać za interesującą, gdy zapada się w naszą świadomość.» Arnolda Newmana

Alfred Stieglitz

Według Encyklopedii Britannica, Alfred Stiglitz (Alfred Stieglitz) „prawie w pojedynkę wepchnął swój kraj do świata sztuki XX wieku”. To właśnie Stiglitz stał się pierwszym fotografem, którego prace otrzymały status muzeum. Stieglitz od samego początku swojej kariery fotografa spotykał się z pogardą dla fotografii elity artystycznej: „Artyści, którym pokazywałem moje wczesne fotografie, mówili, że są o mnie zazdrośni; że moje fotografie są lepsze niż ich obrazy, ale niestety fotografia nie jest sztuką. Nie mogłem zrozumieć, jak możesz zarówno podziwiać tę pracę, jak i odrzucić ją jako cudowną, jak możesz postawić swoją pracę wyżej tylko dlatego, że są wykonane ręcznie ”- Stiglitz był oburzony. Nie mógł pogodzić się z tym stanem rzeczy: „Wtedy zacząłem walczyć… o uznanie fotografii jako nowego środka wyrażania siebie, tak aby zrównała się w prawach z wszelkimi innymi formami twórczości artystycznej ”.

« Pragnę zwrócić uwagę na najpopularniejsze błędne wyobrażenie o fotografii - termin "profesjonalny" jest używany do zdjęć rzekomo udanych, a termin "amatorski" - do nieudanych. Ale prawie wszystkie wspaniałe zdjęcia są robione – i zawsze były – przez tych, którzy uprawiali fotografię w imię miłości – a już na pewno nie w imię zysku. Termin „kochanek” sugeruje po prostu osobę działającą w imię miłości, więc błędność ogólnie przyjętej klasyfikacji jest oczywista.Alfred Stiglitz

Być może trudno znaleźć w historii fotografii światowej osobowość bardziej kontrowersyjną, tragiczną, tak odmienną od wszystkich innych niż Diane Arbus. Jest ubóstwiana i przeklęta, ktoś ją naśladuje, ktoś próbuje wszelkimi sposobami tego uniknąć. Jedni mogą godzinami oglądać jej zdjęcia, inni próbują szybko zamknąć album. Jedno jest oczywiste – twórczość Diany Arbus pozostawia obojętnym niewiele osób. W jej życiu, w jej fotografiach, w jej śmierci nie było nic nieważnego ani banalnego.

Nadzwyczajny talent Yousuf Karsh jako fotograf portretowy wykonywał swoje zadanie: był i pozostaje jednym z najsłynniejszych fotografów wszechczasów i narodów. Jego książki są szeroko sprzedawane, wystawy jego fotografii odbywają się na całym świecie, jego prace znajdują się w stałych kolekcjach wiodących muzeów. Karsh miał wielki wpływ na wielu fotografów portretowych, zwłaszcza w latach 40. i 50. XX wieku. Niektórzy krytycy twierdzą, że często idealizuje postać, narzuca modelowi swoją filozofię, mówi więcej o sobie niż o postaci portretowanej. Nikt jednak nie zaprzecza, że ​​jego portrety są wykonane z niezwykłą kunsztem, a wewnętrzny świat – modela czy fotografa – ma urzekającą uwagę na widza. Otrzymał wiele nagród, wyróżnień, tytułów honorowych, a w 2000 roku Księgę Rekordów Guinnessa im Yusuf Karsha najwybitniejszy mistrz fotografii portretowej.

« Jeśli oglądając moje portrety dowiesz się czegoś bardziej znaczącego o przedstawionych na nich osobach, jeśli pomogą ci uporządkować uczucia wobec kogoś, kogo praca pozostawiła ślad w twoim mózgu - jeśli spojrzysz na fotografię i powiesz: Tak, to on” i jednocześnie dowiadujesz się czegoś nowego o osobie – to znaczy, że to naprawdę dobry portret.» Yusuf Karsh

Mężczyzna Ray Od początku swojej kariery jako fotograf nieustannie eksperymentuje z nowymi technikami. W 1922 na nowo odkrył metodę tworzenia obrazów fotograficznych bez aparatu. Kolejnym odkryciem fotografa, również znanym na długo przed nim, ale praktycznie niewykorzystanym, była solaryzacja - ciekawy efekt, który pojawia się przy ponownym naświetleniu negatywu. Zamienił solaryzację w technika artystyczna, w wyniku której zwykłe przedmioty, twarze, części ciała przekształciły się w fantastyczne i tajemnicze obrazy.

„Zawsze będą ludzie, którzy patrzą tylko na technikę wykonania – ich głównym pytaniem jest „jak”, podczas gdy inni, bardziej dociekliwi, są zainteresowani „dlaczego”. Dla mnie osobiście inspirujący pomysł zawsze znaczył więcej niż inne informacje”.Mężczyzna Ray

Steve McCurry

Steve McCurry (Steve McCurry) ma niesamowitą zdolność, by zawsze (przynajmniej znacznie częściej niż wynika z rachunku prawdopodobieństwa) być we właściwym czasie we właściwym miejscu. Ma zaskakujące szczęście – choć należy tutaj pamiętać, że szczęście dla fotoreportera to zazwyczaj nieszczęścia innych ludzi, a nawet całych narodów. Bardziej niż prestiżowe wykształcenie niewiele pomogło Steve'owi w zawodzie fotoreportera - wspinał się na wyżyny umiejętności metodą prób i błędów, starając się jak najwięcej nauczyć od swoich poprzedników.

„Najważniejsze to być wyjątkowo uważnym na osobę, poważną i konsekwentną w swoich intencjach, wtedy obraz będzie jak najbardziej szczery. Uwielbiam oglądać ludzi. Wydaje mi się, że twarz człowieka może czasem wiele powiedzieć. Każda z moich fotografii to nie tylko epizod z życia, to jego kwintesencja, cała historia”.Steve McCurry

Wykonano „mieszankę algebry z harmonią” Gyena Mili (Gjon Mili) jeden z najbardziej znanych fotografów w Ameryce. Pokazał światu całe piękno zatrzymanego ruchu lub serii chwil zatrzymanych w jednym kadrze. Nie wiadomo, kiedy i gdzie zainteresował się fotografią, ale pod koniec lat 30. jego zdjęcia zaczęły pojawiać się w ilustrowanym magazynie Life - w tamtych latach zarówno magazyn, jak i fotograf dopiero zaczynali swoją drogę do sławy. Oprócz fotografii Mili lubił kino: w 1945 roku jego film „Jammin' the Blues” o słynnych muzykach lat 30-40 był nominowany do Oscara.

"Czas naprawdę można zatrzymać"Gyen Mili

André Kertész znany jako twórca surrealizmu w fotografii. Jego niekonwencjonalne jak na tamte czasy postawy i niechęć do zmiany stanowiska w stylu pracy, znacznie uniemożliwiły mu zdobycie szerokiego uznania na początku kariery. Ale został rozpoznany za życia i nadal jest uważany za jednego z wybitnych fotografów w czołówce fotoreportażu, jeśli nie fotografii w ogóle. " Wszyscy mu wiele zawdzięczamy.» - Cartier Bresson o Andre Kertesche.

« Nie dopasowuję się ani nie kalkuluję, oglądam scenę i wiem, że jest idealna, nawet jeśli muszę się cofnąć, aby uzyskać odpowiednie światło. Moment dominuje w mojej pracy. Fotografuję jak się czuję. Każdy może patrzeć, ale nie każdy może zobaczyć. » André Kertész

Ryszard Avedon

Trudno znaleźć celebrytę, który nie pozował do Richarda Avedona. Wśród jego modeli są Beatlesi, Marilyn Monroe, Nastassja Kinski, Audrey Hepburn i wiele innych gwiazd. Bardzo często Avedonowi udaje się uchwycić celebrytę w niecodziennej dla niej formie lub nastroju, tym samym otwierając ją z drugiej strony i zmuszając do innego spojrzenia na życie człowieka. Styl Avedona łatwo rozpoznać po czarno-białym kolorze, olśniewającym białym tle, dużych portretach. Na portretach udaje mu się zamienić ludzi w „symbole samych siebie”.

Peter Lindbergh- jeden z najbardziej szanowanych i kopiowanych fotografów. Można go nazwać „poetą przepychu”. Od 1978 roku, kiedy Stern Magazine opublikował jego pierwsze zdjęcia modowe, żadna międzynarodowa publikacja modowa nie może się obyć bez jego zdjęć. Pierwsza książka Lindbergha, „Dziesięć kobiet”, czarno-białe portfolio dziesięciu najlepszych modelek tamtych czasów, została wydana w 1996 roku i sprzedała się w nakładzie ponad 100 000 egzemplarzy. Druga, „Peter Lindbergh: Obrazy kobiet”, to kolekcja prac fotografa od połowy lat 80. do połowy lat 90. ukazała się w 1997 roku.

Od czasów starożytnych Czechy były krajem mistycyzmu i magii, ojczyzną alchemików, artystów, oni tkali zaklęcia, byli twórcami fantastycznych światów wyobraźni. Światowej sławy czeski fotograf Jan Saudek nie jest wyjątkiem. W ciągu czterech dekad Saudek stworzył równoległe uniwersum – Magiczny Teatr Snów.

p.s. dopiero teraz zauważyłem, że zdecydowana większość najsłynniejszych fotografów to Żydzi :)

Co sprawia, że ​​fotograf jest sławny? Dziesięciolecia spędzone w zawodzie, nabyte czy bezcenne doświadczenie? Nie, jedyną rzeczą, która czyni fotografa sławnym, są jego zdjęcia. Lista znanych fotografów świata składa się z ludzi o jasnej osobowości, dbałości o szczegóły i najwyższym profesjonalizmie. Przecież nie wystarczy być we właściwym miejscu o właściwym czasie, trzeba też umieć poprawnie pokazać to, co się dzieje. Bycie dobrym fotografem nie jest łatwe, a co dopiero poziom profesjonalny. Chcemy przybliżyć Wam największe klasyki fotografii i przykłady ich pracy.

Ansel Adams

„To, co fotograf jest w stanie zobaczyć, a co widzi – powiedzmy, ma nieporównywalnie większe znaczenie niż jakość wyposażenia technicznego…„(Ansel Adams)

Ansel Adams (Ansel Easton Adams Urodzony 20 lutego 1902 – 22 kwietnia 1984) był amerykańskim fotografem najbardziej znanym z czarno-białych fotografii amerykańskiego Zachodu. Ansel Adams z jednej strony odznaczał się subtelnym artystycznym zacięciem, z drugiej zaś doskonale opanował techniki fotograficzne. Jego fotografie są pełne niemal epickiej mocy. Łączą w sobie cechy symboliki i realizmu magicznego, wywołując wrażenie „pierwszych dni stworzenia”. W ciągu swojego życia stworzył ponad 40 000 fotografii i brał udział w ponad 500 wystawach na całym świecie.

Yusuf Karsh

„Jeśli, patrząc na moje portrety, dowiesz się czegoś bardziej znaczącego o przedstawionych na nich osobach, jeśli pomogą ci uporządkować uczucia wobec kogoś, kogo praca pozostawiła ślad w twoim mózgu - jeśli spojrzysz na zdjęcie i powiesz:” Tak, to on” i jednocześnie uczysz się czegoś nowego o osobie - to jest naprawdę dobry portret” ( Yusuf Karsz)

Yusuf Karsh(Yousuf Karsh, 23 grudnia 1908 - 13 lipca 2002) - kanadyjski fotograf pochodzenia ormiańskiego, jeden z mistrzów fotografii portretowej. Za życia wykonał portrety 12 prezydentów USA, 4 papieży, wszystkich brytyjskich premierów, przywódców sowieckich - Chruszczowa, Breżniewa, Gorbaczowa, a także Alberta Einsteina, Ernesta Hemingwaya, Pabla Picassa, Bernarda Shawa i Eleanor Roosevelt.

Robert Capa

„Fotografia to dokument, na który patrząc, kto ma oczy i serce, zaczyna czuć, że nie wszystko na świecie jest bezpieczne” ( Robert Capa)

Robert Capa (prawdziwe nazwisko Endre Erno Friedman, 22 października 1913, Budapeszt - 25 maja 1954, Tonkin, Indochiny) jest urodzonym na Węgrzech fotoreporterem. Robert Capa w ogóle nie zamierzał zostać fotografem, pchnęły go do tego okoliczności życiowe. I tylko odwaga, awanturnictwo i błyskotliwy talent malarski uczyniły go jednym z najsłynniejszych reporterów wojennych XX wieku.

Henri Cartier Bresson

«... fotografia może uchwycić nieskończoność w jednym momencie... ” (Henri-Cartier-Bresson)

Henri Cartier-Bresson (2 sierpnia 1908 – 3 sierpnia 2004) był jednym z najważniejszych fotografów XX wieku. Ojciec fotoreportażu. Jeden z założycieli agencji fotograficznej Magnum Photos. Urodzony we Francji. Lubił malować. Dużo uwagi poświęcał roli czasu i „decydującego momentu” w fotografii.

Dorothea Lange

Dorothea Lange (Dorothea Margarette Nutzhorn, 26 maja 1895 - 11 października 1965) - amerykańska fotografka i fotoreporterka / Jej zdjęcia, jasne, uderzające w serce szczerością, nagością bólu i beznadziei, są niemym dowodem na to, co musiały znosić setki tysięcy zwykłych Amerykanów, pozbawiony schronienia, podstawowych środków utrzymania i wszelkiej nadziei.

Ta fotografia przez wiele lat była dosłownie uosobieniem Wielkiego Kryzysu. Dorothea Lange zrobiła zdjęcie podczas wizyty w obozie zbieraczy warzyw w Kalifornii w lutym 1936 roku, chcąc pokazać światu odporność i odporność dumnego narodu w trudnych czasach.

Brassai

„Zawsze jest szansa – i każdy z nas ma na nią nadzieję. Tylko zły fotograf ma jedną szansę na sto, podczas gdy dobry fotograf wykorzystuje wszystko.

„Każdy to ma kreatywna osoba są dwie daty urodzenia. Druga data – kiedy zrozumie, jakie jest jego prawdziwe powołanie – jest o wiele ważniejsza niż pierwsza”

„Celem sztuki jest podniesienie ludzi do poziomu, którego nie mogliby osiągnąć w żaden inny sposób”

„Zdjęć jest wiele pełen życia, ale niezrozumiałe i szybko zapomniane. Brakuje im siły - a to jest najważniejsze”(Brasaj)

Brassai (Gyula Halas, 9 września 1899 - 8 lipca 1984) był węgierskim i francuskim fotografem, malarzem i rzeźbiarzem. Na fotografiach Brassaille'a widzimy tajemniczy Paryż w świetle latarni ulicznych, placów i domów, zamglonych nasypów, mostów i niemal bajecznie kutych balustrad. Jedna z jego ulubionych technik znalazła odzwierciedlenie w serii zdjęć wykonanych w świetle reflektorów rzadkich w tamtych czasach samochodów.

Brian Duffy

„Każde zdjęcie zrobione po 1972 roku widziałem wcześniej. Nic nowego. Po chwili zdałem sobie sprawę, że fotografia nie żyje...” Brian Duffy

Brian Duffy (15 czerwca 1933 – 31 maja 2010) był angielskim fotografem. John Lennon, Paul McCartney, Sammy Davis Jr., Michael Caine, Sidney Poitier, David Bowie, Joanna Lumley i William Burroughs stali przed jego kamerą.

Jerry Welsman

„Wierzę, że zdolność człowieka do przekazywania rzeczy poza widzialnym jest ogromna. Zjawisko to można zaobserwować we wszystkich gatunkach sztuk plastycznych, ponieważ nieustannie poszukujemy nowych sposobów wyjaśniania świata, który czasami ujawnia się nam w momentach zrozumienia wykraczających poza granice naszego zwykłego doświadczenia.(Jerry Welsman)

Jerry Welsman (1934) to amerykański teoretyk sztuki fotografii, pedagog, jeden z najciekawszych fotografów drugiej połowy XX wieku, mistrz tajemniczych kolaży i wizualnych interpretacji. Surrealistyczne kolaże utalentowanego fotografa podbiły świat, gdy w projekcie nie było nawet Photoshopa. Jednak nawet teraz autor niezwykłych prac pozostaje wierny własnej technice i wierzy, że w zaciemnionym laboratorium fotograficznym dzieją się cuda.

Annie Liebovitz

„Kiedy mówię, że chcę zrobić komuś zdjęcie, oznacza to, że chcę go poznać. Wszyscy, których znam, fotografuję” ( Anna-Lou „Annie” Leibovitz)

Anna-Lou „Annie” Leibovitz (Anna-Lou «Annie» Leibovitz; rodzaj. 2 października 1949, Waterbury, Connecticut) - słynny amerykański fotograf. Specjalizuje się w portretach gwiazd. Dziś jest najpopularniejsza wśród fotografek. Jej prace zdobią okładki magazynów. Vogue, Vanity Fair, New Yorker i Rolling Stone, została pozowana nago przez Johna Lennona i Betty Midler, Whoopi Goldberg i Demi Moore, Sting and Devine. Annie Leibovitz udało się przełamać stereotypy piękna w modzie, wprowadzić na fotograficzną arenę starzejących się twarzy, zmarszczek, codziennego cellulitu i niedoskonałości form.

Jerry Gionis

"Poświęć co najmniej pięć minut dziennie, aby spróbować dokonać niemożliwego - a wkrótce poczujesz różnicę" ( Jerry'ego Gionisa).

Jerry Gionis - topowy fotograf ślubny z Australii jest prawdziwym mistrzem swojego gatunku! Nic dziwnego, że jest uważany za jednego z najbardziej utytułowanych mistrzów tego kierunku na świecie.

Colbert Grzegorz

Gregory Colbert (1960, Kanada) - przerwa w naszym szybkim świecie. Zatrzymaj się w biegu. Absolutna cisza i koncentracja. Piękno w ciszy i bezruchu. Uczucie zachwytu z poczucia przynależności do ogromnej żywej istoty - planety Ziemia - to emocje, które wzbudzają jego prace. W ciągu 13 lat wykonał 33 (trzydzieści trzy) wyprawy do najodleglejszych i najbardziej egzotycznych zakątków naszej ogromnej i jednocześnie tak maleńkiej planety: Indie, Birma, Sri Lanka, Egipt, Dominika, Etiopia, Kenia, Tonga, Namibia, Antarktyda. Postawił sobie jedno zadanie - odzwierciedlić w swoich pracach niesamowity związek człowieka z naturą, światem zwierząt.

W rzeczywistości lista największych fotografów jest dość długa, a to tylko kilka z nich.

Co może zrobić świat? słynny fotograf jeszcze bardziej widoczne? Czy rzeczywiście jest to liczba lat, które poświęcił na zawód fotografa, nagromadzone doświadczenie, czy wybrany kierunek fotografii? Nic takiego; Najważniejszy powód tego może być ukryty w każdej ramce, którą udało się fotografowi uchwycić.

Większość najsłynniejszych fotografów najczęściej stara się przemilczeć ten temat. Wystarczy, że mają podpisy pod prawami autorskimi na swoich pracach, aby dzieła te stały się rozpoznawalne. Niektórzy znani fotografowie wolą pozostać nierozpoznawalni, nie ujawniając swojej twarzy z powodów osobistych. Powody te mogą pozostać tajemnicą dla rosnącej publiczności wielbicieli, a może wszystko tkwi w nadmiernej skromności tych ludzi. Najsłynniejsi fotografowie są z reguły honorowani za ujęcie niesamowitego, niesamowitego momentu, który może trwać dosłownie kilka milisekund. Ludzi fascynuje fakt, że tak niesamowite wydarzenie lub incydent można uchwycić w tak krótkim czasie.

Jak mówi przysłowie: „Jedno zdjęcie może wyrazić tysiąc słów”. I tak każdemu z najsłynniejszych fotografów świata raz czy dwa razy w swojej karierze udało się uchwycić taki kadr, który może go wznieść do rangi wielkości. W tym artykule przedstawiono niektórych z najbardziej znanych fotografów na świecie, którzy odnieśli sukces w swoim zawodzie, a także prace, które przyniosły im sławę. Fotografom tym udało się poruszyć serca wielu ludzi na świecie swoimi niesamowitymi, czasem oszałamiającymi zdjęciami. Bardzo Znani fotografowie Pokój.

Murray Becker, fotograf dla Associated Press, zasłynął fotografią płonącego Hindenburga. Zmarł na raka w wieku 77 lat.

(1961-1994) – Kevin Carter, laureat nagrody Pultzera z RPA, spędził kilka miesięcy swojego życia, fotografując głód w Sudanie. Jako niezależny fotograf dla Reutera i Sygma Photo NY oraz były redaktor ilustrujący magazyny dla Mail and Gaurdian, Kevin poświęcił swoją karierę na reportaż o konfliktach w rodzinnej Afryce Południowej. Został wysoko uhonorowany w prestiżowej Ilford Photo Press Awards za najlepsze zdjęcie prasowe z 1993 roku.

Jedna z najważniejszych postaci w fotografia współczesna jest Ellen Levitt. Od 60 lat jej spokojne, poetyckie fotografie, wykonane na ulicach miasta, w którym mieszkała przez większość swojego życia, inspirują i zadziwiają pokolenia fotografów, studentów, kolekcjonerów, kuratorów i miłośników sztuki. W swojej długiej karierze Helen Levitt odzwierciedlała swoją poezję, humor i pomysłowość w swoich najszczerszych portretach mężczyzn, kobiet i dzieci żyjących na ulicach Nowego Jorku.
Urodziła się w latach 1945-46. Nakręciła film „Na ulicach” z Janis Loeb i Jamesem Azhi, osobliwością tego filmu było to, że przedstawiła w nim swój poruszający portret. Najważniejsza wystawa Levitta odbyła się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1943 roku, a indywidualna wystawa tylko prac kolorowych odbyła się tam w 1974 roku. Duże retrospektywy jej prac odbyły się w kilku muzeach: pierwsza w 1991 r. we współpracy z Muzeum San Francisco i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku oraz Międzynarodowe Centrum Fotografie w Nowym Jorku i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku; oraz 2001 w Centrum Fotografii Narodowej w Paryżu.

Philipp Halsman (1906-1979) urodził się w Rydze Łotwa Ryga, Łotwa. Studiował inżynierię w Dreźnie, zanim przeniósł się do Paryża, gdzie w 1932 założył swoje studio fotograficzne. Dzięki swojemu spontanicznemu stylowi Halsman zwrócił na siebie uwagę wielu swoich wielbicieli. Jego portrety aktorów i autorów pojawiały się na okładkach książek i czasopism; zajmował się modą (zwłaszcza projektowaniem kapeluszy), a także miał wielu klientów prywatnych. W 1936 Halsman stał się znany jako jeden z najlepszych fotografów portretowych we Francji.
W latach 1940-1970 Philippe Halsman wykonał genialne portrety celebrytów, intelektualistów i polityków, które pojawiały się na okładkach magazynów: Look, Esquire, Saturday Evening Post, Paris Match, a zwłaszcza Life. Jego prace pojawiały się także w reklamach kosmetyków Elizabeth Arden, NBC, Simon & Schuster oraz Forda.

Charles O'Rear (ur. 1941) Amerykański fotograf jest powszechnie znany ze swojego zdjęcia Bliss, które było używane jako domyślna tapeta w systemie Windows XP.
Przez 70 lat uczestniczył w projekcie Agencji Obrony Środowisko DOCUMERICA i fotografowana dla magazynu National Geographic przez ponad 25 lat. Karierę rozpoczął jako fotograf w branży winiarskiej i robił zdjęcia dla organizacji winiarskiej Napa Valley. Następnie udał się do fotografowania produktów winiarskich na całym świecie. Do tej pory przesłał swoje zdjęcia do siedmiu książek poświęconych winiarstwu.

Roger Fenton (28 marca 1819 – 8 sierpnia 1869) był pionierem fotografii w Wielkiej Brytanii i jednym z pierwszych fotografów wojennych, który relacjonował wydarzenia w czasie wojny. Jak to tylko w niewielkim stopniu pozwoliło mu pokazać swój talent do krajobrazu fotografia. Ponadto grał duża rola w ogólnym rozwoju fotografii.

David Barnett jest fotoreporterem od 40 lat. Jego aparat nie poluje na piękne krajobrazy i foki - nakierowany jest na ważne wydarzenia, które stają się symbolami epoki. Fotografie Davida pozwalają spojrzeć na świat z zewnątrz. Jego prace są żywym podręcznikiem historii, który zamiast suchych faktów pokazuje jasne wydarzenia naszych czasów.

Lubię Davida. Podczas gdy inni profesjonaliści kupują własne, on ma na sobie starą 60-letnią kamerę Speed ​​Graphic. Oczywiście ma drogi profesjonalny sprzęt. Ale najwyraźniej doskonale rozumie: drogi aparat to miły bonus, a nie warunek dobrego zdjęcia. Prawdziwy mistrz może zrobić dobra rama nawet „mydelniczka” za 30 dolców.

• Prosty przykład: w 2000 roku David wygrał konkurs Eyes of History, robiąc zdjęcie tanim plastikowym aparatem Holga za 30 dolarów.

Kiedy Helmut był nastolatkiem, Gestapo aresztowało jego ojca. Newton uciekł z Niemiec i przeniósł się do Australii, gdzie służył w armii australijskiej do końca II wojny światowej... Wydaje się, że tak można napisać opis, jeśli zostałeś ugryziony przez moderatora Wikipedii.

Biografie utalentowanych osób często wyglądają zbyt nienagannie, jak VIP room w prywatnej klinice – równie sterylne i dalekie od prawdziwe życie. Niemiecko-australijski fotograf, pracował dla magazynu Vogue, czasami kręcił w gatunku aktów… Ta skąpa opowieść nie daje żadnego wyobrażenia o tym, kim był Newton Hellmuth.

I był szczerym snobem bez złudzeń wielkości, który kochał blask wyższych sfer. Wolał strzelać do bogatych ludzi i mieszkać w luksusowych hotelach. I mówił o tym szczerze, uważając się za raczej powierzchowną, ale prawdomówną osobę.

Dopóki nie doznał ataku serca w 1971 roku, Hellmuth palił 50 papierosów dziennie i mógł bawić się przez tydzień. Ale atak serca ujawnił 50-letniemu fotografowi niesamowitą prawdę: okazuje się, że szalejący „młodzieńczy” styl życia może się z wiekiem bardzo smutno skończyć.

Będąc na skraju śmierci, Helmut rzucił palenie, zaczął prowadzić bardziej miarowe życie i obiecał sobie, że będzie strzelał tylko do tego, co go interesowało.

Helmut Newton o rzeczach, których nienawidzi:

• Nienawidzę dobrego smaku. To nudne zdanie, z którego duszą się wszystkie żywe istoty.
• Nienawidzę, gdy wszystko jest wywrócone na lewą stronę - jest tani.
• Nienawidzę nieuczciwości w fotografii: zdjęcia robione w imię pewnych artystycznych zasad są rozmyte i ziarniste.

Yuri Arkurs jest jednym z najbardziej utytułowanych fotografów stockowych na świecie. Zamiast fotografować wschody słońca i mgłę w miejskim parku, fotografuje to, co jest na sprzedaż: szczęśliwe rodziny i pigułki, pieniądze i studentów. A na specjalnych stronach zwanych stockami fotograficznymi wszystko to jest sprzedawane i kupowane. W tej dziedzinie Arkurs stał się prawdziwym guru, który swoim własnym przykładem pokazał, jak można zarabiać pieniądze, osiągać wyżyny, a nawet czerpać przyjemność z robienia komercyjnych zdjęć stockowych.

Yuri urodził się i wychował w Danii. W latach studenckich zaczął zarabiać na giełdach fotograficznych, aby opłacić studia. W tym czasie jedyną modelką, którą mógł fotografować, była jego dziewczyna. Wkrótce jednak głównym źródłem dla Jurija stał się dodatkowy dochód: w ciągu kilku lat, w 2008 roku, zarabiał nawet 90 000 dolarów miesięcznie na zapasach fotograficznych.

Dziś ten facet sprzedaje swoją pracę duże firmy: MTV, Sony, Microsoft, Canon, Samsung i Hewlett Packard. Jego dzień zdjęciowy kosztuje 6000 dolarów. A cała ta historia stała się prawdziwą bajką o Kopciuszku dla freelancerów z kamerą.

Jak realistyczne jest powtórzenie takiej drogi do sukcesu? Kto wie. Możemy tylko stwierdzić, że dziś Yuriy Arkurs jest jednym z najbardziej utytułowanych fotografów stockowych.

Irvin Penn lubił robić zdjęcia, ale nie przywiązywał dużej wagi do tego hobby. Jego głównym zadaniem było projektowanie artystyczne: Irwin projektował okładki magazynów, a nawet dostał pracę jako asystent redaktora artystycznego w popularnym magazynie Vogue.

Ale współpraca z wybitnymi fotografami tej publikacji nie wyszła. Penn był ciągle niezadowolony z ich pracy i nie mógł im wyjaśnić, czego potrzebuje. W rezultacie machnął ręką i sam wziął do ręki aparat. I jak to zrobił: zdjęcia były tak udane, że władze przekonały go do przekwalifikowania się na fotografa.

Irwin jako pierwszy fotografował modelki na białym lub szarym tle - w kadrze nie było nic zbędnego. Niesamowita dbałość o każdy szczegół przyniosła mu opinię jednego z najlepszych fotografów portretowych swoich czasów. Dzięki temu Penn mógł fotografować różne gwiazdy, w tym Ala Pacino i Hitchcocka, Salvadora Dali i Pabla Picassa.

Gursky odziedziczył swoją miłość do fotografii po ojcu: był fotografem reklamowym i nauczył syna wszystkich tajników swojego rzemiosła. Dlatego Andreas nie wahał się z wyborem zawodu: ukończył szkołę profesjonalnych fotografów i Państwową Akademię Sztuki.

Nie zrozum mnie źle, nie mówię o tym, bo mam syndrom moderatora wiki z powrotem na właściwe tory. Tyle, że Andreas jest jednym z nielicznych fotografów z naszej oceny, którzy dokładnie podeszli do tego zawodu i nie strzelali przypadkowo.

Po ukończeniu studiów Gursky zaczął podróżować po świecie. Eksperymentując i zdobywając nowe doświadczenia, odnalazł swój własny styl, który jest teraz jego karta telefoniczna: Andreas robi ogromne zdjęcia, których wymiary mierzone są w metrach. Patrząc na ich pomniejszone kopie na ekranie komputera, trudno docenić efekt, jaki dają przy pełnym wzroście.

Niezależnie od tego, czy Gursky fotografuje panoramę miasta, krajobrazu rzeki, ludzi czy fabryk, jego zdjęcia uderzają skalą i swoistą monotonią szczegółów na zdjęciu.

Przez większość swojego życia Ansel Adams fotografował przyrodę w zachodnich Stanach Zjednoczonych. Dużo podróżował, fotografując najdziksze i najbardziej niedostępne zakątki parków narodowych. Jego miłość do natury wyrażała się nie tylko w fotografii: Ansel aktywnie opowiadał się za zachowaniem i ochroną środowiska.

Ale Adamsowi nie podobał się popularny w pierwszej połowie XX wieku piktorializm, metoda fotografii, która umożliwiała wykonywanie zdjęć przypominających obrazy. Natomiast Ansel wraz z przyjacielem założyli grupę f/64, która wyznawała zasady tzw. „prostej fotografii”: fotografuj wszystko uczciwie i realistycznie, bez żadnych filtrów, postprocessingu czy innych dzwonków i gwizdków.

Grupa f/64 powstała w 1932 roku, na samym początku kariery Ansela. Ale był wierny swoim przekonaniom, więc miłość do przyrody i fotografii dokumentalnej zachował do końca życia.

• Musiałeś widzieć na pulpicie wygaszacz ekranu, który przedstawia pasmo Teton i Rzekę Węży na tle zachodzącego słońca:

Tak więc Adams był pierwszym, który uchwycił ten krajobraz pod tym kątem. Jego czarno-białe zdjęcie znalazło się w 116 obrazach, które zostały zapisane na złotej płycie Voyagera - to wiadomość od Ziemian do nieznanych cywilizacji wysłanych w kosmos 40 lat temu. Teraz kosmici pomyślą, że nie mamy kolorowych aparatów, ale są dobrzy fotografowie.

Lubię biografię Sebastiana. To naturalna ewolucja, która zdarza się każdemu idealiście przez całe życie.

Sam Salgado opowiedział tę historię w wywiadzie, gdy odwiedził Moskwę w lutym 2016 roku. W wieku 25 lat wraz z żoną przeprowadził się z Brazylii do Europy. Stamtąd planowali udać się do związek Radziecki i wstąpić na Uniwersytet Przyjaźni Ludowej, aby zbudować społeczeństwo bez nierówności społeczne. Ale w 1970 roku ich marzenia zniszczył przyjaciel z Pragi – Czesi zasmakowali komunizmu w 1968 roku.

Więc ten facet odwiódł małżonków, tłumacząc, że w ZSRR nikt nie buduje komunizmu. Władza nie należy do ludzi i jeśli chcą walczyć o szczęście zwykli ludzie, mogą zostać i pomagać imigrantom. Salgado wysłuchał przyjaciela i pozostał we Francji.

Wykształcił się na ekonomistę, ale szybko zorientował się, że to nie jego. Jego żona, Lelia Salgado, miała więcej twórczy zawód- była pianistką... ale też rozczarowała się swoim zawodem i postanowiła zostać architektem. To ona kupiła pierwszy aparat do fotografowania architektury. Gdy tylko Sebastian spojrzał na świat przez wizjer, od razu wiedział, że znalazł swoją prawdziwą pasję. A po 2 latach został profesjonalnym fotografem.

Według samego Salgado wykształcenie ekonomiczne dało mu wiedzę z zakresu historii i geografii, socjologii i antropologii. Ogromny zasób wiedzy otworzył przed nim możliwości, których inni fotografowie nie mogli: zrozumieć ludzkie społeczeństwo w jak największym stopniu różne rogi nasza planeta. Podróżował do ponad 100 krajów, wykonując niesamowitą ilość fotografii dokumentalnej.

Ale nie myśl, że Sebastian fotografował egzotyczne plaże i zabawne zwierzęta podczas relaksu na tropikalnych wyspach. Jego podróże są zupełnie inne. Początkowo rodzi się pomysł: „Robotnicy”, „Terra”, „Renaissance” – to tylko niektóre z nazw jego płyt. Potem zaczynają się przygotowania do wyjazdu i sam wyjazd, który może potrwać kilka lat.

Wiele jego prac poświęconych jest ludzkiemu cierpieniu: fotografował uchodźców w krajach afrykańskich, ofiary głodu i ludobójstwa. Niektórzy krytycy zaczęli nawet zarzucać Salgadzie, że przedstawia ubóstwo i cierpienie jako coś estetycznego. Sam Sebastian jest pewien, że sprawa jest inna: według niego nigdy nie robił zdjęć tym, którzy wyglądają żałośnie. Fotografowani przez niego byli w niebezpieczeństwie, ale mieli godność.

I byłoby całkowicie błędem sądzić, że Salgado „promuje” na czyjejś żałobie. Wręcz przeciwnie, zwrócił uwagę ludzkości na te kłopoty, których wielu nie zauważyło. Sytuację, w której Sebastian ukończył Exodus w latach 90., jest orientacyjna: filmował ludzi, którzy uciekli przed ludobójstwem. Po podróży przyznał, że jest rozczarowany ludźmi i nie wierzy już, że ludzkość może przetrwać. Wrócił do Brazylii i wziął trochę wolnego czasu, aby wyzdrowieć.

Na szczęście ta historia ma szczęśliwe zakończenie: stary idealista odzyskał wiarę w piękno i jest teraz zajęty kolejnym projektem, fotografując nietknięte zakątki naszej planety.

Jeśli zaczniesz pisać w wyszukiwarce , wtedy Google wyświetli rozwijane pole z opcją „Steve McCurry Afgańska dziewczyna”. To dość dziwne, ponieważ McCurry jest zbyt wąsaty jak na dziewczynę, choć afgańską.

W rzeczywistości "Afgańska dziewczyna" jest najsłynniejszym zdjęciem Steve'a, które znalazło się na okładce magazynu National Geographic. Nawet artykuł na Wikipedii o tym facecie zaczyna się od opowiadania na ten temat:

• „Steve jest amerykańskim fotoreporterem z wąsami, który sfotografował afgańską dziewczynę”. (Wikipedia)

Większość artykułów na temat tego fotografa zaczyna się od podobnej frazy, w tym nasza opowieść o nim. Odnosi się wrażenie, że jest aktorem jednoosobowym, jak Daniel Radcliffe czy Macaulay Culkin. Ale tak nie jest.

Kariera Steve'a jako profesjonalnego fotografa rozpoczęła się podczas wojny w Afganistanie. Nie jeździł po kraju Młotem, chowając się za plecami wojskowych, ale przebywał wśród zwykłych ludzi: dostawał miejscowe ubrania, szył w nie rolki kliszy fotograficznej i jeździł po kraju jak zwykły Afgańczyk. Albo jako zwykły amerykański szpieg przebrany za Afgańczyka – ktoś mógłby rozważyć taką opcję. Steve zaryzykował, ale dzięki niemu świat zobaczył pierwsze zdjęcia tego konfliktu.

Od tego czasu McCurry nie zmienił swojego podejścia do pracy: wędrował po świecie, robiąc zdjęcia różnym ludziom. Steve uchwycił wiele konfliktów zbrojnych i stał się prawdziwym mistrzem fotografii ulicznej. Choć w rzeczywistości McCurry jest fotoreporterem, udało mu się zatrzeć granicę między fotografią dokumentalną a artystyczną. Jego fotografie są jasne i atrakcyjne, jak pocztówka, ale jednocześnie prawdziwe. Nie wymagają żadnych wyjaśnień ani komentarzy – wszystko jest jasne bez słów. Aby stworzyć takie zdjęcia, potrzebujesz rzadkiego talentu.

Annie Leibovitz to prawdziwa specjalistka w fotografii portretowej gwiazd. Jej fotografie zdobiły okładki najpopularniejszych magazynów, wywołując burzliwe emocje i dyskusje. Kto inny by pomyślał, żeby zrobić zdjęcie Whoopi Goldberg skrzywionej w kąpieli z mlekiem? Albo nagi John Lennon przytulony do Yoko Ono w pozycji embrionalnej? Nawiasem mówiąc, było to ostatnie zdjęcie w jego życiu, zrobione kilka godzin przed śmiertelnym strzałem Chapmana.

Biografia Annie wygląda całkiem gładko: po studiach w Instytucie Sztuki w San Francisco Leibovitz dostał pracę w magazynie Rolling Stone. Pracowała z nim przez ponad 10 lat. W tym czasie Annie zyskała reputację, która potrafi sfotografować każdą celebrytę w ciekawy i kreatywny sposób. A to wystarczy, aby osiągnąć sukces w nowoczesnym showbiznesie.

Zyskawszy trochę sławy, Annie przenosi się do Nowego Jorku, gdzie otwiera własne studio fotograficzne. W 1983 roku rozpoczęła współpracę z magazynem Vanity Fair, który sponsorował jej kolejne skandaliczne zdjęcia celebrytek. Fotografowanie nagiej Demi Moore w końcowej fazie ciąży czy smarowanie gliną i eksponowanie Stinga na pustyni jest całkiem w duchu Leibovitz. Jak zmuszanie Cate Blanchett do jazdy na rowerze albo zmuszanie gęsi do robienia zdjęć z DiCaprio. Nic dziwnego, że jej praca jest tak popularna!

Kto jeszcze może się pochwalić, że sfotografował królową Anglii, Michaela Jacksona, Baracka Obamę i wiele, wiele innych celebrytów? I pamiętajcie, że nie strzelał jako paparazzi, chowając się za krzakiem, ale zorganizował pełnoprawną sesję zdjęciową? Dlatego Annie Leibovitz jest uważana za, jeśli nie najlepszą, to najbardziej utytułowaną współczesną fotografkę. Choć trochę makowa.

1. Henri Cartier-Bresson

Pragnienie sztuki Henri odziedziczył po swoim wuju: był artystą i wciągnął swojego siostrzeńca na malarstwo. To śliskie zbocze w końcu doprowadziło go do pasji do fotografii. Co takiego zrobił Henri, że różnił się od setek i tysięcy innych fotografów?

Zrozumiał prostą prawdę: wszystko musi być zrobione uczciwie i na serio. Dlatego odmówił inscenizacji zdjęć, nigdy nie prosił nikogo o odegranie pewnej sytuacji. Zamiast tego bacznie przyglądał się temu, co się wokół niego dzieje.

Aby nie rzucać się w oczy podczas kręcenia, Henri zakleił błyszczące metalowe części aparatu czarną taśmą izolacyjną. Stał się prawdziwym „niewidzialnym”, co pozwoliło mu uchwycić najszczersze uczucia ludzi. A do tego nie wystarczy nie przyciągać uwagi - musisz być w stanie określić decydujący moment na zdjęcie. To Henri ukuł termin „decydujący moment”, a nawet napisał książkę o tym tytule.

Podsumowując: zdjęcia Cartier-Bresson wyróżnia żywy realizm. Do takiej pracy niektóre umiejętności zawodowe nie wystarczą. Konieczne jest delikatne zrozumienie natury osoby, uchwycenie jej emocji i nastroju. Wszystko to było nieodłączne od Henri Cartier-Bressona. Był uczciwy w swojej pracy.

Nie bądź snobem... Odśwież!